Octubre jazz 2022
31)
* Un día como hoy, en 1957, Elmo Hope termina la grabación de su álbum ‘Trio and Quintet’.
· Recorded June 18, 1953 & May 9, 1954 at the Van Gelder Studio, Hackensack Cliffs, NJ, and October 31, 1957 in Los Angeles, CA.
‘Trio and Quintet’ es un álbum del pianista de jazz Elmo Hope que recopila sesiones grabadas en 1953, publicadas originalmente como ‘Elmo Hope Trio’ y en 1954, publicadas como ‘Elmo Hope Quintet’, para el sello Blue Note junto con una sesión de 1957 publicada originalmente en Pacific Jazz como parte de una edición compartida con una reedición de Jazz Messengers.
El compositor y pianista, Elmo Hope (1923-1967), dio sus primeros pasos como pianista en la banda de Rhythm and Blues de Joe Morris entre 1948 y 1951. Amigo personal de Thelonius Monk y Bud Powell, su calidad como compositor y pianista era similar a ambos. No grabó su primer disco hasta 1953 y su escucha evidencia su afinidad musical con Powell, aunque de sonido más liviano y menos áspero.
El sello Blue Note, le permite grabar con músicos de la casa ya consagrados como: Sonny Rollins, Lou Donaldson, Clifford Brown o Jackie McLean. En 1957, graba con Chet Baker, en Los Ángeles. En 1959, graba su gran disco en trío con Percy Heat al bajo y Elvin Jones a la batería, con Lionel Hampton también en 1959 y un gran disco con el saxofonista Harold Land y con Curtis Counce en ese mismo año. Elmo Hope regresó a New York en 1961, asediado por la enfermedad que le produciría la muerte seis años más tarde.
De las colecciones de grabaciones de Elmo Hope de los años 50, ‘Trio and Quintet’ es la que tien eun mayor interés. Incluye sus principales sesiones de Blue Note y cuenta con un elenco estelar de músicos de hard bop como Art Blakey, Frank Foster, Philly Joe Jones y Harold Land. La mayoría de los temas son originales de Hope que, en su introspección angular, tienen la influencia, como se ha indicado, de Bud Powell y Thelonious Monk. Se comienza con diez temas de swing, en su mayoría hard bop, de una fecha del trío en 1953. Destaca el ataque de Hope, similar al de Powell, de una sola línea. Los solos son enérgicos y directos en los números de ritmo alto como "Hot Sauce", pero se vuelven un poco volubles en piezas más lentas como "Happy Hour". Los temas más destacados son "Mo Is On" de Hope, con su frase inicial "Off to the races" y "Carvin' the Rock", que se sitúa entre "Parisian Thoroughfare" de Powell y "So Sorry Please". Percy Heath y Philly Joe Jones proporcionan un apoyo simpático en todo momento. Los temas del Quinteto comienzan con una sesión de la Costa Este en la que participan Foster y Blakey. El número que abre la sesión es el enrevesado, aunque con mucho swing, original "Crazy"; causa algunos problemas al trompetista Freeman Lee, pero encuentra a Foster al mando con un vigoroso solo. El resto de la sesión impresiona con una serie de composiciones de Hope rítmicamente ricas que, como la mayoría de los temas de Monk, son memorables a pesar de su complejidad. Tres temas más de Hope de una fecha de la Costa Oeste completan los temas del quinteto y cierran el álbum. Land contribuye con un fuerte trabajo de tenor, mientras que el bajista Leroy Vinnegar y el baterista Frank Butler hacen un buen trabajo manteniendo las cosas ancladas. Esta edición de Blue Note es magnífica no sólo por su selección de composiciones de Hope, sino también por las muchas ideas fértiles que han inspirado en solistas de primera fila.
· Personnel:
Elmo Hope - piano
Percy Heath & Leroy Vinnegar - basses
Charles Freeman Lee & Stu Williamson - trumpets
Frank Foster & Harold Land - tenor saxophones
Art Blakey, Philly Joe Jones & Frank Butler – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=t_eUuTtuFL8
30)
*Un día como hoy, y ayer y mañana, en 1973, Charles Mingus continuó grabando su álbum ‘Mingus Moves’.
· Recorded: October 29, 30 & 31, 1973 at Atlantic Studios, NY.
‘Mingus Moves’ es uno de los últimos trabajos del bajista, compositor y director de banda de jazz estadounidense Charles Mingus.
Charles Mingus grabó ‘Mingus Moves’ como regreso a Atlantic Records en 1973 tras una década con otros sellos. El gran compositor y bajista trajo consigo una nueva banda que incluía al pianista Don Pullen y al saxofonista tenor/flautista George Adams (sentando las bases de su cuarteto estelar en la década de 1980). También supuso el regreso de un incondicional de las bandas de Mingus en los años 50 y 60, el veterano baterista Dannie Richmond después de varios años de ausencia de no trabajar con el bajista, que se reincorporó el día antes de que se produjeran estas sesiones. Completando el quinteto estaba el trompetista y profesor Ronald Hampton, que estaba tocando con Sam Rivers al mismo tiempo.
‘Mingus Moves’ se sitúa, junto con ‘Changes One y ‘Changes Two’, como lo mejor de su obra tardía. Incluso los dos temas extra de sesión ("Big Alice" y "The Call" que fueron grabados durante las mismas sesiones, añadidos por el productor Joel Dorn en su reedición subrayan esta impresión. El conjunto de nueve cortes está poblado de composiciones centradas en Mingus, Pullen y Adams, con contribuciones de Doug Hammond y Sy Johnson. El álbum presenta tres composiciones notables: "Canon", "Opus 3" y "Opus 4".
