Notas jazz junio 2022
30)
* Un día como hoy, 30 de junio, en 1950, los Miles Davis' Birdland All Stars grabaron en vivo 9 temas en ese club de N.Y. Esta asombrosa y rara vez escuchada jam session se publicó no oficialmente con una calidad de sonido baja. Presenta a Miles Davis tocando en el Birdland rodeado de algunas de las más grandes estrellas del bebop, como Fats Navarro (que moriría una semana después de tuberculosis), J.J. Johnson, Tadd Dameron y Art Blakey.
Ediciones de la grabación:
“The Persuasively Coherent Miles Davis” un ábum de Miles Davis de 1950 con lanzamiento no oficial en la compañía Alto Records.
Contiene tres temas grabados en el Birdland, New York NY , el 30 de junio de 1950,
- Chubbie's Blues [Ow!](C. Newsome).
- Poobah [Conception/Deception] (G. Shearing-M. Davis).
con Bishop (p) y con Parker (as) que sólo toca en el coro de cierre del tema.
- Rambunctious Ramblin' [Wee] (Allen's Alley) (D. Best).
(Se añadieron además temas donde participa Davis en la grabación de la orquesta de Count Basie en el Royal Roost Club, New York NY, para una emisión de radio WMCA Radio Broadcast, el 18 de septiembre de 1948).
Los temas grabados verdaderamente en el club se recogieron también en el álbum no oficial de Davis “Birdland Jam Session June 30, 1950” en RLR Records. Y en el también no oficial “The Last Bebop Session” de Jazz Music Yesterday, amén de algunos otros.
Personal:
Miles Davis (tpt)
Theodore "Fats" Navarro (tpt)
J.J. Johnson (tb)
Charlie Parker (as)
Milton "Brew" Moore (ts)
Tadd Dameron & Walter Bishop, Jr. (p)
Dillon "Curley" Russell (b)
Art Blakey (d).
https://www.youtube.com/watch?v=IW7WUIyvwK8
29)
* Un día como hoy, en 1954, Miles Davis y Sonny Rollins graban en un quinteto genial con Silver, Heath y Clarke, el álbum “Miles Davis with Sonny Rollins“, cuyos temas fueron después incorporados a otros álbumes de Prestige Records, como “Bags 'Groove “, “Oleo”, “ Tallest Trees” o “ Tune U”.
Recorded: June 29th, 1954.
at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.
“Miles Davis with Sonny Rollins “ es un álbum del prolífico año 1954 de Miles Davis en Prestige. Las cuatro pistas, junto con una segunda versión de ‘But Not For Me’, fueron grabadas en el estudio de Rudy Van Gelder, Hackensack, Nueva Jersey, el 29 de junio de ese año.
El álbum muestra las habilidades musicales y compositivas de Sonny Rollins, quien fue el saxofonista favorito de Davis en ese momento de su carrera. Tres de los cuatro temas eran originales de Sonny Rollins y se convertirían en parte regular de los sets en vivo de Davis y Rollins. En su autobiografía, Davis dice que Rollins estaba escribiendo la música en trozos de papel en el estudio durante la sesión de grabación.
Después, las cuatro pistas, junto a tomas alternativas, se incluyeron en otros álbumes.
Personnel:
Miles Davis – Trumpet
Sonny Rollins – Tenor Saxophone
Horace Silver – Piano
Percy Heath – Bass
Kenny Clarke – Drums.
https://www.youtube.com/watch?v=OCcys7FIhis
* Y también un día como hoy, en 1962, John Coltrane terminó de grabar, con su mejor cuarteto, el imprescindible álbum "Coltrane" (no confundir con el de mismo título de 1957, ya reseñado aquí).
Recorded: April 11, June 19, 20, and 29, 1962
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
“Coltrane “ es un álbum de estudio del saxofonista de jazz John Coltrane. El año 1962, con ocho sesiones de grabación e infinidad de tomas de cada tema darían como fruto tres LP.
En el titulado “Coltrane”, el saxofonista continúa con sus investigaciones étnicas, un destacado uso de armonías modales y el saxo soprano como vehículo con que transmitir sus inquietudes artísticas. El 11 de abril el cuarteto (ya con Jimmy Garrison como miembro estable) grabó dos temas: ‘The Inch Worm’, de Frank Loesser, con una sección de solos únicamente en dos acordes, y donde Trane parece buscar sin éxito con su saxo soprano, lanzándose a improvisar varias veces tras la melodía (hasta interpretar cuatro melodías y tres solos) y ‘Big Nick’, original diatónico dedicado al saxofonista George “Big Nick” Nicholas, ex-compañero en el grupo de Dizzy Gillespie, tema que no figuró al principio y se recogió en posteriores reediciones.
En junio la banda se pasaría tres días por el estudio para dar forma a las otras cuatro pistas del vinilo original. Los tintes folclóricos africanos cobraron vida sobre el standard ‘Out Of This World’, en el que Elvin Jones superpone un ritmo de 6/8 sobre el original en 4/4, mientras McCoy Tyner aporta tensión aprovechando el pedal en mi bemol que sustenta la mayor parte del armazón armónico del tema; por su parte Coltrane se recrea en una larga exposición de más de tres minutos para abordar un oscuro solo de soprano en el que utiliza materiales poco habituales en la improvisación jazzística al uso, combinando frases rápidas y angulosas que desafían la lógica armónica con obsesivas recreaciones sobre notas concretas mantenidas durante incluso más de un compás. Como contraste, la posterior intervención de Tyner parece acercarse más al tradicional concepto de swing. Tanto en éste como en otros temas del disco se aprecia con claridad cómo el peso rítmico del grupo recae sobre Jimmy Garrison, que asume un trabajo muy poco lucido, pero gracias al cual Elvin Jones es capaz de tocar ritmos no evidentes sin peligro de dañar los cimientos rítmicos de la banda. El ‘Soul Eyes’ de Mal Waldron es interpretado a modo de balada, si bien en los solos Garrison marcha y Jones dobla el tiempo.
‘Tunji’, dedicado al percusionista nigeriano Michael Babatunde Olatunji, es una pieza misteriosa, un poco irritada a veces aunque Tyner permanezca sereno, fácil de interpretar en 4/4 que habla del camino espiritual que Coltrane abrió, presenta una melodía sobre armonía ‘modal’ (un único acorde en este caso) que desemboca en una relajada estructura de blues con espacio para que los cuatro músicos improvisen, mientras ‘Miles’ Mode’ (en honor, como su propio nombre indica, a Miles Davis) está íntegramente basada en el acorde de si menor.
La música de Coltrane estaba salpicándose de un cierto halo de misticismo, intentando exponer en su música la filosofía positiva inherente a la música afro-americana. El álbum, considerado por muchos como su mejor álbum individual, tiene un esfuerzo muy centrado, una sesión relativamente popular tanto para los fanáticos del saxofonista como para los recién llegados, con selecciones que son concebidas y representadas de manera brillante. Coltrane, simplemente magistral en el saxo tenor con una voz instrumental completamente formada que brilla de la manera más esclarecedora, también toca alguna vez el saxo soprano como guía para su trabajo más exploratorio a seguir. Mientras tanto, como hemos dicho, el bajista Jimmy Garrison, el baterista Elvin Jones y, especialmente, el estelar pianista McCoy Tyner, han integrado su dinámica apasionada en todo el interior del cuarteto.
Personnel:
John Coltrane – tenor saxophone, soprano saxophone
Jimmy Garrison – double bass
Elvin Jones – drums
McCoy Tyner – piano.
https://www.youtube.com/watch?v=2MT2OxGxiWI
28)
*Un día como hoy, en 1960, Ken McIntyre, multiinstrumentista y docente musical , grabó su primer álbum "Looking Ahead" para el sello New Jazz.
Recorded: June 28, 1960
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
Su álbum debut del altoísta Ken McIntyre, fue grabado con Eric Dolphy. Todos los temas, interesantes en grado sumo, son composiciones de McIntyre excepto una.
El álbum aparece como una de esas obras extremadamente intrigantes y sin embargo menos conocidas de la historia del jazz. Todo el grupo con el pianista Walter Bishop, Jr., el bajista Sam Jones y el gran baterista Art Taylor, se balancea con fuerza y claridad bajo la sección de viento sin precedentes de McIntyre-Dolphy.
La crítica consideró que fue muy apropiado que McIntyre tuviera la oportunidad de grabar en quinteto, estupendo, con Dolphy, ya que su enfoque multiinstrumental era similar, aunque siempre producía un sonido muy diferente.
Personnel:
Ken McIntyre - alto saxophone, flute
Eric Dolphy - alto saxophone, bass clarinet, flute
Walter Bishop Jr. - piano
Sam Jones - bass
Art Taylor - drums.
https://www.youtube.com/watch?v=46T-qpYWWsY
* También en 1960, un día como hoy, John Coltrane comenzó la grabación de su álbum "The Avant-Garde" con el trompetista Don Cherry.
Recorded: June 28, & July 8, 1960
at Atlantic Studios, New York City.
“The Avant-Garde “ es un álbum acreditado a los músicos de jazz John Coltrane y Don Cherry. Es uno de los siete álbumes que Coltrane grabó en Atlantic Records. Presenta a Coltrane tocando varias composiciones de Ornette Coleman acompañado por los miembros del cuarteto de Coleman: Cherry, Charlie Haden y Ed Blackwell.
John Coltrane estudió con Coleman, que fue discípulo a su vez de Cherry, y frecuentemente tocaron juntos pero nunca hicieron un álbum juntos. “The Avant-Garde “ es el resultado de su respeto y amistad mutuos. Coltrane, Coleman y Cherry tocaron juntos en grupos mientras exploraban nuevas formas de tocar jazz. Con este álbum Coltrane contribuyó a la formación del free jazz a través de su ‘escuela modal de improvisación’. ‘The Blessing’ es el tema en el que la primera vez grabó con saxo soprano.
El estilo de free jazz del álbum fue considerado controvertido. Coleman presenta sorprendentes acentos rítmicos, frases melódicas asimétricas y la incorporación de instrumentos de metal y tambores en la melodía de la canción. Una característica única de este álbum es su falta de pianista y el uso de instrumentos de metal para llevar cada pieza.
Lo que hace grande a este disco es el hecho de ser el único en el que estos dos maestros del free jazz, Coltrane y Cherry se mostraron juntos, entre el 28 de junio y el 8 de julio de 1960.
Otros de los que participaron en aquellos discos fueron Charlie Haden (contrabajo) y Ed Blackwell (batería), que también formaron parte del cuarteto del álbum. Salvo en dos temas, donde Percy Heath reemplazó a Haden en el bajo.
Personnel:
John Coltrane – tenor and soprano saxophone
Don Cherry – cornet
Charlie Haden & Percy Heath – double bass
Ed Blackwell – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Zx3KG45Kacc
* Y también un día como hoy, pero en 1965, John Coltrane grabó con orquesta de jazz, su seminal álbum "Ascension", culminando su experimentación musical con algunos de sus músicos más compenetrados.
Recorded: June 28, 1965
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
“Ascension” álbum de jazz de John Coltrane, a menudo se considera un punto de inflexión en su obra, tenía 38 años y según el canon del jazz a esa edad debería tener un estilo establecido, un timbre fácil de distinguir, pero no fue el caso de Coltrane ya que los álbumes grabados antes de él tienen una estructura más convencional y los grabados después son obras más sueltas, inspiradas en el free jazz. Además, señaló el interés de Coltrane por alejarse del formato de cuarteto. Coltrane describió “Ascension” en una entrevista de radio como una ‘cosa de big band’, aunque no se parece a ninguna grabación de big band hecha antes de ella. El antecedente más obvio es la grabación del octeto (o ‘doble cuarteto’) de Ornette Coleman, “Free Jazz”, una improvisación colectiva, que -como “Ascension”- es una actuación continua con pasajes de conjunto y sin pausas.
La sección de vientos con Coltrane está trabada a una sección rítmica, centrada en el pianista McCoy Tyner, los contrabajistas Jimmy Garrison y Art Davis, y el baterista Elvin Jones. en total 11 músicos. En “Ascension “(y a diferencia de “Free Jazz” de Coleman), los grupos se alternan con los solos y ocupan casi el mismo espacio. El tema básico de los grupos de apertura y cierre es una variación del motivo principal del anterior álbum de Coltrane, “A Love Supreme”, grabado en 1964, en particular el riff del bajo de apertura.
Coltrane no les dio a los músicos ninguna dirección para sus solos, aparte de que debían terminar con un crescendo. Los pasajes del conjunto están más estructurados. Había acordes, pero aparentemente eran opcionales; es más exacto decir que los conjuntos consisten en una progresión de modos más que de acordes, con cambios de modos señalados por Coltrane, el pianista McCoy Tyner y el trompetista Freddie Hubbard. En comparación con el de Coleman, el álbum presenta una ‘línea de frente’ mucho más amplia, con dos altos, tres tenores y dos trompetistas.
Los músicos que Coltrane eligió para complementar a los miembros del cuarteto clásico eran una mezcla de músicos que iban desde los establecidos hasta los relativamente desconocidos, todos ellos más jóvenes que él, muchos de los cuales ya habían tocado con Coltrane en los años anteriores a la grabación. El trompetista Freddie Hubbard y el bajista Art Davis eran conocidos y estaban bien considerados en ese momento y ambos habían grabado con Coltrane. Los otros más esporádicamente, como el saxofonista Archie Shepp y los otros saxos y los trompetas.
Existen dos grabaciones de "Ascension", llamadas Edición I y Edición II. Esta última, con un solo menos incorporado, reemplazó a la Edición I. La larga pieza comienza con todos los intérpretes tocando, sin aparente conexión entre unos y otros, como si hubieran grabado de manera individual en un estudio y luego un técnico lo hubiera juntado todo. De pronto emerge John Coltrane y arranca el primer solo, seguido por los de Johnson, Sanders, Hubbard, Tchicai, Shepp, Brown, Tyner y, finalmente, el dueto de Davis y Garrison. La primera toma, proponía un similar orden de solos, sólo que Shepp lo hace antes de Tchicai y Jones también tiene su solo.
Junto a “A Love Supreme”, es el álbum más importante de la discografía de John Coltrane. Se ha dicho que el álbum fue la antorcha que encendió la cuestión del free jazz, la culminación de una década de continua evolución por parte de Coltrane, porque nunca volvería a atrás y, en los dos años que le quedaban de vida, siguió desarrollando la vanguardista concepción del jazz aquí expresada. Se dice también que es la grabación paradigmática de cuando Coltrane le dio la espalda al dinero.
Personnel:
Freddie Hubbard – trumpet
Dewey Johnson – trumpet
Marion Brown – alto saxophone
John Tchicai – alto saxophone
John Coltrane – tenor saxophone
Pharoah Sanders – tenor saxophone
Archie Shepp – tenor saxophone
McCoy Tyner – piano
Art Davis – bass
Jimmy Garrison – bass
Elvin Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=HRKX-NZTDVI
27)
* Un día como hoy, en 1961, se grabó el álbum “The Quest” del pianista de jazz americano Mal Waldron con sólo composiciones suyas. Algunas reediciones del álbum han aparecido bajo el nombre de Eric Dolphy que también participó en el sexteto.
Recorded: June 27, 1961
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
Se debe devolver el liderazgo al pianista Mal Waldron. Sus siete temas originales no sólo presentan al altoista Dolphy (que hace una rara aparición con el clarinete en uno de ellos) sino al saxofonista tenor Booker Ervin, a Ron Carter (en el violonchelo) y con el bajista Joe Benjamin y el baterista Charlie Persip dando un apoyo importante y atento.
La crítica ha dicho: "la música compleja (que se sitúa entre el hard bop y la vanguardia) se interpreta con éxito" y "una cita del sexteto extraordinariamente original (e injustamente desatendida)”
Personnel:
Mal Waldron – piano
Eric Dolphy – alto saxophone, clarinet
Booker Ervin – tenor saxophone (tracks 1-4, 6 & 7)
Ron Carter – cello
Joe Benjamin – bass
Charlie Persip – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=s-dQ_NLMlO4
26)
* En un día como hoy:
In memoriam, Clifford Brown,
de su álbum "The Beginning and the End"
Recorded: June 25, 1956
at Music City, Philadelphia.
(Versionando un tema de Charlie Parker).
Personnel:
Clifford Brown (tp)
Sam Dockery (p)
Ace Tisone (b)
Ellis Tollin (ds).
https://www.youtube.com/watch?v=mV-hbElJaFE
25)
* Un día como hoy en 1962, Dexter Gordon en quinteto terminó de grabar, con diferentes combos, su álbum ‘Landslide’.
Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, June 25, 1962
Recorded at Van Gelder's Studio, Englewood (mistype Engelwood) Cliffs, New Jersey.
on May 9, 1961, May 5, 1962 & June 25, 1962.
‘Landslide’ es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Dexter Gordon con grabaciones de 1961 y 1962 que se publicó por primera vez en el sello Blue Note como parte de la serie Blue Note Classics.
El tema que da título al disco, de la primera sesión, es una toma de Dexter ‘Calling...’ en la que participan el pianista Kenny Drew, el bajista Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones, posteriormente se añadió a la reedición como tema extra. Tres temas, "Love Locked Out", "You Said It", "Serenade in Blue" son de mayo de 1962 y cuentan con el trompetista Tommy Turrentine, el pianista Sir Charles Thompson, el bajista Al Lucas y el baterista Willie Bobo. Los tres temas restantes, "Blue Gardenia", "Six Bits Jones" y "Second Balcony Jump", se grabaron en junio de 1962 y cuentan con el trompetista Dave Burns, el pianista Sonny Clark, el bajista Ron Carter y el batería Philly Joe Jones. Las tres sesiones se mantienen bastante bien, y aunque nada en el disco se califica como una obra maestra, tampoco nada es malo. En comparación con otras sesiones publicadas, este material puede perder un poco, pero sigue siendo hard bop de primera clase y se recomienda a los coleccionistas de Gordon.
