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30)
* Un día como hoy, en 1965, John Coltrane en sexteto actuó en Seatle y quedó registrado en su álbum ‘John Coltrane Featuring Pharoah Sanders - Live In Seattle’.
· Recorded in performance at ‘The Penthouse’, Seattle, Washington, on September 30, 1965.
‘Live in Seattle’ es un álbum doble en directo del saxofonista de jazz John Coltrane, grabado y publicado póstumamente en el sello Impulse. El álbum consiste en un set tocado por el cuarteto de Coltrane (aumentado como sexteto con el segundo saxofonista Pharoah Sanders y el segundo bajista Donald Garrett, que también toca el clarinete bajo) en ‘The Penthouse’ el 30 de septiembre de 1965. Junto con el posterior ‘A Love Supreme: Live in Seattle’, grabado dos días después en el mismo club, son las únicas grabaciones en directo publicadas oficialmente de la formación de seis músicos de Coltrane de finales de 1965. La edición original se amplió en la reedición.
Entre el 14 y el 26 de septiembre de 1965, el John Coltrane Quartet tocó en el ‘Jazz Workshop’ de San Francisco. El saxofonista Pharoah Sanders (fallecido en el presente mes de 2022), cuya música admiraba Coltrane y que había grabado anteriormente con Coltrane en ‘Ascension’, fue a escuchar al grupo y fue invitado a participar. Según Sanders, le dijo que estaba pensando en cambiar el grupo y cambiar la música, para conseguir sonidos diferentes y le pidió que tocara con él. Al mismo tiempo, el multiinstrumentista Donald Garrett, que había tocado con el grupo de Coltrane en 1961 como segundo bajista, también fue invitado a participar. Al final del concierto de dos semanas, tanto Sanders como Garrett fueron invitados a unirse a la banda, y la acompañaron al siguiente compromiso, del 27 de septiembre al 2 de octubre, en ‘The Penthouse’ de Seattle.
Durante la estancia en Seattle, Coltrane decidió documentar al grupo recién ampliado por su cuenta, contratando al ingeniero de grabación Jan Kurtis para el concierto del 30 de septiembre. Esa noche se grabaron aproximadamente 3 horas y media de música y, unos cuatro años después de la muerte de Coltrane, se seleccionaron cuatro piezas, "Cosmos", "Out Of This World", "Evolution" y "Tapestry In Sound", para que aparecieran en el álbum doble original, con "Out Of This World" y "Evolution" divididas en dos caras. Dos piezas adicionales, "Body and Soul" y una versión incompleta de "Afro Blue", se añadieron para la primera reedición, y "Out Of This World" y "Evolution", previamente divididas, se restauraron para crear versiones continuas. ("Afro Blue" presenta un solo de saxofón alto de un intérprete no identificado; se ha especulado que podría haber sido Carlos Ward o Joe Brazil).
La mayor parte del resto de la música grabada esa noche fue publicada por Rare Live Recordings muy posteriormente en ‘The Unissued Seattle Broadcast’, que fue creado a partir de la grabación de un fan de una emisión de radio, ‘Jazz from the Penthouse’ en KING-FM, presentada por Jim Wilke. Contiene cuatro temas: "Untitled Original", que termina con un dúo de bajo que aparentemente precede a "Cosmos" del disco original en cuanto al orden real de ejecución; una continuación incompleta de la versión de "Afro Blue" que apareció en el original; "Lush Life"; y una versión incompleta de "My Favorite Things".
Al día siguiente, el 1 de octubre, el grupo de Coltrane, junto con Joe Brazil, se dirigió al estudio de Jan Kurtis, Camelot Sound Studios en Lynnwood, Washington, para grabar ‘Om’. El 2 de octubre, el grupo regresó a ‘The Penthouse’ e interpretó la música que se escucha en el álbum ‘A Love Supreme: Live in Seattle’.
La crítica resaltó, por ejemplo, que el sonido de Coltrane no se parecía a nada, al ser salvaje, furioso, disonante, despreciando las reglas convencionales de los armónicos e indiferente a la melodía, siendo el sonido más influyente del jazz moderno. 1965 fue el año en que la música de Trane se volvió bastante atonal y, con la incorporación de Sanders, a menudo muy violenta. Esta música, por tanto, no es para los fans de las primeras ‘hojas de sonido’ de Coltrane o para los que prefieren el jazz como música melódica de fondo.
El álbum es un documento implacablemente crudo y abrasivo de la última época de Coltrane. En cierto modo, también marca el principio del fin del cuarteto clásico de Coltrane, una banda considerada universalmente como una de las mejores formaciones de jazz de todos los tiempos. Coltrane se adentraba ahora en un terreno tan lejano buscando el sentimiento puro, más allá de las notas, que sus fieles compañeros, con los que había grabado ‘A Love Supreme’, ‘Crescent’ y ‘My Favorite Things’, ya no podían seguir. Este es el último estertor del cuarteto clásico y las líneas están claramente trazadas, Coltrane y Sanders por un lado (con la ayuda de Donald Garrett) y Tyner y Jones por el otro. Jimmy Garrison media entre las dos facciones proporcionando largos solos de bajo que suenan como sermones. En Seattle, Coltrane había prescindido de las melodías convencionales en su propia búsqueda espiritual para tocar esos dramáticos solos extendidos y era pura turbulencia, un torrente de notas demasiado primario para ser contenido.
Personnel:
Donald Garrett, bass clarinet, bass;
Pharoah Sanders, tenor sax;
John Coltrane, tenor, soprano sax;
McCoy Tyner, piano;
Jimmy Garrison, bass;
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=6_jL4aq1ob8
https://www.youtube.com/watch?v=VRoOywYMMjo
* Y un día como hoy, en 1973, Sonny Rollins en quinteto actúo en vivo en Tokio. La actuación se registró en el álbum ‘Sonny Rollins In Japan’.
· Recorded at "Nakano Sun Plaza Hall", Tokyo, Japan, on September 30, 1973
Uno de los mejores álbumes de Sonny Rollins de los años 70 - una fecha en vivo sólo en Japón que presenta un excelente trabajo tanto en el saxo tenor como en el soprano. El grupo tiene una sensación realmente fantástica -gracias a las congas de Mtume y la guitarra de Yoshiaki Masuo- ambos aportan algunos elementos nuevos al groove de Rollins, junto con el bajo eléctrico de Bob Cranshaw y la batería de David Lee. Los solos de Sonny están bien construidos y son bastante extensos, con un fuerte sentido del ardor y un poco menos de la estrofa que a veces aparece en otros álbumes de Estados Unidos. Los temas son todos largos, y los títulos incluyen "Powaii", "Moritat", "Alfie" y "St Thomas". Se reedito añadiendo un disco extra completo de trabajos inéditos del concierto.
Personnel:
Sonny Rollins, tenor & soprano sax;
Yoshiaki Masuo, guitar;
Bob Cranshaw, bass;
David Lee, drums;
Mtume, percussion, piano.
https://www.youtube.com/watch?v=9LMHqAazg44
29)
* Un día como hoy, en 1947, Dizzy Gillespie actuó con su orquesta en el Carnegie de NYC. Como artista invitado estuvo Charlie Parker con quién, en quinteto sólo, compartió la actuación. Quedó registrado en el álbum ‘Diz 'N Bird At Carnegie Hall’.
· Recorded at "Carnegie Hall", NYC, on September 29, 1947.
El álbum reúne todas las piezas musicales aprovechables grabadas en el concierto de Parker y Gillespie en el Carnegie Hall el 29 de septiembre de 1947. Ese día se produjo la rara unión de dos leyendas del jazz [era la segunda aparición de Bird en el Hall (hizo 13 en total) y el debut de Dizzy como cabeza de cartel (finalmente actuó en el Hall más de 50 veces)]: el pionero director de orquesta y trompetista Dizzy Gillespie y el legendario saxofonista Charlie "Bird" Parker. Acompañados de renombrados músicos y solistas, el concierto se anunció oficialmente como una actuación de "Dizzy Gillespie y su orquesta", con Ella Fitzgerald como solista (aunque Fitzgerald cantó con la orquesta de Dizzy esa noche, no aparece en la grabación en directo publicada 50 años después de la actuación).
Los temas del quinteto, "A Night in Tunisia", "Dizzy Atmosphere", "Groovin' High", "Confirmation" y "Koko", han sido reeditados hasta la saciedad. Todos los temas son brillantes, inluso "Ko Ko" (a pesar de la mala calidad de la grabación) pero el solo de Parker en "Confirmation" se lleva la palma. Por su parte algunos de los temas de la big band de Gillespie aparecieron brevemente en Arco, pero han pasado desapercibidos durante 50 años.
Gillespie grabó muchas de las mismas piezas antes o después para Musicraft y Victor. Pero estas versiones de concierto tienen una cruda emoción que permite entender mejor por qué tanta gente que lo escuchó en persona dice que era la más estimulante de todas las grandes bandas. Tienen más que un interés de archivo, sobre todo por el asombroso fuego de la interpretación de Gillespie. Aquella noche estuvo tan caliente con la big band como con Parker en el quinteto.
Este concierto, un fastuoso asunto promovido por Leonard Feather, ofrecía un programa del nuevo jazz, con la big band de Gillespie y Ella Fitzgerald. Parker fue incluido como estrella invitada en el formato de quinteto para un breve set. La condición de invitado parece haber molestado a Parker, y sus interacciones con Gillespie son más agónicas que de costumbre. Los tempos de algunas piezas, como "Dizzy Atmosphere", son muy rápidos, pero en su mayor parte Parker y Gillespie están brillantes. El piano apenas se oye en la mayoría de las piezas. Las grabaciones del quinteto fueron realizadas por el servicio de grabación del Carnegie Hall, pero fueron robadas y publicadas en Black Deuce. Tanto "A Night in Tunisia" como "Groovin' High" se dividieron en dos partes debido a su longitud. En el equilibrio de la grabación, los saxofones están un poco embarrados en algunos puntos y el piano suena como si se escuchara desde el backstage. Pero el sonido de Gillespie tiene la claridad de un diamante.
El concierto y el álbum resultante son más conocidos por los cinco primeros temas ya citados, en los que aparecen Diz 'n Bird junto con Joe Harris a la batería (ligeramente sobregrabada), Al McKibbon al bajo y John Lewis al piano. Habían actuado juntos bastante, John Lewis es un excelente músico que había tocado y tocaría mucho con ellos, incluso en la aventurera big band de Dizzy. Y Al McKibbon no sólo tocó con todos en la escena, sino que lo hizo durante décadas.
El álbum, una de las pocas grabaciones en directo de los dos solistas juntos, que tocan simultáneamente con intensidad y facilidad, es probablemente más notable por su interacción en el tema emblemático de Gillespie "A Night in Tunisia". El dúo también juega sin esfuerzo con complejos unísonos y rápidos y sinuosos solos en "Groovin' High". El tono del álbum da un giro después del set del quinteto, con la orquesta de Gillespie aportando un sonido de big-band a sus composiciones.
Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
John Lewis, piano;
Al McKibbon, bass;
Joe Harris, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=3sNGD25lJR4
* También, un día como hoy, en 1951, Milles Davis realizó la última grabación por radio, ese año, de la serie recogida en el álbum ‘Birland 1951’.
· Recorded: February 17, June 2 & September 29, 1951.
broadcast, "Birdland", NYC.
‘Birdland 1951’ es un álbum en vivo del músico de jazz estadounidense Miles Davis, editado en este siglo por Blue Note Records y grabado desde febrero hasta septiembre de 1951 en la Birdland, a partir de transmisiones de radio.
Se eligieron tres transmisiones diferentes: dos de seis cortes en total fueron las de junio y septiembre que se han emitido en diversas formas a lo largo de las décadas siguientes y cuatro cortes de la transmisión de febrero, que nunca habían estado disponibles de ninguna forma.
Estos diez temas, extraídos de las emisiones radiofónicas del legendario Birdland, representan un periodo especialmente fructífero en el desarrollo de Miles Davis como director de conjuntos. Son estos temas, así como la fidelidad marginalmente mejor de todo el conjunto, lo que hace que valga la pena poseerlo para los fanáticos de Miles - y sólo los fanáticos de Miles. El sexteto en las fechas de febrero y junio incluía a J.J. Johnson, Sonny Rollins, Art Blakey, Tommy Potter y Kenny Drew. En septiembre, Charles Mingus, Eddie "Lockjaw" Davis, Billy Taylor y Big Nick Nicholas se unieron a Davis y Blakey, completando el sexteto.
En cuanto al sonido, lo mejor que se puede decir es que se oyen todos los instrumentos. Sin embargo, las interpretaciones, sobre todo en las tres versiones diferentes del corte "Move", son estelares. Son inspiradas, furiosas y cortantes. Rollins se supera a sí mismo en la interpretación del corte en junio, y la última banda lo transforma por completo. Es la única selección duplicada. Además, la versión en vivo de "Tempus Fugit", con su cabeza nudosa y su ritmo punzante, es reveladora en cuanto a la manera de arreglar para esos días y señala una dirección sólida para el futuro inmediato – se comprueba en los tempos y la estructura de los descansos del solo en la sesión de septiembre.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Eddie "Lockjaw" Davis, Big Nick Nicholas, tenor sax;
Billy Taylor, piano;
Charles Mingus, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=PeO5bF30y38
* Así mismo, un día como hoy, en 1955, Donald Byrd en quinteto, grabó en estudio su álbum ‘Byrd's Word’.
· Recorded: on September 29, 1955 at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.
‘Byrd's Word’ es un álbum del trompetista Donald Byrd grabado en 1955 y publicado en el sello Savoy.
Esta fue la segunda sesión del trompetista Donald Byrd como líder, después de su menos conocido debut para Transition hacía poco más de un mes. Con sólo 22 años, Byrd aún no tenía su propio estilo, pero ya era un solista prometedor. En un quinteto con el saxofonista tenor Frank Foster, el pianista Hank Jones, el bajista Paul Chambers y el baterista Kenny Clarke, Byrd toca tres temas originales del grupo y un trío de estándares. No ocurre nada fuera de lo común, pero hay algunos momentos fuertes en esta agradable grabación. La crítica resaltó que, aunque no estuviera a la altura de los esfuerzos mucho más pulidos de Byrd para Blue Note, resulta una sesión algo rutinaria en Savoy, ‘Byrd's Word’ está bien para los aficionados con ganas de un poco de hard bop suelto de los 50.
Personnel:
Donald Byrd, trumpet;
Frank Foster, tenor sax;
Hank Jones, piano;
Paul Chambers as Dave Chambers, bass;
Kenny Clarke, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=oFnR5PqRPho
* Igualmente un día como hoy, en 1957, Lee Morgan en quinteto grabó en estudio su álbum ‘The Cooker’.
· Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ, on September 29, 1957.
‘The Cooker’ es un álbum del trompetista de jazz Lee Morgan, publicado por el sello Blue Note. Se grabó el 29 de septiembre de 1957 y presenta un quinteto con Morgan, Pepper Adams, Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones.
Grabado y publicado cuando Morgan tenía sólo diecinueve años, ‘The Cooker’ es el primer álbum que presenta sus propias composiciones originales, así como el primero sin composiciones escritas por Benny Golson.
El trompetista se reúne con un grupo particularmente robusto que destaca por una larga y ardiente toma de “Night in Tunisia” En ese estándar bebop, Morgan evita ser comparado con la famosa pausa de 4 compases de Charlie Parker en la pieza al no tocar durante la misma, entonces toca un rápido solo que está en su mayor parte en doble tiempo. La segunda pista, la composición de Morgan "Heavy Dipper", es "un contagioso swinger de medio tempo". "Just One of Those Things" es otra pieza de alto tempo con una interpretación rápida. Y "Lover Man" es una balada. Morgan toca de maravilla para su edad (ya se sitúa justo por debajo de Dizzy Gillespie y Miles Davis), y este trabajo de su época de juventud, ya le ayudó a que muchos le compararan con el gran Dizzy Gillespie. Desde luego, si Gillespie fue el trompetista emblemático del Bebop; Lee Morgan, lo fue del Hard bop.
Originario de Filadelfia, Morgan (1938-1972) era un trompetista principiante que idolatraba a Clifford Brown (el innovador trompetista de hard bop que había perecido en un accidente de coche en 1956) y realizó su aprendizaje musical tocando en la sección de vientos de una efímera big band dirigida por otro notable trompetista: una máquina de viento con las mejillas hinchadas que respondía al nombre de Dizzy Gillespie. Eso fue en 1956, cuando Morgan tenía sólo 18 años.
Ese mismo año, la discográfica neoyorquina Blue Note Records, que entonces era el principal sello independiente de jazz, le ofreció un contrato de grabación y grabó su primer álbum, ‘Lee Morgan Indeed!’. A continuación, se produjo una intensa actividad discográfica que llevó al joven prodigio de la trompeta a grabar cinco álbumes más en un periodo de diez meses y medio. Pero además de liderar sus propios proyectos, las noticias sobre el prodigioso y preternatural talento de Morgan se extendieron rápidamente y se encontró grabando como trompeta de acompañamiento del saxofonista tenor Hank Mobley, que también había firmado con Blue Note. Y, lo que es más significativo, sólo cuatro días antes de ir a grabar lo que se convirtió en ‘The Cooker’, Morgan estaba en el estudio Van Gelder tocando junto a la estrella tenor en ascenso y su compatriota John Coltrane, participando en lo que se reconoce universalmente como el primer gran álbum del saxofonista, ‘Blue Train’.
Se considera que "The Cooker" demuestra el virtuosismo bebop temprano de Morgan, con frecuentes líneas de improvisación en doble tiempo. También se destaca por las marcas de interpretación que más tarde llegarían a tipificar el estilo de Morgan, como las notas recortadas, los ligados ascendentes, el medio valgo y el triple tono.
“The Cooker”, es un disco esencial de la discografía de Morgan en tanto y en cuanto, es su trabajo más importante desde que empezó a tocar. Luego vino su consolidación como autor de algunas de las obras maestras del jazz moderno.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Pepper Adams, baritone sax;
Bobby Timmons, piano;
Paul Chambers, bass;
"Philly" Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Ed80NAOQc54
** Nueve años más tarde, en 1966, un día como hoy, también Lee Morgan, pero en sexteto, grabó su álbum de estudio ‘CHarisma’.
· Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on September 29, 1966
‘Charisma’ es un álbum del trompetista de jazz Lee Morgan que incluye actuaciones de Morgan con Jackie McLean, Hank Mobley, Cedar Walton, Paul Chambers y Billy Higgins, grabado en 1966 y editado tres años después, en el sello Blue Note.
Lee Morgan grabó un par de docenas de discos como éste para Blue Note en los años sesenta, sesiones llenas de swing y soul que incluían melodías pegadizas e inteligentes de auténtico jazz y músicos interesantes en la cima de su carrera. Tal vez por eso esta sesión no se publicó en disco hasta 1969.
En cuanto al tiempo y el interés, ‘Charisma’ se sitúa entre el delicioso ‘Delightfulee’ y ‘The Rajah’, una sesión de Morgan más convencional que Blue Note no publicó hasta más tarde. Ahora que vuelve a estar en circulación, ‘Charisma’ tiene mucho que recomendar, entre otras cosas, la presencia del gran contralto Jackie McLean (un frecuente aliado de Morgan en ‘Tom Cat’, ‘Cornbread’, ‘Infinity’ y ‘The Sixth Sense’, por nombrar algunos). También está el pianista Cedar Walton, que contribuye con la conmoción que tanto le caracterizaba entonces, el heroico Hank Mobley al tenor, Paul Chambers al bajo y Billy Higgins a la batería. ‘Charisma’ también describe con acierto la interacción del grupo. Los tres vientos y el pianista tuvieron un día particularmente bueno tocando con una línea interesante tras otra y persiguiéndose unos a otros con solos juguetones. Ese notable sexteto interpreta originales de Morgan, Walton y Duke Pearson, incluyendo versiones particularmente pegadizas del funky “Hey Chico”, el bop grind de "Somethin' Cute" y "The Murphy Man" y el blues de "The Double Up". El pianista Cedar Walton aporta otra de sus memorables baladas en "Rainy Night" y el sexteto se divierte también con la alegre y memorable "Sweet Honey Bee" de Duke Pearson.