La primera canción "Canon", un tema como sugiere el título que puede superponerse a sí mismo, es una balada modal con tintes latinos y una melodía interpretada con un sonido cálido por Pullen que se mueve entre Adams y Hampton en medio de un piano malhumorado y un contraste de cumbia y ritmos de África occidental. Tiene un cierto carácter espiritual, a la Coltrane. Esta melodía también se publicó en el homenaje a Hal Willner: ‘Weird Nightmare - Meditations on Mingus’. "Opus 4" es un hard bop de dedos con un nudo fantástico compartido por los vientos. Los brillantes acordes de Pullen, un swinger directo, que toca una parte solista libre y los rellenos en legato añaden estilo al musculoso solo de tenor de Adams. Doug Hammond aparece como vocalista a dúo con Honi Gordon en su "Moves", un corte profundamente espiritual que la banda articula como un himno sagrado, una composición escrita por Hammond, predecesor de Richmond. "Wee", de Sy Johnson, que también trabajó con Mingus en ‘Let My Children Hear Music ‘y ‘Charles Mingus and Friends in Concert’, es un duro escaparate post-bop para el sorprendente e intuitivo diálogo entre Adams y Pullen. El tenorísta se adentra en la profundidad y la amplitud, siguiendo las ideas armónicas en constante expansión del pianista mientras Mingus y Richmond los impulsan. “Flowers for a Lady", del saxofonista Adams, es un groover midtempo cuyos ritmos se centran entre los sonidos afrolatinos caribeños y brasileños, con un precioso solo de Hampton. "Newcomer" de Pullen es un conducto para sus indagaciones tonales más íntimas, dedicada a su hija recién nacida. Adams pone primero su flauta y luego su tenor al servicio de su melodía abierta, aérea y ellingtoniana mientras Hampton se une a él en primera línea. El cierre original del set era "Opus 3" de Mingus, de diez minutos de duración, una dura improvisación post-bop con Hampton manteniendo la cabeza mientras Adams empuja cada estribillo hasta el punto de ruptura antes de que la sección rítmica lo conduzca hacia un blues góspel a lo "Better Git It in Yo' Soul". Pullen le da la vuelta, volviendo al hard bop contundente en su solo. Mingus y Richmond marcan los cambios mientras animan a los solistas. "Opus 3" se basa en la composición de Mingus de 1957 "Pithecanthropus Erectus", en la que ciertas secciones se tocan sin restricciones de clave o métrica. “Big Alice" de Pullen arranca con un shuffle al estilo de Bo Diddley, con trozos de gospel cosidos en las cadencias de R&B al estilo de NOLA. Adams, Hampton y Pullen tocan juntos en la parte delantera y ofrecen solos ajustados y festivos mientras Mingus y Richmond afirman con fuerza el ritmo elevado.
No hay ningún momento laxo en ‘Mingus Moves’. No sólo es una sólida entrada en el catálogo del bajista, sino que es un encuentro infravalorado pero necesario con el artista en su mejor momento.
· Personnel:
Ronald Hampton – Trumpet
Doug Hammond – Vocals
Honi Gordon – Vocals
George Adams - Tenor sax, Flute
Dannie Richmond – Drums
Don Pullen – Piano
Charles Mingus – Bass.
https://www.youtube.com/watch?v=p5ogywqPFMU
https://www.youtube.com/watch?v=EEtpBFhqhdA
29)
* Un día como hoy, en 1947, Charlie Parker graba, junto a otros temas, “Embraceable You”, aquí con Miles Davis. Es una canción, famoso estándar de los hermanos Gershwin, que grabará y aparecerá en numerosos álbumes suyos, por ejemplo, en ‘Charlie Parker On Dial Volume 4’.
· Recorded at WOR Studios, Broadway at 38th. Street, New York City, on Tuesday, October 28, 1947.
Este álbum el cuarto de los seis editados por el sello inglés Spotlite que recogen todas las grabaciones Dial de Charlie Parker incluye seis clásicos ("Dexterity", "Bongo Bop", "Dewey Square", "The Hymn", "Bird of Paradise" y "Embraceable You") más diez tomas alternativas interpretadas por el quinteto de Bird de 1947 (formado por el contralto del líder, el trompetista Miles Davis, el pianista Duke Jordan, el bajista Tommy Potter y el batería Max Roach).
Aunque el límite de tiempo de los temas mantiene los solos breves y concisos, esta influyente música bop está llena de momentos brillantes.
Personnel:
Alto Saxophone – Charlie Parker
Bass – Tommy Potter
Drums – Max Roach
Piano – Duke Jordan
Trumpet – Miles Davis
https://www.youtube.com/watch?v=Og9492au9os
* Y un día como hoy, en 1954, Dizzy Gillespie y Roy Eldridge, con el conjuntado trio de Oscar Peterson y un baterista, grabaron los temas que se publicaron en diferentes álbumes, entre ellos los de 'Roy and Diz'.
· Recorded in NYC, October 29, 1954.
‘Roy and Diz’ es un álbum de los trompetistas Roy Eldridge y Dizzy Gillespie, grabado en 1954 y publicado originalmente en el sello Clef como dos volúmenes separados.
Dado el atractivo probado antes, tenía sentido para el productor Norman Granz llevar ese formato de jam session al estudio, como hizo en 1954 para Clef Records, esta cumbre de trompetas asociando a gigantes de la era del swing con los del movimiento bebop. Roy Eldridge fue el estilista de trompeta más influyente después de Louis Armstrong, y el primer afroamericano en aparecer como solista destacado con una banda blanca en los años 40. Dizzy Gillespie fue el motor intelectual del bebop, un virtuoso sin igual, el estilista de trompeta más influyente después de Eldridge.
Lanzado alternativamente como ‘The Trumpet Kings’ y ‘Trumpet Battle’, ‘Roy y Diz’ presentaron a los dos grandes con el pianista Oscar Peterson y los miembros de su trío Herb Ellis (guitarra) y Ray Brown (bajo), agregando el versátil Louie Bellson en la batería. El combo de Peterson funcionaba como una especie de banda casera para estos encuentros con estrellas.
La interacción melódica de Dizzy y Eldridge se remonta en cierto modo al legado de dos trompetas de King Oliver y Louis Armstrong, que hicieron algunos de los documentos grabados fundacionales del jazz. Diz y Roy también cantan manteniendo los elementos del enfoque de llamada y respuesta en su lugar y soltándose con sus propias improvisaciones vocales exageradas, profundamente en el espíritu de Armstrong. Roy y Diz tocan en la cima de su forma competitiva. Los intercambios de ritmo están marcados por el fuego y la imaginación que conducen y hacen una serie emocionante de duelos de trompeta.
Ambas trompetas comienzan con mutes, creando un timbre suave y una sensación moderada. Pero cuando esos mutes se apagan, tanto Diz como Roy demuestran su poder pulmonar de tocar sin perder nada de su agilidad. Las líneas de doble compás deslumbrantemente precisas de Gillespie encarnan todo el ingenio del bop vernáculo que perfeccionó con Charlie Parker una década antes.
Los dos metales chispeantes se mezclan en un concurso de baile decididamente frenético. Estas canciones saltan y rebotan con una vitalidad duradera. Existe una frialdad definitiva en los abrasadores solos de los dos reyes de la trompeta cuando vacían sus pulmones, ejecutando pasajes y notas altas que hacen girar la mente, y hay una sensación palpable de competencia cuando se turnan para realizar su acrobático trabajo de metales. Ambos pueden lanzar notas de sus trompetas como nadie, pero sus diferencias tonales y estilísticas crean dos elementos distintos dentro de la música.
Los tempos del bajista Ray Brown proporcionan una estructura fresca para las ráfagas de notas que lanzan las trompetas. Algunos de los momentos más poéticos de estas grabaciones de 1954 son cuando su colaboración los entrelaza dentro de los pasajes, pero su soplido sobrecargado encuentra naturalmente un terreno más sutil y un tacto cuando se juntan en un trabajo de trenza musical que no es menos impactante que sus solos.
Esta fue la primera sesión que contó con Dizzy Gillespie y Roy Eldridge juntos en el estudio como únicos vientos.