Personnel
Saxophone: Dexter Gordon
Bass: Ron Carter
Drums: "Philly" Joe Jones
Piano: Sonny Clark
Trumpet: Dave Burns.
https://www.youtube.com/watch?v=O54aVSsGFUs
* Y también un día como hoy, en 1965, Lee Morgan en quinteto, comenzó la grabación de su álbum The Gigolo’.
Recorded on June 25, 1965 and July 1, 1965, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘The Gigolo’ es un álbum del trompetista de jazz Lee Morgan publicado por el sello Blue Note. Se grabó el 25 de junio y el 1 de julio de 1965 y presenta actuaciones de Morgan con un quinteto en el que participan Wayne Shorter, Harold Mabern, Bob Cranshaw y Billy Higgins.
No hay selecciones débiles en este conjunto y la interpretación del líder, y de todo el conjunto de músicos, tenorísta, pianista, bajista y baterista, está más allá de cualquier crítica.
"Trapped", de este álbum, tema de Wayne Shorter (según publicaciones) o del propio Lee Morgan (según otras), es una melodía de hard bop brillante y animada que está destinada a alegrar cualquier día.
Lee Morgan fue el trompetista más destacado del hard bop durante los años 60 y grabó bastantes discos clásicos para Blue Note. Éste es uno de ellos. La reedición presenta a Morgan en su mejor momento, ya sea tocando su memorable blues "Speed Ball", una versión de balada exploratoria de "You Go to My Head", una larga "The Gigolo", o sus otros dos originales ("Yes I Can, No You Can't" y "Trapped").
No hay una explicación real para la grandeza de Lee Morgan. Surgió en 1956 como un joven precoz de 18 años que ya grababa para Blue Note y actuaba como una de las estrellas de la Dizzy Gillespie Orchestra. Siguió creciendo durante sus años con los Jazz Messengers de Art Blakey y en la década de 1960 era el principal trompetista de jazz. En 1965, cuando grabó ‘The Gigolo’, Morgan sólo tenía 27 años, pero ya había creado toda una vida de música emocionante. En este álbum, se basa en sus éxitos anteriores y toca con una brillantez que sólo alcanzan los músicos de jazz más inmortales. Escuchar ‘The Gigolo’ con su fenomenal sonido y su brillante interpretación es una emoción que todos los aficionados al jazz deben experimentar.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Wayne Shorter, tenor sax;
Harold Mabern, piano;
Bob Cranshaw, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=PgrdHEcoBF8
Otro tema de otro día:
https://www.youtube.com/watch?v=ejxGcL0M46U
24)
* Un día como hoy, en 1958, Wilbur Harden, con John Coltrane en sexteto, grabaron los temas del álbum ‘Jazz Way Out’.
Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ, on June 24, 1958.
‘Jazz Way Out’ es un álbum de los músicos de jazz Wilbur Harden y John Coltrane, la segunda de las tres grabaciones de Savoy de 1958 con los músicos juntos como líderes. La sesión también produjo una toma alternativa de "Dial Africa", que se puede encontrar en algunas compilaciones, sobre todo las que presentan las grabaciones completas de Savoy realizadas por Harden y Coltrane juntos, ‘The Complete Mainstream 1958 Sessions’ y ‘The Complete Savoy Sessions’.
La presencia de John Coltrane en esta edición es su carta de presentación obvia, pero en realidad hay contribuciones impresionantes de todos los músicos. El líder Wilbur Harden dejó la escena del jazz a principios de los 60. Era un músico con ideas frescas y un atractivo dominio del registro medio de su trompeta y flügelhorn. El sexteto que se escucha en esta fecha interpreta dos composiciones de Harden y una del trombonista del grupo, Curtis Fuller, para una duración total escasa de 29 minutos. Hay rastros de influencias exóticas asiáticas y africanas, pero nunca sobrepasan lo que es esencialmente una cita inteligente y directa de hard bop. En el momento de este lanzamiento, Coltrane había estado grabando como líder y sideman para Prestige y estaba en su segunda gira de trabajo con Miles Davis, cuyo grupo estaba a punto de grabar ‘Kind of Blue’. Con el grupo de Harden, Coltrane, al igual que hizo con Davis y en sus propias grabaciones para Atlantic, da vuelta sistemáticamente y con una compostura sublime a los cambios de acordes al revés, al derecho y al revés, creando un nuevo vocabulario, sintaxis y estructura para el jazz.
Personnel:
Wilbur Harden, flugelhorn;
Curtis Fuller, trombone;
John Coltrane, tenor sax;
Tommy Flanagan, piano;
Ali Jackson, bass;
Art Taylor, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=oQ1DsRIhDm0
* Un día también como hoy, en 1964, John Coltrane en cuarteto grabó su álbum ‘Blue World’.
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on June 24, 1964.
[Certain songs appear in the independent film ‘Le chat dans le sac’ 1964].
‘Blue World’ es un álbum de grabaciones de John Coltrane de 1964, creado como banda sonora de una película y editado mucho más tarde. La edición recibió una recepción positiva por parte de la crítica. El álbum se grabó en el estudio Van Gelder con el Classic Quartet entre las sesiones de ‘Crescent’ y ‘A Love Supreme’ para la película ‘Le chat dans le sac’ (película de arte y ensayo canadiense. En ese momento, el director Gilles Groulx había caído bajo el hechizo del nuevo cine francés, en particular del trabajo de Jean-Luc Godard. Considerado un hito en el cine quebequense, cinta fresca y con alta carga política, ‘Le chat dans le sac’ muestra durante los dos primeros minutos, dos jóvenes idealistas en fase más bien apocalíptica, que diría Umberto Eco . De fondo, se puede escuchar el cuarteto de Coltrane atacando “Naima”, una pieza grabada cinco años antes para ‘Giant Steps’. La siguiente escena, que revela a los amantes en posición amorosa, tiene como colchón sonoro “Village Blues”. Es más que probable que, en la mente de Groulx, estuviera seguir la delgada línea de cine conjugado con jazz abierta por Miles Davis para Louis Malle o Thelonious Monk en “Las amistades peligrosas” de Roger Vadim . La película, que trata la asfixia de la población francófona de Québec, se enmarca dentro de otras idiosincrasias de mitad de los sesenta, del post-colonialismo a la lucha por los derechos civiles). Groulx era amigo de Jimmy Garrison y aprovechó esa relación para pedir canciones para que el cuarteto de Coltrane las grabara. Groulx viajó a Estados Unidos para asistir a las sesiones de grabación del único trabajo de Coltrane como banda sonora y Coltrane lo grabó sin informar a su sello discográfico. Por cuestiones de licencia, la aportación de los músicos no fue anunciada ni registrada en la fecha de las sesiones. Coltrane grabó cinco originales del saxo tenor. Todas las composiciones son de Coltrane. Después de tres horas en el estudio (la sesión en sí duró 37 minutos), Groulx se llevó las cintas maestras a Canadá Cuando el director terminó archivando la mayor parte de la música (al final, 10 minutos de la sesión aparecieron en la película), esta quedó inédita hasta 2019, cuando el sello de toda la vida de Coltrane, Impulse Records decidió publicarlo, con la composición original "Blue World" que se publicó el 16 de agosto, junto con el anuncio del álbum. El lanzamiento se retrasó varios años debido a que el NFB poseía los derechos de la cinta, pero Impulse tenía los derechos para publicarla como álbum.
Las grabaciones fueron almacenadas hasta principios del siglo XXI, cuando un archivero de la Junta Nacional de Cine de Canadá se encargó de reunir el trabajo de Groulx; la agencia gubernamental negoció con Impulse para que se publicara el álbum. Este álbum llega un año después del exitoso lanzamiento de ‘Both Directions at Once: The Lost Album’, también de Impulse, que captura una sesión del Classic Quartet de 1963 y forma parte de una tendencia de álbumes inéditos de grandes del jazz de los años 50 y 60 publicados en la década de 2010.
Éste es un álbum que John Coltrane grabó en 1964 con su ‘Classic Quartet’, con McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison al bajo y Elvin Jones a la batería, hace la veces de eslabón perdido directamente entre dos obras seminales, que toma una ruta desconocida para Coltrane, que comprende revisiones de su trabajo anterior y ofrece una visión más transparente de un periodo crucial en la evolución del gran Trane. Es el último de una serie de lanzamientos de sus archivos.
Una crítica positiva de la banda sonora califica la obra como una grabación coherente que casi funciona como una suite y cuyas interpretaciones son fascinantes y entretenidas. El álbum mantiene al mundo del jazz en sintonía con todo lo que Coltrane tiene que ofrecer. Se trata de un artefacto histórico por su propósito como banda sonora.
La presente edición de ‘Blue World’ incluye tres tomas de «Village Blues», originariamente parte de ‘Coltrane Jazz’, de 1961 , dos de «Naima», balada que el músico había registrado por primera vez en 1959 en el álbum ‘Giant Steps’, una de «Like Sonny» y otra de «Traneing In», tema que abría su álbum ‘John Coltrane with The Red Garland Trio’, de 1958. Tanto el sonido como las interpretaciones del cuarteto son soberbias . Curiosamente, fueron concebidas sin que Coltrane tuviera acceso a las imágenes, no pudo acceder a ver escenas del filme antes de grabar y simplemente siguió las consignas que le dio el director en la previa. El tema «Blue World», por ejemplo, había sido grabado por Coltrane en 1962 para su disco homónimo, sobre la base de un estándar. En la sesión, el solo de Garrison en “Traneing In”, el de Tyner en “Like Sonny”, o los del propio líder en los distintos tracks del disco, todos sostenidos por la pertinaz perfección de un Jones que pone en juego su arsenal de sus recursos, suman a una idea que supera en mucho la de un grupo de canciones al servicio de un encargante. Hay momentos en los solos de Trane que avisan de lo que los oyentes iban a encontrar en ‘A Love Supreme’, que el cuarteto grabaría en diciembre. Con el grupo en estado de gracia, más allá del protagonismo central de Coltrane, los roles se distribuyen de manera sumamente equilibrada en tanto que el eje se desplaza del saxofonista al pianista, y de él al contrabajista o al baterista con una fluidez que, así como remarca los contrastes evita cualquier tipo de sobresalto.
Apenas cinco días pasaron desde que salieron del estudio de Van Gelder cuando el 29 de junio moría en Berlín su amigo el flautista Eric Dolphy. Coltrane entrará a partir de entonces en una alocada carrera, grabando sin cesar, como si supiera de antemano que le quedaban tres de años de vida. Hasta la madrugada de un 17 de julio de 1967.
Personnel
John Coltrane – leader, composer, tenor saxophone, soprano saxophone
Jimmy Garrison – double bass
Elvin Jones – drums
McCoy Tyner – piano.
https://www.youtube.com/playlist?list=PLprjJ3QSla0i6rKEFVXa5mNF8pzILqunT
* Y un día como hoy, en 1966, Donald Byrd en sexteto terminó de grabar su álbum ‘Mustang!’.
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on November 18, 1964 (quintet) and June 24, 1966 (sextet).
‘Mustang!’ es un álbum del trompetista estadounidense Donald Byrd que incluye actuaciones de Byrd con Sonny Red, Hank Mobley, McCoy Tyner, Walter Booker y Freddie Waits grabadas y publicadas en el sello Blue Note. La reedición incluyó dos temas extra grabados en 1964.
Donald Byrd, un talentoso trompetista de hard bop durante su época de esplendor (aunque rara vez alcanzó las alturas técnicas de Lee Morgan y Freddie Hubbard), interpreta un repertorio variado en ‘Mustang!’. "Dixie Lee" tiene ritmos anticuados, y "Mustang" fue un intento de lograr un éxito al nivel de "The Sidewinder" de Morgan. Sin embargo, Byrd suena bien en esos números; se adentra en los complejos cambios de acordes de "Fly Little Bird Fly", es sensible en "I Got It Bad", se balancea en su "I'm So Excited by You", y realiza su memorable contramelodía de "On the Trail", que había sido grabada anteriormente por varios otros músicos. Junto con el impresionante equipo de Blue Note (el contralto Sonny Red, el saxo tenor Hank Mobley, el pianista McCoy Tyner, el bajista Walter Booker y el baterista Freddie Waits), Byrd interpreta un jazz directo de alta calidad que se ajusta a la corriente moderna de la época.
Personnel:
Donald Byrd - trumpet
Sonny Red - alto saxophone - except track 3
Hank Mobley - tenor saxophone
McCoy Tyner - piano
Walter Booker - bass
Freddie Waits – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=lp7X5DdkDps
23)
*Un día como hoy, y mañana, en 1964, Sonny Rollins con diferentes músicos continuó grabando temas para su álbum ‘The Standard’.
Recorded: in New York City, on June 11, 23 , 24 , 26 , July 2 and 9 1964.
‘The Standard Sonny Rollins’ es un álbum del saxofonista de jazz Sonny Rollins, su último lanzamiento para RCA Victor, que incluye actuaciones de Rollins con Herbie Hancock, Jim Hall, David Izenzon, Teddy Smith, Stu Martin, Bob Cranshaw y Mickey Roker. Todas las composiciones son estándares de jazz, como indica el título.
Personnel:
Sonny Rollins – tenor saxophone
Bob Cranshaw – bass
Mickey Roker – drums
- and also
Herbie Hancock – piano
Jim Hall – guitar
David Izenzon – bass
Teddy Smith (Pizzicato) – bass
Stu Martin – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=fWyKt4oEkDU
*Y un día como hoy, en 1969, The Art Ensemble Of Chicago grabó su álbum de estudio ‘A Jackson In Your House’.
Recorded on 23 June 1969 at Studio Saravah (Studios Davout), Paris, France.
‘A Jackson in Your House’ es un álbum de 1969 del Art Ensemble of Chicago grabado para el sello francés BYG Actuel.
El álbum se grabó cuando el Art Ensemble estaba en su estancia inicial en París con sólo un cuarteto -Roscoe Mitchell, Lester Bowie, Malachi Favors y Joseph Jarman- porque el baterista Phillip Wilson se había ido a tocar con Muhal Richard Abrams y Foumoudou Don Moye y aún no estaba en el grupo. Así que éste, junto con su álbum complementario, grabado el 12 de agosto también en París, ‘A Message to Our Folks’, muestra al Art Ensemble en su momento más valiente y vulnerable. Una indicación directa del tipo de proyectos en los que los músicos habían estado involucrados anteriormente, improvisación libre, contrapunto y música clásica europea moderna, intentos de mentalidad tradicional para integrar la música africana en su sonido y una importante influencia teatral.
‘A Jackson in Your House’ es sorprendentemente formalista, aunque no es en absoluto convencional. Aquí la banda estaba interesada en ser un "conjunto artístico" de conciertos y grabaciones más que en ser un grupo de free jazz. De ahí que en las actuaciones intervengan todo tipo de elementos teatrales. El conjunto se abre con el tema que da título al disco, que suena como una fiesta de alquiler con música que suena tanto en el bar como en el salón. Dado que estamos en 1969, varios críticos de jazz malinterpretaron las referencias a Nueva Orleans en la música y lo interpretaron como que la banda había vendido su herencia experimental, o que se estaban burlando de los padres fundadores de la música conocida como jazz. En todo caso, al utilizar en la declaración inicial -y de hecho en todo el álbum- los marcos históricos del jazz, el Art Ensemble reveló su profunda empatía con Armstrong, W.C. Handy, King Oliver, Jelly Roll Morton, etc. La influencia libre de Ornette Coleman se siente en "Get in Line", con su ritmo estridente, los cambios de parada en un momento dado y las sensibilidades melódicas y armónicas estiradas -Favors intentando mantener los saxofones "alineados" en medio de la melodía ya que es el único rítmico-. Sin embargo, hay cosas que no se trasladan bien a una sesión de grabación. Casi al final del disco, la banda demuestra que puede hacer funk y rock con lo mejor y lo peor de ellos utilizando una guitarra eléctrica y un montón de instrumentos de percusión, desmontando un riff sin parar hasta que se convierte en un simple detritus funky en la mezcla.
‘A Jackson in Your House’ no es la mejor ni la más reveladora grabación del Art Ensemble of Chicago, pero es una de sus salidas más divertidas y despreocupadas.
Personnel:
Alto Saxophone, Soprano Saxophone, Bass Saxophone, Clarinet, Flute, Cymbal, Gong, Congas, Percussion [Logs], Bells, Siren, Whistle, Steel Drums – Roscoe Mitchell
Alto Saxophone, Soprano Saxophone, Clarinet, Oboe, Flute, Marimba, Vibraphone, Congas, Bells, Whistle, Gong, Siren, Guitar – Joseph Jarman
Bass, Bass [Fender], Banjo, Drum [Log Drum], Guitar [Cythar], Percussion – Malachi Favors
Trumpet, Flugelhorn, Bass Drum, Horns – Lester Bowie
https://www.youtube.com/watch?v=-t2ETemn8tQ
22)
* Un día como hoy, en 1945, Dizzy Gillespie y Charlie Parker en quinteto, con una adición del tenorísta Don Byas, actuaron en el Town Hall de NYC. La sesión fue grabada y queda como un documento imprescindible del bop.
Recorded: Friday evening at ‘Town Hall’, NYC, on June 22, 1945.
Grabación de un concierto en directo de Dizzy y Bird desde el ‘Town Hall’ que no se conocía previamente. Con la restauración de audio el sonido es bueno. Se trata de una grabación descubierta de Dizzy y Bird en los inicios del bebop. También cuenta con Don Byas, Al Haig, Curley Russell y Max Roach alternando con Sid Catlett.
Las históricas sesiones en directo del ‘Town Hall’ de Dizzy Gillespie y Charlie Parker de 1945 han sido descubiertas en un prensado de acetato, y se han transferido con mejora digital. Es comprensible que este concierto no se publicara inicialmente porque estas fechas se aproximaron por sólo semanas a las grabaciones originales de estudio de estos clásicos, y hubo no poca controversia en torno a este bebop revolucionario. Está claro que el bop era un vehículo para la invención melódica intrincada seguida de largos solos, aspectos para los que Parker y Gillespie eran perfectamente aptos.