Aunque vale la pena escuchar la mayoría de los discos de Lee Morgan una y otra vez, ‘Charisma’ encarna mucho de lo que hace que la música del trompetista sea valiosa y valga la pena tres décadas después. Este es un disco muy recomendable, aunque fue una de las grabaciones de Blue Note menos conocidas del trompetista Lee Morgan, pero es bastante gratificante. La crítica señaló que los tres vientos, que suenan muy individualmente, tienen cada una sus momentos emocionantes, y el resultado es la quintaesencia del hard bop de mediados de los 60 en los EE.UU., un álbum es muy significativo del tipo de jazz que se hacía entonces.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Jackie McLean, alto sax;
Hank Mobley, tenor sax;
Cedar Walton, piano;
Paul Chambers, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=PBLD1NJSZ7w
28)
* Un día como hoy, en 1953, Clifford Brown con, entre otros, Gigi Gryce, siguieron actuando en París con diferentes formatos. Sus actuaciones, en diversos días, se hallan recogidas en gran cantidad de álbumes.
· Recorded at Vogue Studio, Schola Cantorum, Paris, France. Session of September 28, 1953.
- Otras sesiones:
September 26, 1953. Gigi Gryce Ensemble.
September 29, 1953. Gigi Gryce/Clifford Brown Sextet.
October 8, 1953. Gigi Gryce/Clifford Brown Sextet.
October 9, 1953. (2) Gigi Gryce Orchestra & Gigi Gryce Cuartet.
October 10, 1953. Gigi Gryce/Clifford Brown Octet.
October 11, 1953. (2) Gigi Gryce Quintet & Gigi Gryce/Clifford Brown Nonet.
Clifford Brown fue uno de los músicos que en 1953 formaron parte de la banda de Lionel Hampton (Lionel Hampton & His Orchestra) durante su gira de conciertos por Europa. Permanecieron en París durante casi tres semanas. Hampton prohibió a los miembros de su banda participar en sesiones de grabación independientes. A pesar de la prohibición, (grabaciones así ya las habían realizado en Suecia), muchos de los músicos, afortunadamente, ignoraron sus órdenes; de todos modos, la banda se disolvió pronto. Durante su estancia en París, el trompetista Clifford Brown se asoció con el contralto Gigi Gryce y una sección rítmica de primera categoría (el pianista Henri Renaud, el guitarrista Jimmy Gourley, el bajista Pierre Michelot y el batería Jean-Louis Viale) para las sesiones de esa época. En París también grabaron los músicos de Hampton fuera de la banda. En realidad, lo hizo toda la sección de metales y el percusionista Alan Dawson, para quien era su debut discográfico. El trompetista Clifford Brown aparece sobre todo con una big band formada por Gigi Gryce. Brown asistió a las sesiones del 28 y 29 de septiembre y del 8 al 11 de octubre de 1953, organizadas por el pianista francés Henri Renaud, que reunió en el estudio a los demás músicos franceses (principalmente las secciones rítmicas, aunque no exclusivamente).
Aquí se trata de una colección de temas grabados por músicos de jazz estadounidenses que participaron en una gira por Europa en 1953 con la big band de Lionel Hampton cuyo núcleo de músicos se complementó con algunos músicos franceses locales En las sesiones destacan los solos de Clifford, Brown toca algunos grandes solos pues era una estrella emergente en aquella época. La forma de tocar es bastante buena, pero la grabación no es muy buena, suena como si hubiera un solo micrófono para toda la banda en un entorno de grabación al estilo de una pequeña actuación radiofónica. Aunque Gryce no era un gran solista, se mantenía a la altura del trompetista y era un compositor de talento. La mayoría de las canciones de esta fecha son suyas. También hay que destacar la presencia del joven Quincy Jones, que aporta algunas composiciones, arreglos e incluso la composición al piano en un tema, y se le puede escuchar trabajando en su nuevo estilo de big band en sus dos originales. Los arreglos fueron realizados pues por Gigi Gryce, Quincy Jones y Clifford Brown (cada uno de ellos trabajó en sus propias composiciones). Algunos de los temas son extractos, pero hay también tomas bastante largas. Hay buena música aquí, pero algunas pistas no tienen una gran calidad de grabación, y la inclusión de tomas alternativas y pequeños extractos incompletos hacen que el conjunto sea más para los incondicionales de Clifford Brown. La música no es básicamente esencial, pero Brownie no vivió lo suficiente como para grabar algo menos que excelente. Al igual que otros músicos de jazz, Clifford Brown fue uno de esos artistas brillantes que murieron demasiado jóvenes, y al igual que de otros artistas, los aficionados todavía buscan encontrar todo lo que grabó.
Personnel (Gigi Gryce Orchestra):
Clifford Brown, Art Farmer, Fred Gerard, Quincy Jones, Fernand Verstraete, Walter Williams, trumpet;
Jimmy Cleveland, Al Hayse as Al Hayes, Bill Tamper, trombone;
Gigi Gryce, Anthony Ortega, alto sax;
Henri Bernard, Clifford Solomon, tenor sax;
Henri Jouot (as Henri Jouat), baritone sax;
Henri Renaud, piano;
Pierre Michelot, bass;
Alan Dawson, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=mtwhbnpFhWg
https://www.youtube.com/watch?v=k4U2J2Sfss0
https://www.youtube.com/watch?v=ZhR6X9cUzH0
* Y un día como hoy, en 1991, fallecía Miles Davis, uno de los genios del jazz. Es, pues, el aniversario de su muerte. Como ayer y mañana redactaremos efemérides en nuestras Notas, no publicaremos hoy su música, el homenaje mejor nuestro es un respetuoso y cauteloso silencio. Hacemos, pues, mutis por el foro, similar a lo que él hacía por concentración en sus actuaciones (casi siempre mal interpretado como desprecio al público).
27)
* Un día como hoy, en 1960, Miles Davis con su quinteto comenzó en Manchester su gira europea de otoño ese año. Esas actuaciones (dos conciertos este día) quedaron recogidas fundamentalmente en sus álbumes ‘Miles Davis – 'Free Trade Hall' - Manchester, England, September 27, 1960 – Vol.1 & Vol. 2’.
· Recorded on September 27, 1960, at ‘Free Trade Hall’, Manchester, United Kingdom (two concerts).
Además de Manchester, actuaron en París, Estocolmo y Amsterdam quedando registrados los conciertos en diferentes álbumes.
No confundir con la legendaria gira (‘The Final Tour’) que había tenido lugar ese mismo año en primavera con John Coltrane al saxo y con el resto del primer gran quinteto, donde se apreció una notable tensión, tanto personal como musical, entre Miles y Trane.
Coltrane había dejado brevemente el Sexteto de Davis durante julio de 1959; Jimmy Heath lo reemplazó, pero Trane se reincorporó al grupo en agosto para el compromiso en el Birdland. Se fue definitivamente después de la citada gira primaveral europea "Jazz at the Philharmonic" (en 1960), al igual que Adderley.
Jimmy Heath, la primera opción de Davis para reemplazar a Coltrane, todavía estaba en libertad condicional y, por lo tanto, no podía viajar libremente. Wayne Shorter estaba comprometido con Art Blakey y los Jazz Messengers. Davis contrató a Sonny Stitt, quien se unió al Davis Quintet para una gira por el oeste en junio: Festival de Jazz de Los Ángeles y Blackhawk Supper Club y por el este en julio y agosto: Sutherland Hotel Lounge, Chicago, Apollo Theatre y Village Vanguard, Nueva York, Festival de Jazz de Randall's Island y Minor Key, Detroit (principios de septiembre).
Norman Granz organizó una gira del Davis Quintet por Gran Bretaña y algunos lugares continentales en el otoño de 1960, del 24 de septiembre al 16 de octubre.
En esta segunda gira, todo fue más relajado, sustituido Coltrane por Sonny Stitt, un saxofonista más parkeriano y que permitía un mayor y mejor lucimiento de Miles Davis, aparte de manejar unas claves más ortodoxas.
Personnel:
Miles Davis- trumpet;
Sonny Stitt- tenor & alto saxophone;
Wynton Kelly- piano;
Paul Chambers- bass;
Jimmy Cobb- drums.
https://www.youtube.com/watch?v=fl4TfRYP03s
‘The Autumn 1960 European Tour’
September 27, 1960 Free Trade Hall, Manchester [1st & 2nd concert] https://youtu.be/fl4TfRYP03s
October 11, 1960 Olympia Theatre, Paris [1st concert] https://youtu.be/zCSG0qV5aGI
October 11, 1960 Olympia Theatre, Paris [2nd concert] https://youtu.be/vuALn6ZQrTk
October 13, 1960 Konserthuset, Stockholm [1st concert] https://youtu.be/vwZF6BcFBes October 13, 1960 Konserthuset, Stockholm [2nd concert] https://youtu.be/7BHfg77AcBs October 15, 1960 Concertgebouw, Amsterdam https://youtu.be/BaPXVAs2unU
26)
* Un día como hoy, en 1952, Charlie Parker actuó en un concierto a favor de un concejal de NY. A su combo como quinteto se incorporó una sección de músicos de cuerda. La actuación grabada en cintas privadas apareció en álbumes como ‘Bird Is Free’ y, más integral, ‘The Complete Legendary Rockland Palace Concert 1952’.
· Recorded on September 26, 1952, at Rockland Palace, Ballroom, New York NYC.
‘Bird Is Free’ es un álbum en directo que contiene grabaciones de un concierto del saxofonista Charlie Parker que tuvo lugar en el Rockland Palace de Nueva York. Grabado ante un público muy agradecido de Harlem, se editó por primera vez en 1962 en Estados Unidos por Parker Records (sello de Doris Sydnor Parker), en Alemania en 1964 por MGM Records. Por Musidisc en 1967. Y en forma ampliada en 1983 con el título ‘Live at Rockland Palace September 26, 1952’ también por Parker Records. La grabación completa en directo se editó en 1996 en una versión con sonido restaurado como ‘The Complete Legendary Rockland Palace Concert 1952’.
La primera edición de las grabaciones de los conciertos del Rockland Palace se basaba en grabaciones de aficionados del público, pero eran muy erráticas en cuanto a la velocidad de la cinta de una grabadora de hilo que sonaba tambaleante. Chan Parker también había grabado el concierto en privado, al parecer, Parker regaló a Chan una grabadora por su cumpleaños, y sus grabaciones, fuente principal de algunos de estos temas, salieron a la luz cuando, trabajaba con Clint Eastwood en la película de Parker, ‘Bird’. No obstante, las primeras versiones de las grabaciones resultaron sorprendentemente bien para una grabación privada. Tanto el excelente ambiente en la sala como el de los músicos fueron bien captados. La reedición de 1996 se benefició sónicamente del descubrimiento de la segunda cinta grabada esa noche con medios mucho más profesionales, que fue producida de forma considerablemente más experta y ahora ofrece un sonido excepcional, además de varias pistas que no existían en la versión anterior.
La actuación de Charlie Parker allí formaba parte de un acto organizado por el Partido Comunista Americano y su periódico, el Daily Worker, en beneficio del miembro del partido Benjamin J. Davis, un activista afroamericano que llevaba encarcelado desde 1949. Davis había sido elegido concejal de la ciudad de Nueva York en 1943 y había sido recientemente condenado en virtud de la Ley Smith y estaba cumpliendo una condena de cinco años de prisión por supuesta subversión durante las purgas de McCarthy. Por ello, se había creado una comisión para concederle la amnistía. (Fue su contacto con Davis lo que llevó al FBI a tomar medidas formales contra Martin Luther King, Jr. en septiembre de 1958, aunque a J. Edgar Hoover no le gustaba King desde mucho antes).
No hay que darles demasiada importancia a las posibles conexiones de Parker con la izquierda estadounidense en esta ocasión, no porque fuera lo suficientemente cínico como para aceptar cualquier actuación, sino porque en esa época las actitudes estadounidenses hacia el socialismo eran bastante relajadas y los músicos negros de menor relevancia pública que un Paul Robeson estaban exentos de atención injustificada. Chan Parker comentó con sarcasmo la actuación de su marido: "Los comunistas pagaban mejor que los capitalistas y éste era uno de sus trabajos mejor pagados".
El Rockland Palace Dance Hall, situado en el número 280 de la calle 155 Oeste, en la esquina de la Octava Avenida, fue uno de los locales de baile, música y boxeo más famosos de Harlem en los años 30 y 40, junto con el Savoy Ballroom y el Dawn Casino, y podía albergar hasta 5.000 invitados.
Debido a que la entrada era comparativamente barata, el público de unos 3.000 espectadores había acudido principalmente a bailar y no tanto a escuchar a Charlie Parker. Parker comenzó su concierto con un acompañamiento de cuerda (aunque Parker tocaba los mismos temas con el conjunto de cuerdas que en sus sesiones de estudio de Verve, sus solos eran inventivos y a menudo diferentes de las versiones de estudio más conocidas) y luego con su quinteto, una de sus mejores secciones rítmicas, formado por Walter Bishop junior (piano), Teddy Kotick (contrabajo), Max Roach (batería) y el guitarrista Mundell Lowe, que sustituyó al trompetista que habitualmente se turnaba con Parker en los solos. Los temas del quinteto fueron los únicos ejemplos en los que el otro "viento" de una primera línea de Parker era una guitarra. El concierto de Parker fue el primero de sus éxitos en el Carnegie. Fue su única actuación en directo con acompañamiento de una sección de cuerda, además de su famoso concierto en el Carnegie Hall en 1950. No hay muchas grabaciones en directo de Bird durante su periodo con sección de cuerda (un proyecto muy importante para él a pesar de lo anodino de la mayoría de los arreglos que tenía a su disposición), que normalmente contaba con su quinteto habitual como sección rítmica.
Como el salón era un palacio de baile, ello se nota especialmente en los números bailables, en los que los niveles de voz y ruido del público aumentan notablemente, mientras que en las improvisaciones superrápidas de Parker se vuelve mucho más silencioso, de modo que los coros y, sobre todo, los músicos de acompañamiento Bishop, Lowe, Kotick y Roach se escuchan con mayor claridad.
Walter Bishop contaba con un piano deficiente y tampoco se oye mucho la guitarra de Mundell Lowe, sin embargo, los platillos sonoros de Max Roach brillan a través de la oscuridad sónica. Sus respuestas fulgurantes y su tremendo swing son el motor que lo impulsa todo, y ahí está Bird al frente de las actuaciones, tocando en todo momento con pura alegría y un aplomo punzante. La interpretación de Parker en algunos de los números del quinteto es muy potente, especialmente sus solos en muchos temas.
Además de títulos conocidos de su repertorio como “Ornithology”, “Moose the Mooche” y estándares de jazz populares como “East of the Sun”, “What Is This Thing Called Love?”, “Stardust” y “I'll Remember April”, "April in Paris", "Just Friends" o "Out of Nowhere", Parker también tocó canciones como “Sly Mongoose” un número de calipso, “Cool Blues” y “My Little Suede Shoes”, las composiciones de Gerry Mulligan “Gold Rush” y “Rocker”, "Repetition" de Neil Hefti y una versión rápida de “Lester Leaps In” de Lester Young.
En el otoño de 1952, el saxofonista alto Charlie Parker, cofundador del bebop, estaba ya en la pendiente del declive físico que le llevó a la muerte menos de dos años después. Sus actuaciones no siempre eran fiables, pero aún era capaz de tocar de forma superlativa, como demuestra esta grabación. El álbum es un capítulo importante en la biografía musical de Parker.
Personnel:
Charlie Parker, alto sax;
Walter Bishop Jr., piano;
Mundell Lowe, guitar;
Teddy Kotick, bass;
Max Roach, drums;
unidentified strings;
unknown oboe.
https://www.youtube.com/watch?v=-X2llF-UaMQ
https://www.youtube.com/watch?v=upRIGRCcN0Q
* Y un día como hoy, en 1962, se produjo el milagro de la colaboración de John Coltrane con Duke Ellington que dio origen al conocido álbum ‘Duke Ellington & John Coltrane’, cuyos temas fueron incluidos en gran cantidad de álbumes posteriores de ambos.
· Recorded: September 26, 1962 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Duke Ellington & John Coltrane’ es un álbum de jazz de Duke Ellington y John Coltrane grabado y publicado en Impulse Records.
Esta edición presenta el único encuentro grabado de Duke Ellington y John Coltrane, que se muestra aquí en su totalidad. Fue una de las muchas colaboraciones de Ellington con otros a principios de la década de 1960, y le situó con un cuarteto (saxofón, piano, bajo y batería), en lugar de una gran banda. Aunque se podría haber supuesto que Ellington utilizaría sólo a sus colaboradores, el productor optó por traer también al propio equipo de Coltrane. Así, el cuarteto se completó con el bajista y el batería de cualquiera de las respectivas formaciones. Para la ocasión, Trane y Duke estuvieron acompañados por el bajista y el batería de sus respectivos grupos (que se alternaron de un tema a otro), Aaron Bell y Sam Woodyard (de la sección rítmica de Duke), y Jimmy Garrison y ElvinJones (de la sección rítmica de Trane).
El álbum esencial muestra al innovador del saxo de jazz moderno en ascenso actuando junto al coloso del piano y la composición del jazz, una institución pianística establecida desde hace mucho tiempo. Aunque la pareja podría haber presagiado un choque dinámico de generaciones musicales, en su lugar se tuvo un encuentro casual, respetuoso y musicalmente generoso de almas afines.
El aspecto más sorprendente de la cita es lo bien que Coltrane y su grupo tocan lo que era el material de Ellington. Aunque sin duda se encontraba en la fase inicial de su período más vanguardista en 1962, Coltrane tenía un profundo conocimiento del vocabulario del jazz tradicional. Del mismo modo, aunque era un icono de la era de las grandes bandas en el decenio de 1960, Ellington había estado en el auge de un resurgimiento de su carrera desde su dinámica actuación en el Festival de Jazz de Newport en 1956. Su encuentro con Coltrane fue emblemático de su renovada creatividad y fue uno de los varios álbumes que grabó en su última vida con artistas hasta entonces inesperados, entre los que destaca el bajista Charles Mingus y el batería Max Roach.
La influencia de Duke Ellington en los músicos de jazz fue profunda y extensa. No es de extrañar que muchos crean que Coltrane cayó bajo su hechizo durante la realización de este disco, y que la evolución de la música de Coltrane se vio influida por este encuentro.
"Me sentí muy honrado de tener la oportunidad de trabajar con Duke", dijo Coltrane. "Fue una experiencia maravillosa. Él marcó unas pautas que yo aún no he alcanzado. Me habría gustado volver a trabajar en todos esos números, pero entonces supongo que las actuaciones no habrían tenido la misma espontaneidad. Y quizá no hubieran sido mejores".