· Personnel:
Roy Eldridge, Dizzy Gillespie - trumpet, vocals
Oscar Peterson - piano
Ray Brown - bass
Louis Bellson - drums
Herb Ellis – guitar.
https://www.youtube.com/watch?v=R7Cr5fZrirQ
https://www.youtube.com/watch?v=zBdwYM_LZ3I
27)
* En un día como hoy, en 1961, Art Farmer termina la grabación de su álbum ‘Perception’.
· Recorded：at Nola Penthouse Studio, New York City, on October 25, 26 & 27, 1961.
‘Perception’ es un álbum del fliscornista Art Farmer, con sesiones grabadas en 1961 y publicadas originalmente en el sello Argo.
Este fue el segundo álbum de Farmer como líder de Argo, y la primera grabación en la que sólo tocó el fliscorno. Los otros tres músicos, Mabert, Willians y Mc Curdy formaban parte del Jazztet, un sexteto que Farmer codirigía. Aunque aquí actúan como Art Farmer's Quartet.
Esta edición es un marcado contraste con el hard bop que todavía era omnipresente en ese momento. Farmer había desarrollado plenamente su estilo sensual y lírico en esta época, y estaba grabando discos con Benny Golson cuando dirigió estas sesiones. El conjunto incluye dos originales de gran calidad, que destacan porque Farmer no componía mucho: la elegante y primaveral "Punsu" y "Kayin", un asunto de la Costa Oeste con mucho aire. "Punsu" (antes "Pon-su") es una composición de 32 compases con secciones que actúan como etiquetas de cuatro compases para la melodía principal y el puente. "Kayin'" presenta una fuerte interpretación de Williams y es un reconocimiento al productor del álbum, Kay Norton. Para entonces, Farmer había abandonado por completo la trompeta y concentraba todos sus esfuerzos en el fliscorno. Su tono grande y cálido y su sonido redondeado encajan perfectamente con la inclinación de Farmer por la exploración de los modos melódicos dentro de una melodía determinada.
"Lullaby of the Leaves" cuenta sólo con Farmer y el bajista Williams para el primer estribillo, mientras que el fliscorno se une a la segunda mitad de los coros por el bajo y el piano. La entrada de Farmer en la melodía prefigura su solo moviéndose tanto fuera de tono como de ritmo para dar forma a un gran centro cónico en la melodía. En "Tonk", de Ray Bryant, Farmer sale del blues y se adentra en un brillante solo en torno a una figura de tresillos en si bemol. Mabern hace mucho más que compenetrarse con los cambios aquí, extendiendo sus acordes para dejar que Farmer caiga dentro de las grietas y arraigue. "The Day After" es una balada que insinúa influencias modales. Es un disco primoroso, lleno de luz y ligereza; muestra la profundidad más que la amplitud de la contribución de Farmer.
· Personnel:
Art Farmer (flh),
Harold Mabern (p),
Tommy Williams (b),
Roy McCurdy (ds).
https://www.youtube.com/watch?v=2kfhWOicaYg
https://www.youtube.com/watch?v=NgznQgd6T4c
26)
* Un día como hoy, en 1955, Miles Davis graba en quinteto su portentoso álbum ‘’Round About Midnight’.
· Recorded: October 26, 1955 at Columbia Studio D & June 5 and September 10, 1956 at CBS 30th Street Columbia Studio (New York City).
’’Round About Midnight’ es un álbum de estudio del músico estadounidense de jazz Miles Davis. Fue su debut para Columbia Records. El álbum toma el nombre de la canción de Thelonious Monk “'Round Midnight”.
Las sesiones de grabación tuvieron lugar en octubre de 1955 y en junio y septiembre de 1956. ‘'Round About Midnight’ está considerado por la crítica como un punto de referencia del hard bop y uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos. Posteriormente, Sony volvió a publicar el álbum con bonus tracks de las grabaciones originales. También existe otra edición que incluye todo el material de la reedición más un segundo disco en directo con la aclamada interpretación, con otro combo, de la canción "'Round Midnight" en la edición de 1955 del Newport Jazz Festival y un set completo del mismo quinteto en el Pacific Jazz Festival, 1956.
En la edición de 1955 del Newport Jazz Festival, Davis interpretó "'Round Midnight" como parte de una improvisación "all-star", incluyendo al compositor de la canción, Thelonious Monk, a Connie Kay y Percy Heath del Modern Jazz Quartet, y a Zoot Sims y Gerry Mulligan. El solo de Miles Davis fue recibido de forma extremadamente positiva por parte de fanes y críticos. Fue visto como una significativa vuelta a la escena musical y como un indicativo de que el artista volvía a estar sano, recuperado de su adicción a las drogas (en realidad, llevaba más de un año sin consumir heroína). George Avakian de Columbia Records estaba entre el público, y su hermano Aram consiguió convencerlo para que le ofreciera un contrato. Davis acabó firmando con Columbia, y formó su famoso "primer gran quinteto", con John Coltrane en el saxo. ‘'Round About Midnight’ sería su primer álbum para el sello.
Davis seguía teniendo un contrato con Prestige Records, pero llegaron a un acuerdo de forma que pudiese grabar material para Columbia, siempre y cuando no se publicara hasta que el contrato con Prestige hubiese expirado. En la primera sesión de grabación, se grabaron las pistas "Tadd's Delight", "Dear Old Stockholm", "Bye Bye Blackbird" (que pronto se convertiría en un estándar), "Ah-Leu-Cha", "Two Bass Hit", "Little Melonae" y "Budo". Esta fue la primera grabación de estudio del quinteto. El resto del álbum fue grabado en dos sesiones separadas al año siguiente. Durante todo este periodo, el Miles Davis Quintet seguía grabando material para cumplir con su vigente contrario con Prestige.
A la salida al mercado del álbum, la crítica comento que el material estaba bien, pero de alguna forma fallaba a la hora de conseguir la magia de sus grabaciones para Prestige (que serían editadas en los discos Miles, ‘Relaxin'’, ‘Workin'’, ‘Steamin'’, y ‘Cookin'’).
La opinión de la crítica fue mejorando significativamente en los años siguientes a su publicación. Estilísticamente, abarcaba estándares (o temas que pronto se convertirían en estándares) como "Dear Old Stockholm", "Bye-Bye Blackbird", "Tadd's Delight" de Tadd Dameron, y la composición visionaria de Jackie McLean "Little Melonae". Miles y compañía repiten la canción "Budo" de las históricas sesiones ‘Birth of the Cool’. Destaca la interpretación de Davis de la balada de Monk "'Round Midnight", que sigue siendo un emblema del artista, y en la que hace uso de su sordina Harmon.
En el disco destaca la foto en blanco y negro de Miles Davis de la portada, tintada en rojo, absorto en sus pensamientos.