Los temas con el brillante Roach están ardientes, en particular el supercaliente "Salt Peanuts", con el pianista Al Haig volando a su lado. Haig es quizás el músico más impresionante. La sección rítmica, especialmente Haig, está más presente en la mezcla y al frente, mientras que la trompeta y el saxo alto están enterrados. A medida que avanza el concierto, mejora, con la trompeta silenciada de Gillespie más clara. Parker se echa atrás en el micrófono, pero no en el espíritu o la bravuconería para "Interlude", que ahora se conoce como "A Night in Tunisia", y se equilibra mejor durante "Groovin' High", que originalmente se titulaba "Whispering". Parece que hay una ligera casualidad no planificada en "Groovin' High". Un Parker que llegó tarde fue sustituido en parte por el saxofonista tenor Don Byas, que suena muy bien en el primer tema, "Bebop", hasta que Parker entra en escena y sube la apuesta. Con menos de 41 minutos de duración, este disco puede considerarse un documento histórico, que probablemente sólo atraerá a los muy cafeteros. Pero el factor primordial de Diz y Bird no descubiertos anteriormente hace que sea algo que todos los aficionados al bebop deberían aceptar de buena gana, a pesar de sus deficiencias de audio.
Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
Don Byas, tenor sax;
Al Haig, piano;
Curly Russell, bass;
Max Roach & Sid Catlett, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=ciFjhdeEa5A
* También un día como hoy, en 1956, Sonny Rollins con un cuarteto de gala grabó su seminal álbum ‘Saxophone Colossus’´.
Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey, on June 22, 1956.
‘Saxophone Colossus’ es el sexto álbum de estudio del saxofonista de jazz estadounidense Sonny Rollins. La sesión original se grabó el 22 de junio de 1956, en el estudio de Rudy Van Gelder en Hackensack, Nueva Jersey, fue editado por Prestige con éxito de crítica y ayudó a establecer a Rollins como un prominente artista de jazz. Quizás sea el álbum más conocido de Rollins, y a menudo se considera su disco de ruptura. Rollins dirigió un cuarteto en el álbum que incluía al pianista Tommy Flanagan, al bajista Doug Watkins y al baterista Max Roach.
El álbum contiene cinco temas, tres de los cuales se atribuyen a Rollins. "St. Thomas" es una pieza inspirada en el calipso que lleva el nombre de Santo Tomás, en las Islas Vírgenes. La melodía es tradicional y ya había sido grabada por Randy Weston en 1955 con el título "Fire Down There". En cualquier caso, la pieza se ha convertido desde entonces en un estándar de jazz, y ésta es su versión grabada más famosa.
El último tema, "Blue 7", es una pieza de blues de más de once minutos de duración. Su melodía principal, bastante dislocada, fue compuesta de forma espontánea. La interpretación se encuentra entre las más aclamadas de Rollins, y es objeto de elogio por el uso del desarrollo motivacional explorando y desarrollando temas melódicos a lo largo de sus tres solos, de manera que la pieza queda unificada, en lugar de estar compuesta por ideas inconexas.
La crítica lo consideró otro hito de la discografía de Rollins, una grabación citada repetidamente como el chef d'oeuvre de Rollins, y uno de los álbumes de jazz clásicos de todos los tiempos. [
Personnel:
Sonny Rollins, tenor sax;
Tommy Flanagan, piano;
Doug Watkins, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=4Ux9GHeXDR4
* Y en un día como hoy, y mañana, en 1967, Miles Davis, con su segundo gran quinteto, continuaron la grabación en estudio de temas para su álbum ‘Nefertiti’.
Recorded at Columbia 30th Street Studios, NYC, on June 7, 22 - 23, and July 19, 1967.
‘Nefertiti’ es un álbum de estudio del músico de jazz estadounidense Miles Davis que fue el último totalmente acústico de Davis. El propio Davis no contribuyó con ninguna composición, fueron escritas por otros miembros del combo.
Cuando se grabó este cuarto álbum del quinteto, su segundo gran quinteto había alcanzado un enorme grado de cohesión. Juntos desde hacía tres años, Davis sabía de qué eran capaces sus jóvenes acompañantes y les daba mucha cancha a la hora de tocar pero también de componer. Así, en ‘Nefertiti’ Miles no aporta ninguna composición propia [hay tres de Shorter, dos de Hancock y una de Williams] aunque él mismo ha dicho que modificaba los temas que le presentaban, la mayoría de las veces quedándose tan sólo con la esencia. Miles, que siempre se rigió en su música por la máxima de menos es más, prefería trabajar sobre un material compositivo sencillo, despojado de adornos superfluos, que permitiese una mayor libertad a la hora de improvisar (aunque sin llegar hasta los extremos del free jazz). Claro que esta orientación sólo podía tener éxito con unos músicos de gran nivel que se ajustasen perfectamente a sus preceptos y aportasen su propia personalidad, algo que Miles siempre supo encontrar a lo largo de sus cinco décadas en el negocio.
En 1966, los productores de CBS Records habían aprendido a grabar pronto y con frecuencia en las sesiones de Miles Davis, captando los ensayos y las primeras tomas, así como las sesiones finales. En algunos casos, como el tema principal de ‘Nefertiti’, en la primera semana de junio de 1967, el 7, dio sus frutos. Lo que debía ser el ensayo inicial de "Nefertiti", una nueva melodía de 16 compases de Shorter, encontró al grupo repitiendo la línea melódica, una y otra vez, tirando de la melodía, embelleciéndola a su antojo, pero sin desviarse nunca para hacer un solo sobre la armonía, como es habitual en el jazz. Y de hecho, así fue como grabaron "Nefertiti", como un bolero de jazz moderno, con la propia melodía sirviendo como una especie de mantra con el flujo y reflujo rítmico de Williams dirigiendo la interpretación. El tema es una composición que aunque muy bella no tiene nada de revolucionario. Pero su carácter innovador se debe a la interpretación que de ella hace el grupo, al convertirla en una especie de concierto para la sección rítmica, en especial para la batería de Tony Williams. La trompeta y el saxo tenor repiten la hermosa melodía una y otra vez durante todo el tema sin realizar ningún solo, mientras que el solo, si así puede llamarse, lo realiza la sección rítmica en su conjunto.
En junio, el 22 y el 23, y en julio, el 19, de ese año (apenas dos días después del fallecimiento de John Coltrane), ese momento de luz condujo inmediatamente a otras tomas e inyectó un nuevo sentido de libertad estructural no sólo en el repertorio del Quinteto, sino, por ejemplo, en la escena del jazz en general. ‘Nefertiti’ también se convirtió en el eje -con su inquietante belleza y su forma cíclica- de un álbum repleto de actuaciones rompedoras. Se considera uno de los seis álbumes del quinteto entre 1965 y 1968 que introdujo el subgénero post-bop.
"Hand Jive" es otro tema de Williams y se nota, escrito e impulsado por el batería, es una muestra del estilo más funky en el que se apoyaría en 1968 y después. Aunque sin realizar ningún solo, la batería impele desde atrás una enorme fuerza a los solistas –Davis, Shorter y Hancock, en este orden-, con la ayuda inestimable del contrabajo de Carter. "Fall" y "Pinnochio" son composiciones de Shorter, la primera es una pieza de acompañamiento más sombría -en sentimiento y forma- de ‘Nefertiti’ que sigue unos parámetros similares a las suyas, aunque en este caso la melodía inicial evoluciona paso a paso gracias a las diversas intervenciones como solistas de los miembros del quinteto, que modifican y, al mismo tiempo, recuerdan el tema inicial. La segunda ofrece una versión alegre y oscilante de otro tema pegadizo de Shorter, que el Quinteto utiliza al principio y al final de la melodía, y como interludio entre los solos de Miles, Shorter y Hancock. El disco se cierra con ese tema, cuyo título se debe a que la melodía –‘la nariz’- es expuesta varias veces añadiendo en cada ocasión un compás –es decir, que crece.
"Madness" y "Riot" son composiciones de Hancock más elaboradas que las demás y que muestran una de las características por las que destacaba el quinteto: esos cambios de ritmo que hacían con los ojos cerrados, con un Hancock que, como un viento más, desaparecía durante la mayoría de los solos de trompeta y saxo, salvo para aportar pequeñas pinceladas.
Las dos composiciones de Hancock revelan cómo Miles sólo tomó lo que consideró necesario -la toma liberada de "Madness", por ejemplo, sólo utiliza los últimos ocho compases de la melodía, la sección de cadencia antes de lanzarse a la improvisación-; el tema de "Riot" es igualmente breve, y está impulsado por la inclinación del Quinteto a los arrebatos dinámicos, y el impulso con sabor latino de William.
El Quinteto, en este su cuarto álbum de estudio, se está aventurando en un nuevo territorio musical, abriendo camino para las generaciones venideras. También es un punto de partida para Miles, Nefertiti es el último álbum de jazz puramente acústico que graba como líder. A partir de su próxima grabación y todas las que le sigan, invitará a la fiesta a los instrumentos eléctricos y amplificados, una dependencia cada vez mayor de la instrumentación no tradicional que tiene una influencia sísmica en la escena del nuevo jazz.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Wayne Shorter, tenor sax;
Herbie Hancock, piano;
Ron Carter, bass;
Tony Williams, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=s4QMU8CVlpM
21)
* Un día como hoy, y mañana, en 1977, Dexter Gordon, con la orquesta de Slide Hampton, grabó el álbum ‘Sophisticated Giant’ (de igual título que su biografía) para Columbia.
Recorded at Sound Ideas, New York City on June 21 & 22, 1977.
‘Sophisticated Giant’ es un álbum de jazz del saxofonista Dexter Gordon grabado por una banda de once músicos que tocaba temas arreglados por el trombonista Slide Hampton. El álbum marcó el regreso de Gordon a los Estados Unidos tras una larga residencia en Europa. A mediados de los setenta, Dexter Gordon vivió una segunda juventud y en ella tuvo mucho que ver el papel de los arreglistas de sus discos. Éste es uno de sus brillantes trabajos en ese sentido. Gordon se mueve a sus anchas y el repertorio es muy adecuado.
Este excelente álbum de Columbia se grabó menos de un año después de la publicitada gira de Dexter Gordon por los Estados Unidos tras una docena de años viviendo en Europa. Con la ayuda de otros grandes intérpretes como los trompetistas Woody Shaw y Benny Bailey, el vibrafonista Bobby Hutcherson suena en forma superlativa en "The Moontrane" de Woody Shaw, cuatro estándares y su propio "Fried Bananas". Además del programa original (que presenta a Dexter con un ‘tenteto’ de estrellas), la reedición añadió dos temas para el cantante Eddie Jefferson que se publicaron originalmente en ‘Great Encounters’ de Gordon; el trompetista Shaw y el trombonista Curtis Fuller, entonces, coprotagonizaron con Gordon.
Personnel:
Dexter Gordon, tenor, soprano sax;
Slide Hampton, Wayne Andre, trombone;
Benny Bailey, Woody Shaw, trumpet, flugelhorn;
Frank Wess, alto sax, flute, piccolo;
Howard Johnson, baritone sax, tuba;
Bobby Hutcherson, vibes;
George Cables, piano;
Rufus Reid, bass;
Victor Lewis, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=DBIYG9gybFI
20)
* Un día como hoy, en 1961, Eric Dolphy y Mal Waldron formando quinteto con Ron Carter grabaron el álbum ‘Where?’
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey, on June 20, 1961.
‘Where?’ es el álbum de debut del bajista Ron Carter, grabado en 1961 y publicado en el sello New Jazz. Algunas reediciones del álbum aparecen bajo el nombre de Eric Dolphy pero es, de hecho, del bajista Ron Carter, su primero como líder. Carter y Dolphy habían tocado juntos en el grupo de Chico Hamilton y en la importante fecha de 1960 con ‘Out There’ de Dolphy.
Where? tiene elementos en común con ambos, pero está más cerca del jazz de cámara de Hamilton de finales de los años 50 que de la fecha de Dolphy, que es más externa, orientada hacia el exterior. Al igual que en la sesión de Dolphy, se escucha a Carter en el violonchelo en tres de los seis temas.
La habilidad de Carter es innegable, pero su interpretación en Where? es un poco educada y monocromática. El dúo con George Duvivier, por ejemplo, es una conversación tranquila en el patio trasero que no exige mucho a ninguno de estos gigantes del bajo. Dolphy, que toca el clarinete bajo, el saxo alto y la flauta, es una perspectiva mucho más interesante, incluso si no se deja la piel en otros escenarios. El pianista Mal Waldron es característicamente seco, económico y con swing. El baterista Charlie Persip impresiona silenciosamente con un trabajo reflexivo y detallado. Duvivier está en el bajo cuando Carter toca el chelo.
Los temas comprenden dos originales de Carter, dos estándares y un par de números de Randy Weston. “Saucer Eyes" de Weston, el mejor tema del álbum cuenta con una sólida interpretación de grupo, una declaración magníficamente lacónica de Waldron, la flauta exuberante de Dolphy y un cautivador trabajo de pincel de Persip. “Rally" de Carter, con el clarinete bajo libre de Dolphy y el trabajo de violonchelo más aventurero del compositor en este conjunto, es el más cercano en espíritu a las propias fechas de Dolphy de este período.
Personnel:
Eric Dolphy, bass clarinet, alto sax, flute;
Ron Carter, bass, cello;
Mal Waldron, piano;
George Duvivier, bass;
Charles Persip, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=ZH1onVshFvQ
19)
* Un día como hoy, en 1969, Phil Woods actuó en Montreux en cuarteto dando lugar al álbum ‘Live At Montreux’.
Recorded: June 19, 1969 at the Montreux Jazz Festival, Switzerland.
Las grabaciones de Phil Woods con su efímera ‘The European Rhythm Machine’ (según la crítica una unidad aventurera que realmente desafiaba al altoísta y uno de los grupos más infravalorados del periodo 1968-70) se encuentran entre las más bohemias de su carrera, aunque pocas de ellas han estado disponibles.
Este concierto de 1969 en el Festival de Jazz de Montreux al frente de su recién creada banda donde Phil Woods se presenta y obtiene un extraordinario éxito, le ayuda a consolidarle como uno de los músicos más talentosos de la década de los setenta. Junto con el pianista, George Gruntz, el bajista, Henri Texier y el maestro de batería moderna, Daniel Humair, construyen un discurso musical extraordinario, lleno de ritmo, pegado a la tradición más jazzistica y sin embargo sonando a jazz moderno por los cuatro costados. Es muy provechoso escuchar a Phil Woods tocando música post-bop y casi vanguardista para variar. Un concierto en directo memorable.
El "Capricci Cavaleschi" de Gruntz comienza con los solos de Woods y Gruntz antes de dar paso al suave solo de Texier, respaldado por la batería de mano de Humair. El blues del escritor Leonard Feather en homenaje a Charlie Parker, "I Remember Bird", es revisado por Woods con gusto. “Ad Infinitum", de Carla Bley, con sabor a samba, es especialmente atractiva, mientras que un ardiente (aunque breve) recorrido por "Riot", de Herbie Hancock, con el saxo casi gritando (respaldado inicialmente sólo por Humair) cierra el conjunto con una floritura.
Personnel:
Alto Saxophone – Phil Woods
Bass – Henri Texier
Drums – Daniel Humair
Piano – George Gruntz
https://www.youtube.com/watch?v=H6LlvXIzlvY
18) (error)
* Un día como hoy, en 1957, Charles Mingus, en noneto, comienza la grabación de su álbum ‘Tijuana Moods’.
Recorded at RCA Victor Studi, New York, on July 18 & August 6, 1957.
‘Tijuana Moods’ es un álbum de Charles Mingus, grabado en 1957 pero que no se publicó hasta junio de 1962. Se reeditó con cuatro y cinco tomas alternativas adicionales.
El nombre "Charlie Mingus" aparece en la portada del álbum original. Mingus odiaba todos los apodos derivados de Charles ("No me llames Charlie; ese no es un nombre de hombre, es un nombre de caballo").
‘Tijuana Moods’ llega después de dos grandes éxitos de Charles Mingus como ‘Pithecanthropus Erectus’ y ‘The Clown’, aunque no se publicó hasta unos años después de ser grabado. Así pues, hay que tener en cuenta que cuando el propio Mingus proclamó en la contraportada que ‘Tijuana Moods’ era "el mejor disco que he hecho nunca", ya había grabado álbumes importantes como ‘Ah Um’ y ‘Mingus Dynasty’.
“Tijuana Moods” describe musicalmente una estancia que pasó Mingus en Tijuana, donde trató de olvidar un engaño amoroso. Ciudad fronteriza con California y propicia para el desenfreno en cualquiera de sus vertientes más pecaminosas. Lo tuvo que pasar de lo lindo Mingus ya que el testimonio es excelente. Poca nostalgia y situaciones depresivas pueden apreciarse.
En cualquier caso, el nivel de interpretación y composición en Tijuana es claramente excepcional. "Dizzy Moods" es una reelaboración del clásico de Dizzy Gillespie "Woody 'n' You", aunque sería imposible darse cuenta antes de leer las notas de presentación del propio Mingus. Este álbum cuenta con dos músicos excepcionales que, a pesar de su talento, permanecerían prácticamente en el anonimato: el trompetista Clarence Shaw y el pianista Bill Triglia, además de los más conocidos Jimmy Knepper, Shafi Hadi y Danny Richmond. La composición más compleja es "Ysabel's Table Dance", que se abre con castañuelas y Mingus tocando una extraordinaria línea de bajo pizzicato y alternando rápidamente esta técnica con el rasgueo de sus uñas por las cuerdas al estilo flamenco, antes de pasar a tocar arco en el rango del violonchelo. La voz que se escucha es la de la bailarina flamenca Ysabel Morel, que también toca las castañuelas. "Ysabel's Table Dance" destaca por varios recursos compositivos. Mingus contrasta el modo de música español con la sensación de jazz de finales de los años 50, y como suele ocurrir con las composiciones de Mingus, hay múltiples cambios de tempo y ritmo. La única melodía verdaderamente estándar aquí es "Flamingo", que en manos de Mingus se integra con el ambiente general del álbum como si todas las melodías fueran partes de una suite.