El álbum incluye estándares y nuevas composiciones de Ellington y una nueva composición de Coltrane. Aquí, Ellington y Coltrane tocan un puñado de conocidos números de Ellington, que es lo suficientemente sabio como para apreciar la naturaleza de la sesión y se contenta con alimentar los acordes al servicio del joven maestro - demostrando la mente abierta y el buen gusto de viejo profesor - más obviamente en su ya clásico 'In a Sentimental Mood' supremamente lírico y una conmovedora versión a medias de "My Little Brown Book" de Billy Strayhorn. Sólo Coltrane podía ser tan ferozmente tierno, y no hay mejor foro para su lado sensible que la música de Ellington y Billy Strayhorn, que contribuye con la verdadera joya del álbum. Ellington incluso aportó la enérgica original "Take the Coltrane", dejando mucho espacio para que Coltrane se soltara con líneas nudosas y angulosas. El enfoque aquí relajado y pausado de Coltrane recuerda a Johnny Hodges.
Hubo tomas alternativas que no se incluyeron. Y posteriormente se añadieron como bonus tracks cuatro temas relacionados con Ellington e interpretados por Coltrane en diferentes sesiones, así como la versión original de estudio de "The Feeling of Jazz", grabada por la banda de Ellington unos meses antes de que tuviera lugar la cita Ellington-Coltrane.
Personnel:
Duke Ellington – piano
John Coltrane - tenor saxophone and soprano saxophone
Jimmy Garrison - bass
Aaron Bell - bass
Elvin Jones - drums
Sam Woodyard – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=9dDPVUNk1Mg
25)
* Un día como hoy, en 1954 Charlie Parker en cuarteto actuó en el Carnegie Hall de NY. Los tres temas interpretados se recogieron en las recopilaciones ‘Various Artists - Echoes Of An Era: Birdland All-Stars At Carnegie Hall’ y en ‘Charlie Parker – The Complete Carnegie Hall Performances’.
· Recorded at "Carnegie Hall", NYC, on September 25, 1954.
En el primer recopilatorio se recogen un conjunto de actuaciones estelares, grabadas en el Carnegie Hall en 1954, y con una sensación de tremendo talento que bien puede superar a algunos de los conjuntos de Jazz At The Philharmonic de la época. Hay una gran cantidad de música valiosa y a menudo histórica en este álbum. La mayoría de las interpretaciones están tomadas del concierto del 25 de septiembre de 1954 en el Carnegie Hall. El material aquí está lleno de interpretaciones de importantes artistas y cuenta con algunas actuaciones más parecidas a las de Verve de Charlie Parker en el alto, cuyo material incluye "My Funny Valentine", "Cool Blues" y "The Song Is You" de Charlie Parker, en un cuarteto con el pianista John Lewis, el bajista Percy Heath y el baterista Kenny Clarke, que está un poco por debajo de su nivel en sus números.
En el otro recopilatorio se recogen los conciertos integrales completos de Charlie Parker en el legendario Carnegie Hall de Nueva York por primera vez en una sola colección. Contiene tres temas inéditos, temas extra y muchas grabaciones no disponibles desde hace tiempo incluyendo sesiones raras. Abarca un periodo que va de 1947 a 1954, y el material incluye su última grabación en directo conocida, que fue también la penúltima sesión de su vida: tres números interpretados en 1954 en formato de cuarteto, respaldados por tres de las estrellas iniciales del Modern Jazz Quartet, Lewis, Heath y Clarke.
Personnel:
Charlie Parker, alto sax;
John Lewis, piano;
Percy Heath, bass;
Kenny Clarke, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=7bpRfcQcWUo
https://www.youtube.com/watch?v=EbyWk1V5GEI
https://www.youtube.com/watch?v=EjxFPYZ-1tY
* Y un día como hoy, en otoño de 1964, Miles Davis dio un concierto en vivo en Berlín con su segundo gran quinteto. Como no podía ser de otra manera, además de sus temas estrella, interpretaron "Autumn Leaves" (Hojas de otoño). La actuación se recogió en el álbum ‘Miles in Berlin’ editado por CBS.
· Recorded live on September 25th, 1964 in concert "Berliner Jazztage '64" at Philharmonic Hall, "Berlin Philharmonie", Berlin, West Germany.
‘Miles in Berlin’ marca el primer trabajo grabado de lo que comúnmente se conoce como el Segundo Gran Quinteto de Miles Davis.
Representa la primera grabación del trompetista Miles Davis con el saxofonista tenor Wayne Shorter. Por diversas razones, los saxofonistas George Coleman y Sam Rivers habían ido y venido como miembros de la banda de Davis. Con la incorporación de Shorter en 1964, Davis había encontrado la alineación de músicos con la que se quedaría hasta 1968 y produjo algunos de los álbumes más influyentes de su carrera. Considerada en gran parte como una de las mejores bandas de jazz de la historia, el nuevo quinteto estaba formado por músicos que parecían afines entre sí. La mayoría de esos músicos, incluido el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams, habían estado con Davis por poco menos de un año. En ese tiempo, habían tomado su repertorio tradicional de estándares y originales y los habían reelaborado con un enfoque más aventurero y vanguardista. Esta fue la tercera cita de la banda juntos, pero es la primera que se grabó.
En cada tema, el afecto mental entre los intérpretes es sorprendentemente evidente. La interacción entre Davis y Shorter en el saxofón tenor no hace, como uno esperaría, recordar la relación anterior del líder de la banda con John Coltrane. Shorter, toca con un sonido propio, no solo tocando escalas a una velocidad vertiginosa o con un anhelo espiritual audible, sino realizando un objetivo interno, verdaderamente improvisado para componer música desde el aire. Wayne Shorter el hombre que necesitaba la sección rítmica para destrozar las convenciones del jazz "moderno", que ya no era tan moderno. Wayne ya era muy respetado, un poeta-saxofonista que buscaba mundos interiores y no podía contentarse con la contundente sencillez del hard bop. Su lirismo, gusto por la abstracción y sentido del espacio le dieron afinidad con su nuevo empleador. Miles lo ayudaría a dar vuelo a las fantasías que impregnaban cada una de sus frases, así como las estructuras de sus solos, y que resonaban plenamente con los cimientos que el triunvirato Hancock-Carter-Williams reinventaba constantemente.
Herbie Hancock, que solo tenía 22 años en ese momento, hace justicia a Davis al no intentar replicar el trabajo de pianistas del pasado, como Wynton Kelly o Red Garland. Con Hancock, se escucha una nueva sensibilidad, una sensación casi clásica, pero acelerada para balancearse con los otros virtuosos. Realmente asombroso, que Hancock aquí casi suena como una fusión de Bill Evans y Wynton Kelly. El músico Ron Carter, demostró ser un contraataque perfecto para el baterista de 17 años Tony Williams, quien es el verdadero pionero del grupo. Este quinteto, quizás más que cualquier otra banda en la historia del jazz, fue capaz no sólo de experimentar con el tempo, sino que siempre hizo que los experimentos funcionaran.
· Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Wayne Shorter, tenor sax;
Herbie Hancock, piano;
Ron Carter, bass;
Tony Williams, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=5ADOOsHLjao
24)
* Un día como hoy, en 1954, Charles Mingus con el quinteto de Jay Jay Johnson, grabaron temas en una sesión de estudio recogida, con otras con diferentes músicos, en las recopilaciones ‘The Eminent Jay Jay Johnson Vol. 1 y Vol. 2’, en las que coinciden varios temas.
· Recorded: June 22, 1953 at WOR Studios, NYC and September 24, 1954 at Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, NJ ‘Volume 1’.
- ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Volume 1’ es el nombre utilizado para dos álbumes diferentes pero relacionados del trombonista de jazz estadounidense J. J. Johnson.
La versión de 1955 es una compilación de (la mayor parte) del álbum de 1953 ‘Jay Jay Johnson with Clifford Brown’ combinada con (la mayor parte) del material del lanzamiento de 1954, ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Vol. 2’. La versión de 1989 es una reedición del álbum anterior citado con Brown con tres tomas alternativas (bonus tracks) de la misma sesión de grabación.
En el momento de la sesión de grabación de 1953, Johnson se había retirado de la actuación a tiempo completo para trabajar como inspector de planos.
Parte del contenido del álbum se publicó originalmente titulado ‘Jay Jay Johnson with Clifford Brown’. Cuando se reeditó las pistas de la sesión de grabación original de 1953 se repartieron en dos discos y se combinaron con pistas de una sesión posterior (que se había publicado como ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Vol. 2’), produciendo ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Volume 1’ y The Eminent Jay Jay Johnson, Volume 2’. La reedición posterior puso los seis temas originales de 1953 junto con tres tomas alternativas de la misma sesión y tuvo también el título de ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Volume 1’.
- ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Volume 2’ (también conocido como ‘The Eminent Jay Jay Johnson’ a.k.a. Jay Jay Johnson Quintet, Vol. 2’ o ‘The Eminent Jay Jay Johnson Vol. 2’ aka The Eminent J.J. Johnson Quintet Volume 2’) es el título de una grabación de Blue Note Records de 1954 del trombonista de jazz estadounidense J. J. Johnson. Este álbum se publicó originalmente como el segundo de los tres álbumes de Jay Jay Johnson en Blue Note. Hubo un ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Vol. 3’
Cuando se reeditó en 1955 los temas de los tres lanzamientos se repartieron en los dos álbumes recopilatorios citados, ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Volume 1’ y ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Volume 2’ (que también es el título utilizado por Blue Note para dos recopilaciones/reediciones diferentes pero relacionadas de 1955 y 1989, arriba citadas, aunque utiliza el mismo material gráfico, es esencialmente una reedición ampliada del original ‘Jay Jay Johnson With...’ en lugar de una reedición del propio recopilatorio ‘The Eminent... Volume 1’).
- La reedición de los dos volúmenes titulados ‘The Eminent Jay Jay Johnson’ compila sus tres sesiones de Blue Note de 1953-55 y añade tomas alternativas. En particular se concentra en la cita del sexteto del trombonista en 1953 con el gran trompetista Clifford Brown, con Jimmy Heath (que dobla en tenor y barítono), el pianista John Lewis, el bajista Percy Heath y el baterista Kenny Clarke. Aunque Johnson tiene un par de características, Clifford Brown se roba en gran medida el espectáculo. Esta sesión de 1953 retrata perfectamente el espíritu inquieto de quienes buscan dar un giro expresivo al bebop. En esa sesión, tanto Johnson como Lewis han participado ya en el nacimiento del cool, y de ello quedan trazas. El trompetista Clifford Brown comparte el éxito de la sesión con magnificas intervenciones.
Las otras dos sesiones completas muestran al trombonista J.J. Johnson con otras formaciones. Los primeros seis títulos presentan a Johnson en un quinteto con el pianista Wynton Kelly, el bajista Charles Mingus, el baterista Kenny Clarke y las congas de Sabu. Mejor es esta sesión de 1954 y a ello contribuye el nervio del pianista Wynton Kelly, aunque cualquiera de los temas sirve para apreciar el estilo del trombonista: fluidez melódica, original sentido rítmico, ausencia de vibrato, y timbre nítido. Para la última sesión, de 1955, también hay seis títulos, más tres tomas alternativas. Johnson está acompañado por Hank Mobley en el tenor, el pianista Horace Silver, el bajista Paul Chambers y el baterista Kenny Clarke. Todas las fechas ofrecen a los oyentes excelentes ejemplos del talento del gran trombonista que siempre tocó su instrumento con la fluidez de una trompeta.
En los albores del jazz moderno, Jay Jay Johnson había convertido al trombón de varas en un instrumento ágil con el que acometer las intrincadas frases ligadas del bebop; dicho logro adquiría tintes de proeza, puesto que antes de él, el trombón, pese a los progresos hechos por Jack Teagarden, Tommy Dorsey y Vic Dickenson entre otros, en la era del swing, aparecía incapaz de superar determinados escollos técnicos.
Una carrera muy diversificada le reunió con Charlie Parker, Fats Navarro o Bud Powell cuando el bop eclosionaba desde los tugurios de Harlem; también fue junto con Miles Davis protagonista del legendario noneto de 1949-1950, y también su presencia se dejó sentir con las orquestas de Woody Herman y Dizzy Gillespie, para quien escribió una larga suite orquestal en 1961. De los grupos a su nombre, el más famosos le juntó con el también trombonista, Kai Winding en 1954, consiguiendo ambos músicos que la etiqueta Jay & Kai fuera sinónimo de jazz moderno, asequible y creativo.
Los discos de J.J. Johnson en Blue Note de la primera mitad de los años 50 representan algunos de los mejores temas de la época y se cuentan entre sus obras maestras. Uno de los documentos centrales del jazz de posguerra. Un clásico del bop. Un músico y unos discos absolutamente imprescindibles en cualquier discografía básica de jazz.
Personnel:
Jay Jay Johnson, trombone;
Wynton Kelly, piano;
Charles Mingus, bass;
Kenny Clarke, drums;
"Sabu" Martinez, congas.
https://www.youtube.com/watch?v=1FW9I76KwGY
https://www.youtube.com/watch?v=y5n5Wx_qsZw
* Y un día como hoy, en 2022, el legendario saxofonista de jazz Pharoah Sanders, que tenía un estilo y un sonido muy personales, ha fallecido a los 81 años de edad.
Sanders se distinguió como miembro de grupos avant garde, pero principalmente por su asociación con John Coltrane en la década de los años 60. Su estilo era una mezcla de free jazz y elementos rítmicos de origen africano. Su música tenía mucho de espiritual (colaboró con Coltrane en sus famosos "Ascension" y "Meditation") por lo que se le considera su discípulo. Sin embargo, hacia el final de la carrera de Coltrane éste también se vio influenciado por Sanders. Según el saxofonista Albert Ayler, Coltrane era el padre, Sanders era el hijo, y él (Ayler) el espíritu santo".
https://www.youtube.com/watch?v=3cRYgV4EC2w
23)
* Un día como hoy, en 1965, Albert Ayler actuó en directo en NY para la grabación de su álbum ‘Spirits Rejoice’.
· Recorded on September 23, 1965 at Judson Hall, NYC.
‘Spirits Rejoice’ es un álbum en directo del saxofonista estadounidense de free jazz Albert Ayler grabado en la ciudad de Nueva York en 1965 y publicado por primera vez en el sello ESP-Disk. La sesión de grabación tuvo lugar sin público en el Judson Hall, que había sido alquilado únicamente para la grabación. Éste es un álbum que lo une a otro saxofonista, el contralto Charles Tyler. También es una de las primeras grabaciones en las que aparece el hermano de Ayler, Don, tocando una trompeta amateur pero expresiva, y el conjunto se amplía aún más al utilizar a los bajistas Henry Grimes y Gary Peacock juntos en tres de los cinco temas; además, el rubato "Angels" encuentra a Ayler interactuando con el clavicordio de Call Cobbs en una extraña y centelleante evocación de las esferas espirituales, donde Ayler amplió considerablemente las posibilidades polifónicas de su música.
El tema que da título al disco de casi 12 minutos de duración, tiene un pronunciado aire de banda de música de Nueva Orleans o una marcha de clarín que está impregnada de la atmósfera santificada del Ejército de Salvación que era la marca registrada de Ayler, cambiando entre dos temas que recuerdan a un himno y a un toque de corneta de caza y tomando prestado 'La Marsellesa', acelerando de cero a sesenta. Es un largo popurrí de marchas, con armonías para los tres vientos y un orden de temas claramente determinado. La declaración regia de un tema eólico es respondida por los límpidos asideros de Tyler antes de que se produzca una conflagración de improvisación libre colectiva. "Holy Family", en comparación, es casi digno de una gramola en su concisión impulsada por el shimmy, la música tiene un aire revival y un claro sabor a R&B (un tema corto expresamente compuesto en la ocasión). Hay un tono catch me if you can, en 'D.C.' y 'Prophet' que toca un lado diferente de la influencia de las marchas de antaño de Ayler, con chasquidos de ametralladora y cadencias militaristas del batería Sunny Murray conduciendo los temas del conjunto, desgarradoramente enérgicos (aunque hay una caótica improvisación de grupo en estas melodías, la banda también muestra una increíble firmeza al mantenerse perfectamente unida mientras acelera las partes compuestas de estas piezas). Por último, hay una eclesialidad medieval con Call Cobbs unido a la diversión en su clavicordio floreado y florido para "Angel".
El álbum marca la última aparición del bajista Gary Peacock con Ayler. Los bajistas Peacock y Grimes colaboran brillantemente a lo largo de este programa. En 'D.C.', la comunicación entre ambos se vuelve tan tensa que la actuación pasa de su comienzo ruidoso, rápido y denso a un silencio total durante sus solos. Albert nunca estuvo satisfecho con ninguno de sus bajistas después de Peacock y, en su música a partir de aquí, empezó a utilizar las cuerdas de diferentes maneras, con papeles más preestablecidos y partes compuestas, dependiendo de los músicos que pudiera conseguir. El álbum se dedica a la interacción furiosa del conjunto y a los solos de gran intensidad que siempre ponen la pasión del momento por encima de la técnica estándar del jazz. Liberado por la presencia de la trompeta y el contralto, el toque de Ayler se concentra en el rico registro inferior de su tenor. El sonido del tenor de Ayler, un tejido helicoidal de estrías y colores texturizados, es absolutamente merecedor de un tratamiento auditivo real tan copiosamente aplicado.
La crítica lo consideró uno de los álbumes más salvajes y ruidosos de Ayler pero, a pesar de todo su aparente caos, ‘Spirits Rejoice’ era en ocasiones sorprendente como testigo de todos los pasajes de armonía que acompañan a las declaraciones de los temas y las transiciones sin fisuras de la pista del título ya que había una lógica subyacente incluso en los momentos más extremos y por eso seguía siendo una grabación tremendamente inspiradora.
‘Spirits Rejoice’ y otros álbumes próximos de Ayler encapsulan un período de meses en el que nacieron unas ideas suyas que tanto tiempo llevaban gestándose, ayudando a dar paso a una concepción de la música que no se parece a nada de lo que existe, allanando el camino para sus propias aventuras de los años siguientes y, lo que es más importante, proporcionando un lecho extremadamente fértil para una o dos generaciones de músicos venideros.
Personnel:
Albert Ayler - tenor saxophone
Donald Ayler - trumpet
Charles Tyler - alto saxophone
Call Cobbs - harpsichord
Henry Grimes - double bass
Gary Peacock - double bass
Sunny Murray – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=7PAJeWlpnfA
22)
* Un día como hoy, en 1953, Charlie Parker en quinteto grabó en vivo, en una actuación para la radio, su álbum ‘Charlie Parker at Storyville’.
· Recorded WHDH radio broadcast, "Storyville", Boston, MA, September 22, 1953
‘Charlie Parker at Storyville’ es un álbum de jazz de Charlie Parker, grabado en dos actuaciones del quinteto de Parker en el club de jazz Storyville de Boston, el 8 o el 10 de marzo y el 22 de septiembre de 1953. Las grabaciones en directo se publicaron en 1985 en el renovado sello Blue Note Records.
El saxofonista Charlie Parker actuó en el programa ‘The Top Shelf’ de la emisora de radio de Boston los sábados por la noche en 1953. La actuación de los invitados se retransmitió desde el Storyville Club; su fundador, George Wein, había contratado con John McLellan y WHDH en 1952 una serie de conciertos de jazz. WHDH comenzó a emitir programas desde Storyville por la noche. Cuando Parker llegó a Storyville en marzo de 1953, no fue una sorpresa que McLellan estuviera allí esperando ansiosamente para transmitir el programa matinal de los domingos para sus oyentes de WHDH. Parker llegó a la ciudad como solista y se le unieron para su primera actuación en Storyville el bajista local Billy Griggs (que sigue siendo relativamente desconocido), el batería Roy Haynes y, por primera vez, Red Garland. Se convirtió en el único encuentro grabado de los dos músicos, dos años antes de que Garland tocara en la banda de Miles Davis. Su estilo de tocar aquí está más orientado a Bud Powell de lo que fue su forma de tocar después. Charlie Parker tocó sus clásicos "Moose the Mooche", "Ornithology" y el estándar de jazz "Out of Nowhere". Bird aún no había grabado el tema de Jule Styne/Sammy Cahn "I'll Walk Alone". Al final "Out of Nowhere".