Un álbum para escuchar los orígenes del jazz moderno post-bop. La selección de canciones representa un resumen de la anterior era bebop, con las interpretaciones suavizadas por el liricismo inherente de Davis, pero arraigadas en el nuevo estilo promovido por los pioneros del hard bop Art Blakey y Horace Silver con los Jazz Messengers, y el quinteto Max Roach/Clifford Brown, que en 1956 incluía al antiguo miembro del grupo de Davis, Sonny Rollins. Coltrane estaba todavía por convertirse en una icónica figura para la historia del jazz, y su presencia el quinteto de Davis resultaba una decepción para muchos como reemplazo de Rollins. Su estilo, aunque embrionariamente frenético y perspicaz, no contaba todavía con el enfoque "sheets of sound" que lo haría famoso al final de la década. En abril de 1957, su adicción a la heroína le llevaría a dejar el grupo y unirse a Monk, bajo la tutela del cual el estilo del saxofonista se solidificaría considerablemente.
· Personnel:
Miles Davis – trumpet
John Coltrane – tenor saxophone
Red Garland – piano
Paul Chambers – double bass
Philly Joe Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=w6PfwriXJbs
* Ese mismo día, pero del año 1956, Miles Davis y su quinteto graba la última sesión para Prestige de sus aclamados álbumes ‘Relaxin´’, ‘Steamin´’, ‘Workin´’ y ‘Cookin´’.
· Recorded: May 11 and October 26, 1956 at Studio Van Gelder, Hackensack Cliffs, NJ.
Son álbumes de estudio del quinteto de Miles Davis grabados en 1956 y publicados posteriormente. Dos sesiones, el 11 de mayo de 1956 y el 26 de octubre del mismo año, dieron como resultado cuatro álbumes: ‘Relaxin' with the Miles Davis Quintet’, ‘Steamin' with the Miles Davis Quintet’, ‘Workin' with the Miles Davis Quintet’ y ‘Cookin' with the Miles Davis Quintet’. Estos cuatro álbumes están considerados entre las mejores interpretaciones de todo el subgénero del hard bop.
Se incluyen fragmentos de diálogos tomados de la bobina maestra original. También hace hincapié en la concentración de Miles Davis en la interpretación de baladas de registro medio.
Como los músicos tuvieron que pagar por el tiempo de estudio (como resultado de un contrato bastante modesto con Prestige), sus grabaciones son prácticamente en vivo.
· Personnel:
Miles Davis – trumpet
John Coltrane – tenor saxophone
Red Garland – piano
Paul Chambers – bass
Philly Joe Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=uqI6PJXEuls
https://www.youtube.com/watch?v=OcIiu1kQMx0
* Y un día como hoy, en 1964, Horace Silver termina de grabar su famoso álbum ‘Song For My Father’.
· Recorded: October 31, 1963; January 28 and October 26, 1964 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Song for My Father’ es un álbum de 1965 del Horace Silver Quintet, publicado por el sello Blue Note. El álbum se inspiró en un viaje que Silver realizó a Brasil. En la portada aparece una fotografía del padre de Silver, John Tavares Silver, a quien se dedica la composición del título. "Mi madre era de ascendencia irlandesa y negra, y mi padre de origen portugués", recuerda Silver en las notas de la portada: "Nació en la isla de Maio, una de las islas de Cabo Verde”.
La composición "Song for My Father" es probablemente la más conocida de Silver. Como se describe en las notas de presentación, este álbum presenta al quinteto del líder en transición, ya que incluye una mezcla de temas con su antiguo grupo y su nueva formación tras la marcha de Blue Mitchell.
La crítica resaltó que el álbum es uno de los mejores discos de hard bop de Blue Note (una de las 17 grabaciones esenciales de ese estilo) y es el más emblemático de Horace Silver y el punto álgido de una discografía que ya está repleta de clásicos.
https://www.youtube.com/watch?v=aHJY-R-1RRI
25)
* Un día como hoy, en 1954, Thelonious Monk finaliza la grabación, con Sonny Rollins en su cuarteto, de su álbum 'Thelonious Monk and Sonny Rollins'.
· Recorded: November 13, 1953, at WOR Studios, NYC and
September 22 & October 25, 1954, at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.
‘Thelonious Monk and Sonny Rollins’ es un álbum recopilatorio del pianista y compositor de jazz Thelonious Monk y el tenorísta Sonny Rollins editado por Prestige Records. El material que contiene se grabó en sesiones entre 1953 y 1954. Aunque este es su título original, también fue editado como ‘Work! ‘y ‘The Genius Of Thelonious Monk’ con portadas alternativas.
El álbum es el resultado de tres sesiones de grabación realizadas en un periodo de casi doce meses con personal diferente. Fue el último lanzamiento de Monk con Prestige antes de que pasara a tener un contrato con Riverside Records.
Como suele ser el caso, aquello también significa que hay tres grupos distintos de músicos. Ya sea por diseño o por casualidad, las pistas recopiladas presentan a Monk en los confines y entornos favorables de los combos más pequeños, que van desde la intimidad del trío de Percy Heath (bajo) y Art Blakey (batería) en temas groove, utilizando el asombroso e inconfundible sentido de la melodía de Monk y llamando la atención las alegres contribuciones percusivas de Blakey, que a veces se interponen entre el trabajo de acordes inconexos de Monk.
Las composiciones para cuarteto y quinteto, mayores, son igualmente inventivas y conservan la atmósfera de gran inspiración. Sin embargo, lo más destacado es la interacción entre Monk y Rollins. El disco está encabezado por una lectura definitiva y libre del estándar pop "The Way You Look Tonight". Igual de brillante es "I Want to Be Happy", en la que también destacan Art Taylor (batería) y Tommy Potter (bajo). Proporcionan un marco flexible y libre de obstáculos para que los solistas tejan sus inimitables y a menudo contrastantes contribuciones. El tema final es el bellamente disonante y extendido "Friday the 13th", que es irónicamente la primera colaboración fortuita entre los dos colíderes. Rollins es capaz de entrelazar un sinuoso liderazgo a lo largo del contrastado contrapunto de acordes de Monk. Este tema se grabó en noviembre de 1953 con un quinteto de Monk, Rollins, Julius Watkins, Percy Heath y Willie Jones; las grabaciones de septiembre de 1954 son de un trío con Monk, Heath y Blakey; y la sesión de octubre de 1954 Monk y Rollins de nuevo, con el bajista Tommy Potter y el batería Art Taylor. De los tres originales de Monk, "Friday the 13th" fue escrito en el estudio durante la sesión de grabación, lanzado como una golosina de diez minutos para llenar el tiempo de ejecución del álbum. Monk volvería a "Nutty" una y otra vez a lo largo de su carrera, pero esta fue su única grabación de la composición "Work".
Las grabaciones aparecieron también originalmente en 1954 en: ‘Thelonious Monk Quintet Blows’, ‘Thelonious Monk Plays’ y ‘Sonny Rollins and Thelonious Monk’.
Aunque Rollins está acreditado como co-líder en la portada del álbum, sólo aparecía en tres de las cinco pistas del álbum, antes de que el saxofonista tenor desapareciera de los escenarios para encontrar en soledad su propio camino. No fue la primera de sus fugas ni sería la última, y de cada una consiguió volver, tras benéficas crisis personales y musicales, con las pilas cargadas para maravillar tanto al público como a la crítica.