Clarence Shaw apenas estuvo 4 meses con Mingus, y apenas existen grabaciones suyas aparte. Presente también en las grabaciones “The Clown” y “East Coasting”, puede pensarse que podría haber sido un nombre mucho más memorable de no haber dejado la escena musical en 1964. Otro tanto se diría de Shafi Hadi, otro musico que, aunque permaneció con Mingus hasta “Mingus Ah Hum” en 1959, hubiéramos deseado que su paso por el jazz no fuera tan meteórico. Aparte de Mingus y en una sesión con Hank Mobley, se le recordará por participar en la banda sonora de John Cassavettes “Shadows”.
Personnel:
Charles Mingus, leader, bass.
Clarence Shaw, trumpet.
Jimmy Knepper, trombone.
Shafi Hadi (Curtis Porter), alto & tenor saxophone.
Bill Triglia, piano.
Dannie Richmond, drums.
Ysabel Morel, castanets, vocals.
Frankie Dunlop, percussion.
Lonne Elder, vocals.
https://www.youtube.com/watch?v=lZZ1wZdQ70w
17)
* Un día como hoy, en 1964, Herbie Hancock en cuarteto grabó para Blue Note su álbum ‘Empyrean Isles’.
Recorded: at Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on June 17, 1964.
A lo largo de su carrera, Herbie Hancock siempre ha superado los límites de la música, explorando una amplia variedad de lenguajes de jazz y aportando su estilo e innovación a todos los escenarios. Sus álbumes de Blue Note de la década de 1960 abarcan desde el post bop hasta el jazz latino, pasando por el mainstream y el jazz free.
‘Empyrean Isles’, grabado cuando Hancock tenía 24 años y era un nuevo miembro del Quinteto de Miles Davis, es el cuarto álbum de estudio del pianista de jazz para Blue Note y muestra al pianista empujando los límites del hard bop, creando música fresca y nueva en el proceso. En un cuarteto con Freddie Hubbard, Ron Carter y Tony Williams, Hancock demuestra que estaba familiarizado tanto con el jazz de vanguardia como con el R&B. Con la rítmica de ese maestro de la batería, entonces muy joven y la colaboración extraordinaria del trompetista, que toca la corneta en lugar de su típica trompeta y del bajo, el álbum es una vuelta de tuerca a los terrenos del hard bop puro y duro. Las cuatro composiciones son originales de Hancock escritas a lo largo de dos años.
Es uno de los álbumes emblemáticos del gran pianista, Herbie Hancock para ese sello.
Personnel:
Herbie Hancock - piano
Freddie Hubbard - cornet
Ron Carter - bass
Anthony Williams - drums
https://www.youtube.com/watch?v=J2Uf5FkeD3s
16)
* Un día como hoy, en 1963, Wayne Shorter y Freddie Hubbard dentro de los Jazz Messengers actuaro en vivo en el ‘Birdland’. La actuación dio origen al álbum ‘Ugetsu’ para Riverside.
Recorded live at Birdland, New York City, NY on 16 June 1963.
‘Ugetsu: Art Blakey's Jazz Messengers at Birdland’ es un álbum de jazz en directo de Art Blakey y los Jazz Messengers publicado por Riverside. Fue el último disco que grabaron con ese sello antes de pasarse a Blue Note, con quienes hicieron carrera. Y para despedir la ocasión se fueron a uno de sus escenarios favoritos el "Birland" neoyorkino.
En el álbum se encuentra a Art Blakey & His Jazz Messengers en la cima de su poderosa fuerza con una de sus formaciones más enérgicas. Habiendo adquirido los servicios del trombonista Curtis Fuller en 1961, la primera línea de los Messengers era la más robusta de su historia, con Wayne Shorter y Freddie Hubbard realizando constantemente algunas de sus mejores actuaciones. Completando la sección rítmica con Blakey están los igualmente vigorosos Reggie Workman y Cedar Walton. El repertorio de The Messengers incluye la mayoría de los temas escritos por el director musical Wayne Shorter, así como algunos números escogidos de Curtis Fuller y el corte que da título al disco, de Cedar Walton. La gira de los Jazz Messengers por Japón había terminado unos meses antes de esta actuación en directo, entonces la banda decidió tocar dos temas como homenaje a Japón. El grupo está animado por un público muy receptivo, los tempos y los solos son intensos en su mayor parte, y Blakey parece excepcionalmente brioso a pesar de no haber interpretado un solo extenso. Sus bromas entre canciones son igualmente entretenidas. En general, el grupo es preciso, expresivo y se mueve con nervio, transmitiendo su mensaje desde la plataforma más grande de la época.
Impresionante disco en directo donde se aprecia con toda su extensión el empuje arrollador de los "Messengers".
El álbum se reeditó añadiendo tres temas nuevos que se grabaron esa noche. En posterior reedición se añadió otro tema inédito.
Personnel
Art Blakey – drums
Freddie Hubbard – trumpet
Curtis Fuller – trombone
Wayne Shorter – tenor sax
Cedar Walton – piano
Reggie Workman – double bass.
https://www.youtube.com/watch?v=UjkVMnurFe8
15), 16) y 17)
*Y en un día como hoy, y siguientes, en 1965, Ornette Coleman en cuarteto y acompañado de una orquesta de estudio, grabó por encargo la banda sonora de un film. Se recogió en el álbum del mismo título ‘Chappaqua Suite’.
Recording in NYC, June 15, 16 and 17, 1965.
‘Chappaqua Suite’ es un álbum de free jazz del saxofonista alto Ornette Coleman para Columbia. Esta suite de cuatro piezas fue escrita por Coleman y grabada del 15 al 17 de junio de 1965. Fue encargado originalmente por el director Conrad Rooks como banda sonora de su primera película ‘Chappaqua’. Posteriormente, Rooks se negó a utilizar el disco en el montaje final, alegando que el valor estético de la música que había creado Coleman era tan grande que podría distraer a los espectadores de los acontecimientos y que la belleza de la propia película podría desvanecerse sobre su fondo. Así que la suite siguió siendo una obra musical independiente.
‘Chappaqua Suite’ fue la primera grabación en estudio de Coleman con su trío, con David Eisenzon al contrabajo y Charles Moffet a la batería, completado con el tenorísta Pharoah Sanders. Y también fue la primera grabación realizada por Coleman acompañado por una orquesta de estudio completa. Y, como dicen los críticos, Coleman consiguió demostrar un sorprendente control sobre la orquesta. Si para su trío era habitual tocar siguiendo la intuición, para la orquesta, poco conocedora de las improvisaciones del free jazz, necesitaba algún tipo de apoyo, y Coleman y sus músicos lo crearon a tiempo.
Se mostró además perfectamente la interacción con el líder y Sanders en el saxofón tenor: juntos ambos músicos comienzan a tocar más en los matices en torno a las extrañas armonías que Coleman lanza. La improvisación en su conjunto no vuela a distancias muy lejanas y obedece al contexto general de la obra, que el líder construye y a una sensible sección rítmica que combina con gracia las diferentes partes de la composición en términos de dinámica y potencia. En general, a su manera integral muestra la visión compositiva de Ornette Coleman en un formato orquestal a gran escala.
Aunque no se considera una obra maestra de Coleman, ‘Chappaqua Suite’ es un testimonio de la visión de Coleman como compositor y del poder de su dirección orquestal. Merece mucho la pena.
Personnel:
Ornette Coleman, alto sax, trumpet;
Pharoah Sanders, tenor sax;
David Izenzon, bass;
Charles Moffett, drums;
unidentified large studio band,
Joseph Tekula, director.
https://www.youtube.com/watch?v=nlp3d2i-HNQ
15)
* Un día como hoy, en 1956, el septeto de Phil Woods, con dos parejas de vientos, grabó en estudio su álbum ‘Pairing Off’.
Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ, on June 15, 1956.
El título de este excelente álbum proviene del hecho de que el septeto, un magnífico septeto, que lo graba está formado por dos contraltos (Phil Woods y Gene Quill) y dos trompetas (Donald Byrd y Kenny Dorham), además de una sección rítmica (el pianista Tommy Flanagan, el bajista Doug Watkins y el batería Philly Joe Jones). De las parejas, Woods y Dorham eran más distintivos en 1956, pero tanto Quill como Byrd consiguen algunos buenos solos. El grupo completo se extiende en cuatro largos números: tres originales de Woods y una balada estándar. La música es estupenda, un hard bop enérgico. Esa configuración bastante inusual, dos contraltos y dos trompetas, lo hacen realmente interesante. El emparejamiento combativo enfrenta a una trompeta y un contralto diferentes, y recompensa al oyente con los beneficios de la competición. Rápido y furioso, nadie queda en pie. Watkins, Philly Joe y Tommy Flanagan proporcionan la plataforma sólida como una roca para las delicias acrobáticas.
Es un buen regalo si gusta la música hard bop directa. No hay grandes sorpresas, simplemente es bueno. Todas las melodías son destacadas, no hay ninguna favorita por el momento, todas son muy agradables.
Personnel:
Donald Byrd, Kenny Dorham, trumpet;
Gene Quill, Phil Woods, alto sax;
Tommy Flanagan, piano;
Doug Watkins, bass;
Philly Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=K8-CoIb9d5w
* Un día también como hoy, en 1958, Horace Silver en quinteto y en sexteto, y con vocalista, terminó la grabación los temas recogidos en diferentes recopilaciones, por ejemplo ‘6 Pieces Of Silver’.
Recording at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ, on November 10, 1956 & June 15, 1958.
‘6 Pieces of Silver’ es un álbum de estudio del pianista de jazz Horace Silver, publicado por el sello Blue Note, que incluye actuaciones de Silver con Donald Byrd, Hank Mobley, Doug Watkins y Louis Hayes.
El primer quinteto de Silver era esencialmente The Jazz Messengers del año anterior, pero la banda ya estaba empezando a desarrollar un sonido propio. "Señor Blues" puso oficialmente a Horace Silver en el mapa. La fotografía de la portada fue tomada en Central Park West, Upper West Side.
Personnel:
Horace Silver – piano
Donald Byrd – trumpet
Junior Cook – tenor saxophone
Gene Taylor & Doug Watkins – bass
Louis Hayes – drums
Hank Mobley – tenor saxophone
Bill Henderson – vocals
https://www.youtube.com/watch?v=Wdko41PwfXM
** También un día como hoy, en 1963, Cannonball Adderley en sexteto comenzó una gira por Japón en junio y sobre todo en julio, grabándose las actuaciones en diferentes álbumes y recopilatorios.
Recorded live at NTV Studios in Tokyo Japan, on June 15, 1963.
‘A Day With Cannonball Adderley 1963’ es el álbum que recoge esta actuación en la televisión nipona. En la gira japonesa, el sexteto de aquella época estaba formado por el líder junto con su hermano Nat, el músico de viento Yusef Lateef, el pianista Joe Zawinul, el bajista Sam Jones y el batería Louis Hayes.
Personnel:
Cannonball Adderley, alto sax;
Nat Adderley, cornet;
Yusef Lateef, tenor sax, flute, oboe;
Joe Zawinul, piano;
Sam Jones, bass;
Louis Hayes, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=mpkN8nR0EEg
https://www.youtube.com/watch?v=V0RoYfwvGgA
* Igualmente un día como hoy, en 1973, Dexter Gordon con su trío europeo más significativo actúo, otra vez, en Copenhagen y quedó registrado en su álbum ‘Lullaby For A Monster’ para el sello danés SteepleChase.
Recorded: June 15, 1976, in Copenhagen.
Grabado poco antes de su regreso triunfal a los Estados Unidos después de una docena de años en el extranjero, este álbum de Dexter Gordon lo presenta en un entorno sorprendentemente escaso, acompañado únicamente por el bajista Niels Pedersen y el baterista Alex Riel. Tanto en la melodía humorística "Nursery Blues", como en el corte que da título al disco, o en los cuatro estándares de jazz, está a la altura del desafío y sus largos solos nunca pierden el interés.
Personnel:
Dexter Gordon, tenor sax;
Niels-Henning Orsted Pedersen, bass;
Alex Riel, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=KFxawsijJ0I
14) y 15)
* Y un día como hoy, y mañana, en 1961, también Kenny Dorham con el quinteto de Clifford Jordan grabaron los temas de su álbum ‘Starting Time’ y otras reediciones.
Recording at ‘Plaza Sound Studios’, NYC, June 14 and 15, 1961.
‘Starting Time’ es un álbum del saxofonista de jazz Clifford Jordan que fue grabado y publicado en el sello Jazzland.
Este excelente conjunto combina el ya característico tenor de Clifford Jordan con el veterano trompetista Kenny Dorham, el pianista Cedar Walton, el bajista Wilbur Ware y el baterista Albert "Tootie" Heath. Aparte de un tema de Duke Ellington, el grupo se ciñe a los originales de Jordan, Dorham y Walton. La música es directa, y aunque las melodías son bastante oscuras, los solos y la alta musicalidad elevan la composición.
Personnel:
Kenny Dorham, trumpet;
Clifford Jordan, tenor sax;
Cedar Walton, piano;
Wilbur Ware, bass;
Albert Heath, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=GK9kaGpESB0
14)
* Un día como hoy, en 1953, Charlie Parker en quinteto actuó en Boston. La retransmisión de la actuación se recogió en diversos álbumes, como por ejemplo, ‘Rara Avis Avis, Rare Bird’ o ‘Live at the Hi-Hat 1953-1954’.
Recording at "Hi-Hat Club", Boston, Massachusetts, June 14, 1953
Entre 1953 y 1954 Charlie Parker realizó varias visitas a Boston, donde a menudo fue contratado para tocar como "single" en el Hi-Hat, respaldado por músicos locales. Las actuaciones grabadas contenidas en los álbumes proceden de las emisiones de radio realizadas por el famoso disc-jockey "Symphony Sid" (Sid Torin), duplicando aquí su papel en Nueva York desde la cabina de control dentro del ‘Hi-Hat’ para su programa de radio nocturno en la emisora WCOP.
‘Live at the Hi-Hat 1953-1954’ comprende material procedente de las emisiones radiofónicas de grupos liderados por Charlie Parker en ese club de Boston, durante junio de 1953 y enero de 1954.
Aunque se encuentra en la fase final de su breve carrera, Parker está en plena forma en estas actuaciones. En las primeras fechas, Parker está acompañado por el trompetista Herb Pomeroy, el pianista Dean Earle, el bajista Bernie Griggs y el baterista Bill Graham. La mayoría de las emisiones posteriores contaban, además de con Parker, con Herbie Williams a la trompeta, Rollins Griffith al piano, Jimmy Woode al bajo y Marquis Foster a la batería, con Jay Migliori añadido al saxo tenor y George Solano ocupando la silla de la batería en los temas del sexteto. Cada escucha de Bird trae consigo nuevos placeres, y estas grabaciones no son una excepción.
Personnel:
Herb Pomeroy, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
Dean Erle, piano;
Bernie Griggs Jr., bass;
Bill Graham, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=bDJUFsmyQ2U
* Un día también como hoy, en 1957, Dizzy Gillespie con su orquesta, en la que figura, entre otros buenos músicos, Lee Morgan, grabaron temas recogidos en álbumes específicos.
Recorded live in Chester, Pennsylvania on June 14, 1957
Grabado menos de un mes antes de su emocionante aparición en el Festival de Jazz de Newport de 1957, la Dizzy Gillespie Orchestra está en excelente forma en esta fecha de un concierto en Chester, Pennsylvania. Además del trompetista/líder, los solistas clave son el trombonista Al Grey, el tenor-saxofonista Billy Mitchell y, durante la primera parte de "A Night in Tunisia", un joven Lee Morgan. Aparte de una voz de Austin Kromer, las interpretaciones son en general bastante gratificantes, como la versión de la tórrida "Cool Breeze" que supone una intrigante comparación con la interpretación clásica de Newport.
Personnel:
Dizzy Gillespie, Talib Daawud, Lee Morgan, Ermet Perry, Carl Warwick, trumpet; Ray Connor, Al Grey, Melba Liston, trombone; Ernie Henry, Jimmy Powell, alto sax; Benny Golson, Billy Mitchell, tenor sax; Pee Wee Moore, baritone sax; Wynton Kelly, piano; Tommy Bryant, bass; Charlie Persip, drums; Austin Cromer, vocal.
https://www.youtube.com/watch?v=Pz1YQoxctoc
* También un día como hoy, en 1962, Kenny Dorham con el quinteto de Jackie McLean grabaron temas incorporados al álbum ‘Hipnosis’, donde aparecen otras actuaciones con combos diferentes. También se publicaron en la reedición de su álbum ‘Vertigo’.
Recorded: June 14, 1962 & February 3, 1967
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Hipnosis’ es un álbum de estudio del saxofonista Jackie McLean, con temas grabados para Blue Note en la década de 1960, pero que no se publicaron hasta 1978. El álbum se publicó como un disco doble que incluía cinco temas de una sesión de 1967, además de seis temas grabados en 1962 que posteriormente aparecieron en la reedición de ‘Vertigo’.
Personnel:
Kenny Dorham, trumpet;
Jackie McLean, alto sax;
Sonny Clark, piano;
Butch Warren, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=c3zC5Q0UF-w
* Y un día como hoy, en 1965, Wayne Shorter en cuarteto grabó los temas de su álbum ‘The Collector’ (aka ETC).
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on June 14, 1965 & February 24, 1966.
‘Etcetera’ es el octavo álbum del saxofonista Wayne Shorter. El álbum incluye cuatro originales de Shorter y un arreglo de Gil Evans.
La mitad de los años 60 fue un período particularmente fértil de la evolución del jazz, y digno de la atención de los aficionados. Esos sesenta fueron sin duda la mejor etapa de Shorter, ese extraordinario tenorísta. En aquella época grabó para Blue Note una serie de discos con una calidad similar y siempre con un índice de acierto extraordinario. Éste es una buena muestra de aquel periodo de creación imaginativa de un músico que todavía hoy en pleno siglo XXI, sigue dando lo mejor. Intrínsecamente buena música, todas los temas del álbum son interesantes.