Seis meses más tarde, Parker volvió a presentarse en Boston en el Storyville Club, esta vez con una banda completamente diferente; el bajista Jimmy Woode estaba trabajando en Boston en ese momento, al igual que el trompetista Herb Pomeroy. Bird trajo consigo al baterista Kenny Clarke de Nueva York; el pianista del segundo concierto fue Sir Charles Thompson. De nuevo, se emitió un programa de 30 minutos desde el club. En la apertura "Now's the Time" de Parker, luego, al final de la actuación, "Groovin' High". Otro tema raramente tocado por Parker fue el clásico de Rodgers/Hart "Dancing on the Ceiling".
Si en la sesión de marzo es el piano de Red Garland el que destaca, en la grabación de septiembre el quinteto de acompañamiento alcanza bastante más protagonismo. La base rítmica de Kenny Clarke y Jimmy Woode parece como si otorgara más esqueleto a los temas; además, tanto la trompeta de Herb Pomeroy (la gran estrella de esta segunda grabación) como el piano de Sir Charles Thompson, enriquecen las melodías sin recargarlas en exceso. En las dos composiciones propias de Parker, "Now´s The Time" y "Cool Blues" y en el resto del tracklist, "Don´t Blame Me", "Dancing On The Ceiling" y "Groovin´High" (esta última compuesta por Dizzy Gillespie), la atmósfera es más sosegada, Charlie adopta una postura más cómoda, dejando que sus acompañantes destaquen en sus intervenciones. Quizás es en la parte final del "Cool Blues", cuando Bird cierra la pasarela, y en la primera y última parte de "Groovin´High", en los instantes en los que marca la pauta a seguir por sus acompañantes y concluye su intervención, cuando encontramos al artista más dispuesto a estampar su sello de inigualable calidad y genio interpretativo.
Algunos críticos sitúan a ‘Charlie Parker at Storyville’ junto a ‘Bird at St. Nick's’ y el álbum ‘Jazz at Massey Hall’ como documentos en directo esenciales del difunto Charlie Parker. También que, si bien la calidad de las grabaciones radiofónicas era sólo adecuada, Parker estaba en gran forma en estas sesiones, tocando versiones calientes de su repertorio habitual.
Raro trabajo que presenta a Bird en un estilo más abierto y relajado que sus sesiones de estudio. La calidad de la grabación es un poco anticuada, pero la calidad de la interpretación no lo es, con un trabajo en solitario extremadamente fresco de Parker y un gran trabajo de apoyo de sus músicos.
Personnel:
Herb Pomeroy, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
Sir Charles Thompson, piano;
Jimmy Woode, bass;
Kenny Clarke, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=ehaaUb8cic4
https://www.youtube.com/watch?v=BqKVWpr5pD4
https://www.youtube.com/watch?v=XprPBm4ILho
https://www.youtube.com/watch?v=YlJqpAPYTFI
https://www.youtube.com/watch?v=ylcM4uCYL8Q
* También un día como hoy, en 1957, Sonny Rollins en cuarteto, grabó su álbum ‘Newk's Time’.
· Recorded on September 22nd, 1957 at the Van Gelder Studio, Englelwood Cliffs, New Jersey.
‘Newk's Time’ es un álbum de Sonny Rollins. Fue su tercer álbum para Blue Note Records. La edición marcó el inicio de la serie 4000 de Blue Note.
El título del álbum es una referencia al apodo de Rollins "Newk", que aparentemente se basa en su parecido con Don Newcombe, un lanzador de los Dodgers de Brooklyn. "Namely You" fue tomada del espectáculo de Broadway Li'l Abner.
La versión de Rollins de “Surrey with the Fringe on Top”, del musical ‘Oklahoma!’, adopta la forma de intercambios entre la batería de Philly Joe Jones y el saxofonista solamente. Y hay un tema de Rollins dedicado a Jones, "Blues for Philly Joe". El principal modelo musical de Rollins fue el enorme sonido de Coleman Hawkins en lugar del tono frío de Lester Young.
Sonny prefería tocar material único y a veces inusual y sus propios originales en lugar de los estándares de bebop más típicos de la época. Rollins podía improvisar infinitamente sobre la melodía de una canción en lugar de simplemente tocar riffs sobre cambios de acordes.
En ‘Newk's Time’, el tenor magistral convierte material improbable en jazz de swing poderoso.
Manteniendo el tipo están Jones, Watkins y Kelly. Con el respaldo de ese magnífico trío Rollins resalta la belleza oculta de esos temas, a menudo manteniéndose cerca de la melodía y usando la repetición de manera inventiva, y otras veces a través de la pura humanidad de su sonido. Una fuerza volcánica en el saxo tenor utiliza sin esfuerzo sus poderes creativos para crear magia musical a lo largo del álbum.
El saxofonista tenor Sonny Rollins, en su mejor momento y muy respetado, grabó en este excelente momento del hard bop una de las varias sesiones de finales de los 50 para Blue Note. El disco es en parte una actuación clásica, en parte una sesión de viento, con una mezcla de atractivas declaraciones y largos solos. Rollins se adentra en el espacioso entorno del cuarteto, estirándose en las tensas versiones de "Tune Up", el primer concierto de Miles Davis en los 50, y "Asiatic Raes", de Kenny Dorham. El baterista Philly Joe Jones, el bajista Doug Watkins y el pianista Wynton Kelly se encargan de mantener el swing duro pero flexible; Jones fue sin duda el más destacado en esta respetada muestra de los mejores músicos jóvenes de la época, ya que a menudo igualaba la intensidad y el ingenio de los solistas estrella a los que respaldaba. Jones, de hecho, pone algunos puntos culminantes de su carrera en "Wonderful! Wonderful!" y "The Surrey With the Fringe on Top", sólo dos de las muchas interpretaciones de canciones de Tin Pan Alley totalmente únicas que Rollins ha hecho en su larga carrera. De un período que definió su carrera antes del legendario parón de dos años en el Williamsburg Bridge, puede que el ‘Newk's Time’ de Rollins no alcance el estatus de clásico en los anales del jazz, pero ciertamente es una obra imprescindible para los fans de este importantísimo solista de hard bop clásico.
Personnel:
Sonny Rollins, tenor sax;
Wynton Kelly, piano;
Doug Watkins, bass ;
Philly Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Hl0xespmmbQ
https://www.youtube.com/watch?v=HqjfBLqOZY4
* Así mismo, un día como hoy, John Coltrane en cuarteto grabó una toma alternativa de un tema de su álbum ‘First Meditations (for quartet)’, que aparecería también en el recopilatorio ‘The Mastery Of John Coltrane / Vol. I Feelin' Good’
· Recorded: September 22, 1965 at Coast Recorders, San Francisco, CA.
Se trata de una versión en cuarteto de una suite que Coltrane grabaría como “Meditations” dos meses después con la incorporación de Pharoah Sanders como segundo saxo tenor y Rashied Ali en la batería.
Representa las grabaciones finales del clásico cuarteto de Coltrane con el bajista Jimmy Garrison, el baterista Elvin Jones y el pianista McCoy Tyner. La suite de este álbum consta de cinco movimientos.
Además de los cinco movimientos de la suite, el álbum también incluye una versión alternativa de "Joy"que fue grabada el 22 de septiembre de 1965. Esta pista es la última grabación conocida del cuarteto Coltrane / Tyner / Garrison / Jones. McCoy Tyner dejó el grupo de Coltrane a fines de 1965 para formar su trío y para trabajar con Tony Scott y Jones se fue en enero de 1966, uniéndose a la banda de Duke Ellington. El saxofonista tenor Pharoah Sanders se unió al grupo de Coltrane comenzando en vivo en Seattle el 30 de septiembre y tocó en la versión sexteto de “Meditations”, grabada el 23 de noviembre de 1965.
· Personnel:
John Coltrane, tenor sax;
McCoy Tyner, piano;
Jimmy Garrison, bass;
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=J9uJOJgK_LA
* Y un día como hoy, en 1967, Lee Morgan en el sexteto de Jack Wilson, grabó el álbum ‘Easterly Winds’ para Blue Note.
· Recorded on September 22, 1967 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Easterly Winds’ es un álbum del pianista de jazz estadounidense Jack Wilson con actuaciones grabadas y publicadas en el sello Blue Note.
‘Easterly Winds’ ofrece un excelente contraste con el primer álbum de Jack Wilson en Blue Note, ‘Something Personal’. Mientras que su debut en el sello era fresco y romántico, ‘Easterly Winds’ es una colección descarada y funky de soul-jazz y hard bop con un atractivo instantáneo. Wilson mantiene un tono bastante diverso, tanto en sus originales como en sus versiones. Después de golpear fuerte con la pareja de apertura funky "Do It", el groovy de boogaloo de entrada y el hard-swing "On Children", pulsante, impulsor, burbujeante, con Higgins castigando la batería, gran melodía del compositor Wilson, y armonías agrias deliciosamente picantes de la combinación del tono ardiente y brillante de Morgan, el alto afilado y ácido de McLean, y el registro inferior rasposo de los metales de Brown, (ambas ilustran que estaba familiarizado con el soul contemporáneo), calma el ambiente con una bonita versión en trío de "A Time for Love" de Johnny Mandel para que pueda mostrarnos sus dotes como solista e intérprete de melodías. En la segunda mitad, hace soul-jazz ("Easterly Winds"), hard bop directo ("Frank's Tune") y el encantadoramente lírico "Nirvanna".
El segundo disco que Wilson grabó para Blue Note, cuenta con una sección de vientos de primera línea formada por Jackie McLean al saxo alto, Lee Morgan a la trompeta y Garnett Brown al trombón, con Bob Cranshaw al bajo y Billy Higgins a la batería. Se trata de una formación de hard bop de primera categoría, y este es un álbum de hard bop por excelencia. Sin embargo, incluso con músicos tan emocionantes, Wilson resulta ser el más refinado. A lo largo de todo, Wilson es sutil y de buen gusto, permitiendo a Morgan y McLean su tiempo en el centro de atención, Brown tiene un par de buenos momentos también, mientras que el bajista y el baterista prestan un sólido apoyo rítmico. Wilson, que podía ser un pianista muy enérgico, tal vez a la manera de Red Garland, con matices de Horace Silver y un toque de Tristano en el ataque rápido a las teclas, da mucho espacio a sus sidemen, con McLean y Morgan en plena forma, y el excelente Brown al trombón, en lugar de Curtis Fuller. Una gran primera línea, Morgan, McLean y Brown, que Wilson sabe cómo dejar que fluya con suavidad. McLean toca como si pudiera optar a la libertad condicional, con un toque de amargura y acidez todavía en su sonido. Sus líneas son fluidas, y también hay aire entre ellas. Brown no sólo es activo durante el conjunto, sino que es un solista terriblemente rápido y funky. Morgan, uno de los candidatos soñados por el sello, en posesión de abundante versatilidad, funkiness y un enfoque moderno y de moda para hacer de cualquier sesión un éxito, inyecta una agria ternura. Siempre es muy especial escuchar el acoplamiento de músicos dotados con los increíbles estándares de producción del sello Blue Note.
Es otro esfuerzo impresionante y agradable de uno de los pianistas más infravalorados de la lista de Blue Note de los años 60 que aquí cuenta con unos vientos potentes y seguros, además de una sección rítmica con la que ejecuta un estándar en trio sólo.
Hay muchos pianistas infravalorados escondidos en la discografía de Blue Note: Elmo Hope, Herbie Nichols y Sonny Clark entre ellos. Jack Wilson también es uno de esos pianistas. Sin embargo, parece aún más oscuro, lo que es extraño, porque tenía un toque sensible y una sensibilidad musical que parecía idealmente orientada al éxito comercial, o al menos a la popularidad en el mundo del jazz.
Wilson murió en 2007, a la edad de 71 años, a diferencia de los otros que fallecieron en la década de 1960. Nacido en Chicago en 1936, a una edad temprana era un pianista consumado y sideman, actuando con James Moody en 1953 y trabajando con Dinah Washington más tarde en la década de 1957 hasta el 62. Trasladándose de Chicago a Atlantic City y de Los Ángeles a Nueva York, Wilson tocó con Gene Ammons, Sonny Stitt, Eddie Harris, Jackie McLean, Johnny Griffin, Lou Donaldson y Gerald Wilson, apareciendo en seis de los álbumes de este último. Encantadoramente ambidiestro, Wilson grabó, entre otros, su álbum de debut, primer disco como líder, de corte vanguardista en 1963, ‘The Jack Wilson Quartet’, con Roy Ayers, en Atlantic. Wilson ya tocaba el órgano en 1955 en Atlantic City, en la época en la que Jimmy Smith se puso de moda). Pero los mejores ejemplos de su trabajo pueden ser los tres excelentes discos que grabó para Blue Note en la segunda mitad de la década de 1960. Su enfoque suena como una mezcla entre Bud Powell y Horace Silver, con el virtuosismo del blues de Gene Harris.
Al mudarse a Los Ángeles a principios de los años 60, el joven Jack Wilson trabajó dentro y fuera del estudio para la producción de películas y televisión, y realizó giras con una variedad de otros artistas de jazz y cantantes de renombre como pianista de oficio. Su carrera discográfica comenzó con Atlantic y su sello subsidiario Vault, antes de que a finales de los 60, Liberty Records, con sede en Los Ángeles, le diera el papel de líder para tres grabaciones de Blue Note.
Después de sus compromisos con Blue Note, Wilson pasó casi una década con la popular cantante Esther Philips -lo que en el oficio se conoce como ganarse la vida- y tocando en la escena de clubes y conciertos de Nueva York, volviendo al estudio sólo de forma intermitente y, después de muchos años, realizó su última grabación en 1993.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Garnett Brown, trombone;
Jackie McLean, alto sax;
Jack Wilson, piano;
Bob Cranshaw, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=6-2SERRWaEA
21)
* En un día como hoy, en 1956, John Coltrane grabó en sexteto el álbum ‘Whims of Chambers’ para Blue Note.
· Recorded: September 21, 1956 at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.
‘Whims of Chambers’ es un álbum de jazz del bajista Paul Chambers publicado en el sello Blue Note. El álbum presenta actuaciones de Chambers con el trompetista Donald Byrd, el saxofonista tenor John Coltrane, el guitarrista Kenny Burrell, el pianista Horace Silver y el baterista "Philly" Joe Jones.
De los siete temas, cuatro contienen solos del saxofonista tenor John Coltrane y, por lo tanto, se han reeditado con más frecuencia. En realidad, hay bastantes solos en el sexteto de estrellas y todos los músicos tienen la oportunidad de brillar en este hard bop bastante espontáneo. Las dos oscuras composiciones de Coltrane se encuentran entre las melodías más memorables y vale la pena revivirlas. Éste es un buen esfuerzo y valdría la pena que los fanáticos del jazz lo obtengan, incluso si John Coltrane no hubiera participado.
· Paul Chambers Sextet (personnel):
Paul Chambers, bass;
John Coltrane, tenor sax;
Donald Byrd, trumpet;
Horace Silver, piano;
Kenny Burrell, guitar;
"Philly" Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=A3WBCDDAVa4
https://www.youtube.com/watch?v=eD1GzWVErkU
* También un día como hoy, en 1961, Donald Byrd en quinteto grabó su álbum ‘Royal Flush’.
· Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on September 21, 1961.
‘Royal Flush’ es un álbum del trompetista estadounidense Donald Byrd, grabado en 1961 y publicado en el sello Blue Note. El álbum destaca por ser la primera sesión de Blue Note del pianista Herbie Hancock que se publica. El título, y la portada, corresponde a la máxima jugada del póker, la ‘escalera real’.
Donald Byrd estaba en su apogeo como líder de una banda de hard bop directo a principios de los 60, realizando una serie de sesiones notablemente sólidas y agradables para Blue Note. ‘Royal Flush’ no es una excepción a la regla. El álbum encuentra a Byrd una vez más trabajando con el barista Pepper Adams, pero añadiendo al bajista Butch Warren, al baterista Billy Higgins y, lo más importante, a un joven pianista llamado Herbie Hancock. Byrd, Adams y Hancock formaron un quinteto durante el año 1961. Mientras Byrd y Adams ya eran nombres conocidos en el mundo del jazz, Hancock estaba empezando su larga y fructífera carrera y se uniría al Quinteto de Miles Davis en 1963.
En su mayor parte, el quinteto toca un conjunto de hard bop vital, balanceándose con fuerza desde un groove bluesero y reclinándose en un estándar. Pero lo realmente interesante es cuando empiezan a empujar los límites del bop. Las tres piezas originales de Byrd son armónicamente complejas y tienen ritmos sutilmente cambiantes, las tres son exitosas, pero "Shangri-La" es particularmente notable. Del mismo modo, el elegante "Requiem" de Hancock llama la atención por sus fluidas líneas melódicas y su ritmo. A lo largo de la fecha, Byrd y Adams son, como suelen, impresionantes, alternando entre solos punzantes, contundentes y elegantes, pero Hancock es igual de bueno, señalando desde el principio de su carrera su profundo y único talento.
Personnel:
Donald Byrd, trumpet;
Pepper Adams, baritone sax;
Herbie Hancock, piano;
Butch Warren, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=BuODj-awzDo
* Y un día como hoy, en 1962, Cannonball Adderley con su sexteto, actuó en vivo en una residencia de San Francisco durante tres días, recogiendo sus actuaciones en diversos álbumes como ‘The Sextet’ y ‘Jazz Workshop Revisited’.
· Recorded at "The Jazz Workshop", San Francisco, CA, on September 21, 22 and 23, 1962.
‘The Sextet’ es un álbum en directo del saxofonista de jazz Cannonball Adderley grabado en 1962 pero que no fue publicado por el sello Milestone hasta 1982 y que incluye actuaciones de Adderley con Nat Adderley, Yusef Lateef, Joe Zawinul, Sam Jones y Louis Hayes en San Francisco y Japón. El álbum incluye actuaciones inéditas en la residencia Jazz Workshop el día 21 de septiembre, luego produjo ‘Jazz Workshop Revisited’, y conciertos japoneses.
La mayor parte de este material se había grabado antes y las versiones de canciones como "This Here", "Bohemia After Dark" y "New Delhi" no se publicaron hasta dos décadas después. La música sigue siendo muy emocionante y fresca, ya que, aunque en su momento fue un poco eclipsada, se trataba de uno de los grandes grupos de jazz de los 60’s.
A finales de 1961, mientras estaba en la cresta del éxito, Cannonball Adderley procedió a hacer algo mejor. Primero contrató a un joven pianista austriaco extremadamente funky llamado Josef Zawinul, y poco después amplió su grupo añadiendo el talento único de Yusef Lateef para las lenguetas. Este poderoso sexteto -que también incluye al equipo rítmico original, Sam Jones y Lou Hayes, y lo que el hermano Cannon solía presentar como "nuestra sección de metales, Nat Adderley"- se escucha aquí en un notable grupo de primeras ediciones que han sobrevivido en secreto durante dos décadas.
Las interpretaciones recién descubiertas tienden a hacer que cualquier aficionado al jazz, debidamente cínico, desconfíe un poco. Si son tan buenas, ¿cómo es que no se publicaron antes? Se debe principalmente a que Cannonball era un hombre generoso. El repertorio de la banda, siempre sustancial, entremezclaba material nuevo con viejos favoritos, e incluso cuando -como en estos casos- uno de los propósitos importantes del concierto era la grabación, se negaba a centrarse sólo en las melodías destinadas al nuevo álbum.