· Personnel:
Thelonious Monk – piano
Sonny Rollins – tenor saxophone
Julius Watkins – french horn
Percy Heath & Tommy Potter – bass
Art Taylor, Art Blakey & Willie Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=BVjakWUFY7g
https://www.youtube.com/watch?v=wdYDgNN1d2E
24)
* Un día como hoy, en 1965, Miles Davis con su segundo quinteto de gala comienza la grabación de su fundamental álbum ‘Miles Smiles’ para Columbia.
· Recorded: October 24 & 25, 1966, at Studio Columbia 30th Street, New York City.
‘Miles Smiles’ es un álbum del músico de jazz Miles Davis, publicado por Columbia Records. Fue grabado por Davis y su segundo quinteto en estudio. Es el segundo de los seis álbumes grabados por el segundo gran quinteto de Davis, que contaba con el saxofonista tenor Wayne Shorter, el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams.
‘Miles Smiles’ muestra la exploración más profunda de Davis de la interpretación modal con formas, tempos y metros más sueltos. Aunque el álbum no seguía las convenciones del bop, tampoco seguía la falta de forma del free jazz. Entraría en el subgénero del post-bop, que se define como un enfoque abstracto e intenso en extremo, con espacio creado para la independencia rítmica y colorista del baterista, que incorporaba armonías modales y acordes, formas flexibles, coros estructurados, variación melódica e improvisación libre. Acentuando las conexiones del quinteto tanto con la tradición del hard bop como con la vanguardia. La empatía entre Carter, Williams y Hancock, la forma en que se anticipan, se empujan, se apoyan y frasean juntos es realmente sorprendente, dijo la crítica.
En tres temas de este álbum ("Orbits", "Dolores", "Ginger Bread Boy"), el pianista Herbie Hancock da el paso inusual de prescindir de los acordes de la mano izquierda y tocar sólo líneas de la mano derecha. "Freedom Jazz Dance" tiene un acompañamiento más convencional del piano, aunque el quinteto alteró la composición de Eddie Harris insertando compases adicionales entre las frases melódicas de la pieza, así como interpretando la pieza a un tempo ligeramente más rápido. Y el tema "Circle", compuesto por Davis, puede ser el punto culminante del álbum, pero "Footprints" y "Dolores" serían grandes composiciones de jazz de todos los tiempos.
La composición de Wayne Shorter "Footprints" fue grabada por primera vez para su álbum ‘Adam's Apple’, pero en Miles Smiles, se explora juguetonamente. El baterista Tony Williams pasa libremente del swing al ritmo cruzado. El enfoque rítmico de Williams y del bajista Ron Carter, técnicos prodigiosos e inquietos, son sugerentes y durante el primer solo de trompeta de Davis, Williams cambia de patrón. Esta puede haber sido la primera expresión abierta del ritmo cruzado sistémico de base africana utilizado por un grupo de jazz directo
Tres de las composiciones del álbum las utilizó Davis en directo. "Dolores" se conoce por una única grabación en la primavera de 1967. "Ginger Bread Boy" y "Footprints" se tocaron con mucha más frecuencia. Las primeras versiones en directo de "Ginger Bread Boy" (de la primavera y el verano de 1966) conservaban la melodía de la versión original de Heath. La melodía en la versión de estudio es algo diferente (presumiblemente cambiada por Davis), y las versiones posteriores suelen mantener este cambio. "Ginger Bread Boy" se tocó hasta el verano de 1969. "Footprints" aparece en ‘Live in Europe 1967’, ‘Live in Europe 1969’ y las grabaciones en directo no oficiales del Fillmore West en abril de 1970.
‘Miles Smiles’ recibió elogios de la crítica y fue alabado por sus composiciones originales, la química y la forma de tocar del quinteto y el fraseo de Davis.
Sin lugar a dudas, el Segundo Gran Quinteto del trompetista Miles Davis, que dirigió a mediados de los años 60, reavivó su fuego por la música, dando lugar a una composición exuberante y aventurera. Davis se vio revitalizado por su joven banda, cuya vitalidad y entusiasmo han marcado una gran diferencia. No sólo amplió los límites de Miles, ya que la banda se arriesgaba y experimentaba, sino que también le ayudó a superar un periodo difícil de su vida personal.
En ‘Miles Smiles’, a pesar del periodo de contratiempos personales y de salud del líder de la banda, ésta interpreta una música que se caracteriza por su carácter exploratorio y expansivo. En definitiva, se trata de un álbum delicadamente grande, inusual y tierno a la vez. Otro indicio de las cualidades estelares de la banda como compositores e intérpretes son las grabaciones en solitario de cada uno de los miembros de la banda durante el parón de Miles, consideradas ahora como clásicos.
La música de ‘Miles Smiles’ muestra a un grupo de músicos brillantes mientras engranan sus habilidades en una unidad cohesiva y ajustada y luego interactúan, estirándose y desafiándose mutuamente. Gran parte del álbum equilibra las tensiones entre lo antiguo y lo nuevo. Como resultado, estas composiciones son un excelente ejemplo de cómo tomaron la naturaleza externa y el experimentalismo del free jazz y lo reforzaron con estructuras retorcidas y propulsivas. Y en algún lugar entre estos dos lados opuestos, el Quinteto se ha labrado su propio lugar, lo que ha dado como resultado uno de los jazz más emocionantes jamás tocados.
El álbum es la cumbre del jazz acústico de cualquier tipo y uno de los últimos testimonios de la verdadera fuerza del Segundo Gran Quinteto y de su líder.
· Personnel:
Miles Davis – trumpet
Wayne Shorter – tenor saxophone
Herbie Hancock – piano
Ron Carter – double bass
Tony Williams – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=5SKymH9fO1s
23)
* Un día como hoy, en 1957, el magnífico tenorísta Johnny Griffin en cuarteto grabó su álbum 'The Congregation' para Blue Note con una estupenda cubierta de Andy Warhol.
· Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey on October 23, 1957.
Johnny Griffin se escucha en plena forma en este cuarteto casi clásico de músicos sólidos, muy recomendado para entusiastas del bop.
· Personnel:
Johnny Griffin - tenor saxophone
Sonny Clark - piano
Paul Chambers - bass
Kenny Dennis – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=o8ZkJUv5KmY
21)
* Un día como hoy (día en que nació Dizzy Gillespie), pero en 1960, John Coltrane, en consolidado cuarteto, comenzó la grabación de su seminal álbum ‘My Favorite Things’.
· Recorded at Atlantic Studios, New York, NY, on October 21, 24, & 26, 1960.
‘My Favorite Things’ es el séptimo álbum de estudio por el músico de jazz John Coltrane, publicado en 1961 por Atlantic Records. Fue el primer álbum en el que Coltrane toca el saxofón soprano. Una versión editada de la canción que da nombre al título se convirtió en un éxito único que ganó popularidad en la radio.