‘Etcetera’ es su mayor logro como líder en el estudio. Grabado el 14 de junio de 1965, cuatro de los cinco temas se publicaron junto con "The Collector", grabado después.
El segundo gran quinteto de Davis, cuya mitad está presente aquí, fue responsable de álbumes que abarcan el género post-bop, y es que Shorter en combinación con Hancock juntos se sacuden los últimos restos de bop y swing para definir esa nueva dirección.
La sobriedad y la soltura son la belleza de esta música. Las amargas melodías de Shorter se insinúan, no son tanto melodías como un lienzo melódico que se despliega lentamente. Hancock reescribe el papel del acompañamiento del piano, liberado de la mera entrega de los cambios, ya no es un telón de fondo de los acentos rítmicos, sino un intruso en la progresión armónica del conjunto.
De todos los instrumentos, el bajo, el muy capaz Cecil McBee o Reggie Workman, aquí actúa más como custodio final de la pieza, aunque también tiene libertad para operar en el registro superior, añadiendo texturas y contrastes tonales, así como el suelo armónico de apoyo. Y la batería ayuda con la estructura aérea de Joe Chambers.
Estas dos sesiones de grabación quedaron fuera del calendario de publicación de Blue Note hasta que las desenterró ‘United Artists’ en los últimos años. Sigue siendo un misterio insondable por qué este álbum tardó 15 años en publicarse.
Los temas cortos y repetitivos y la interpretación apasionada y conmovedora recuerdan a Coltrane, pero este cuarteto tiene su propio sabor, y la perfecta e intrincada red que tejen aquí ayuda a elevar toda la sesión a un nivel superior.
Los cuatro intérpretes, Wayne en el saxo tenor, Herbie en el piano, Cecil en el bajo y Joe en la batería, siguen vivos hoy.
https://www.youtube.com/watch?v=04xXSsjTAQw
13) y 14)
* Un día como hoy, y mañana, en 1961, Lee Morgan y Wayne Shorter con The Jazz Messengers grabaron temas recogidos en un álbum de Impulse y en recopilatorios posteriores.
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, June 13 & 14 1961.
‘¡¡¡¡¡Jazz Messengers!!!!!’ es un álbum de jazz de 1961 publicado por Art Blakey & the Jazz Messengers para Impulse. Ampliando a un sexteto por primera vez, fue la última grabación del grupo con Bobby Timmons, que sería sustituido por Cedar Walton. Y posteriormente Freddie Hubbard sustituiría a Morgan.
La crítica dijo que constituía un combo estupendo de Blakey y compañía, que demostraban cómo ser perfectos en las notas sin perder la emoción de una interpretación, aunque suponga un cambio de ritmo respecto a la mayoría de sus grabaciones recientes. Sólo hay un tema original, el resto son estándares pero que no han sido exagerados.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Curtis Fuller, trombone;
Wayne Shorter, tenor sax;
Robert H. Timmons, piano;
Jymie Merritt, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=xVBLwFPpeiI
* También un día como hoy, y mañana, en 1968, Cannonball Adderley grabó temas para su álbum ‘Accent on Africa’. Aunque está etiquetada como una sesión de Cannonball Adderley Quintet, en realidad se trata de una sesión de trabajo con una sección de percusión cargada de tambores africanos, una big band y, en algunos momentos, voces, todas ellas sin identificar.
Las fechas de grabación son contradictorias. En algunas publicaciones figuran 13 & 14 de junio de 1968. El lugar parece que fue San Francisco.
‘Accent on Africa’ es un álbum del saxofonista de jazz Cannonball Adderley grabado en 1968 para el sello Capitol con actuaciones de Adderley con Nat Adderley y una sección de percusión no identificada, vocalistas y una gran banda.
Cannonball Adderley señaló que es la primera vez que en una grabación utiliza instrumentos y dispositivos inusuales para proyectar con más fuerza sonidos e intensidades específicas.
Utilizó un surtido de saxofones soprano para conseguir diferentes texturas, un surtido de saxofones altos para varias intensidades y el dispositivo electrónico Selmer varitone para emular la creciente sensación de magnitud y expresión dinámica que se da tan a menudo en la música africana.
No obstante, se trata de uno de los mejores y más ignorados de los álbumes de Capitol de Adderley, una sesión retumbante que estalla con la alegría de trabajar en un contexto rítmico desconocido pero vital. Cannonball hace uno de sus mejores solos a través de un accesorio electrónico Varitone Otros aspectos destacados es el trabajo imponente de Nat Adderley en la corneta en todo momento.
Este espléndido álbum es una especie de sesión de afro-big band, con el gran saxofonista, toda una serie de músicos no acreditados -trompas, cañas, percusionistas, vocalistas- junto con Nat, el hermano pequeño de Cannonball, en la corneta y la trompeta. En definitiva, se trata de una pequeña obra maestra perdida y uno de los conjuntos más destacados de Cannonball, en el que los dos hermanos se lo pasan en grande en el nuevo e inusual contexto en el que se encuentran.
Personnel:
Cannonball Adderley – alto saxophone, soprano saxophone, & varitone.
Nat Adderley – Cornet
Carol Kaye – guitar
Ray Brown – bass
Earl Palmer - drums
Unidentified brass, reeds and vocals
Unknown – piano, harpsichord
Unknown – percussion
https://www.youtube.com/watch?v=6IEo7Na_f8E
13)
* Un día como hoy, en 1967, Miles Davis con su segundo gran quinteto, grabaron en New York dos temas, uno apareció en disco y el otro quedó inédito hasta la publicación del recopilatorio ‘Miles Davis Quintet 1965-'68’ de Columbia.
Recorded at the Columbia Studio B, NYC, the 30th Street Studio, NYC, June 13, 1967
El quinteto que Miles Davis dirigió entre 1965 y 1968 fue uno de los combos clásicos de la historia del jazz. Al formar equipo con los jóvenes músicos aventureros Wayne Shorter (saxo tenor), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería), Davis impulsó el jazz mainstream hacia la vanguardia, ampliando el jazz modal que inauguró con 'Kind of Blue' y sentando las bases de la fusión.
Los temas grabados entre el 20 de enero de 1965 y el 21 de junio de 1968, en los estudios de Columbia en Nueva York y en Los Angeles CA, que seguían estando llenos de sonidos e ideas provocadoras, figuraron en los cinco álbumes de estudio completos del segundo gran quinteto de Miles Davis, 'ESP', 'Miles Smiles', 'Sorcerer', 'Nefertiti' y 'Miles in the Sky', más la mitad del material publicado en 'Filles De Kilimanjaro' y 'Water Babies'. 56 temas (varias tomas alternativas y 13 selecciones inéditas junto con raras pistas de sesión). Por eso, 'The Miles Davis Quintet 1965-68: The Complete Columbia Studio Recordings' es una publicación esencial.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Wayne Shorter, tenor sax;
Herbie Hancock, piano;
Ron Carter, bass;
Tony Williams, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=_Fsh4Ah1jrE
previamente inédito:
https://www.youtube.com/watch?v=GFLpIVO7Wds
12)
*Un día como hoy, en 1947, Dexter Gordon en cuarteto, y en quinteto con Wardell Gray, continuaron grabando temas recogidos en el álbum ‘The Chase! The Complete Dial Sessions, 1947’ y otros que ya hemos referenciado en su día.
Recording at MacGregor studio in Hollywood Los Angeles, CA, Thursday, June 5, Thursday, June 12, Thursday, Dec. 4, 1947.
Personnel:
Dexter Gordon, tenor sax;
Jimmy Bunn, piano;
Red Callender, bass;
Chuck Thompson, drums.
Wardell Gray, tenor sax
https://www.youtube.com/watch?v=6KTtnTN8518
https://www.youtube.com/watch?v=uqY2XXsLNek
*Y un día como hoy, en 1967, Cannonball Adderley en quinteto actuó en vivo, así como en otra fecha, actuaciones que fueron recogidas en el álbum ‘74 Miles Away’.
Recorded live at Capitol Tower, in Hollywood, Los Angeles, CA, on June 12–24, 1967
‘74 Miles Away’ es un álbum del saxofonista de jazz Cannonball Adderley grabado ‘en vivo’ ante una audiencia invitada en los estudios Capitol de Hollywood, California, en 1967, y presenta actuaciones de Adderley con Nat Adderley, Joe Zawinul, Victor Gaskin y Roy McCurdy.
Con éxitos anteriores todavía resonando en las listas de ventas, Capitol hizo que el quinteto diera citas en directo en un club tras otro, esperando otros éxitos. No lo consiguieron. Después de estas sesiones, pasaría casi un año antes de que Cannonball Adderley volviera a grabar, una señal significativa de que había comenzado el declive de la fortuna del jazz a finales de la década de 1960.
Pero ‘en vivo’, parece singularmente apropiado cuando se aplica a Julian "Cannonball" Adderley y su Quinteto. Ningún grupo de jazz parece cobrar vida de forma más alegre en el escenario, y ningún otro combo se ha beneficiado más de las ventajas de la grabación en directo. Esta última sesión fue una ocasión triplemente feliz para los Adderley, ya que supuso una reunión familiar con otros miembros.
Cannonball, es uno de los jefes entre los líderes de combo de jazz. No ignora a sus oyentes, ni es condescendiente con ellos; se dirige a ellos como si fueran amigos recién descubiertos.
Hace años, Julian Adderley señaló: "Escuché a todos los demás intérpretes de contralto... algo parecía faltar. Cuando escuché por primera vez a Bird, supe inmediatamente que era eso". A partir de ese momento, Charlie Parker proporcionó el impulso y la inspiración para que él desarrollara su propio estilo.
La melodía de Joe, "74 Miles Away", deriva su nombre del compás. Escrita en 7/4, se balancea con perfecta facilidad e incluye algunas de las improvisaciones más aventuradas de toda la sesión (que presagia algunos de los experimentos de Zawinul con Weather Report). Julian establece una tensión cuidadosamente construida, utilizando notas de registro superior con un fondo de Joe, el bajista Victor Gaskin y el baterista Roy McCurdy. Nat comienza en un estado de ánimo meditativo y luego se aventura en algunos efectos de sonido salvajes. Con los Adderley agitando panderetas para aumentar la intensidad, Zawinul ofrece una magnífica demostración del alcance y la inventiva que puede aportar al piano de jazz moderno. Las desconcertantes innovaciones tonales se produjeron mediante la inserción de una pandereta sobre algunas de las cuerdas.
Cannonball dejo dicho que nunca tocaban nada que no les gustase y en lo que no creyeran.
Personnel:
Alto Saxophone – Cannonball Adderley
Bass – Victor Gaskin
Cornet – Nat Adderley
Drums – Roy McCurdy
Piano & Electric piano – Joe Zawinul
https://www.youtube.com/watch?v=iZsKCK834K8
11)
* Un día como hoy, en 1953, Clifford Brown grabó con la orquesta de Tadd Dameron temas para el álbum ‘A Study in Dameronia’, además de actuaciones en clubs de Atlantic City.
Recording in NYC, June 11, 1953.
En junio de 1953 el pianista y arreglista Tadd Dameron (una figura no valorada suficientemente)formó un nuevo noneto para realizar una grabación con Prestige Records, la primera que lideraba después de cuatro años de silencio discográfico. Entre los músicos que reclutó, se encontraba el joven trompetista Clifford Brown, quien justo había empezado su carrera profesional con Chris Powell and The Blue Flames y aún no había participado en ninguna grabación de jazz.
Con el noneto recién formado, Dameron fue contratado para actuar a diario en el club Paradise de Atlantic City, durante julio y agosto. En este contexto, Brown pudo trabar amistad con algunos jóvenes músicos con los que colaboraría asiduamente durante el resto de 1953, quienes, a su vez, resultarían esenciales para su desarrollo musical, un estilo de swing orientado al groove, en el que los grupos pequeños utilizaban arreglos estructurados como las grandes bandas, con espacio para la improvisación, pero menos frenético. Se conoció como hard bop, o "mainstream".
En medio del trabajo preparatorio con Dameron antes del traslado a Atlantic City, Lou Donaldson, un contralto del estilo de Charlie Parker, también codiciaba a Brown, y lo presentó en una sesión del 9 de junio para Blue Note (ya reseñada). Con ellos estaban Elmo Hope, al piano; Percy Heath, al bajo; y Philly Joe Jones, a la batería.
Dos días después, la orquesta organizada de Tadd Dameron grabó cuatro de sus composiciones como ‘A Study in Dameronia’ para el sello Prestige. La alineación final del noneto de Dameron incluyó a Idrees Sulieman y Clifford Brown a las trompetas, Herb Mullins al trombón, Gigi Gryce al saxo alto, Benny Golson al saxo tenor, Oscar Estelle al saxo barítono, Percy Heath al contrabajo, Philly Joe Jones a la batería y Dameron al piano. El 11 de junio de 1953 se presentaron en un estudio de Nueva York para grabar cuatro títulos que serían publicados por Prestige. El propietario de la discográfica no solía destinar presupuesto a pagar ensayos ni tampoco desperdiciaba cinta en segundas tomas. Optaba por organizar sesiones relativamente informales, sin estricta planificación musical. Aun así, este no fue el caso de Tadd Dameron, ya que por el resultado de la sesión se aprecia que la banda había ensayado los arreglos, independientemente de si habían recibido remuneración por ello.
Dameron aportó cuatro nuevas composiciones para la sesión, “Philly J. J.”, “Choose Now”, “Dial ‘B’ for Beauty” y “Theme of No Repeat”, todas arregladas para el noneto. Brown se mostró sólido y maduro en los tres solos que aportó a la sesión. Inmediatamente después de la grabación, Brown abandonó a Chris Powell and The Blue Flames y empezó su carrera jazzística profesional. Pero poco después Brown se fue con Lionel Hampton por problemas surgidos en la banda de Dameron.
Personnel:
Clifford Brown, Idrees Sulieman, trumpet;
Herb Mullins, trombone;
G.G. Gryce, alto sax;
Benny Golson, tenor sax;
Oscar Estell, baritone sax;
Tadd Dameron, piano;
Percy Heath, bass;
"Philadelphia" Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=ig-S16Ycig4
* Un día también como hoy, en 1957, Sonny Rollins en cuarteto grabó en estudio su álbum ‘The Sound of Sonny’.
Recording at Reeves Sound Studios, NYC, June 11, 12 and 19, 1957.
‘The Sound of Sonny’ es un álbum del saxofonista de jazz Sonny Rollins, el primero que grabó para el sello Riverside, con actuaciones de Rollins con Sonny Clark, Roy Haynes y Percy Heath o Paul Chambers.
1957 marcó un cambio de tendencia del sonido de Rollins y este disco es el documento sonoro que lo atestigua. Inició lo que en aquel momento era una tendencia rara de grabar para varios sellos discográficos. Su espíritu pionero dio lugar a algunos álbumes que definen el género, incluido este disco. Sus actuaciones también alcanzaron su punto álgido durante 1957.
Rollins fue pionero en el uso del bajo y la batería, sin piano, como acompañamiento de sus solos de saxofón. Dos de las primeras grabaciones de tríos de tenor, bajo y batería son ‘Way Out West’ y ‘A Night at the Village Vanguard’. Para entonces Rollins ya había iniciado una atrevida línea de experimentación en sus álbumes anteriores. Ya era conocido por transformar canciones relativamente banales o poco convencionales (como en este álbum ‘The Sound of Sonny’) en vehículos de jazz viables. Esa nueva libertad se puede escuchar en todas las innovaciones de este disco. No sólo los fluidos solos de Rollins alcanzan nuevos cenit de brillantez melódica, sino que también ha comenzado a ensayar con alteraciones en el personal de una melodía a otra.
Este último álbum, con una décima melodía que completa las sesiones, también contiene un tema de trío sin piano, junto con la magnífica lectura de Rollins sin acompañamiento de saxo en un tema. Ante un tono general de extrema calidad en todo el disco, es necesario escuchar un impresionante solo, sin acompañamiento, de Rollins. Es una autentica pieza maestra.
Personnel:
Sonny Rollins (tenor saxphone)
Sonny Clark (piano)
Percy Heath & Paul Chambers (bass)
Roy Haynes (drums)
https://www.youtube.com/watch?v=cVD8QDReMk0
* También un día como hoy, en 1964, Sonny Rollins comenzó la grabación de temas, con diferentes combos(*), que figuraron en distintos álbumes, como ‘After The Bridge’ y sobre todo ‘The Standard’.
NYC, June 11, 1964
Recorded in RCA Victor's Studio B, New York City
June 11, 23, 24 and 26, & July 2 and 6 1964.
Personnel:
Sonny Rollins, tenor sax;
Herbie Hancock, piano;
Jim Hall, guitar;
David Izenzon, Teddy Smith, bass;
Stu Martin, drums.
(* )Bob Cranshaw – bass & Mickey Roker – drums
https://www.youtube.com/watch?v=fWyKt4oEkDU
* Un día como hoy, también en 1964, Dexter Gordon en cuarteto, actúo otra vez en Copenhagen y se recogió en el álbum ‘Cheese Cake’.
Recorded: June 11, 1964
live at ‘Jazzhus Montmartre’, Copenhagen, Denmark.
‘Cheese Cake’ (subtitulado Dexter In Radioland Vol. 2) es un álbum en vivo del saxofonista estadounidense Dexter Gordon grabado en el Jazzhus Montmartre en Copenhague, Dinamarca en 1964 por Danmarks Radio y editado en el sello SteepleChase.
La larga temporada de Dexter Gordon en el Club Montmartre de Copenhague durante el verano de 1964 incluyó emisiones de radio semanales. Estas actuaciones en directo han sido conservadas y publicadas por SteepleChase en una serie de álbumes. Este LP en particular presenta al gran tenor con una sección rítmica compuesta por los mejores de Europa (el pianista Tete Montoliu, el bajista Niels Pedersen y el baterista Alex Riel) interpretando "Cheese Cake", "Manha De Carnival" y "Second Balcony Jump" de Dexter. Gordon realiza largos solos que nunca parecen quedarse sin ideas, lo que hace de este set una valiosa adición a su larga discografía.