"New Delhi" estaba en una sesión de Adderley de 1961, y "Never Say Yes" se había grabado ese mismo año en Capitol con Nancy Wnson. Ninguna de ellas pudo ser siquiera pensada para su emisión en aquel momento. Sólo "Peter and the Goats" (que es la representación de Yusef de la noche en que un amigo se emborrachó y pintó un pequeño rebaño con pintura roja) se consideró, pero pasó de largo hace 20 años.
Ahora es cierto que sólo mediante el redescubrimiento de actuaciones olvidadas podremos escuchar nuevos ejemplos del radiante arte de Cannonball Adderley y del tipo especial de espíritu jazzístico que existía a su alrededor. Cosas como el alegre tratamiento de Nat de "Never Say Yes" o el singular liderazgo de la flauta de Yusef en "New Delhi", apenas se escucha este tipo de música hoy en día.
En 1963 Cannonball Adderley había firmado con el sello Capitol, conservando los derechos de algunas cintas maestras grabadas anteriormente mientras estaba con Riverside.
Por su parte, ‘Jazz Workshop Revisited’ es un álbum en directo del saxofonista de jazz Cannonball Adderley publicado por el sello Riverside. Fue grabado en el Jazz Workshop de San Francisco el 22 y 23 de septiembre de 1962.
Estimulado por un público agradecido presente durante la grabación, el grupo de Adderley produjo una colección que es a la vez estimulante y accesible. Hay muchos golpes buenos y fuertes, y a esto se añade el interés de unos arreglos, artísticos y bien construidos, que realzan las melodías y refuerzan los solos.
La mejor banda de Adderley aparece en números tan emocionantes como 'Jessica's Day', 'Unit 7' de Jones y 'The Jive Samba'. Se trata de uno de los mejores trabajos de Cannonball Adderley a principios de la década de 1960.
Personnel:
Nat Adderley, cornet;
Yusef Lateef, flute, oboe, tenor sax;
Julian "Cannonball" Adderley, alto sax;
Joe Zawinul, piano;
Sam Jones, bass;
Louis Hayes, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=d3GGWqXQ278
https://www.youtube.com/watch?v=0IA76H25cyQ
20)
* Un día como hoy, en 1947, Charlie Parker y Dizzy Gillespie, juntos y con otros músicos bop, realizaron otra sesión de radio sabatina que también fue recogida en disco.
· Recorded USA Treasury Radio Broadcast for Mutual Network, New York, "Bands For Bonds", at WOR Mutual Studios, New York City, Saturday, September 14 & Saturday, September 20, 1947.
Formando parte del combo ‘Barry Ulanov's All Star Modern Jazz Musicians’, (aka ‘Barry Ulanov and his All Star Metronome Jazzmen’), Parker y Gillespie actuaron en varias sesiones de radio, cuyos temas se recogieron en diferentes álbumes como ‘Lullaby In Rhythm Featuring Charlie Parker’ del sello Spotlite Records.
Este álbum contiene música de dos emisiones radiofónicas en las que aparece una notable banda de estrellas: el contralto Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, el clarinetista John LaPorta, el pianista Lennie Tristano, el guitarrista Billy Bauer, el bajista Ray Brown y el batería Max Roach. Además de tocar estándares bop de la época, para responder a una petición el conjunto interpreta una versión bastante hilarante de "Tiger Rag". Charlie Parker y Lennie Tristano se admiraban y comprendían mutuamente, y eran buenos amigos. Sin embargo, su producción discográfica conjunta dista mucho de ser extensa. La combinación de Tristano y sus acompañantes con Bird y Diz no siempre funciona, pero es fascinante escucharla. Además, hay algunos extractos de sesiones en directo con solos de Parker mal grabados pero interesantes.
Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet;
John LaPorta, clarinet;
Charlie Parker, alto sax;
Lennie Tristano, piano;
Billy Bauer, guitar;
Ray Brown, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=LOC3qw_bSmo
https://www.youtube.com/watch?v=yzvlGqAx2Rg
* Ese mismo día como hoy, pero en 1952, también Charlie Parker, en cuarteto, actuó en una sesión de radio recogida en álbumes como ‘Charlie Parker Ballads & Birdland’.
· Recorded Radio Broadcast, "Birdland", NYC, September 20, 1952.
Personnel:
Charlie Parker, alto sax;
Duke Jordan, piano;
Charles Mingus, bass;
Phil Brown, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Z2tvlp7RnlM
* También un día como hoy, en 1957, John Coltrane grabó en sexteto, los temas del álbum ‘Wheelin' & Dealin'’.
· Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ, on September 20, 1957.
‘Wheelin' & Dealin'’ es un álbum de Frank Wess, John Coltrane, Paul Quinichette, Mal Waldron, Doug Watkins y Art Taylor publicado por Prestige Records y reeditado posteriormente por New Jazz Records. En un pequeño número de reediciones, se acredita a "The Prestige All Stars", un nombre utilizado por Prestige para varias combinaciones de músicos que estaban bajo contrato con el sello. Éste es otro álbum así, esta vez con un trío de saxos tenores: Coltrane, Quinichette y el injustamente subestimado Wess. La reedición añade tomas alternativas que no aparecían en las ediciones iniciales.
Las grabaciones del Prestige All-Star tienden a ser un éxito o un fracaso, ya que no se puede juntar a un grupo de músicos con talento y esperar que siempre haya chispas. ‘Wheelin' & Dealin'’ es un jazz de mediados de los años 50 que nunca llega a prender. La sesión es interesante por la atención que presta a Frank Wess, un destacado miembro de la Orquesta de Count Basie que aquí reparte su tiempo entre la flauta, un instrumento del que fue pionero en el jazz, y el saxo tenor, consiguiendo superar a Trane con el saxo tenor en "Wheelin'". Coltrane no era ya exactamente un don nadie, pero no está entre las veinte mejores actuaciones de Trane que hay que escuchar. Paul Quinichette, el anciano estadista, estaba simplemente superado. Aquí es Wess quien sale ganando, tanto por su suave solo de saxo como por su conmovedora interpretación de la flauta, esta última destacada en "Robbins' Nest" y en el final de "Dealin'", donde Wess empieza con la flauta y termina con el saxo tenor.
La sesión presenta sólo cuatro temas, incluyendo dos estándares y dos presumiblemente esbozados por Mal Waldron en el momento, "Wheelin'" y "Dealin". Rudy Van Gelder grabó dos tomas diferentes de cada una de estos, y las tomas alternativas aparecieron en reediciones posteriores. Cuando John Coltrane y Mal Waldron colaboraban en Prestige, como es el caso de este álbum, se producía una aventura conjunta que hacía gala de la innovación en el manejo de material conocido y aquí proporciona un estudio de estilos contrastados de saxofón tenor. Coltrane cuenta con la colaboración de Paul Quinichette y Frank Wess, magníficos compañeros de viaje en su misión de búsqueda y creación. Waldron parece ser un pilar de estas grabaciones de Prestige en sus solos, (especialmente en las piezas de blues del título del álbum, demuestra la brillantez y la fascinación hipnótica de su estilo de piano) aquí acompañado por Art Taylor en la batería y Doug Watkins en el bajo. La sección rítmica de Waldron, Taylor y Watkins también había grabado con Coltrane para Prestige a principios de año, y esas grabaciones finalmente aparecieron como ‘Dakar’.
Personnel (The Prestige All Stars):
John Coltrane, Paul Quinichette, tenor sax;
Frank Wess, tenor sax, flute;
Mal Waldron, piano;
Doug Watkins, bass;
Arthur Taylor, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=RvbWXyOGgGI
* Así mismo, un día como hoy, en 1963, Miles Davis actuó con un nuevo quinteto en el Festival de Monterey de ese año. Concierto que fue grabado por el propio Festival y apareció en el álbum ‘Live at the 1963 Monterey Jazz Festival’.
· Recorded: September 20, 1963 at ‘Monterey Jazz Festival’, County Fairgrounds, Monterey, California.
‘Live at the 1963 Monterey Jazz Festival’ es un álbum en vivo de Miles Davis grabado en el Festival de Jazz de Monterrey. Davis había buscado nuevos músicos para su quinteto después de separarse del saxofonista John Coltrane en 1960. El trompetista pasó por muchas combinaciones de personal diferentes. Esos cambios incluyeron el uso de los saxofonistas Sam Rivers o George Coleman antes de establecer a Wayne Shorter, y el descubrimiento de Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams para formar lo que fue uno de los más grandes de todos los quintetos de jazz modernos.
Dos meses después del Festival de Jazz de Antibes en Europa, este concierto es un eslabón perdido entre las dificultades que Davis encontró para lograr el último cénit de sus grandes combos acústicos. Aunque él y Coleman no siempre están sincronizados, la sección rítmica está en llamas, liderada por un sólido Carter, un Hancock de mente fértil y Williams, que fue increíble, aunque sólo tenía 17 años en esta coyuntura.
El saxofonista mismo está animado, inspirado y lleno de energía en sus solos, un tributo a las voces ricas y perfectamente equilibradas que ha mantenido durante toda su carrera. Hancock es un caso de estudio en la inventiva, ya que siempre está alcanzando una meseta más alta con cada puñado notable de medidas. Davis camina en el escenario e inmediatamente salta a la improvisación total. Los miembros de la banda no tienen restricciones, son libres y están sueltos sin pensar o trazar un rumbo y simplemente lo hacen sin perder el tiempo.
El repertorio es estándar de Miles, las melodías se extienden con ingeniosos y poderosos solos, sin embargo, hay un sentido de bravuconería traviesa que mantiene el procedimiento interesante y convincente. Es una muy buena representación de Miles Davis en la vanguardia del jazz moderno.
· Personnel:
Miles Davis – trumpet
George Coleman – tenor sax
Herbie Hancock – piano
Ron Carter – bass
Tony Williams – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=MWUrosuqpEA
* Igualmente, un día como hoy, también en 1963, Charles Mingus con su orquesta grabó temas que aparecieron, con los de otra sesión anterior con diferentes músicos, en álbumes como ‘Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus’.
· Recorded at RCA Studios, New York City, on January 20 & September 20, 1963.
‘Mingus Mingus Mingus Mingus’ es un álbum de estudio del compositor y bajista de jazz estadounidense Charles Mingus. Mingus colaboró con el arreglista y orquestador Bob Hammer para componer la música para un gran conjunto de saxofones y otros metales. También se recogió en la recopilación posterior ‘Charles Mingus - Reevaluation: The Impulse Years’ que, no sólo resume el breve período de Charles Mingus con Impulse, sino que casi reedita su producción completa para el sello. Incluyendo cinco de las siete selecciones de ‘Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus’, hay muchos momentos memorables en este set (especialmente la versión definitiva de "Better Get Hit in Yo' Soul" y el violento solo de contralto de Eric Dolphy en "Hora Decubitus"). La mayoría de las composiciones de este álbum ya habían sido grabadas anteriormente o han sido regrabadas, algunas con títulos diferentes, en otros álbumes. Música clásica, en definitiva.
Personnel:
Eddie Preston, Richard Williams, trumpet;
Britt Woodman, trombone;
Don Butterfield, tuba;
Jerome Richardson, soprano, baritone sax, flute;
Eric Dolphy, alto sax, flute;
Booker Ervin, tenor sax;
Dick Hafer, tenor sax, clarinet, flute;
Jaki Byard, piano;
Charles Mingus, bass, piano;
Walter Perkins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=3048ylii2VE
* Y ese mismo día como hoy, pero un año después, en 1964, Charles Mingus con otra orquesta actuó también en el festival de Monterey. Actuación recogida en el conocido, y celebrado, álbum ‘Mingus At Monterey’.
· Recorded at the ‘Monterey Jazz Festival’ in Monterey. California on September 20, 1964.
‘Mingus at Monterey’ es un álbum en vivo y en directo del bajista y compositor de jazz Charles Mingus, grabado en 1964 en el Festival de Jazz de Monterey y publicado originalmente en el efímero sello Jazz Workshop de Mingus, aunque posteriormente se publicó en otros sellos. Mingus imprimió una edición limitada del concierto en su propio sello para su venta por correo. Al parecer, Capitol, exasperada con Mingus, borró las cintas maestras originales. De ser cierto, esto podría explicar por qué las reediciones posteriores son tan mediocres.
Su aparición en el Festival de Jazz de Monterey fue uno de los puntos álgidos de la carrera de Charles Mingus donde se mostró al bajista/compositor/líder de banda en la cima de sus poderes.
Justo después de su gira europea, Mingus reunió un noneto de metales para interpretar en este álbum selecciones de su padre espiritual Duke Ellington (“Mood Indigo”, “Sophisticated Lady” y otras), un largo popurrí, tour de force ellingtoniano de Mingus en el 7º Festival de Jazz de Monterey, junto con sus propias "Orange Was the Color of Her Dress" y una impresionante versión de "Meditations on Integration" interpretada por un grupo de 12 músicos que incluía al contralto Charles McPherson, al tenor John Handy, al trompetista Lonnie Hillyer o al pianista Jaki Byard.
Al parecer, sólo se le concedió media hora de actuación en Monterey y el material escrito para Monterey se interpretó por primera vez al año siguiente en la UCLA, posiblemente de donde debe proceder parte de la música de este álbum, ya que hay más de media hora en este doble álbum.
No obstante, es una gran grabación en vivo que te sumerge directamente en la multitud de siete mil personas en una tarde de domingo en Monterey, para experimentar la temible energía de Mingus y su implacable orquesta.
"Meditations on Integration”, es una obra maestra de Charles Mingus. En 1964, Mingus interpretó la pieza en abril en Nueva York y en una gira europea, y en el Festival de Jazz de Monterey en ese septiembre, luego en un puñado de otras ocasiones. A pesar de ser una de sus mejores composiciones, Mingus no volvió a tocar "Meditations" después de 1964.
Personnel:
Bobby Bryant, Lonnie Hillyer, Melvin Moore, trumpet;
Lou Blackburn, trombone;
Red Callender, tuba;
Charlie McPherson, alto sax;
Buddy Collette, alto sax, flute, piccolo;
John Handy III, tenor sax;
Jack Nimitz, baritone sax, bass clarinet;
Jaki Byard, piano;
Charles Mingus, bass;
Dannie Richmond, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=fECCAOpVCR4
18)
* Un día como hoy, en 1948, Charlie Parker con sus All Stars, grabaron temas para Savoy, recogidos en álbumes póstumos como ‘Charlie Parker Memorial’ (Vol. 1 y Vol. 2).
Recorded: at Harry Smith Studios, NYC, on November 16, 1945; May 8, 1947; December 21, 1947; September 18, 1948 and September 24, 1948.
‘Charlie Parker Memorial’ (Vol. 1 y Vol. 2) son discos de Charlie Parker, publicados póstumamente por Savoy Records. Varias de los temas de este álbum ya habían sido editadas en otros formatos, pero es la primera edición de estas tomas maestras. Contiene selecciones de cinco sesiones grabadas en 1945 y 1948, y contiene varias tomas alternativas inéditas de estas sesiones.
Charlie Parker grabó siete sesiones de estudio para Savoy Records entre 1944 y 1948; cinco como líder y dos como acompañante. Savoy publicó veintinueve temas de estas sesiones. Veintisiete de estos temas se reeditaron con el nombre de Parker (los otros dos temas con voces del guitarrista Tiny Grimes). Los LP`s de 12 pulgadas, más largos, se hicieron populares a mediados de la década de 1950 y Savoy inauguró su serie de con dos álbumes (‘Charlie Parker Memorial, Vol. 1’ y ‘The Immortal Charlie Parker’) que reeditaban tomas maestras publicadas anteriormente junto con tomas alternativas inéditas. Savoy publicó otros tres álbumes de 12 pulgadas (‘Charlie Parker Memorial Vol. 2’, ‘The Genius of Charlie Parker’ y ‘The Charlie Parker Story’) que completaban la reedición de las tomas maestras publicadas anteriormente y la edición original de la mayoría de las tomas inéditas de estas siete sesiones. La obra completa de Parker en Savoy se publicó finalmente en ‘Charlie Parker: The Complete Savoy Studio Sessions’ en 1978.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
John Lewis, piano;
Curly Russell, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=1a0r_6PDTwo
https://www.youtube.com/watch?v=z_SADHGgTpQ
https://www.youtube.com/watch?v=KX4VXB0kItg
https://www.youtube.com/watch?v=prDBNyPYah8
* Este mismo día un año después, en 1949, también Charlie Parker participó en los ‘Jazz At The Philharmonic’, con Lester Young y otros. La actuación fue recogida en diferentes recopilatorios como ‘Bird & Pres - Carnegie Hall 1949: Jazz At The Philharmonic’.
Recorded: September 18, 1949 at Carnegie Hall, New York City.
´Personnel:
Roy Eldridge, trumpet;
Tommy Turk, trombone;
Charlie Parker, alto sax;
Flip Phillips, Lester Young, tenor sax;
Hank Jones, piano;
Ray Brown, bass;
Buddy Rich, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Ts5_oMXec8s
https://www.youtube.com/watch?v=B5SLdB-4muI
* También un día como hoy, en 1962, John Coltrane en cuarteto, continuó la grabación de los temas incluidos, entre otros, en su álbum 'Ballads'.
· Recorded December 21, 1961. September 18, 1962 and November 13, 1962
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Ballads’ es un álbum de jazz de John Coltrane con melodías que el cuarteto nunca antes había tocado. “Llegaban con las partituras de las canciones de la tienda de música (…) discutían cada tema, escribían copias de los cambios que usarían (…) ensayo durante media hora y luego lo grababan” escribió un crítico. Y casi cada pieza se grabó en una sola toma.
A lo largo de la discografía de Coltrane hay un puñado de álbumes decisivos y otros controvertidos. ‘Ballads’ a menudo es criticado por ser demasiado fácil y como un compromiso entre Coltrane y su sello Impulse. Incluso ha sido acusado de ser un disco que Coltrane no quería hacer. Lo que se interpone en el camino de disfrutar de un álbum perfectamente bueno de Coltrane haciendo lo que siempre hizo: explorar nuevas vías y modos en una búsqueda inagotable de iluminación personal y artística. Con ‘Ballads’ analiza el lado más cálido de las cosas. No es agresivo, en cambio es introspectivo y, a veces, incluso predecible, pero ese es un atractivo del álbum.
· Personnel:
John Coltrane, tenor sax
McCoy Tyner, piano
Jimmy Garrison, bass
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=3dKmQGJ7bw4
* Y un dia como hoy, en 1965, Lee Morgan en sexteto, grabó su álbum ‘Cornbread’.
Recorded on September 18, 1965 at The Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Cornbread’ es un álbum del trompetista de jazz estadounidense Lee Morgan, por el sello Blue Note. Grabado en septiembre de 1965, el álbum incluye actuaciones de Morgan, junto a un sexteto de músicos importantes.
Después de que el trompetista Lee Morgan incendiara el mundo de la música con el éxito arrollador de su exitoso single de soul-jazz ‘The Sidewinder’ en 1964, muchos artistas intentaron duplicar su hazaña triunfal en busca de otra sensación de boogaloo. Incluso el propio Morgan cocinó seguimientos funky utilizando la receta de ese álbum en sus posteriores grabaciones en Blue Note como ‘The Rumproller’, ‘Yes I Can, No You Can't’ y ‘Cornbread’.