Después de la muerte del saxofonista Lester Young en 1959, la madre de éste le obsequió sus instrumentos a Coltrane, con el pretexto de que sentía que se tocaban solos con las melodías de Lester. Dentro de los instrumentos dados a Coltrane, estaba el saxofón soprano, con el que graba ‘My Favorite Things’. En marzo de 1960, durante una gira por Europa, Miles Davis compró otro saxofón soprano para Coltrane. Aunque el instrumento se había utilizado en los primeros tiempos del jazz (sobre todo por Sidney Bechet), en la década de 1950 se había convertido en algo poco frecuente, con la excepción con la excepción de los trabajos de Steve Lacy de finales de la década de 1950 con el pianista Cecil Taylor, el instrumento apenas se había utilizado en jazz en ese momento. Intrigado por sus capacidades, Coltrane comenzó tocándolo en algunos bolos ese verano.
Después de dejar la banda de Davis, Coltrane, para su primera reserva regular en la New York's Jazz Gallery en el verano de 1960, organizó la primera versión del ‘John Coltrane Quartet’. La plantilla se asentó hacia otoño con McCoy Tyner al piano, Steve Davis en el bajo, y Elvin Jones a la batería. Las sesiones de la semana antes de Halloween en Atlantic Studios produjo la pista "Village Blues" de Coltrane Jazz y la totalidad de este álbum junto con las pistas que Atlantic más tarde iba a montar en ‘Coltrane Plays the Blues’ y ‘Coltrane's Sound’.
Lanzado tan solo un mes después ‘Coltrane Jazz’, a diferencia de sus dos primeros álbumes para Atlantic, este no contiene composiciones originales, sino versiones jazz de cuatro canciones pop. El álbum fue el primero que claramente marca el cambio de Coltrane del bebop al jazz modal, que poco a poco iba siendo más aparente en algunas de sus versiones anteriores. La famosa primera pista es una interpretación modal de la canción "My Favorite Things" de Rodgers y Hammerstein canción de ‘The Sound of Music’. La melodía se escucha varias veces, pero en lugar de tocar solos encima de los cambios de acordes, tanto Tyner y Coltrane tocan largos solos sobre un ostinato de los acordes de tónica mi menor y mi mayor, en tiempo de vals. Transformó la alegre y popular canción en una hipnótica danza oriental derviche. La grabación fue un éxito y se convirtió en la pieza más solicitada de Coltrane.
El estándar de "Summertime" es notable por su optimismo, por su sentido de búsqueda, siendo una demostración de las "hojas de sonido" de Coltrane, una fuerte antítesis a la melancólica y lírica versión de Miles Davis de ‘Porgy and Bess’, y utiliza puntos de pedal a contratiempo y acordes aumentados. "But Not For Me", está rearmonizada utilizando los famosos cambios de Coltrane, y cuenta con una extensa coda repetida.
· Personnel:
Bass – Steve Davis
Drums – Elvin Jones
Piano – McCoy Tyner
Soprano & Tenor Saxophone – John Coltrane.
https://www.youtube.com/watch?v=UlFNy9iWrpE
20)
* Un día como hoy, en 1965, Max Roach y su quinteto, continuó grabando su álbum 'Drums Unlimited'
· Recorded: October 14 & 20, 1965 and April 25, 1966
at New York City.
‘Drums Unlimited’ es un álbum del baterista de jazz estadounidense Max Roach grabado y publicado por el sello Atlantic. Este álbum fue la única grabación de Max Roach como líder durante 1963-67. Tres de los seis números ("Nommo", "St. Louis Blues" e "In the Red") encuentran a Roach al frente de un grupo que incluye al trompetista Freddie Hubbard, al contralto James Spaulding, al pianista Ronnie Mathews, al bajista Jymie Merritt y, en "St. Louis Blues", a Roland Alexander como soprano. Su música es esencialmente hard-bop avanzado con una generosa cantidad de espacio ocupado por los solos de batería de Roach. Las otras tres selecciones de las sesiones ("The Drum Also Waltzes", "Drums Unlimited" y "For Big Sid") son características sin acompañamiento para Max Roach y, debido a la naturaleza melódica y lógicamente planificada de sus improvisaciones, mantienen continuamente la atención de uno.
El título de “Nommo” de Jymie Merritt proviene de una palabra africana que significa "el poder de la palabra". Su punto de encuentro es el 7/4, en el que los 5 músicos entran y salen, pero básicamente es muy libre, muy suelto.
· Personnel:
Max Roach - drums
Freddie Hubbard - trumpet
James Spaulding - alto saxophone
Ronnie Mathews - piano
Jymie Merritt – bass
Roland Alexander - soprano saxophone.
https://www.youtube.com/watch?v=aYmnlcrCXKA
https://www.youtube.com/watch?v=VUpdz--0ojE
15)
* Un día como hoy, en 1957, Ben Webster grabó su álbum ‘Soulville’ para Verve.
· Recorded: Los Angeles, CA, October 15, 1957.
‘Soulville’ es un álbum de 1957 del saxofonista tenor de swing Ben Webster, que registra una sesión en la que Webster tocó con el Oscar Peterson Trio.
El álbum fue reeditado con temas extra, que incluyen grabaciones raras de Webster tocando el piano con cortes de dos sesiones de 1953 y una de 1959.
Webster alcanzó su máximo esplendor con el sello Verve. Durante el período comprendido entre 1953 y 1959, el ex alumno de Ellington hizo gala de su excelente forma de tocar, tanto con combos como con secciones de cuerda, swingers y baladas, y debajo de su sonido imponente y contundente había líneas solistas rebosantes de sofisticación e ingenio. Esta cita de 1957 con el Oscar Peterson Trio es uno de los momentos más destacados de esa carrera dorada de los 50. Después de empezar con dos originales de blues -el tema del título, de combustión lenta, y el valiente "Late Date"- Webster llega al meollo de la cuestión en melancólicas baladas, aquí, su exquisitamente astuta "Makin' Whoopee" sólo es superada por una increíblemente matizada "Where Are You". Aportando un simpático contrapunto, Peterson renuncia a su habitual pirotecnia en favor de unos compactos y pausados solos; sus compañeros -el guitarrista Herb Ellis, el bajista Ray Brown y el batería Stan Levey- son igualmente seguros y espléndidos. Y terminando el conjunto con estilo, Webster se hace cargo del piano para tres números de estilo stride y boogie-woogie algo medianos, pero aun así impresionantes (estas son sus únicas grabaciones de piano).
· Personnel:
Ray Brown – bass
Stan Levey – drums
Oscar Peterson – piano
Herb Ellis – guitar
Ben Webster – tenor saxophone & piano.
https://www.youtube.com/watch?v=BkiFKnIio7I
* Y un día como hoy, en 1965, Wayne Shorter grabó su álbum ‘The All Seeing Eye’ para Blue Note.