Personnel.
Dexter Gordon, tenor sax;
Tete Montoliu, piano;
Niels-Henning Orsted Pedersen, bass;
Alex Riel, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=7L94HGCjNcI
* Y un día como hoy, igualmente en 1964, poco antes de morir, Eric Dolphy actuó en sexteto en París. La sesión fue grabada y se editó en su último álbum ‘Unrealized Tapes’.
Recorded: in Paris, June 11, 1964.
Durante años, se pensó que ‘Last Date’ era la última grabación de Eric Dolphy hasta que se publicó ‘Unrealized Tapes’. El álbum se grabó el 11 de junio de 1964 en un estudio de París para su difusión por radio nueve días después de la sesión de Hilversum que dio lugar a ‘Last Date’ y dieciocho días antes de la muerte de Dolphy.
Este LP del sello europeo West Wind presenta al gran Dolphy en el saxo alto y el clarinete bajo con un sexteto ‘Eric Dolphy & The Champs Elysées All Stars’, que incluía al trompetista Donald Byrd, al saxofonista tenor Nathan Davis y a una sección rítmica francesa interpretando cuatro de sus composiciones. Los temas grabados ese día representan las últimas grabaciones de Dolphy disponibles en el mercado. Las grabaciones de ese día son únicas en el sentido de que, antes, Dolphy no había grabado ni con Donald Byrd ni con Nathan Davis. Además, ‘Unrealized Tapes’ presenta la primera aparición grabada de la composición por otra parte desconocida, y sensacional, de Dolphy "Springtime". Los otros temas, "245", llamada así por el número de la residencia de Dolphy en Carlton Avenue, en el barrio Fort Greene de Brooklyn, durante 1960, y "G.W.", dedicada al director de orquesta Gerald Wilson, aparecieron originalmente en ‘Outward Bound’, mientras que "Serene" apareció originalmente en ‘Out There’.
La música de la misma sesión de grabación también se publicó posteriormente en ‘Naima’, ‘The Complete Last Recordings: In Hilversum & Paris 1964’ y ‘Paris '64’ .
En abril de 1964, Dolphy había acompañado a Charles Mingus y su banda en una gira por Europa organizada por George Wein. (Las actuaciones de esta gira se documentaron en ‘Revenge!’, ‘The Great Concert of Charles Mingus’, ‘Mingus in Europe Volume I’ y ‘Mingus in Europe Volume II’). Antes de dejar los Estados Unidos, sin embargo, Dolphy le dijo a Mingus que tenía la intención de quedarse en Europa al terminar la gira, en lugar de permanecer con la banda. Mingus y su grupo regresaron a los Estados Unidos a principios de mayo, momento en el que Dolphy se trasladó a París, primero alojándose en casa de un viejo amigo del ejército y con la intención de establecerse con su prometida, la bailarina de formación clásica que residía en París Joyce Mordecai. Dolphy se había comprometido a casarse con ella.
Durante este tiempo, Dolphy comenzó a tocar en el club ‘Le Chat Qui Pêche’ con el trompetista Donald Byrd y el saxofonista Nathan Davis, ambos aparecen en ‘Unrealized Tapes’. (Davis recuerda que "nunca había estado en una banda que practicara tanto como nosotros [con Dolphy]; teníamos ensayos diarios y tocábamos todas las noches desde las 10 de la noche hasta las 4 de la mañana").
Dolphy mantuvo una apretada agenda durante los siguientes meses. El 28 de mayo, realizó una grabación en París para su difusión por radio con un cuarteto en el que figuraban el pianista Kenny Drew, el bajista Guy Pederson y el batería Daniel Humair. Estos temas se publicaron en el álbum ‘Humair Surrounded 1964-1987’, así como en ‘The Complete Last Recordings: In Hilversum & Paris 1964’. Del 29 de mayo al 2 de junio, Dolphy visitó los Países Bajos, donde actuó con diversos conjuntos, incluida una big band, y donde grabó la música que se publicaría en el álbum ‘Last Date’. De vuelta a París, durante el resto de junio, dirigió varios conjuntos (incluido el que se escucha en ‘Unrealized Tapes’), y actuó y grabó con la big band de Sonny Grey y la All Stars de Jack Diéval.
Inmediatamente antes de su muerte en Berlín el 29 de junio, Dolphy había estado haciendo grandes planes. Expresó su interés en reunirse con los músicos que actuaron en ‘Last Date’ y declaró que quería formar una banda con el trompetista Woody Shaw, el bajista Richard Davis y el baterista Billy Higgins. También planeaba unirse al grupo de Albert Ayler y se estaba preparando para tocar con Cecil Taylor. Además, estaba escribiendo un cuarteto de cuerda titulado ‘Love Suite’. El 27 de junio de 1964, Dolphy viajó a Berlín para tocar con un trío dirigido por Karl Berger en la inauguración de un club de jazz llamado ‘The Tangent’. Al parecer, estaba gravemente enfermo cuando llegó, y durante el primer concierto apenas pudo tocar. Fue hospitalizado esa noche, pero su estado empeoró. El 29 de junio, Dolphy murió tras caer en un coma diabético causado por una diabetes no diagnosticada. Antes de marcharse a Europa en 1964, Dolphy dejó papeles y otros efectos personales a sus amigos Hale Smith y Juanita Smith.
Los seguidores de Dolphy podrán apreciar esta joya.
Musicians:
Alto Saxophone & Bass Clarinet – Eric Dolphy
Bass – Jacques Hess
Drums – Franco Monzecci
Piano – Jack Diéval
Tenor Saxophone – Nathan Davis
Trumpet – Donald Byrd.
Congas – Jacky Bambou (en dos temas).
https://www.youtube.com/watch?v=vb5y_RoAjww
10)
* Un día como hoy, en 1946, Dizzy Gillespie And His Orchestra grabaron temas recogidos en álbumes recopilatorios como ‘Dizzy Gillespie - In The Beginning’ y otros.
Recorded: February 9, February (probably the 28th), May 11, 1945. May 15, June 10, July 9 & November 12, 1946 at NYC.
Este conjunto incluye todas las primeras sesiones del trompetista Dizzy Gillespie como líder, grabaciones que han influido enormemente en el jazz hasta la actualidad y han establecido el estándar del bebop.
Además de siete clásicos con Charlie Parker (Sarah Vaughan como invitada), hay una sesión con Sonny Stitt y ocho emocionantes interpretaciones con big-band. Esta música esencial con todas las grabaciones de 1945-46, excepto una, concluye con tres canciones de una divertida pero menos significativa sesión de grupo pequeño de 1950 no bien datada.
Personnel:
Bass – Ray Brown
Drums – Kenny Clarke
Piano – John Lewis , Milt Jackson (vibes)
Saxophone – John Brown, Howard Johnson, alto sax; Ray Abrams, Warren Lucky, tenor sax; Pee Wee Moore, baritone sax
Trombone – Al Moore, Charles Greenlee, Leon Comegys
Trumpet – Dizzy Gillespie, Dave Burns, John Lynch, Raymond Orr, Talib Dawood
Vocals – Alice Roberts.
https://www.youtube.com/watch?v=2NLDAzj-4w0
* Un día como hoy también, en 1965, Dexter Gordon en cuarteto actuó, como otros años, en Copenhagen y la actuación fue grabada en el álbum ‘Wee Dot’.
Recorded at "Jazzhus Montmartre", Copenhagen, Denmark, in June 10, 1965.
‘Wee Dot’ es un álbum en directo del saxofonista estadounidense Dexter Gordon grabado en el ‘Jazzhus Montmartre’ de Copenhague (Dinamarca) en 1965 por Danmarks Radio y publicado en el sello SteepleChase.
Gordon introdujo cada tema con su graciosa lengua vernácula y su característica elegancia seca. Sólo hay cuatro temas en el disco, pero todos son ejercicios prolongados. El cierre es seguramente el mejor momento de un conjunto ya excelente.
Personnel:
Dexter Gordon, tenor sax;
Atli Bjorn, piano;
Benny Nielsen, bass;
Finn Frederiksen, drums
https://www.youtube.com/watch?v=D02BCAH07xQ
* Y un día como hoy, en 1965, John Coltrane en cuarteto continúa la grabación de temas que aparecieron en varios álbumes, por ejemplo, su álbum póstumo ‘Transition’ en Impulse.
Recorded: May 17 and 26 & June 10 and 16, 1965
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
En la primavera de 1965, John Coltrane consolidó su cuarteto de gala tras actuar en NY en el ’Half Note’ y en el ‘Village Gate’ en Greenwich Village y grabó para Impulse, en varias sesiones en el Van Gelder Studio de Englewood Cliffs, NJ, una serie de temas fundamentales en su trayectoria. En concreto, el 17 de mayo (que ya hubimos reseñado) y, en nuestro caso, el 26 de mayo, 10 de junio y 16 de junio.
Algunas grabaciones formaron parte del álbum ‘Kulu Se Mama’ (con adiciones de músicos y otros temas grabados el 14/10/1965), pero sobre todo, de dos álbumes póstumos ‘Living Space’ y ‘Transition’ y algún otro. Tres meses después de esta grabación, el cuarteto de Coltrane se mudó a un territorio experimental con su álbum ‘Sun Ship’.
- ‘Kulu Sé Mama’ es un álbum del músico de jazz John Coltrane. Grabado durante 1965, fue editado a principios de 1967. Fue el último álbum editado durante la vida de Coltrane. La crítica señaló que su colorida percusión hace de este álbum una grabación única, si no esencial, en la discografía de Coltrane.
- ‘Living Space’ es un álbum recopilatorio de Coltrane. Editado póstumamente por Impulse presentó piezas grabadas en 1965. Casi todas habían sido publicadas previamente, como ya hemos indicado.
- ‘Transition’ es otro álbum de Coltrane, grabado en 1965 pero editado póstumamente en 1970.
Como su título indica, ‘Transition’ fue un puente entre las grabaciones clásicas del cuarteto, como ‘A Love Supreme’, y los trabajos más experimentales de los últimos años de Coltrane. 1965 fue uno de los años más productivos de Coltrane en el estudio, lo que dio lugar a material para 10 álbumes, la mayoría de los cuales se publicaron de forma póstuma.
La forma de tocar de Coltrane alterna entre el lenguaje del blues y el free jazz que dominaría su último trabajo. De los cuatro músicos de este álbum, el pianista McCoy Tyner seguía siendo el más apegado al jazz tradicional. El bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones estaban encontrando nuevas formas de abordar sus instrumentos, mientras que Coltrane tomaba la delantera con una nueva libertad musical.
Tiene algunas de sus músicas más bellas, y algunas de las más complejas de Trane. El tema que da título a ‘Transition’ es un blues modificado de quince minutos que tiene un motivo sencillo a partir del cual el cuarteto da forma a toda una pieza de tipo sinfónico, mientras que "Dear Lord" es una balada en la que Roy Haynes sustituye a Jones en la batería, no sólo es una de las piezas más bellas de John Coltrane, sino también una de las más bellas del jazz. La línea melódica es sencilla y a la vez profunda. El cuarteto la interpreta directamente, sin muchos adornos. "Welcome", que sustituye a "Dear Lord" en la reedición del álbum, es una balada de cinco minutos con un tema en el registro altísimo del saxofón tenor que hace un amplio uso de los multifónicos. La "Suite", que cierra el disco, es una interpretación de veinte minutos que abarca una variedad de estados de ánimo. Es un tema que se mueve a través de varias secciones, como sugiere el título, pero sigue siendo una música muy intensa con Coltrane pegando sobretonos. Después de una breve introducción, se interpreta una segunda parte de la canción, más lenta pero no menos intensa, ya que Coltrane sigue haciendo solos sobre las complejas armonías y ritmos que toca su cuarteto. "Vigil", que concluye la reedición, es un ardiente dúo entre Coltrane y Jones.
La crítica señaló que ‘Transition’ actuó como una marca de extracción limpia entre el cuarteto clásico de Coltrane y las exploraciones cósmicas que seguirían hasta el fallecimiento de Trane en 1967. Con un alcance espiritual y una intensidad ardiente, el cuarteto estuvo tocando a todo vapor, pero todavía está lejos de la exploración libre total que seguiría unos meses después en otros discos o incluso la oscuridad atonal mística que llegó en el otoño de ese mismo año.
En conjunto, estas piezas forman uno de los álbumes mejor programados y variados de Coltrane, que recompensa la escucha atenta.
Personnel:
John Coltrane, tenor sax;
McCoy Tyner, piano;
Jimmy Garrison, bass;
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=iM7I84sFHJk
9)
* Un día como hoy, en 1952, Dexter Gordon con su quinteto, incorporando al también tenorísta Wardell Gray, siguen grabando temas que, junto a grabaciones de la anterior década aparecieron por primera vez en el álbum ‘Wardell Gray, Dexter Gordon. The Master Swingers!’.
Recording in Los Angeles, CA, June 9, 1952 (Grabaciones de 1941, 1946 y 1952).
Wiggins toca el órgano en “My Kinda Love”, y el órgano y la celesta en “Jingle Jangle Jump”. "My Kinda Love'" y "Citizen' Bop" están acreditadas a "Dexter Gordon with Orchestra". "The Rubaiyat" posiblemente el título se refiera a la sala ‘Rubaiyat’ del Hotel Watkins. Otros dos títulos suelen figurar como procedentes de esta sesión: "The Man With The Horn" y "I Hear You Knockin” manteniendo a Dexter Gordon tocando el saxo barítono en ellas. Definitivamente esto no es correcto. Estas dos melodías son tocadas por una banda diferente y desconocida. Hay un barítono en esos dos temas que se supuso que tal vez era Gordon. Cuando se le preguntó, Dexter no pudo recordar ninguna ocasión en la que hubiera grabado con el saxo barítono. El barítono es posiblemente Maurice Simon de una sesión completamente diferente.
Personnel:
Bass – Red Callender.
Drums – Chuck Thompson, (& Jackie Mills).
Piano, Organ – Gerry Wiggins.
Tenor Saxophone – Dexter Gordon & Wardell Gray.
Baritone Saxophone – ¿Dexter Gordon?
Piano – ¿Dodo Marmarosa & Erroll Garner?
https://www.youtube.com/watch?v=-sGbl_xkZPs
*También un día como hoy, en 1953, Clifford Brown en quinteto comienza la grabación de temas que se incorporaron a diversos álbumes, como ‘More Memorable’Tracks’ (aka ‘Alternate Takes’).
Recorded: June 9, June 20, June or August 28, 1953,
at WOR Studios, NYC.
El gran trompetista Clifford Brown es escuchado en varios escenarios en este ábum, todos los títulos han sido reeditados desde entonces. Las canciones encuentran a Brown con un quinteto que incluye al contralto Lou Donaldson y al pianista Elmo Hope.
Hay también una versión de otro tema con un sexteto encabezado por el trombonista J.J. Johnson, con el tenor Jimmy Heath (en alguna publicación aparece acreditado el batería Kenny Clarke), y cinco títulos restantes que tienen a Brown en un sexteto con el contralto Gigi Gryce, el saxofonista tenor Charlie Rouse, el pianista John Lewis y el baterista Art Blakey. De estos últimos, algunos temas son clásicos.
Aunque superado por reediciones posteriores, este conjunto tiene más que su parte de música magnífica.
Personnel:
Clifford Brown, trumpet;
Lou Donaldson, alto sax;
Elmo Hope, piano;
Percy Heath, bass;
"Philly" Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=wBvYOGjfoFQ
* Un día también como hoy, en 1958, Cecil Taylor grabó su álbum “Looking Ahead!”.
Recorded on 9 June 1958 at Nola's Penthouse Studios, NYC.
"Looking Ahead!" es un álbum del pianista Cecil Taylor grabado para el sello Contemporary. El álbum presenta las actuaciones de Taylor con Buell Neidlinger, Denis Charles y Earl Griffith.
Es una de las primeras grabaciones de Cecil Taylor, su segundo álbum, y el único del pianista para Contemporary Records que hace que el sello haga honor a su nombre.
“Looking Ahead!” [mirando hacia adelante] es precisamente lo que intenta el músico mientras mantiene los pies en la tradición. Es un documento asombroso de un talento que está a punto de estallar en la escena del jazz y que lo cambiará para siempre. Con Earl Griffith en el vibráfono, Taylor utiliza un instrumento al que volvería ocasionalmente mucho más tarde, uno que da una capa extra de percusión a la sesión, enfatizando los nuevos ataques rítmicos con los que estaba experimentando. Griffith suena como si hubiera estado uno o dos pasos conceptuales por detrás de los otros tres pero, en el contexto de la época, esto puede haber servido para hacer la música un tono más agradable para los gustos contemporáneos. Las contribuciones del bajista Buell Neidlinger y el baterista Dennis Charles no pueden ser subestimadas, ellos respiran con Taylor como una unidad y parecen estar completamente en sintonía con sus ideas. Es un magnífico escaparate, que se erige solo en el canon de Taylor.
El mejor ejemplo de este primer material de Cecil Taylor le encuentra a él en transición, su sección rítmica que está en vena de bop, ha desarrollado un oído más comprensivo hacia lo que intentaba lograr y el vibrafonista Earl Griffith presenta un buen contrapunto a su piano. Taylor y Griffith se centran en gran medida en el entrelazamiento de líneas... hay un espacio, una apertura, un enfoque arrítmico y politonal que permite que los músicos trabajen una sensibilidad inusual para sus instrumentos y una gran comprensión mutua de la música.
Musicalmente, este es un disco único en su catálogo y se sitúa más cerca de las innovaciones de Ornette Coleman que de sus propias obras posteriores. Es una grabación vital del nacimiento de uno de los genios de la música moderna.
Personnel:
Piano – Cecil Taylor
Bass – Buell Neidlinger
Drums – Dennis Charles
Vibraphone [Vibra-harp] – Earl Griffith.
https://www.youtube.com/watch?v=3WY6-fxHZvw
* Y unos días como ayer y como hoy, en 1965, Dizzy Gillespie dentro de una gran formación, se presentó con la orquesta del festival de Monterey.