Fue un periodo increíblemente prolífico en la carrera de Morgan. En los dos años siguientes a la grabación de ‘The Sidewinder’ hizo otros 6 álbumes, llegando a grabar la asombrosa cifra de 25 álbumes para Blue Note en el momento de la trágica muerte del trompetista en 1972 a la edad de 33 años.
En ‘Cornbread’, grabado en septiembre de 1965, el único compañero de banda común era el baterista Billy Higgins, de inmaculado balanceo y dulce sonrisa. Morgan también reclutó una sección de vientos de primera categoría con el saxofonista alto Jackie McLean (Lee devolvió el favor menos de una semana después tocando en el álbum ‘Jackknife’ de Jackie) y el saxofonista tenor Hank Mobley (Lee sirvió como acompañante en muchos de sus álbumes en la época en que firmó con Blue Note y debutó con su álbum ‘Lee Morgan Indeed’ de 1956). Para el piano, Lee trajo al incondicional de Blue Note Herbie Hancock, del quinteto clásico de Miles Davis de los años 60. El bajista Lee Ridley, que llegó a convertirse en un importante educador de jazz, cofundó la sección rítmica con Higgins.
Esta sesión es más conocida por presentar la hermosa balada de Lee Morgan "Ceora", pero en realidad los cinco temas seleccionados (que incluyen "Cornbread", "Our Man Higgins", "Most Like Lee" de Morgan y el estándar "Ill Wind") son bastante memorables.
El álbum, que incluye cuatro composiciones de Morgan y un estándar, comienza con "Cornbread". Se abre con el delicado rebote del platillo ride de Higgins y la línea de groove del bajo de Ridley, adornada por el brillante piano de Herbie, antes de que los vientos ofrezcan una animada fanfarria. El valiente solo de Lee marca el tono, seguido de algunos comentarios apasionados de Hank y Jackie, con Herbie teniendo la última palabra. A continuación, el trompetista rinde tributo a su firme baterista, "Our Man Higgins". Es un bop a todo trapo que ofrece a Billy el protagonismo, que aprovecha con sus alborotados golpes de batería.
Mientras que ‘The Sidewinder’ no se ralentizó lo suficiente para una balada, en ‘Cornbread’, Lee varía el programa aquí con 2 números down-tempo que comienzan con una de sus canciones más conocidas, la bossa-intentada "Ceora". La primera línea fluye con la melodía tras una delicada introducción de Herbie, y Lee alcanza las estrellas durante su maravilloso giro en solitario. Le sigue un tratamiento relajado y magnífico del estándar de Arlen-Koehler, "Ill Wind", en el que Lee toca en una cautivadora vena bluesy utilizando una sordina.
El álbum se cierra con la alborotada "Most Like Lee". Es un tema alegre y cargado de fuerza en el que los miembros de la banda se extienden libremente (Ridley incluso llega a intervenir con su único solo del álbum). Lee lidera la carga con su trompeta clarificadora, y Herbie adopta su postura más creativa en el álbum, bailando en el fondo comprando, coloreando, incitando, retozando.
El trompetista/líder actúa con un grupo perfectamente complementario de estilistas de hard bop de mente abierta y talento y crea un clásico de Blue Note que se recomienda siempre. Este trabajo de Lee Morgan, es uno de sus discos más admirados. Todo un clásico del hard bop.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Jackie McLean, alto sax;
Hank Mobley, tenor sax;
Herbie Hancock, piano;
Larry Ridley, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=-Aap5iTETjI
https://www.youtube.com/watch?v=uRQgI6QM9_U
17)
* Un día como hoy, en 1956, un brillante Sonny Rollins en el Max Roach Quintet, comenzó la grabación del estupendo álbum ‘Max Roach +4’.
· Recorded in New York City on September 17 and September 19, 1956 and at Capitol Tower Studios in Hollywood, California on March 18 and March 20, 1957.
‘Max Roach + 4’ es un álbum grabado por el baterista de jazz Max Roach, en el que participaron Kenny Dorham en la trompeta, Sonny Rollins en el saxo tenor, Ray Bryant en el piano y George Morrow en el bajo.
Esta es la primera obra larga que Max Roach hizo desde que la muerte arrojó una sombra en su combo en el verano de 1956. El accidente automovilístico que se llevó la vida de Clifford Brown, su brillante joven trompetista, un 26 de junio, también se cobró la vida de Richard Powell, pianista que había sido una figura clave en el grupo como su principal arreglista. Después de que la conmoción inicial se disipó, el baterista Max Roach buscó a su alrededor para encontrar músicos que coincidieran con su concepción de cómo debería sonar su grupo. Así se agrupó con el trompetista Kenny Dorham y el pianista Ray Bryant (sustituido por Bill Wallace en las sesiones del año siguiente) llenando huecos que no se podían llenar. El gran tenor Sonny Rollins y el bajista George Morrow permanecieron de la banda anterior.
‘Max Roach + Four’ muestra a Roach ocupando un montón de espacio en solitario y en los clímax en algunos temas. Los vientos tienen muchos buenos lugares y aspectos destacados con cálida interpretación en muchas ocasiones.
· Personnel:
Drums – Max Roach
Tenor Saxophone – Theodore "Sonny" Rollins
Trumpet – Kenny Dorham
Piano – Raphael “Ray” Homer Bryant
Bass – George Washington Morrow.
https://www.youtube.com/watch?v=301qiixjmMk
* Y un día como hoy, en 1974, Dizzy Gillespie comenzó la grabación de su álbum ‘Dizzy Gillespie's Big 4’.
Recorded at ‘Cherokee Studios’, Los Angeles, CA, September 17 and 19, 1974.
'Dizzy Gillespie's Big 4' (también publicado como ‘Dizzy's Big 4’) es un álbum de Dizzy Gillespie grabado en 1974 y publicado en el sello Pablo. Se grabó en Los Ángeles, al igual que otros esos días para el mismo sello, con diferentes acompañantes.
Dizzy Gillespie omite el piano en estas sesiones de 1974, pero nunca se echa de menos debido a la potente sección rítmica suministrada por el guitarrista Joe Pass, el bajista Ray Brown y el batería Mickey Roker. Comenzando con la inspirada y ocasionalmente funky "Frelimo" (aka Tenga), que cuenta con el líder en la trompeta abierta y silenciada, Gillespie está en plena forma. Su tratamiento deliberado de la olvidada "Hurry Home" es una joya lírica, mientras que el ajuste de la brisa de la normal "Russian Lullaby" (Canción de cuna rusa) burbujea con la emoción. Pero los fuegos artificiales tienen lugar en la rápida interpretación de "Be Bop (Dizzy's Fingers)" de Gillespie, en la que Pass parece tocar a un ritmo imposible. Igual de divertida es la descarada e intrincada interpretación del blues del trompetista "Birk's Works", impulsada por el potente bajo de Brown, junto con el moderno tratamiento actualizado del "Jitterbug Waltz" de Fats Waller y de “September Song”. Esta es sin duda una de las mejores grabaciones de Dizzy Gillespie para grupos pequeños de la última parte de su carrera.
Personnel
Dizzy Gillespie – trumpet
Joe Pass – guitar
Ray Brown – bass
Mickey Roker – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=zAp8cQ9tQ1g
15)
* Un día como hoy, en 1944, Charlie Parker grabó, con el Tiny Grimes Quintette, en estudio temas recogidos en diversos álbumes, como ‘The Immortal Charlie Parker’.
· Recorded at 'WOR Recording Studios', 1440 Broadway, NYC, Friday, September 15, 1944.
‘The Immortal Charlie Parker’ es un álbum de Charlie Parker, publicado póstumamente por Savoy Records. Varias de las canciones de este álbum habían sido publicadas anteriormente en otros formatos, pero ésta la primera edición de estas tomas maestras.
Contiene selecciones de cinco sesiones grabadas entre 1944 y 1948 (September 15, 1944; November 26, 1945; May 8, 1947; August 14, 1947 and September 24, 1948) y contiene varias tomas alternativas inéditas de estas sesiones.
El guitarrista de swing Tiny Grimes dirigió la sesión del 15 de septiembre de 1944. Ésta fue también la primera sesión de grabación de Parker para el sello Savoy.
El 14 de septiembre de 1944 Tiny Grimes había actuado en el ‘Downbeat Club’. Se le pidió que reuniera un grupo (‘Tiny Grimes Quintette’, con Hart, Butts y West además de él y Parker) para una sesión de grabación de Savoy que se celebraría al día siguiente (15 de septiembre) en los estudios WOR. ‘Bird’ actuaba habitualmente con su grupo, así que Grimes invitó al saxo alto Parker como sideman en Tiny Grimes Quintette.
Se trata de la primera sesión de estudio de Parker tras la prohibición de grabar entre agosto de 1942 y noviembre de 1944, y de sus primeras grabaciones en estudio con un grupo pequeño.
En 1944, Savoy Records había comenzado a grabar los músicos de jazz que improvisaban en los clubes de Harlem y la calle 52. La banda Hot Lips Page que grabó una sesión el 12 de septiembre incluía en su formación al guitarrista Lloyd "Tiny" Grimes. Tres días más tarde, Tiny Grimes volvía a liderar un pequeño grupo que contaba para el saxo alto con un tal Charles Parker, llegado a la Gran Manzana con la Jay McShann Orchestra en enero de 1942. Cuando el conjunto de McShann regresó a Kansas City, en el verano del 42, Charlie Parker decidió quedarse en N.Y.C. y tocar en los clubes. A finales de año fue reclutado por la Earl Hines Orchestra por sugerencia de Billy Eckstine y Benny Harris. En la banda también estaban Sarah Vaughan y Dizzy Gillespie. Parker la dejó cuando la banda regresó a Nueva York. Poco después estuvo en el Onyx Club de la calle 52. Luego apareció en otro club de la calle 52, el Three Deuces. A pocas puertas de ese club, estaba el Downbeat Club, donde Charlie se dejaba caer para improvisar con la banda dirigida por el guitarrista Tiny Grimes. El 14 de septiembre, Savoy pidió a Tiny que grabara una sesión para ellos. Al día siguiente se presentó con un grupo que incluía a Charlie Parker.
Tocaron 4 temas (con 2,3 e incluso 5 tomas) que se incluyeron en varios álbumes como ‘The Immortal Charlie Parker’ o la recopilación ‘The Complete Savoy Studio Sessions’. Previamente de esta sesión se generaron cinco discos. Se utilizaron las mismas tomas de cada tema en todos esos singles.
La sesión de Grimes incluye dos esfuerzos vocales de Tiny, la concordada "I'll Always Love You Just The Same" y la medio hip "Romance Without Finance". El interés principal de esta sesión se centra en el instrumental swing "Tiny's Tempo" y la composición de Parker "Red Cross" (éste es el tema más significativo con una interpretación de Bird totalmente moderna).
De los componentes del quinteto, Grimes canta en "I'll Always Love You Just the Same"; Grimes y Butts cantan en "Romance without Finance". Las contribuciones de Parker a estas melodías, especialmente su solo de tres coros en la toma de "Tiny's Tempo" y su interpretación en la armónicamente desafiante composición "Red Cross”, nos dan una idea de lo que está por venir.
Pasó más de un año antes de que Charlie Parker grabara otra sesión en Savoy. Esta vez sería bajo su propio nombre.
Personnel:
Charlie Parker (as);
Lloyd "Tiny" Grimes (g) (vc);
Jimmy Butts (b) (vc);
Harold "Doc" West (d)
https://www.youtube.com/watch?v=O4wbyzNndJY
https://www.youtube.com/watch?v=3TBW049kke0
https://www.youtube.com/watch?v=0NzY8cRKQUI
https://www.youtube.com/watch?v=f_hSSKK2KgM
* Y un día como hoy, en 1956, John Coltrane participa en un tema con Miles Davis y su primer quinteto con Red Garland, piano, Paul Chambers, bass y Philly Joe Jones, drums, en una sesión radiada (Radio broadcast 'Bandstand USA'), en el "Cafe Bohemia", Greenwich Village de NYC. De la sesión quedan grabaciones en cintas privadas no fácilmente encontrables.
Pero justo un año después, 15/09/1957, Coltrane independizado de Davis, con un sensacional sexteto graba en estudio su seminal 'Blue Train'. Su álbum preferido. Palabras mayores.
Escúchese y punto.
· Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.
‘Blue Train’ es un álbum de estudio de John Coltrane que fue publicado por Blue Note. Grabado en el estudio Van Gelder es la única grabación de Blue Note realizada por Coltrane como director de sesión en el que él tuvo la oportunidad de elegir a sus propios acompañantes. Se ha reeditado en varias ocasiones con material o tomas inéditas.
Hay una conexión con la vida personal de John Coltrane en este momento. Había vencido su adicción a la heroína que había comenzado en Filadelfia en 1953 y que se había superpuesto a una adicción adquirida anteriormente al alcohol. En otoño de 1956 (y nuevamente en marzo de 1957 después de un breve regreso), Miles Davis se vio obligado a despedirlo de su banda. Al regresar a casa con su esposa Naima un día en la primavera de 1957, después de que Miles lo hubiera despedido, John Coltrane declaró que iba a dejar las drogas. Se retiró a su habitación, bebió solo agua y después de cuatro días abandonó sus hábitos alcohólicos y de heroína. Finalmente, al liberarse de las drogas, pudo concentrarse por completo en el desarrollo de su música por primera vez. Trabajó con Thelionious Monk que expuso a John Coltrane al enfoque radical del pianista. Miles Davis pudo darle la bienvenida nuevamente a su quinteto en diciembre de ese año; iban a pasar a la transición a la música modal. Experimentar con nuevas ideas armónicas fue exactamente lo que se alentó en los entornos de Miles Davis y Thelonious Monk, con Miles especialmente como animador y mentor. Fue Miles quien le compró a John Coltrane un saxofón soprano como regalo y sugirió que debería trabajar con él. Coltrane estaba visitando Blue Note para encontrar grabaciones del gran clarinetista y saxofonista Sydney Bechet, fue lo que llevó a John Coltrane a contactar con Alfred Lion, cofundador de Blue Note y a la posterior eclosión de la idea de un álbum para ese sello. Y fue Miles Davis quien le animó a Coltrane a desarrollarse musicalmente.
El álbum se grabó en medio de la residencia de Coltrane en el ‘Five Spot’ como miembro del cuarteto de Thelonious Monk. El personal incluye a los compañeros de banda de Miles Davis, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería, ambos habían trabajado antes con el pianista Kenny Drew. Tanto el trompetista Lee Morgan como el trombonista Curtis Fuller eran músicos de jazz emergentes, y ambos fueron miembros de los Jazz Messengers de Art Blakey en su momento. A diferencia de su anterior sello, Blue Note pagó a los músicos para que ensayaran la música durante un par de días antes de la sesión de grabación.
Todas las composiciones fueron escritas por Coltrane, a excepción del estándar "I'm Old Fashioned", balada de Jerome Kern/Johnny Mercer. Aunque en este momento sus composiciones utilizaban armonías diatónicas convencionales, estaban ambientadas de forma poco convencional. El tema que da título al disco es una canción blues con un tema casi menor. "Locomotion" es también una melodía con riff de blues, en forma de cuarenta y cuatro compases. "Lazy Bird" es en parte una transposición de la composición de Tadd Dameron "Lady Bird" con la que hay una relación armónica.
El disco está repleto de pruebas sonoras de la innata capacidad de liderazgo de Coltrane. No sólo aborda los temas en cuestión, sino que también se reinventa a sí mismo como intérprete polifacético tanto del hard bop como de la balada sensible, tocando todas las formas intermedias. El personal de ‘Blue Train’ es posiblemente tan impresionante como lo que tocan. Los arreglos de triple viento incorporan una densidad sonora adicional que sigue siendo una marca registrada exclusiva tanto de esta banda como del álbum. Destaca el trombón de Fuller, de tono uniforme, que hace bops a lo largo de la canción que da título al disco, así como en la frenética "Moments Notice". Otros solos son los sutilmente discretos riffs de Paul Chambers en "Blue Train", así como la gran energía e impacto de las contribuciones de Lee Morgan y Kenny Drew durante "Locomotion". El tema también cuenta con algunas contribuciones breves pero vitales de Philly Joe Jones, cuyos esfuerzos a lo largo del disco se encuentran entre sus mejores momentos personales. Los ricos tonos de Fuller y los solos de Drew, ejecutados con buen gusto, envuelven limpiamente los ritmos constantemente lánguidos de Jones.
Sin reservas, ‘Blue Train’, que llegó en un momento crucial de la carrera de Coltrane, puede considerarse fácilmente en y entre las presentaciones más importantes e influyentes no sólo de la carrera de Coltrane, sino también de todo el género de la música de jazz.
· Personnel:
John Coltrane, tenor sax;
Lee Morgan, trumpet;
Curtis Fuller, trombone;
Kenny Drew, piano;
Paul Chambers, bass;
"Philly" Joe Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=VBBWqbPaJgs
14)
* Un día como hoy, en 1964, Kenny Dorham, en quinteto, grabó su último álbum ‘Trompeta Toccata’.
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on September 14, 1964.
‘Trompeta Toccata’ es un álbum de jazz de 1964 del trompetista Kenny Dorham. Fue publicado por Blue Note Records. ‘Trompeta Toccata’, al igual que el anterior álbum de Dorham, ‘Una Mas’, contiene sólo cuatro piezas, tres de las cuales fueron escritas por el propio trompetista y sus muy infravaloradas habilidades como escritor, trompetista y buscador de talentos están muy presentes (la pegadiza "Mamacita" de Joe Henderson también se estrena). Este moderno quinteto de hard bop sirvió como un fuerte (aunque prematuro) final de la impresionante carrera de Dorham como artista en solitario. ‘Trompeta Toccata’ sería su última aparición como líder, Parece extraño y un tanto trágico que este fuera el último álbum completo del trompetista Kenny Dorham como líder, ya que sólo tenía 40 años en ese momento y todavía estaba en su mejor momento, el resto de la carrera discográfica de Dorhams se limitó a apariciones como acompañante que se pueden contar con los dedos de una mano. Por desgracia, ‘el rey no coronado de la trompeta’, se deslizó hacia la oscuridad y falleció intempestivamente en 1972 debido a una enfermedad renal.
Dorham se sentía muy satisfecho de trabajar con estos músicos -Joe Henderson, Tommy Flanagan, Richard Davis y especialmente Albert "Tootie" Heath. ‘Trompeta Tocatta’, a pesar de algunos fallos en su ejecución, es un álbum de primera. Dorham muestra sus raíces bop, trae al curtido Tommy Flanagan que hace valer su puesto frente a un gran trompetista, pero da mucho espacio a su joven contemporáneo, el cada vez más seguro Joe Henderson.
Dorham eligió el título ‘Trompeta Toccata’ porque el término ‘toccata’ proviene de una base de lengua latina, y como la canción está en 6/8 con un sentimiento afrolatino y le parecía lógico hacer que todo el título fuera latino. El tema que da título al disco, “Trompeta Tocatta”, es un ambicioso lienzo modal, con una introducción lenta y ascendente, que da paso a un complejo tejido de secciones, con un maravilloso trabajo de vientos de Henderson, con explosivas ejecuciones rápidas y armónicos, pero con un solo de bajo de Richard Davis (una figura clave en muchas de las sesiones de vanguardia del sello) quizás mal calculado, que se queda en nada, dejando a todos luchando por recoger los pedazos. La batería de Albert Heath sigue impulsando con fuerza. Tommy Flanagan se siente un poco fuera de lugar en lo que habría sido un espacio natural para la telaraña de notas de Hancock. Dorham y Henderson se preocupan por la melodía, acentuando las ejecuciones en staccato que comienzan o terminan con notas inesperadas. Una pieza desigual dada su gran ambición, que podría haberse beneficiado de otra toma, pero que sigue teniendo mucho que ofrecer.