· Recorded: October 15, 1965 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘The All Seeing Eye’ es el noveno álbum de jazz del saxofonista Wayne Shorter, grabado y publicado por el sello Blue Note. La reputación del saxofonista nacido en Newark como compositor estaba floreciendo en este momento, y para ‘The All Seeing Eye’ dirigió un conjunto mucho más grande que en sus anteriores fechas de estudio. El álbum incluye actuaciones de Shorter con el trompetista Freddie Hubbard, el trombonista Grachan Moncur III, el saxofonista alto James Spaulding, el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter, dos de sus colegas de la banda de Miles Davis, y el baterista Joe Chambers. En el último tema del álbum, el septeto se convirtió en un octeto con la incorporación del hermano mayor de Shorter, Alan, al fliscorno, quien compuso ese tema final, "Mephistopheles".
En las notas originales del álbum, Shorter explica que el disco fue concebido como un intento de representar el significado de la vida y el universo. En una larga entrevista el saxofonista menciona los significados de cada pieza: "The All Seeing Eye" (El ojo que todo lo ve), la larga canción que da título al disco comienza con una majestuosa fanfarria de metales a cuatro voces antes de que la estruendosa batería de Joe Chambers inicie un ritmo más rápido. A él se une el bajo de Ron Carter, que camina rápido, y juntos establecen un ritmo de vaivén sobre el que hay largos y discursivos solos de los principales protagonistas. Representa el omnipresente ojo de dios y los solos, además, representan la maquinaria implicada en el proceso de la creación.
Comenzando con portentosas notas bajas de piano, "Genesis" se refiere, obviamente, a la creación de todas las cosas, si la primera parte consiste principalmente en frases de tempo libre, entra en tiempo recto de 4/4 para indicar que todo empieza a asentarse. Shorter explica además que intentó dar a "Genesis" una sensación de final abierto porque, una vez empezado, el proceso creativo sigue adelante. La palpitante "Chaos" es un número rápido y ardiente impulsado por el constante pulso rítmico de Carter y Chambers, que mantiene la música fluyendo al tiempo que mantiene su inherente sensación de tensión. Sobre esta vorágine, Shorter se desata con un violento solo. "Chaos" refleja las guerras, los desacuerdos y la dificultad de los hombres para entenderse, mientras que el reposo de "Face of the Deep", una balada en clave menor -la pieza más cohesionada del álbum-, refleja a dios reflexionando sobre su creación. Shorter entendió la composición como algo esperanzador y como tal, es una pieza más calmada, meditativa y mesurada, definida por una exquisita interacción de los metales.
La pieza que cierra el final del álbum, "Mephistopheles", es una composición de su hermano que subraya la funesta presencia del mal, al final ese clímax fuerte y alto puede tomarse como un grito. Con sus tensos y casi escalofriantes ritmos de ostinato, "Mephistopheles" es mucho más ominoso. Es asimétrica y la melodía se mueve de forma imprevisible. Estos temas típicamente sesenteros se enmarcaban en el contexto de la Guerra Fría y sus diversas manifestaciones, vistas a través de los ojos de un músico simplemente como conflicto, para el que la disonancia en el sonido era la metáfora perfecta.
Un álbum brillante y ambicioso de múltiples capas, uno de sus álbumes más progresivos. El objetivo de Shorter para el álbum era utilizar una gama más amplia de colores y texturas mientras continuaba sus exploraciones de la vida y el universo. Por aquel entonces, Shorter, de 32 años, era un miembro clave del quinteto del pionero del jazz Miles Davis, ya que se había unido a la banda del trompetista el año anterior y estuvo seis años con el Miles Davis Quintet. También fue entonces cuando el saxofonista de Nueva Jersey comenzó una carrera paralela de grabación en solitario en Blue Note Records. Éste fue posiblemente el más vanguardista de los once álbumes de Shorter para Blue Note.
El primer álbum de Shorter para el sello fue ‘Night Dreamer’, grabado en abril de 1964. Unos meses más tarde, grabó el que sería su segundo, ‘Juju’. Cuando entró en el estudio de grabación de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey para grabar las pistas de este álbum, Shorter ya había producido seis álbumes para el sello en un período de 18 meses increíblemente fértil.’The All Seeing Eye’ llegó tras ‘The Soothsayer’ y ‘Etcetera’, álbumes de sesiones anteriores de 1965 que fueron retenidos por Blue Note hasta una fecha muy posterior. Desde el punto de vista melódico, armónico y conceptual, ‘The All Seeing Eye’ resultó ser muy diferente de ‘Speak No Evil’, el anterior álbum de Shorter en Blue Note.
Aunque el saxofonista había sido aprendiz en la academia de ‘hard bop’ de Art Blakey, The Jazz Messengers, de 1959 a 1964, ‘The All Seeing Eye’ parecía un mundo alejado del llamado jazz directo. La música era audaz, intransigente y exploratoria, y tenía más en común con el enfoque modal de John Coltrane y la experimentación del free jazz de Ornette Coleman, aunque en última instancia su singularidad significaba que sólo podía haber salido de la mente de Wayne Shorter. En su lanzamiento, su visión cósmica y su estética radical del ‘free bop’ ciertamente llamaron la atención. Está considerado como uno de los álbumes más desafiantes del canon de Blue Note de Wayne Shorter y merece la pena. Puede que el álbum haya sido eclipsado por obras más populares como ‘Speak No Evil’, pero con los años suena tan sorprendentemente fresco y moderno como cuando se grabó. Aunque fue el primer ejemplo de Shorter explorando la metafísica a través de la música, no fue el último, como demuestra claramente su álbum ‘Emanon’. En este momento el joven se había convertido en un viejo maestro, pero el sentido de la curiosidad, el asombro y la visión que mostró en ‘The All Seeing Eye’ sigue siendo una característica permanente de la obra de Shorter.
En 1970, Shorter se transformó en Weather Report, subiéndose al tren del ‘jazz rock’ y desapareció en el futuro. Sorprendente hasta el final, Shorter reapareció a la edad de ochenta años, en vivo en el "Walt Disney Concert Hall" de Los Angeles con su primer álbum para Blue Note en 43 años, titulado ‘Without a Net’, una descripción adecuada de su forma de crear música, haciendo equilibrios en la cuerda floja.
· Personnel:
Wayne Shorter – tenor saxophone
Freddie Hubbard – trumpet, flugelhorn
Grachan Moncur III – trombone
James Spaulding – alto saxophone
Herbie Hancock – piano
Ron Carter – bass
Joe Chambers – drums
Alan Shorter – flugelhorn
https://www.youtube.com/watch?v=xY2rNo9dUZs
14)
* Un día como hoy, en 1965, Coltrane terminó la grabación en la costa oeste de su atractivo álbum ‘Kulu Sé Mama’.
· Recorded at Western Recorders, Los Angeles, CA, October 14, 1965 &
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, June 10, 1965 and June 16, 1965.