Recording at Pacific Jazz Studios, Los Angeles, CA, in June 8 and 9, 1965.
‘Gil Fuller & the Monterey Jazz Festival Orchestra featuring Dizzy Gillespie’ es un álbum del compositor, arreglista y director de orquesta Gil Fuller en el que participa el trompetista Dizzy Gillespie, grabado en 1965 y publicado originalmente en el sello ‘Pacific Jazz’. El álbum se reeditó incorporando a James Moody.
La crítica calificó el álbum como un poco decepcionante, la gran banda se escucha principalmente en un papel puramente de acompañamiento detrás del gran trompetista y se produce poca interacción.
Personnel.
John Audino, Harry Edison, Dizzy Gillespie, Freddie Hill, Melvin Moore, trumpet; Jim Amlotte, Francis Fitzpatrick, Lester Robinson, trombone; Sam Cassano, David Duke, Herman Lebow, Alan Robinson, French horn; Gabe Baltazar, Buddy Collette, Bill Green, Jack Nimitz, Carrington Visor Jr., reeds; Phil Moore Jr., piano; Dennis Budimir, guitar; Jimmy Bond, bass; Earl Palmer, drums; Gil Fuller, arranger, conductor.
https://www.youtube.com/watch?v=NWmV05BvDac
8)
* Un día como hoy, en 1954, Dizzy Gillespie continuó grabando temas para su álbum ‘Jazz Recital’.
Recorded at Fine Sound Studios,New York. In two sessions, May 25th & June 8th 1954
and September 12 & November 8, 1955.
‘Jazz Recital’ (también publicado como ‘Dizzy Gillespie and His Orchestra’) es un álbum del trompetista Dizzy Gillespie, grabado en 1954 y 1955 y publicado en el sello Norgran. Consta de temas de quinteto, sexteto y orquesta de jazz.
Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet;
Jimmy Cleveland, trombone;
Hank Mobley, tenor sax;
Wade Legge, piano;
Lou Hackney, bass;
Charlie Persip, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=60eU8gIyvWo
* También un día como hoy, en 1956, Cannonball Adderley en noneto, con su hermano Nat, comenzó la grabación de los temas de su álbum ‘In The Land Of Hi-Fi’.
Recorded: June 8 , June 16 ,& June 18 , 1956
at Capitol Studios, New York, NY.
‘In the Land of Hi-Fi with Julian Cannonball Adderley’ es el cuarto álbum del saxofonista de jazz Cannonball Adderley, y el tercero publicado en el sello EmArcy, con un noneto (seis vientos, tres ritmos) con Nat Adderley, Jerome Richardson, Ernie Royal, Bobby Byrne o Jimmy Cleveland, Danny Bank, Junior Mance, Keter Betts y Charles "Specs" Wright.
Julian "Cannonball" Adderley hizo su primera descarga cuando se publicó su primer álbum. Poco después, apareció en una sesión de quinteto bajo la dirección de su hermano, Nat , en el sello Wing; más recientemente, "Cannonball" apareció con un conjunto de cuerdas. Estos álbumes lograron su objetivo de establecer a "Cannonball" como un nuevo e importante talento del jazz.
Con la presente travesía los hermanos Adderley y sus compañeros de combo vuelven aproximadamente al mismo formato y escenario de su primer álbum.
La mayoría de las melodías que se escuchan en estas caras nunca se habían grabado antes.
Por ejemplo, "Between the Devil and the Deep Blues Sea", tema de Harold Arlen de 1931, en la que los coros de Jimmy Cleveland son sorprendentes en su técnica y deslumbrantes en su estilo, a la altura de la brillante fluidez del propio "Cannonball", algunos de cuyos mejores trabajos como contralto se escuchan aquí.
En resumen, se trata de una sesión animada y llena de swing de jazz moderno sin pretensiones que servirá para consolidar aún más la reputación de "Cannonball" como uno de los grandes de la música contemporánea.
Personnel
Cannonball Adderley - alto saxophone
Jerome Richardson - tenor saxophone, flute
Danny Bank - baritone saxophone
Nat Adderley – cornet
Ernie Royal - trumpet
Bobby Byrne & Jimmy Cleveland - trombone
Junior Mance - piano
Keter Betts - bass
Charles "Specs" Wright - drums
https://www.youtube.com/watch?v=0_ExhB5kqjM
7)
* Un 7 de junio de 1955, Miles Davis grabó su bastante desconocido álbum “The Musings of Miles”.
Recorded: June 7, 1955
at Van Gelder Studio, Hackensack, N.J.
“The Musings of Miles”, grabado en formato de cuarteto con Miles como único viento, presenta también a Red Garland en el piano, el gran Oscar Pettiford en el bajo y Philly Joe Jones en la batería. Parte de la sección de ritmo de este cuarteto se convirtió en el núcleo del grupo que más tarde se conocería como el ‘Primer Gran Quinteto’ de Miles. Garland y Jones pronto estarían en el grupo de Miles, aunque el ardiente Pettiford resultó demasiado difícil de manejar para el trompetista y fue rápidamente sustituido por Paul Chambers.
En este conjunto de Miles, el atractivo histórico es que se formó en el momento en que el trompetista acababa de dejar la heroína, y poco antes de su legendaria actuación de ‘regreso’ en el festival de Jazz de Newport y la formación de su gran quinteto de los años 50. El sonido brillante y estridente del piano de Garland y el enfoque percusivo es una fortaleza importante después de las improvisaciones ágiles, aunque ocasionalmente impasibles, del trompetista. Pero Pettiford, normalmente una potencia, suena pesado, e incluso el explosivo Jones parece apagado, a pesar de un clásico atractivo como ‘A Night in Tunisia’, el tema que presenta a Philly Joe Jones tocando con baquetas especiales que tenían campanillas clavadas en el eje.
Personnel:
Miles Davis – trumpet
Red Garland – piano
Oscar Pettiford – bass
Philly Joe Jones – drums.
* Un día como hoy, en 1961, Coltrane, con orquesta añadida a su cuarteto, terminó de grabar su álbum (ya reseñado) ‘Africa/Brass’ para Impulse.
Recorded: May 23 and June 7, 1961
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
Personnel:
John Coltrane – soprano and tenor saxophone
McCoy Tyner – piano
Elvin Jones – drums
Reggie Workman & Art Davis – bass.
Booker Little – trumpet
Julius Watkins, Bob Northern, Donald Corrado, Robert Swisshelm – french horn
Bill Barber – tuba
Pat Patrick – baritone saxophone
Britt Woodman – trombone
Carl Bowman – euphonium
Eric Dolphy – alto saxophone, bass clarinet, flute.
https://www.youtube.com/watch?v=EtZaayP9v50
* Y un día como hoy, en 1967 Miles Davis comenzó, con su segundo quinteto de gala, la grabación para Columbia de su álbum ‘Nefertiti’. Todos los temas son composiciones de miembros del combo, salvo Dav, is y Carter.
Recorded: June 7, 22-23 and July 19, 1967
at 30th Street Studio, New York City.
El álbum tiene una complejidad muy sutil. . Tras una apariencia más o menos convencional se estaba preparando un nuevo avance. Un salto estilístico que de nuevo iba a colocar a su autor en la vanguardia de su estilo. El conocido como “segundo gran quinteto” de Miles Davis había dado ya algunos pasos hacia el free-jazz sin llegar nunca a abrazarlo del todo. Su revolución particular iba a ir en otro sentido y ‘Nefertiti’ iba a ser uno de los pasos hacia ella.
‘Nefertiti fue el último disco 100% acústico antes de que Davis incorporase la electricidad a sus trabajos. También iba a ser el último del quinteto como entidad unitaria. Además, ninguna de las piezas del disco está firmada por Miles Davis siendo Wayne Shorter el principal autor aunque no el único. Davis había decidido apartarse un poco de esa faceta, por un lado como una forma de tomar distancia y ganar en perspectiva hacia la música y por otro como una concesión al extraordinario talento de Shorter y Hancock. Con todo, el trompetista seguía teniendo un control total sobre su banda y era él quien tomaba en última instancia las decisiones sobre el repertorio introduciendo las modificaciones que creía oportunas en las piezas de sus compañeros.
El quinteto que graba el disco lo forman: Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería) y los mencionados Miles Davis (trompeta) y Wayne Shorter (saxo tenor).
El tema “Nefertiti” sorprende. Comenzamos a darnos cuenta de que estamos ante una composición en la que los papeles están cambiados. Los protagonistas no son los metales, que se limitan a la ejecución del mismo tema una y otra vez, sino la batería, que en cada repetición del motivo central ejecuta nuevos patrones cada vez más complejos. No es raro que se hable de un verdadero concierto para batería ya que es ese instrumento el que adopta el rol principal y lo hace de un modo sensacional.
Con este álbum, Davis cerró una etapa de su carrera y se dispuso a abrir otra más excitante y arriesgada, si cabe, que todas las anteriores. La despedida no pudo ser más brillante y así, estamos ante uno de los discos mejor valorados por la crítica en general de toda la carrera de uno de los músicos clave para entender la historia de todo un género como el jazz.
Personnel:
Miles Davis – trumpet
Wayne Shorter – tenor saxophone
Herbie Hancock – piano
Ron Carter – double bass
Tony Williams – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Iu0IfC_IUaA
6)
* Un día como hoy, en 1950, un acontecimiento, Parker & Gillespie, con Monk en quinteto, grabaron prácticamente (con alguna toma previa incluida) su último álbum juntos: el genial "Bird and Diz".
Recorded 6th June 1950.
& 2 tracks recorded 2nd March & 5th May 1949.
Originalmente reseñado como interpretado por el 'Charlie Parker Quintet', los temas principales fueron grabados el 6 de junio de 1950 en un estudio de grabación desconocido de la ciudad de Nueva York. En marzo y mayo de 1949, Parker había grabado dos pistas que aparecieron en la edición original, sin Gillespie y con un personal diferente al de las otras de junio.
El álbum, última grabación de estudio en colaboración de Parker y Gillespie, contiene composiciones realizadas con la instrumentación estándar de saxofón, trompeta, piano, bajo y batería del be-bop. Monk, aquí, está diluido en el combo y tiene muy poco espacio en solitario, por lo que su genio altamente idiosincrásico no tiene mucha exposición.
Atrás quedaban los tiempos difíciles en los que los críticos y parte del público criticaban con dureza su música, ya eran los reyes indiscutibles del jazz y no había vuelta atrás. El líder del cambio (Parker) junto al hombre que lo supo vender (Gillespie) y, para alcanzar la perfección absoluta, el filósofo del bop, el hombre misterioso, el gran Monk al piano.
Be-bop genuino, y con un repertorio absolutamente nuevo sacado de la chistera de un Parker en estado puro. Totalmente sublime, perfecto, una cumbre del be-bop. Imprescindible.
Personnel:
Charlie Parker (as),
Dizzy Gillespie (tp),
Thelonious Monk (p),
Curley Russell (b)
Buddy Rich (d).
https://www.youtube.com/watch?v=6AffTF6GeIM
5)
* Un día como hoy, en 1947, Dexter Gordon en quinteto, grabó temas para Dial, que aparecieron en distintos álbumes, por ejemplo ‘The Chase’, junto con otras grabaciones con combos diferentes.
Recorded at C.P. MacGregor Studios, Hollywood, Los Angeles, Ca. Thursday, June 5, 1947 , Thursday, June 12, 1947 and Thursday, December 4, 1947.
Personnel:
Melba Liston, trombone;
Dexter Gordon, tenor sax;
Charles Fox, piano;
Red Callender, bass;
Chuck Thompson, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=UbWaEDjWsNs
*Un día también como hoy, en 1956, Miles Davis con su primer gran quinteto, continuó la grabación de temas para su primer álbum para Columbia, ‘'Round About Midnight’, reeditado en varias ocasiones con bonus tracks y temas de otras actuaciones posteriores.
Recorded: October 26, 1955; June 5 and September 10, 1956
at 30th Street Columbia Studios, New York
‘'Round About Midnight’ es un álbum de estudio del músico estadounidense de jazz Miles Davis. Fue su debut para Columbia Records. El álbum toma el nombre de un tema de Thelonious Monk. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en el Columbia Studio D el 26 de octubre de 1955, y en el CBS 30th Street Studio el 5 de junio y el 10 de septiembre de 1956.
En la edición de 1955 del Newport Jazz Festival, Davis había interpretado "'Round Midnight" como parte de una improvisación "all-star", incluyendo, entre otros, al compositor de la canción, Monk. El solo de Miles Davis fue recibido de forma extremadamente positiva por parte de todos. Fue visto como una significativa vuelta a la escena musical y como un indicativo de que el artista volvía a estar recuperado de su adicción a las drogas. Directivos de la Columbia presentes consiguieron convencerlo para firmar un contrato y, así, formó su famoso "primer gran quinteto", con John Coltrane en el saxo, con lo que ‘'Round About Midnight’ sería su primer álbum para el sello.
Davis seguía teniendo un contrato con Prestige, pero llegaron a un acuerdo de forma que pudiese grabar material para Columbia, siempre y cuando no se publicara hasta que el contrato con Prestige hubiese expirado. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en los estudios de Columbia; la primera sesión, en el Studio D, primera grabación de estudio del quinteto y el resto del álbum fue grabado en dos sesiones separadas en el 30th Street Studio. Durante todo este periodo, el Miles Davis Quintet seguía grabando material para cumplir con su vigente contrario con Prestige.
Considerado por muchos como uno de los pináculos de la era del hard bop, 'Round About Midnight está considerado por la crítica como un punto de referencia y uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos.
La selección de canciones representa un resumen de la anterior era bebop, con las interpretaciones suavizadas por el liricismo inherente de Davis, pero arraigadas en el nuevo estilo promovido por los pioneros del hard bop. Coltrane estaba todavía por convertirse en una icónica figura para la historia del jazz, y su presencia el quinteto de Davis resultaba una decepción para muchos como reemplazo de Rollins. Su estilo, aunque embrionariamente frenético y perspicaz, no contaba todavía con el enfoque "sheets of sound" que lo haría famoso al final de la década. En abril de 1957, su adicción a la heroína le llevaría a dejar el grupo y unirse a Monk, bajo la tutela del cual el estilo del saxofonista se solidificaría considerablemente.
La crítica acabó reconociendo que si se quiere escuchar los orígenes del jazz moderno post-bop, ahí está.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
John Coltrane, tenor sax;
Red Garland, piano;
Paul Chambers, bass;
Philly Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=tJ2e08GMmug
*Y un día como hoy, en 1960, Cannonball Adderley junto a su quinteto, graban temas para su álbum ‘Cannonball Adderley And The Poll-Winners’.
Recorded at, June 5, 1960.
Recorded: May 21, 1960 at Fugazi Hall, San Francisco, CA
& June 5, 1960 at United Recording, Los Angeles, CA
‘Cannonball Adderley and the Poll-Winners’ es un álbum del saxofonista de jazz Julian "Cannonball" Adderley publicado en el sello Riverside, con actuaciones de Adderley con Wes Montgomery, Ray Brown, Victor Feldman y Louis Hayes.
Ésta fue la segunda reunión en disco de Adderley y Montgomery, y presenta al saxofonista en un contexto inusual, compartiendo la primera línea con el guitarrista, uno de los guitarristas más venerados de la historia del jazz, que apenas comenzaba su carrera como solista de renombre.
Esta notable reunión de grandes talentos del jazz surgió, como suele ocurrir, de forma no premeditada. Básicamente, fue el resultado de aprovechar una oportunidad de oro para reunir a algunos grandes artistas de jazz muy compatibles que normalmente no se encuentran en el mismo lugar al mismo tiempo.
En la primavera de 1960, Adderley había traído a su quinteto de vuelta a San Francisco para un compromiso. El otro club de jazz principal de la ciudad, ‘The Blackhawk’, presentaba entonces al Oscar Peterson Trio, que casualmente incluía a ese gigante entre los bajistas modernos, Ray Brown Y justo al otro lado de la bahía, en Oakland, estaba Wes Montgomery, que había llegado al Oeste para unirse a sus hermanos y formar un nuevo grupo.
Para Cannonball, que llevaba tiempo esperando grabar con Ray, la presencia añadida del notable guitarrista creaba una situación total demasiado oportuna para ser ignorada. Así que los tres se reunieron, junto con el pianista-vocalista Victor Feldman y el baterista de Adderley, Louis Hayes, en una gran sala de reuniones de una calle lateral y acústicamente afortunada, para la primera mitad de este álbum.
Feldman, por cierto, había sido llamado desde Los Ángeles en gran medida por sus méritos en el vibráfono. En vista del énfasis que se iba a poner en la guitarra y el bajo, Adderley pensó que ese instrumento sería el más adecuado para redondear la inusual coloración musical. Cuando, unos meses más tarde, Cannonball pidió a Vic que cubriera una vacante de piano en el Adderley Quintet' fue el producto final de una línea de pensamiento que había comenzado en este momento.
Dos semanas más tarde, cuando Cannon y Ray estaban trabajando en Los Ángeles, los cinco hombres se reunieron de nuevo en los estudios United Recording y grabaron un tema de Charlie Parker y el resto.
Este álbum fue bastante subestimado tanto por la crítica como por el público. Las razones de ello acaso habría que encontrarlas en la indefinición del jazz que hacen, pues no acaba no ser cool en sentido estricto pero tampoco puro hard bop.
Y es que aunque no fue un encuentro clásico, la música se mece con nervio y es bastante agradable. La sesión fue una típica reunión de estrellas de la época, y si en su momento pareció artificial, está bien poder escuchar a Adderley, Montgomery y Brown en la misma banda. Aunque los protagonistas del disco son Wes Montgomery y ‘Cannonball’ Adderley hay que estar muy atentos al trabajo de Victor Feldman, tanto al piano como al vibráfono, pues por momentos se come a los dos con su trabajo. Un cruce feliz y fortuito de los caminos de grandes artistas. Si no hay nada que pueda llamarse sorprendente, la oportunidad de escuchar a estos músicos en su mejor momento es un agrado. Decididamente un álbum a tener en cuenta.