Según Dorham, "Night Watch", una pieza de blues, habla de la noche y la oscuridad: es la joya oculta. Con la disposición ajustada, todo el mundo actúa en su punto, los solos son enérgicos, económicos en la entrega, densamente repleto de buen juego, repite la escucha, aunque la melodía en sí carece de un gancho que podría haber conseguido una mayor difusión. La elaborada estructura de tempo medio, no le quita nada a su inconfundible sentimiento de blues. “The Fox” es una actuación de trompeta virtuosa y rápida de Dorham, con Henderson como perseguidor. Dorham salpica el paisaje de la acelerada The Fox con una lluvia de líneas elegantes y fluidas. “Mamacita”, igualmente atrapante, es una pieza característica de Henderson, que cumple con todo. Anunciada como ‘gospel bossa’, es un formato estándar de blues de 12 compases con una superposición de bossa latina. Henderson se estira y se balancea de verdad. Dorham pasa de puntillas por sus líneas solistas, sincopando con la sección rítmica, Flanagan se pone en plan Barry Harris, mientras que Richard Davis se pone en plan Leroy Walkin', a doble tiempo. Es una pieza alegre que compensa con creces algunos aspectos irregulares de la sesión. Durante su grabación, Dorham recuerda que una vez que empezaron a tocarla, se encendieron y empezaron a moverse al ritmo.
Dorham amplió los límites del hard bop, tocando más libremente, con un estilo variado y más percusivo. Al mismo tiempo, Dorham conservó su característico estilo lírico y su tono agridulce. Tener su canto del cisne en ‘Trompeta Toccata’ cumple con creces los requisitos.
Según algún crítico, ‘Trompeta toccata’ es un álbum lleno de matices por parte de cada músico, los cuales se hacen con cada tema (la combinación del experimental Richard Davis, -su toque vanguardista y su virtuosa técnica de deslizamiento están presente en este álbum-, el combativo Joe Henderson, el elegante Tommy Flanagan y el versátil Albert Heath garantiza un montón de texturas interesantes), produciendo un disco muy dinámico y alegre a la hora de escucharlo.
Personnel:
Kenny Dorham, trumpet;
Joe Henderson, tenor sax;
Tommy Flanagan, piano;
Richard Davis, bass;
Albert Heath, drums,
https://www.youtube.com/watch?v=DPpHJ91E-WU
13)
Un día como hoy, en 1953, ¡Miles Davis grabó en vivo en la costa oeste para Contemporary Records su álbum ‘Miles Davis And The Lighthouse All-Stars - At Last!’.
· Recorded: Sunday, September 13, 1953.
in performance at ‘The Lighthouse’, Hermosa Beach, CA.
‘At Last!’ es un álbum de jazz con Miles Davis y la participación de Chet Baker. Los dos trompetistas fueron grabados en el mismo álbum, pero no juntos. El primero precedió al segundo en el escenario del ‘Lighthouse Café’ en Hermosa Beach, California, el domingo 13 de septiembre de 1953. Miles Davis se presentó con el sexteto regular del bajista Howard Rumsey (que incluía al trompetista Rolf Ericson, Bud Shank en el alto y el barítono, Bob Cooper en el tenor, Lorraine Geller al piano y el baterista Max Roach) en tres temas y tiene a "'Round Midnight" como el más característico.
En 1953, Davis se presentó una tarde en el Lighthouse. La cosa no tenía importancia, mucha gente actuaba en ese club y Davis no era más famoso que la mayoría y menos que muchos. La fama estaba a dos o tres años de distancia para él todavía. No había ninguna razón de peso para publicar las grabaciones realizadas aquella tarde. El productor probablemente pensó que tenía material más interesante de los All-Stars, por lo que las cintas se mantuvieron durante tres décadas. Y cuando salieron a la luz, eran muy interesantes no sólo histórica sino musicalmente. Miles hace solos en clásicos de Thelonious Monk y Dizzy Gillespie y en un original de Shorty Rogers que tiene afinidad con "Good Bait" de Tadd Dameron. Los otros temas son un intrigante solo de batería de Max Roach y una encantadora balada de los invitados Chet Baker y Russ Freeman. Este no fue un domingo más en el Lighthouse.
El movimiento de la Costa Oeste estaba boyante. Davis después de un intento fallido de desintoxicación, parte con Charles Mingus y Max Roach hacia California al Lighthouse.
El ya mítico nacimiento de las sesiones cool se había ya producido y Miles está descubriendo la generación que se inspiraba en él. Allí conoció a Baker. Tenían una buena relación a pesar de que Chet fue votado como el mejor trompetista de ese año por la revista DownBeat (lo que no había hecho ni pizca de gracia a Miles).
“Estaba tocando en el ‘Lighthouse’ un día cuando fui a comer pastel de carne allí. Chet era un tipo bastante bueno, genial, y un buen instrumentista. Pero sabía tan bien como yo que me había estado copiando mucho. En esa reunión me dijo después, que tocar sabiendo que estaba yo en la habitación le ponía nervioso”. (M. Davis).
El sol de California no permitió que Miles Davis dejara su drogadicción, volvió a la casa de su padre y se encerró durante ocho días. Al final del túnel, saldrá otro Miles, listo para seguir con su vida.
La calidad de la grabación es simplemente buena, pero la música histórica, viable y ocasionalmente excitante, hace que este conjunto merezca la pena.
· Personnel of the Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars:
Miles Davis, trumpet;
Howard Rumsey, bass;
Rolf Ericson, trumpet;
Bud Shank, alto, baritone sax;
Bob Cooper, tenor sax;
Lorraine Geller, piano;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=TIvYrQQKXZE
12)
* Un día como hoy, en 1958, John Coltrane graba con la orquesta de George Roussell un tema, sólo, del álbum de ese arreglista 'George Russell - New York, N.Y.'
· Recorded: September 12 1958, November 24 1958 and March 25 1959, at Decca Records, New York.
Una rareza absoluta, ‘New York, N.Y.’ fue publicado por Decca en 1959.
George Russell fue uno de los compositores y arreglistas más progresistas de la escena del jazz durante la década de 1950, pero su trabajo fue generalmente más apreciado por los músicos que por el público comprador de jazz. 'Nueva York, N.Y.' representa uno de los muchos puntos altos de su carrera. Formó una orquesta de estrellas, que incluía al pianista Bill Evans (un participante frecuente en las grabaciones de Russell), Art Farmer, Bob Brookmeyer, John Coltrane y Milt Hinton, entre otros. En "Manhattan", de Rodgers & Hart, Russell tiene a los solistas tocando vampirizados por la orquesta. Su material original es tan llamativo como sus arreglos, mientras que el vocalista Jon Hendricks sirve de narrador entre los segmentos de la orquesta.
Aunque este lanzamiento ha sido reeditado varias veces, raramente permanece en venta por mucho tiempo.
· Personnel:
George Russell, arranger, conductor;
John Coltrane, tenor sax;
Art Farmer, Ernie Royal, Doc Severinsen, trumpet;
Tom Mitchell, Frank Rehak, trombone,
Bob Brookmeyer, valve trombone;
Hal McKusick, alto sax;
Sol Schlinger, baritone sax;
Bill Evans, piano;
Barry Galbraith, guitar;
Milt Hinton, bass;
Charlie Persip, drums;
Jon Hendricks, narrator.
https://www.youtube.com/watch?v=0yGof9LU73c
* Y un día como hoy, en1969, Lee Morgan grabó una primera sesión de temas que se incluyeron como bonus tracks en la reedición de su álbum ‘Sonic Boom’ y que habían formado parte de su otro álbum ‘The Procrastinator’.
· Recorded by Rudy Van Gelder at the Von Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey on April 14 and 28, 1967 and September 12 and October 10, 1969.
‘Sonic Boom’ es un álbum del trompetista de jazz Lee Morgan, grabado el 14 y el 28 de abril de 1967, pero que no se publicó en el sello Blue Note hasta 1979. La reedición añadió siete temas grabados el 12 de septiembre y el 10 de octubre de 1969 que se publicaron por primera vez en la edición original de ‘The Procrastinator’. Por tanto, la edición incluyó actuaciones de Morgan con dos formaciones: la primera con el saxofonista tenor David "Fathead" Newman, el pianista Cedar Walton, el bajista Ron Carter y el batería Billy Higgins, mientras que la segunda cuenta con el trombonista Julian Priester, el saxofonista tenor George Coleman, el pianista Harold Mabern, el bajista Walter Booker y el batería Mickey Roker. Las sesiones primitivas de ‘Sonic Boom’ son notables por la rara contribución de David "Fathead" Newman, que sólo hizo dos apariciones en Blue Note durante su carrera, la otra con Lonnie Smith.
Una rápida inspección de la discografía de Lee Morgan descubriría un oscuro álbum situado entre ‘The Rajah’, de 1966, y ‘The Procrastinator’, de 1967. El álbum, ‘Sonic Boom’, se grabó en 1967 pero permaneció en silencio en las bóvedas de Blue Note durante doce años, resurgiendo sólo dos veces, en 1979 y once años después. En ambas ocasiones, la exposición al público fue breve, lo que hace que ‘Sonic Boom’ sea casi irrelevante en la antología general del trompetista. Sin embargo, la música aquí es nada menos que el Morgan de la época, como se evidencia en la última reedición.
Con su habitual mezcla de jazz, blues y funk, el énfasis aquí es estrictamente la diversión del hard-boppin'. Acompañando al líder hay unos estimulantes equipos que ofrecen una gran cantidad de músculo directo de todas las bandas. Aunque Morgan sea más conocido por sus solos cargados y optimistas, su delicado toque en las baladas merece igual elogio y, de hecho, confirma que Morgan era algo más.
Aunque la temática es similar, los temas extra son más progresivos y funkies que la primera mitad del álbum, con composiciones excepcionales de Coleman, Priester y Mabern. Al comparar las dos mitades del álbum, es interesante escuchar los cambios en el lenguaje del hard-bop a finales de los 60. En 1969, el funk y sus inherentes ritmos de bajo y batería son más frecuentes que antes. Integrado en el jazz, como se escucha aquí, los resultados son alegres.
En definitiva, ‘Sonic Boom’ es una joya infravalorada.
Personnel:
Lee Morgan, Trumpet
Julian Priester, Trombone
George Coleman, Tenor Sax
Harold Mabern, Piano
Walter Booker, Bass
Mickey Roker, Drums.
https://www.youtube.com/watch?v=HJAyRYh3RLY
https://www.youtube.com/watch?v=GCXL4J2cS50
https://www.youtube.com/watch?v=ODT46cmydIQ
11)
Un día como hoy, en 1958, John Coltrane, en el cuarteto de Monk, graban en vivo los temas del álbum 'Thelonius Monk Quartet With John Coltrane' - Complete Live At The Five Spot' para Gambit Records. Temas recogidos en otros álbumes de Monk, en Blue Note.
· Recorded live at the Five Spot Café, New York, September 11, 1958.
La mitología urbana que rodea a esta grabación no profesional, incluso antes de que se toque la primera nota, que sugiere que Juanita “Naima” Coltrane (la esposa de John Coltrane), como ‘ingeniera de sonido’, estaba grabando la cinta durante este set en particular, es afortunadamente cierta. Y afortunados los amantes del bop o cualquiera que alguna vez haya deseado poder ser transportados a una noche legendaria como la capturada durante este corto disco. La naturaleza cruda de los contenidos de esta cinta revela con mayor precisión la realidad de experimentar un concierto de Five Spot durante los días felices del venerable lugar. Lo que también se puede encontrar más allá de la charla esporádica y el bullicio general de un club nocturno de Harlem en la ciudad de Nueva York es posiblemente la evidencia auditiva más fuerte de la relación de trabajo única que estos íconos del jazz compartían. Si bien la relación entre Monk y Coltrane es el quid de estas actuaciones, el bajista Ahmed Abdul-Malik y el baterista incontenible Roy Haynes también contribuyen poderosamente al permitir suficiente contexto para apoyar a los solistas y sacar solos ocasionales propios. Trane estaba entonces en su fase de ‘hojas de sonido’ y su tono musculoso y seguro respalda las frases largas. Monk muestra disonancias distintivas y cita sus otras melodías mientras rebota y retoza a través de un encuentro suelto en solitario. Las interjecciones de Haynes van más allá de la simple progresión del ritmo. Aunque la perspectiva de esta grabación es algo desfavorable para Coltrane, no hay que confundir la intensa actividad de su saxo tenor. Su solo durante "I Mean You" es particularmente potente, ya que de alguna manera encuentra espacio para incorporar una o dos líneas bien colocadas de una melodía popular (no se estropean aquí las sorpresas para los potenciales entusiastas deseosos de un buen escondite sónico). La interpretación de "Crepuscule with Nellie", a la que se une, aunque sólo por unos compases, es la que mejor personifica tanto el carácter de esta grabación para el público como la capacidad de la naturaleza sublime de la música para filtrar esas distracciones.
Personnel:
Thelonious Monk, piano;
John Coltrane, tenor sax;
Ahmed Abdul-Malik, bass;
Roy Haynes, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=lIhQrRPcCSs
https://www.youtube.com/watch?v=GK4UpHh_O9s
10)
* Un día como hoy, en 1956, el quinteto de Miles Davis, con John Coltrane, grabó una actuación en los estudios Columbia recogida con muchas otras más, grabadas entre 1955 y 1961, en el box recopìlatotrio 'The Complete Columbia Recordings of Miles Davis with John Coltrane'.
· Recorded September 10, 1956
at Columbia 30th Street Studio, New York NYC.
Con sus combos en la última mitad de la década de 1950, Miles Davis trazó el rumbo del jazz moderno. Davis y John Coltrane, asombrosamente originales, establecieron agendas que los músicos de jazz han seguido desde entonces. La improvisación modal y escalar había tenido una existencia dispersa en el jazz sin ellos. El pensamiento en las bandas de Davis hizo germinar enfoques que no han cambiado significativamente en cuatro décadas. 'Miles Davis with John Coltrane: The Complete Columbia Recordings' documenta el desarrollo de esos enfoques.
Esta fue la última de las sesiones del quinteto de Columbia que se programaron mientras Davis aún cumplía con los términos de su contrato con Prestige.
Davis llamó la atención de Columbia Records con una actuación ardiente en el Festival de Jazz de Newport de 1955. Fue un regreso a los ojos de muchos, un espectáculo para reafirmar que Miles todavía estaba ahí después de un tiempo de descanso para luchar contra la adicción a la heroína. Firmó cuando aún tenía contrato con Prestige Records. Según el plan, Columbia haría acopio de álbumes mientras su contrato con Prestige estuviera en vigor. Prestige, por su parte, crearía un acopio propio para poder aprovechar el impulso promocional de Columbia lanzando nuevos productos de Davis al mismo tiempo.
Son estas grabaciones clave las que constituyen una gran cantidad de material recopilado aquí. Davis ya había sido apreciado en Prestige al frente de un quinteto que incluía a John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, pero la consistencia e innovación que marcan sus primeras sesiones en Columbia colocó los álbumes resultantes en unos primera clase por sí mismos. El tira y afloja entre Miles y Coltrane dio como resultado unas grabaciones dinámicas que marcaron la pauta del jazz moderno, y esto fue en sus grabaciones Prestige, antes incluso de que se trasladaran a Columbia. Una vez que Miles se trasladó a Columbia, comenzó a ampliar los límites de su música.
Sin duda, Miles era una estrella en ciernes y Coltrane estaba empezando a destacar, al menos en los círculos del jazz, cuando ambos iniciaron una colaboración de cinco años que dio lugar a algunos de los mejores discos de jazz jamás grabados. La progresión desde el sublime ‘Round About Midnight’ hasta el modal ‘Milestones’ es notable, más aún si se tiene en cuenta ‘Kind of Blue’, la culminación de la dirección modal de Davis.
A propósito, Leonard Bernstein dijo: "Bueno, hemos escuchado que el jazz viene del pasado, y tenemos una muestra de lo que podría resultar ser el futuro del jazz. Lo que estamos escuchando ahora es jazz en tiempo presente, todavía un arte fresco y vital, con un pasado sólido y un futuro emocionante".
Personnel:
Miles Davis (tpt);
John Coltrane (ts);
William "Red" Garland (p);
Paul Chambers (b);
Philly Joe Jones (d).
https://www.youtube.com/watch?v=wzCNOku328g
9)
* Un día como hoy, en 1958, Miles Davis actuó con su sexteto de lujo en el Plaza Hotel de NY y su actuación acabó recogida en el álbum 'Jazz At The Plaza, Vol. 1'.
· Recorded live at the “Persian Room” of The Plaza Hotel, New York, September 9, 1958.
[La portada identificaba erróneamente al baterista como Philly Joe Jones y como ubicación daba “The Edwardian Room”].
En la reedición completa de la actuación, junto con la de Ellington, por Essential Jazz Classics, se incluyeron bonus track de Miles con el mismo personal que el anterior, excepto que Red Garland sustituyó en el piano a Bill Evans, pero en actuaciones diferentes, en directo en el ‘Spotlight Lounge’, Washington D.C., el 1 de noviembre de 1958 y en el ‘Birdland’, Nueva York, el 3 de enero de 1959.
El 9 de septiembre de 1958, Miles Davis compartió escenario con Duke Ellington, Billie Holiday y Jimmy Rushing durante una velada patrocinada por Columbia Records en el Plaza Hotel de Manhattan. El material original se grabó en un evento corporativo organizado para celebrar el éxito de su política de jazz. Era una fiesta en el hotel, un lugar donde nunca antes se había tocado esta música, para celebrar el estado saludable de su división predominante de jazz. Los músicos no sabían que estaban siendo grabados en ese momento. De hecho, no estaba destinado a ser una sesión de grabación. Nunca se pensó en una edición comercial, sino en servir de recuerdo de la ocasión y, por consiguiente, no se cuidó mucho la calidad de la grabación y al parecer, no se hizo ningún intento de remezclar o remasterizar el material en aquel momento.
Tras su actuación en el Festival de Newport, (el álbum presenta al famoso combo que grabó su magnum opus ‘Kind of Blue’ seis meses después), el sexteto de Davis estaba en plena forma (la segunda mitad de 1958 fue una época muy ocupada para el combo*).
El sexteto había restablecido el equilibrio entre sus contundentes personalidades y tocó piezas de su repertorio. El trabajo de conjunto puede ser un poco irregular, pero los solos están llenos de energía e invención lírica. John Coltrane [que estuvo especialmente ocupado durante este periodo, además de sus fechas en directo con el Davis Sextet, grabó para Savoy con Wilbur Harden (25 de agosto), para Decca con George Russell (12 de septiembre), y para United Artists con Cecil Taylor (12 de octubre)], representó claramente la dirección futura del jazz. Sin embargo, a diferencia de las versiones de estudio, Cannonball aquí contrarrestó con continuas líneas de inmensa fuerza sobre los ritmos acentuados, aportando energía al calor que impulsaba el sexteto. Bill Evans añadió un vigor que reflejaba la influencia de Bud Powell y Lennie Tristano más que sus fuentes impresionistas habituales y hay una célebre versión en cuarteto de `My Funny Valentine` con un notable e impresionista solo de Evans que aparentemente resulta demasiado sofisticado para el público invitado, que no consigue reunir un puñado de aplausos. Paul Chambers en el contrabajo fue una fuerza nueva y enfatizó particularmente las fintas rítmicas que Jimmy Cobb, siguiendo el estilo de Philly Jones, favorecía. La crítica dijo que la intriga del hard-bop redefinido aquí tenía todo que ver con los fraseos elípticos de Davis y su aparente impaciencia con los últimos vástagos del bebop. En "Straight, No Chaser", toca el tema más rápido de lo habitual y alterna el ritmo entre el tiempo completo y el tiempo cortado, mientras Bill Evans cita a "Blue Monk" en su propio solo.
En última instancia, ‘Jazz at the Plaza’ tiene un gran éxito en el nivel de su excelente interpretación, pero es sólo para fanáticos del jazz incondicional, debido a su precaria calidad de sonido.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Cannonball Adderley, alto sax;
John Coltrane, tenor sax;
Bill Evans, piano;
Paul Chambers, bass;
Jimmy Cobb, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=gOShsnd-vZc
(*) Café Bohemia, Nueva York (25 de abril-4 de mayo); Storyville, Boston (5-11 de mayo); Café Bohemia, Nueva York (12-18 de mayo); Red Hill Inn, Pennsauken NJ (20-25 de mayo); Village Vanguard, Nueva York (27 de mayo-1 de junio); Spotlite Lounge, Washington DC (10-15 de junio); Small's Paradise, Nueva York (24-29 de junio); Festival de Jazz de Newport (jueves 3 de julio, 8: 30 pm); Montréal Theatre Maisonneuve (10 de julio, con otras fechas en Montreal y Quebec); Village Vanguard, Nueva York (22 de julio-3 de agosto); Spotlite, Washington DC (5-10 de agosto); Comedy Club, Baltimore (12-17 de agosto); Randall's Island, Nueva York (23 de agosto: Tercer Festival Anual de Jazz de Nueva York); Showboat, Filadelfia (1-6 de septiembre); Persian Room, Plaza Hotel, Nueva York (martes, 9 de septiembre); Modern Jazz Room, Cleveland (15-21 de septiembre); Clarence's Blue Bird Inn, Detroit (23-28 de septiembre); Apollo Theatre, Nueva York (17-23 de octubre); Spotlite Lounge, Washington DC (29 de octubre-2 de noviembre); Village Vanguard, Nueva York (4-16 de noviembre - Evans dejó el grupo después de este concierto, y fue sustituido por Wynton Kelly); Town Hall, Nueva York (viernes 28 de noviembre, 8: 00 y 11:00 pm) Mosque Theatre, Newark NJ (29 de noviembre); Howard Theatre, Washington DC (12-18 de diciembre); Town Hall, Nueva York (sábado, 27 de diciembre, 8:30 y 11:00 pm).
* Y un día como hoy, en 1966, Ornette Coleman grabó su álbum ‘The Empty Foxhole’ en el estudio Van Gelder.
Recorded: September 9, 1966 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ
‘The Empty Foxhole’ es un álbum del saxofonista y compositor de jazz estadounidense Ornette Coleman publicado en el sello Blue Note. El álbum presenta el violín y la trompeta de Coleman, además de tocar su instrumento habitual y característico, el saxofón alto, y marca el debut discográfico de su hijo baterista Denardo Coleman, que tenía diez años en ese momento. La carátula del álbum presenta las ilustraciones del propio Coleman.
Fue su primera grabación en estudio para el sello Blue Note, y el compositor vanguardista no pierde el tiempo tocando tres instrumentos. Su antiguo colaborador Charlie Haden aparece en el bajo. Pero el personal quizás más notable sea la aparición por primera vez del hijo de Coleman, Denardo, en la batería.
El breve paso de Ornette Coleman por Blue Note no fue tan seminal como su producción en Atlantic ni tan descaradamente ambiciosa como su trabajo de principios de los 70 para Columbia y más tarde con Prime Time. Sin embargo, el período produjo música de calidad, y ‘The Empty Foxhole’ es uno de sus esfuerzos más intrigantes. Coleman no había entrado en un estudio de grabación en más de cuatro años cuando regresó con su hijo Denardo. Coleman dice en las notas que Denardo estaba listo para grabar un disco el año anterior, y no está exagerando, el colorido y el matiz de la percusión de Denardo nunca suenan perdidos o confusos y su flujo de ideas de conciencia se mantiene sorprendentemente bien con su padre y el bajista Charlie Haden. La energía comunitaria sigue fluyendo a lo largo de la sesión, y los miembros del trío juegan entre sí con un entusiasmo despreocupado, incluso en los temas menos memorables. Lo más evocador es la fúnebre marcha militar del tema que da título al disco, en la que la lúgubre trompeta de Ornette juega con la deliberada cadencia de Denardo, y "Sound Gravitation", un tema para el rasposo y percusivo violín de Coleman. De las piezas para contralto, "Good Old Days" tiene el flujo de ideas más feroz, pero parece energizado por la presencia de su hijo, y su interpretación es bastante emocionante en todo momento. En conjunto, la música puede no estar entre los esfuerzos más excepcionales de Coleman, pero hay algo inspirador en el hecho de que ‘The Empty Foxhole’ sea tan bueno como es.
Interesante trabajo en la discografía de Ornette Coleman, y por supuesto, histórica para Denardo Coleman, su hijo. Quizás no haya algún otro músico de jazz que grabara un disco tan prematuramente. A pesar de su juventud, Denardo había estudiado batería durante varios años y su técnica, aunque poco refinada, era respetable y entusiasta y debía más a los bateristas de free jazz orientados al pulso como Sunny Murray que a la batería de bebop.
Personnel:
Ornette Coleman - alto saxophone, trumpet, violin
Charles Haden – bass
Ornette Denardo Coleman – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=1zKAJ_2rgJA
https://www.youtube.com/watch?v=lxgfhpbtBxo
https://www.youtube.com/watch?v=ir5-lPFWx_Y
8)
* Un día como hoy, en 1960, John Coltrane grabó una sesión en cuarteto que formaría parte del álbum póstumo 'Like Sonny'.
Recorded: September 8, 1960 at United Recorders, Los Angeles, CA.
[Recorded in New York City in November 1958 (for Jubilee Records)]
‘Like Sonny’ es un álbum de estudio póstumo que combina dos sesiones no relacionadas de 1958 y 1960 con el músico de jazz John Coltrane.
Los seis temas de noviembre de 1958 grabados en New York City, fueron editados bajo el nombre de Ray Draper como ‘A Tuba Jazz’ en Jubilee Records. Se escucha a Coltrane en un quinteto con el tubista Ray Draper (su segundo álbum juntos) tocando cinco estándares (incluyendo "Doxy" y "Oleo") y "Essii's Dance" de Draper.
Los otros temas que fueron grabados por el John Coltrane Quartet en Los Angeles habían sido ya editados por Roulette en 1962. Las actuaciones de 1960 son más significativas porque son las primeras colaboraciones grabadas de Coltrane y el pianista McCoy Tyner. Junto con el bajista Steve Davis y el baterista Billy Higgins, interpretan "One and Four" (AKA Mr Day), "Like Sonny" (AKA Simple Like) y dos tomas de "Exotica", música que apenas es anterior al cuarteto clásico de Trane y que triunfa en sus propios términos. "Like Sonny", supuestamente basado en un elemento de un solo de Sonny Rollins -¿quizás durante "My Old Flame", del disco Jazz Contrasts de Kenny Dorham de 1957? - ilustra la notable atención al detalle que sigue haciendo que la música de John Coltrane sea no sólo interesante, sino importante.
No era un estilista, ni alguien que intentara imitar a otro. Coltrane intentaba hacer su propio camino, construir su propio sonido. Lo hizo, al menos al principio, incorporando elementos de mentores clave y también desmontando y luego reconstruyendo piezas del estándar.
Personnel:
John Coltrane, tenor sax
McCoy Tyner, piano
Stephen Davis, bass
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=pxpcNz1g81w
7)
Un día como hoy, en 1956, John Coltrane et al. grabaron el álbum 'Tenor Conclave'.
Recorded - September 7, 1956
at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.
Va de tenorístas. Fue originalmente editado como 'The Prestige All Stars'. Sin embargo, como el perfil de Coltrane creció en los años siguientes, después de que su contrato con el sello había expirado, Prestige lo relanzó con una cubierta diferente que mostraba prominentemente el nombre de Coltrane.
Una reedición contiene el álbum clásico completo ‘Tenor Conclave’, un trabajo extraordinario que reunió a cuatro de los estupendos saxofonistas tenores de la historia del jazz: John Coltrane, Al Cohn, Zoot Sims y Hank Mobley. Como bonus, otro encuentro de tenores con John Coltrane, esta vez con la leyenda del swing Paul Quinichette. Se han añadido como bonus los cuatro temas del álbum ‘Cattin' with Coltrane and Quinichette’ en el que tocan juntos (los dos títulos de la sesión sin Coltrane no se incluyeron).
‘Tenor Conclave’ se publicó por primera vez con los créditos sin líder, formados por los saxofonistas tenores, con el pianista Red Garland, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Taylor que les apoyan. El tema que da título al disco, escrito por Mobley, inicia el trabajo con el cuarteto de tenores mostrando sus habilidades con un estilo de alto vuelo. Se necesitan un par de pases y algo de oído entrenado para poder relacionar a los músicos con sus contribuciones, pero como suele ocurrir, el conjunto tiende a ser mayor que la suma de las partes. Tras una breve introducción en la que los cuatro se desprenden rápidamente de riffs cortos, Mobley se lanza a un territorio verdaderamente inspirado. La versión a medio tiempo de "Just You, Just Me" mantiene las cosas animadas con un ligero ritmo de balanceo que está hecho a medida para sacar a la superficie el lado jocoso del combo, particularmente hacia el final cuando intercambian cuatros, con cada tenor soplando cuatro compases antes de pasar la melodía. La otra composición de Mobley es "Bob's Boys", y a todas luces es la pieza más convincente de la salida. La melodía basada en el blues se desarrolla a medida que Coltrane, Mobley, Cohn y Sims se encuentran configurados en una aparente miríada de enfrentamientos sonoros. El álbum termina con un ultra fresco y sofisticado "How Deep Is the Ocean". Cohn comienza la larga y deliciosa lectura con una fuerza sutil, sugiriendo la poderosa corriente subterránea que fluye a lo largo del número. Además, los oyentes son obsequiados con la que posiblemente sea la mejor interacción de Garland, que conduce directamente a Sims, Chambers y, finalmente, a un sublime furgón de cola de Coltrane.
Personnel:
John Coltrane, Hank Mobley, Al Cohn, Zoot Sims — tenor saxophone
Red Garland — piano
Paul Chambers — bass
Art Taylor — drums.
https://www.youtube.com/watch?v=7fLnT0KwJTI
6)
* Un día como hoy, en 1973, el Art Ensemble of Chicago comienza la grabación de su paradigmático ábum ‘Fanfare For The Warriors’.
Recorded at Paragon Studios, Chicago, IL, in September 6–8, 1973.
‘Fanfare for the Warriors’ es un álbum de 1973 del Art Ensemble of Chicago publicado por primera vez en el sello Atlantic, en el que actúan Lester Bowie, Joseph Jarman, Roscoe Mitchell, Malachi Favors Maghostut y Don Moye junto con el líder de la AACM Muhal Richard Abrams.
El primer período (y posiblemente el más significativo) del Art Ensemble of Chicago concluyó con esta sesión de estudio de gran calidad, todos los temas tienen su propia personalidad musical. Es un buen escaparate para este importante combo de vanguardia, dijo la crítica.
Éste fue un disco revolucionario en toda la dimensión de la palabra. La AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) abanderó el cambio del jazz desde los terrenos más o menos tradicionales o convencionales, hasta la mezcla y la fusión en los ritmos junto con una paleta de sonidos instrumentales jamás conocido en el jazz hasta entonces. En una entrevista manifestaron: “Cuando decimos «great black music», no hablamos sólo de lo que significa la palabra «jazz» (…) Todos los críticos dicen que adoran la música negra (…) Pero nunca hablan de «Great Black Music» (…) no somos nosotros quienes elegimos la palabra «jazz» (…)”
La erudición jazzística vanguardista de ‘Fanfare for the Warriors’ ofrecía un álbum que se alejaba de las formas excesivamente utilizadas. El recitado del mito en "Illistrum" es de Joseph Jarman y en ese tema el saxo bajo es de Roscoe Mitchell y los gongs, la percusión y los efectos vocales son de todos los músicos. En "The Key" las voces son del AEoC.
El trabajo en las composiciones de este álbum fue posible gracias a una subvención de The National Endowment For The Arts.
Personnel:
Lester Bowie: trumpet, percussion instruments
Malachi Favors Maghostut: bass, percussion instruments, vocals
Joseph Jarman: saxophones, clarinets, percussion instruments
Roscoe Mitchell: saxophones, clarinets, flute, percussion instruments
Famadou Don Moye: drums, percussion
Muhal Richard Abrams: piano.
https://www.youtube.com/watch?v=cTjhmIza2Nw
https://www.youtube.com/watch?v=JkRQ_MSyDDg
3)
* Un día como hoy, en 1964, el tenorísta de free jazz Albert Ayler, no demasiado conocido, comenzó la grabación en cuarteto de su álbum 'The Copenhagen Tapes', para su sello Ayler Records, fruto de una gira europea que dió lugar ese año a varias grabaciones suyas más.
· Recorded live at Club Montmartre, Copenhagen, Denmark, September 3, 1964 & in studio by Danish Radio, Copenhagen, Denmark, September 10, 1964.
El legado grabado de Albert Ayler sigue siendo lamentablemente escaso, especialmente para una figura de su estatura y alcance musical. Esta grabación con su trío (Albert Ayler al saxo tenor, Gary Peacock al bajo y Sunny Murray a la batería) y el añadido de Don Cherry a la trompeta, o lo que es lo mismo, uno de los cuartetos imprescindibles del free-jazz, es una excepción.
En cuanto al material incluído en esta grabación nos encontramos con dos sesiones: 6 temas en directo en el club Montmartre de Copenhague y 3 temas grabados al cabo de una semana en la Radio Danesa en Copenhague.
Los temas en vivo recogen la excitación del directo, las frases zigzagueantes de Ayler se cortan a través de la porosa manta armónica suministrada por el bajo y la batería, mientras que los contundentes metales de Cherry se elevan ágilmente por encima y en general uno se encuentra al cuarteto en estado de gracia y mostrando la música de Albert Ayler en toda su crudeza, iniciando un camino que posteriormente ha sido y sigue siendo seguido en incontables ocasiones.
El combo de Ayler creó un sonido definitivo de free-jazz. Sin embargo, el trío todavía era reconocible en la tradición del jazz. Las series de grupos siguientes de Ayler, a partir del año siguiente, serían una salida radical. Ayler dio una vuelta a los funcionamientos del jazz con un sonido salvaje y único. El nuevo sonido fue consolidándose, Ayler, en una entrevista llama a su último estilo musical 'música de la energía', poniéndolo en contraste con el bebop interpretado por Coltrane e inicialmente por él mismo. Para entonces, Ayler se había establecido como una etiqueta e icono del free-jazz.
En definitiva, imprescindible grabación para los seguidores de Albert Ayler y más que recomendable para los que quieran escuchar un trozo de historia.
Personnel:
Albert Ayler, ts
Don Cherry, tp
Gary Peacock, b
Sunny Murray, dr.
https://www.youtube.com/watch?v=m_5UQCb5vlA
2)
* Un día como hoy, en 1965, John Coltrane grabó su disco, editado postumamente, 'First Meditations (for quartet)' para Impulse.
Recorded: September 2, 1965
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
'First Meditations' es una versión en cuarteto de una suite que Coltrane grabaría como 'Meditations' dos meses después con la incorporación de Pharoah Sanders como segundo tenor y Rashied Ali en la batería. Junto con 'Sun Ship', grabado una semana antes, 'First Meditations' representa las grabaciones finales del clásico cuarteto de Coltrane con el bajista Jimmy Garrison, el baterista Elvin Jones y el pianista McCoy Tyner. La suite de este álbum consta de cinco movimientos.
Además de los cinco movimientos de la suite, el álbum también incluye una versión alternativa de "Joy" que fue grabada el 22 de septiembre de 1965. Esta pista es la última grabación conocida del cuarteto Coltrane / Tyner / Garrison / Jones. McCoy Tyner dejó el grupo de Coltrane a fines de 1965 para formar su trío y para trabajar con Tony Scott. Y Jones partió en enero de 1966, uniéndose a la banda de Duke Ellington.
El saxofonista tenor Pharoah Sanders se unió al grupo de Coltrane comenzando en vivo en Seattle el 30 de septiembre ('Live in Seattle') y tocó en la versión sexteto de 'Meditations', grabada el 23 de noviembre de 1965.
Personnel:
John Coltrane – tenor saxophone
Jimmy Garrison – double bass
Elvin Jones – drums
McCoy Tyner – piano.
https://www.youtube.com/watch?v=mVstGizUCQ4
1)
* Un día como hoy, en 1957, John Coltrane grabó en el fenomenal sexteto de Sonny Clark el álbum 'Sonny's Crib' para Blue Note.
Recorded: September 1, 1957
at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.
'Sonny's Crib es un álbum del pianista y compositor de jazz Sonny Clark. Cuenta, además de con Coltrane, con Donald Byrd, Curtis Fuller, Paul Chambers y Art Taylor.
La primera mitad del álbum comprende tres estándares de jazz, mientras que la segunda mitad contiene dos composiciones originales de Clark.
Se ha comparado el álbum con 'Blue Train' de Trane, grabado quince días después y que presenta a Fuller y Chambers, como el epítome del sonido Blue Note a finales de la década de 1950.
Es una grabación fenomenal, que abrió la puerta a que el hard bop más genuino se convirtiera en la norma a finales de esos años y que trajo interpretaciones hábiles e imaginativas de todos sus músicos.
Personnel:
Sonny Clark - piano
John Coltrane - tenor saxophone
Donald Byrd - trumpet
Curtis Fuller - trombone
Paul Chambers - bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=qciRcd-CRa8
El otro tema de Clark:
https://www.youtube.com/watch?v=qciRcd-CRa8
* Y otro día como hoy, en 1960, el altoísta Jackie McLean terminó de grabar su álbum 'Jackies'Bag' en Blue Note.
Recorded : January 18, 1959 and September 1, 1960.
at Van Gelder Studio, Hackensack & Englewood Cliffs, NJ.
Jackie McLean podría haberse tomado las cosas con calma en su carrera, pero su sed de nuevos sonidos y aventuras musicales no se lo permitió. Al crecer en Nueva York, aprendió de algunos de los mejores maestros del mundo. El joven altoista era vecino de Thelonious Monk, Bud Powell y Sonny Rollins. McLean estaba asombrado por Charlie Parker, pero decidido a encontrar su propio camino. Grabó con Miles Davis en 1951 a la edad de 19 años y ya tenía su propio sonido de saxo alto. Trabajó con Mingus y Art Blakey y se volvió cada vez más distintivo mientras dominaba el hard bop. En 1959, año en que firmó con Blue Note, ya escuchaba a Ornette Coleman, liberaba su estilo y tocaba con constante intensidad y pasión.
La música de 'Jackie's Bag' parte de un McLean en modo incondicionalmente hard bop, pero con toques ocasionales de aventurismo musical. McLean toca con una emoción tan desinhibida que suena como si cualquier nota pudiera ser la última. No se guarda nada, creando música que todavía suena fresca y futurista hoy.
Personnel:
Jackie McLean - alto saxophone
Tina Brooks - tenor saxophone
Blue Mitchell – trumpet [Blue Mitchell performs courtesy of Riverside Records, Paul Chambers courtesy of Vee-Jay Records]
Kenny Drew - piano
Paul Chambers - bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=0kcVPWg-_rQ
Otro temazo:
https://www.youtube.com/watch?v=1TLtjXlMpEw