Personnel:
Julian "Cannonball" Adderley, alto sax;
Victor Feldman, vibes, piano;
Wes Montgomery, guitar;
Ray Brown, bass;
Louis Hayes, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=C1Tg7S9T5E8
4)
* Un día como hoy, en 1950, Charlie Parker participa durante varios días con otros músicos en la actuación grabada en las conocidas como ‘Apartment Jam Sessions’.
Recorded at William Henry Apartment, 136th. St./ Broadway, New York City.
June 4, 11, 18 & 25, 1950.
Personnel:
Norman Carson, Jon Eardley, John Nielson trumpet ; Jimmy Knepper, trombone; Charlie Parker, Joe Maini, alto sax ; Bob Newman, Don Lanphere, Gers Yowell, tenor sax ; John Williams, piano; Buddy Jones, bass; Phil Brown, Frank Isola, Buddy Bridgeford, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=FEWlf3Pd-n8
* Un día como hoy, en 1960, Lee Morgan con Art Blakey And The Jazz Messengers, siguió con las actuaciones grabadas en el ‘Birdland’ durante todo ese año. Se recogieron en diferentes álbumes.
Recorded at "Birdland," NYC.
Apr.16, Apr.23, May 28, Jun.4, Sep.11, Oct.28 & Nov.5, 1960.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Wayne Shorter, tenor sax;
Bobby Timmons, piano;
Jymie Merritt, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=MrgNkWDSIGw
* Y un día como hoy, en 1968, Barry Harris con un gran sexteto que incluía al buen trompetista Kenny Dorham, grabó su álbum ‘Bull's Eye’ para Prestige.
NYC, June 4, 1968 Recorded: June 4, 1968 at New York City.
Barry Harris era uno de los últimos puristas del bebop en el piano. En 1968, muchos pianistas acústicos elegían el post-bop modal o el jazz de vanguardia en lugar del bop, y algunos tomaban teclados eléctricos y empezaban a explorar una nueva y fascinante amalgama de jazz-rock-funk que llegó a llamarse fusión. Pero Harris, que tenía 38 años cuando grabó ‘Bull's Eye’, seguía siendo un bebopper empedernido en la línea de Bud Powell y Thelonious Monk. En esta sesión de 1968, con unos acompañantes entre los que se encuentran el trompetista Kenny Dorham, el saxofonista Charles McPherson (a quien se escucha en el tenor en lugar de su habitual alto), el saxofonista barítono Pepper Adams, el bajista Paul Chambers y el baterista Billy Higgins, el oriundo de Detroit no ofrece ningún reconocimiento de las tendencias del piano de jazz de los años 60. No reconoce el post-bop modal de McCoy Tyner, como tampoco reconoce el free jazz de Cecil Taylor. Y menos mal, porque Harris es genial en lo que hace. A diferencia de Tyner, Taylor, Bill Evans, Chick Corea o Andrew Hill, Harris siempre fue un seguidor más que un líder. Pero, de nuevo, es grande en lo que hace, y en ‘Bull's Eye’, Harris sobresale. Para los estándares de 1968, ‘Bull's Eye’ no es nada innovador; los solos de Harris parecen haber sido grabados diez o veinte años antes. Pero en términos de calidad y destreza musical, no defrauda a sus seguidores.
Kenny Dorham, trumpet;
Charles McPherson, tenor sax;
Pepper Adams, baritone sax;
Barry Harris, piano;
Paul Chambers, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=zg-XePkGRBA
3)
* Un día como hoy en 1963, el tenorísta Joe Henderson grabó su primer álbum como líder, "Page One".
Recorded on June 3, 1963 at the Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
Hace cincuenta y nueve años hoy, Joe Henderson, de 26 años, grabó su álbum debut para Blue Note. El título “Page One” es apropiado para este disco, ya que marca el comienzo del primer capítulo en la larga y fructífera carrera del tenor Joe Henderson.
En la portada (con una famosa foto de Henderson de F. Wolff frente al entonces nuevo Lincoln Center en Nueva York) se incluye "Joe Henderson / Kenny Dorham / Butch Warren / Pete La Roca, etc.”. Solo falta el nombre de McCoy Tyner. Tyner acababa de firmar con Impulse, por lo que esta primera aparición en Blue Note no era una cláusula de su contrato y supuestamente lo violaba. En otras ediciones figuraría que McCoy actuaba por cortesía de su sello.
Henderson y Dorham hacen una pareja ideal. Ambos muestran la destreza compositiva ya madura que se convertiría en la marca registrada de Henderson a lo largo de su legendaria carrera. Varios de los temas que hicieron su primera aparición en el álbum se convirtieron en megaclásicos del jazz moderno... tocadas en sesiones de improvisación en todo el mundo y conocimiento esencial para todos los músicos de jazz.
Aunque uno tiene la sensación cuidadosa de una primera sesión de un líder, se nota un esfuerzo particularmente fuerte e histórico. Es uno de los álbumes más aclamados por la crítica de Henderson y una de las 17 grabaciones esenciales de hard bop.
Pero Joe Henderson pasará a la historia del jazz por otras razones, entre ellas la de ser el saxo tenor de dos de los discos más vendidos de la historia del sello Blue Note: “The Sidewinder“ de Lee Morgan y “Song for My Father” de Horace Silver. Su estilo refleja la síntesis de toda la tradición negra del saxo tenor y es una buena muestra de que la forma no está reñida con la inventiva. Durante sus cerca de cuarenta años de carrera profesional, logro implantar una voz particular y ser un sonido de referencia.
Personnel:
Joe Henderson – tenor saxophone
Kenny Dorham – trumpet
McCoy Tyner – piano
Butch Warren – bass
Pete La Roca – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=yaHl83qK0eM&t=2s
https://www.youtube.com/watch?v=2lGPBce-FRo
2)
* Un día como hoy, en 1964, poco antes de su muerte, Eric Dolphy graba en vivo su histórico álbum “Last Date”, originalmente una emisión de radio de su concierto en Hilversum en los Países Bajos.
Recorded: June 2, 1964. Hilversum, Netherlands,
Estamos ante la penúltima sesión de grabación conocida de Eric Dolphy, no su último concierto (se tenía por la última, pero su actuación en París el 11 de ese mes apareció también en disco). Días antes había actuado en París y un día antes en Eindhoven, también Holanda.
Tras la última gira europea con Charles Mingus, que terminó a finales de abril en Alemania, Dolphy decidió quedarse en Europa en 1964. El concierto, grabado el 2 de junio de 1964 en Holanda, fue sólo 27 días antes de su muerte por shock diabético, exactamente el 29 de junio Dolphy falleció de forma repentina.
Esta sesión no tiene nada de testimonio, sino que nos permite comprobar como Eric, fue fiel a su música hasta la final de sus días. Como siempre con Dolphy, muy buena música. Y este álbum a menudo considerado como su mejor grabación.
Personnel:
Eric Dolphy – bass clarinet, flute, alto saxophone
Misha Mengelberg – piano
Jacques Schols – double bass
Han Bennink – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=XUvz0FJzB_s
* Y ese mismo día de 1964, Dexter Gordon grabó, en quinteto, en París su álbum ‘One flight up’.
Recorded: June 2, 1964
at CBS Studios, Paris, France.
‘One Flight Up’ es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Dexter Gordon grabado en 1964 en París y publicado en el sello Blue Note, en el que participan músicos americanos que vivían en Europa como él y un joven contrabajista danés que alcanzó mucha proyección.
En los años 40, Gordon había pasado por varias orquestas de swing, entre ellas la de Louis Armstrong. Tras una amplia experiencia en la era del be bop, que incluyen colaboraciones con Fletcher Henderson o Dizzy Gillespie, y unos tumultuosos años 50 caracterizados por sus problemas con las drogas y sus estancias en la cárcel, las grabaciones de 1960 le supondrían recuperar el crédito perdido.
Aunque influenciado por el saxo alto de Charlie Parker, Dexter toma como referencia el tenor de Lester Young creando un estilo propio, pasando a ser una referencia con el saxo tenor junto a los grandes John Coltrane y Sonny Rollins. A todo esto se añadiría un contrato con Blue Note Records en 1961 que marcaría su carrera y daría lugar, probablemente, a sus mejores elepés hasta su paso a Prestige en 1969.
En 1962 Dexter Gordon viajó a Europa para una gira, pero terminaría quedándose durante 14 años, principalmente en París y en Copenhague. Los motivos hay que buscarlos en la sensación de libertad que sintió al ser tratado como un músico, no como un negro músico, algo muy propio de la América de los 60.
“One flight up” fue grabado el 2 de junio de 1964 en los Barclay Studios de París. El disco fue grabado por un quinteto formado por los “auto-exiliados” Dexter Gordon al saxo tenor, Donald Byrd a la trompeta (que grabaría ese mes también con Eric Dolphy), Kenny Drew al piano y Art Taylor a la batería junto al joven bajista danés conocido a su paso por Copenhague, Niels-Henning Orsted Pedersen, alias NHOP.
El disco solo tuvo tres temas, destacando el que ocupa los 18 minutos largos de la cara A. “Tanya”, es una composición de Donald Byrd con forma de vamp menor, en la que NHOP y Art Taylor crean una atmósfera asimétrica para las largas improvisaciones modales, primero de Gordon, luego de Byrd y Drew, que se dan réplica y contraréplica sin ataduras comerciales. El segundo tema, “Coppin ‘the Haven”, es una composición modal de Drew que mantiene una estructura similar al anterior. El disco se cerraba con un tema más clásico, una balada clásica titulada “Darn That Dream”, firmada por DeLange y Van Heusen, en la que Dexter manifiesta su estilo romántico, complementado con unos breves solos de Kenny Drew, dejando en este caso a Byrd al margen. Su reedición incluyó un corte compuesto por Gordon, de armonía más clásica, también sin Byrd, titulado “Kong Neptune”.
La crítica afirmó que el álbum se erigía como un testimonio de la viabilidad de Dexter Gordon como líder de la banda y compañero de equipo, mientras que su individualismo queda algo sublimado. Y que era estupendo ver que Gordon daba mucho espacio a los otros músicos. Dexter estuvo tranquilamente contenido, Byrd jugaba con Hubbard, Drew con Pearson y Hancock, Taylor mezclaba a Blakey con un toque de Williams, y Pedersen camina como un sueño.
Personnel:
Dexter Gordon - tenor saxophone
Donald Byrd - trumpet
Kenny Drew - piano
Niels-Henning Ørsted Pedersen – bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=TUOivCL5imA
1)
* Un día como hoy, en 1959, Thelonious Monk comienza la grabación de su álbum "5 by Monk by 5".
Recorded : June 1, 2, & 4, 1959.
at Riverside Studio, New York.
“5 by Monk by 5” es un álbum del pianista de jazz Thelonious Monk, grabado en 1959. Contiene cinco composiciones originales de Monk interpretadas por un quinteto. Por eso el título del álbum proviene del quinteto que interpreta cinco de las composiciones de Monk.
Cuando los años 50 llegaron a su fin, también lo hizo el contrato de Monk en Riverside. De hecho, las tres fechas necesarias para este título serían su penúltima grabación para esa etiqueta.
Irónicamente, ésta fue la primera vez que Monk había grabado con una alineación que presentaba tan prominentemente una sección rítmica bop ‘estándar’ que incorporaba tanto una trompeta (o, en este caso, corneta) como un saxofonista. El quinteto incluye a Monk (piano), Thad Jones (corneta), Charlie Rouse (saxo tenor), Sam Jones (bajo) y Art Taylor (batería). Rouse se convertiría en el saxofonista tenor permanente de Monk durante la mayoría de los años sesenta.
En lo que se había convertido en una tradición, el programa del disco consta de varios de los temas más establecidos de Monk, así como algunas composiciones nuevas.
Se debe comparar la complejidad de las composiciones con las contribuciones de Monk como miembro de la banda. Ejemplifica los arreglos sueltos, desarticulados y extremadamente difíciles que definirían a Monk como un compositor / arreglista / líder de banda de primer nivel. Esto contrasta con el Monk, teclista y miembro de la banda, como demuestra hábilmente en todo el álbum. Una sesión de Monk relativamente poco conocida, pero muy buena.
Personnel:
Thelonious Monk – piano
Thad Jones – cornet
Charlie Rouse – tenor saxophone
Sam Jones – bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=J97NXIQfPnM
* Y un día como hoy, en 1964, Coltrane finalizó la grabación con su cuarteto clásico de su álbum ‘Crescent’.
- Recorded 27 April and 1 June, 1964
at Van Gelder Studio , Englewood Cliffs, Nueva Jersey.
‘Crescent’ es un álbum de estudio de 1964 del músico de jazz John Coltrane editado por Impulse. Junto a Coltrane en el saxofón tenor, el álbum presenta a McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo) y Elvin Jones (batería) interpretando composiciones originales de Coltrane.
Durante 1964 John Coltrane pasó en el estudio de grabación el menor tiempo de toda su carrera en solitario. No fue hasta el 27 de abril cuando Trane, junto con su cuarteto, se dirigió al estudio Englewood Cliff de Rudy Van Gelder para comenzar a trabajar en el álbum que llegó a llamarse ‘Crescent’. Grabaron todos los temas que aparecen en ‘Crescent’, pero no las versiones finales de los cinco temas del álbum. De ese primer día de grabación, tres son los que llegaron a la versión final. El 1 de junio de 1964, el cuarteto volvió a Englewood Cliffs para volver a grabar el tema que da título al álbum y otro blues.
Este disco precede a "A Love Supreme" y Coltrane parece haber alcanzado la serenidad y un sabio equilibrio en su discurso musical. En el mismo tono con el que después seguiría grabando, Coltrane consigue con este disco uno de los mejores momentos de su carrera. Las grabaciones de Coltrane con el sello Impulse marcaron toda una época gloriosa en la carrera del saxofonista.
El saxofonista y compositor John Coltrane y la discográfica Impulse formaron un binomio tan bien avenido que sólo se rompió con el fallecimiento del músico. De hecho, puede decirse que fue Coltrane quien levantó y dio forma al sello grabando algunos de sus discos más memorables en la historia del jazz.
El saxofonista grabó cinco discos para esta discográfica en los
años 1963 y 1964.
- El primero es “John Coltrane and Johnny Hartman”, grabado a finales de 1962 y
comienzos de 1963. Se trata de la colaboración surgida con el cantante Johnny
Hartman quien, al igual que el saxofonista, había pertenecido a la banda de
Dizzy Gillespie (de la que Coltrane fue tercer saxo alto). “John Coltrane &
Johnny Hartman” es una continuación de “Ballads”, en la que el protagonismo
recae sobre el vocalista y este realiza un trabajo tal con la totalidad de las
interpretaciones se consideran hoy las lecturas definitivas de esos temas.
- El segundo es “Impressions”, un disco que puede parecer una mezcolanza pues los cuatro temas que lo componen fueron grabados en tres sesiones distintas de tres años diferentes. Los dos tracks más largos, la variante muy personal y magnífica visión coltreniana del “So what” y la que contiene un gran dúo entre Coltrane y Eric Dolphy, fueron grabados en directo en noviembre de 1961 en el Village Vanguard. Otro tema data de 1962, y se trata de un tenso y enrevesado blues sin el piano de McCoy Tyner. Y los últimos fueron grabadas en 1963, en una sesión donde el baterista Roy Haynes sustituyó temporalmente a Elvin Jones. Estas cuatro piezas muestran una mirada multifacética del saxofonista.
- El tercer álbum es; “Live at Birland”, y contiene dos tema grabados en estudio y tres en el mítico local neoyorkino. John Coltrane compuso la melodía de “Alabama” (grabada en directo el 8 de octubre de 1963), basándose en las inflexiones vocales de un discurso de Martin Luther King, Jr. El saxofonista adoptaría dicha forma de componer de ahí en adelante, imitando con precisión la voz humana y tratando de interpretar textos con su saxo tenor.
- El cuarto disco corresponde a “Crescent”, grabado entre el 27 de abril y el 1 de junio de 1964. Este es un disco no suficientemente valorado de Trane, acaso porque se editase entre dos brutales discos, pero lo cierto es que este álbum contiene cuatro formidables baladas. Tanto por su título como por su atmósfera similar a una plegaria, con “Crescent” el saxofonista mostró lo que acabaría siendo el sonido Coltrane por excelencia.
Coltrane no hace ningún solo en la cara B del LP original; la balada "Lonnie's Lament" en cambio presenta un solo de bajo largo de Garrison. La pista de cierre del álbum es una característica de improvisación para Jones (con un escaso acompañamiento melódico del saxo tenor de Coltrane y el bajo de Garrison al principio y al final de la canción): Coltrane continuó explorando dúos de batería / saxofón en presentaciones en vivo con este grupo y en grabaciones posteriores como el espacio interestelar lanzado póstumamente (con Rashied Ali).
Una versión anterior de "Lonnie's Lament" aparece en ‘Afro-Blue Impressions’ y una versión de casi una hora de "Crescent" se grabó en ‘Live in Japan’ . El álbum completo fue recopilado en ‘The Classic Quartet: The Complete Impulse Grabaciones’ . Más tarde, Coltrane grabó la canción "After the Crescent", que apareció en 1978 en ‘To the Beat of a Different Drum’.
El tema principal fue posteriormente utilizado por Alice Coltrane para ‘Translinear Light de 2004’ y McCoy Tyner en su álbum de 1991 ‘Soliloquy’ . Tyner volvió a grabar en vivo para los álbumes ‘McCoy Tyner Plays John Coltrane: Live at the Village Vanguard y Live at Sweet Basil’.
Por último, estaría “A Love Supreme”, una suite en cuatro partes y uno de los mejores discos de la historia del jazz.
La viuda de Garrison recordó que el disco que tratamos, junto con ‘A Love Supreme’, fueron los dos que más escuchó Trane, lo cual no es demasiado sorprendente si se tiene en cuenta que sólo seis meses después grabó su obra maestra.
Personal:
John Coltrane (saxofón tenor)
McCoy Tyner (piano)
Jimmy Garrison (contrabajo)
Elvin Jones (batería).
https://www.youtube.com/watch?v=vQPfv0Fyqhc