‘Kulu Sé Mama’ es un álbum del músico de jazz John Coltrane grabado durante 1965 y fue editado por Impulse! Fue el último álbum publicado durante la vida de Coltrane.
Una de las razones de que no sea uno de los álbumes más logrados de la discografía de John Coltrane es que recopila temas de diversas sesiones. Eso no suele importar normalmente en la carrera del saxofonista, pues era tan prolífico que no todo lo que grababa podía ser editado en un mismo disco. Lo que ocurre es que las dos sesiones reunidas, la del 16 de Junio de 1965 y la del 14 de Octubre del mismo año, pertenecen a etapas bien diferenciadas de Coltrane o, mejor, a dos momentos bien diferenciados dentro de su última etapa. En la primera sesión, el saxofonista contó con su cuarteto clásico, esto es McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones. En la segunda sesión, en cambio, a este conjunto suma la participación de Pharoah Sanders (habitual de sus últimas grabaciones), Donald Garrett, Frank Butler y Juno Lewis.
Que ‘Kulu Sé Mama’mezcle temas procedentes de diversas sesiones, máxime cuando están separadas por cuatro meses, podría ser anecdótico, pero en ese tiempo se produjo una sustancial evolución en el sonido de John Coltrane. Supuso su aproximación a un jazz cada vez más espiritual, libre, cósmico, todavía más innovador y osado que el que hasta entonces había interpretado con su cuarteto clásico. En cualquier caso, es otro de los álbumes recomendables de Coltrane.
· Personnel:
John Coltrane — tenor saxophone
Pharoah Sanders — tenor saxophone, percussion
McCoy Tyner — piano
Jimmy Garrison — double bass
Donald Rafael Garrett — bass clarinet, double bass, percussion
Frank Butler —drums, vocals
Elvin Jones — drums
Juno Lewis — vocals, percussion, conch shell, hand drums.
https://www.youtube.com/watch?v=SlbjP5-KM_s
https://www.youtube.com/watch?v=WPPFBgD-8jA
12)
* Un día como hoy, en 1962, Charles Mingus con una big band de grandes intérpretes, sobre todo a los saxos, grabó los temas que constituyeron un controvertido álbum en vivo en el Town Hall de Nueva York y publicado por primera vez en el sello United Artists como ‘Town Hall Concert’. El álbum fue relanzado posteriormente completo, con pistas adicionales, en el sello Blue Note como ‘The Complete Town Hall Concert’.
· Recorded: October 12, 1963 at Town Hall, New York, NYC.
‘The Complete Town Hall Concert’ presenta por primera vez grabaciones editadas parcialmente en 1962 como ‘Town Hall Concert’. Esa edición estaba plagada de errores incluso en los títulos de las composiciones. Además, importante material había sido eliminado.
Poder presentarse en una sala de conciertos con una agrupación de músicos seleccionados por él mismo y sin preocuparse de detalles financieros era el sueño de Charles Mingus. En esa época Mingus gozaba de uno de los muchos florecimientos de su carrera y todo parecía ir a viento en popa. El concierto se llevaría a cabo el 15 de noviembre y sería una sesión de grabación de nuevas composiciones al que se invitaría a un público selecto. El sello United Artists iniciaba así la que esperaba sería una larga asociación con Mingus. El contrato se firmó en agosto, la música que Mingus tenía en mente requería una orquesta de más de una veintena de músicos, pero aún no la había escrito y hacía cerca de una década que no componía para una big band. Pero como faltaban varios meses, Mingus pensó que era capaz de tamaña tarea.
Cuando UA anunció que el concierto se haría un mes antes, el 12 de octubre, Mingus sintió la presión y a pesar de la escasez de tiempo, incluso accedió a grabar antes con Duke Ellington y Max Roach. Mientras, un grupo de colaboradores copiaba la música que Mingus les entregaba diariamente. Mingus escribía cada vez más lentamente y continuaba agregando instrumentos a la orquesta. La orquesta había aumentado a más de 30 músicos, cada uno necesitaba una copia de la partitura. Durante el concierto había varios copiadores en el escenario sentados copiando, y por necesidad no fue posible presentar esa noche gran parte de esta música.
Al inicio Mingus se disculpó diciendo que el público había sido engañado si pensaban que asistirían a un concierto. La función se trataba de una sesión de grabación. Agregó que se le devolvería el valor de la entrada al que lo solicitase, pero pocos optaron por aceptar la oferta. El concierto fue una experiencia algo extraña, un tanto excitante como también frustrante. Gran parte de la música es excelente, pero a menudo durante la mitad de un excelente solo aparecía un técnico con algún detalle ajeno a la música, y nuevamente se iniciaba el tema. En la opinión de varios que asistieron al concierto el problema surge de la incompetencia de United Artists, tanto en la producción como en el nivel técnico de los ingenieros. A esto se le agrega que, como Mingus consideraba aún que era una sesión de grabación, las piezas eran tocadas separadamente por diversos segmentos de la orquesta, lo que confundió aún más al público.
Cuando se editó ‘Town Hall Concert’ contenía apenas 36 minutos de música mal grabada y mal mezclada. El concierto, lejos de ser el más destacado de su carrera, resultó ser un fiasco. Pero el tiempo, y el nuevo álbum, nos ha permitido analizar la música que Mingus preparó para el Town Hall en 1962 y realmente es de valor.
· Personnel:
Charles Mingus - bass
Ed Armour, Rolf Ericson, Lonnie Hillyer, Ernie Royal, Clark Terry, Richard Williams, Snooky Young - trumpet
Eddie Bert, Jimmy Cleveland, Willie Dennis, Paul Faulise, Quentin Jackson, Britt Woodman - trombone
Romeo Penque - oboe
Danny Bank - bass clarinet
Buddy Collette, Eric Dolphy, Charlie Mariano, Charles McPherson - alto saxophone
George Berg, Zoot Sims - tenor saxophone
Pepper Adams, Jerome Richardson - baritone saxophone
Warren Smith - vibraphone, percussion
Toshiko Akiyoshi, Jaki Byard – piano
Les Spann - guitar
Milt Hinton - bass
Dannie Richmond - drums
Grady Tate - percussion.
https://www.youtube.com/watch?v=JL1-kEmS6N8
https://www.youtube.com/watch?v=l_JulWA9Sjc
9)
* Un día como hoy, en 1956, con Sonny Rollins incluido, el quinteto de T. Monk comenzó la grabación de su seminal álbum ‘Brilliant Corners’ para Riverside Records.
· Recorded at Reeves Sound Studios, New York City; October 9, October 15 and December 7, 1956.
‘Brilliant Corners’es un álbum de estudio del músico de jazz estadounidense Thelonious Monk (del que mañana sería su aniversario). Fue su tercer álbum para Riverside y el primero, para este sello, en incluir sus propias composiciones. La compleja pista principal requirió más de una docena de tomas en el estudio.
El álbum fue grabado en tres sesiones a finales de 1956 con dos quintetos diferentes. Dos temas, en los que Monk tocaba la celesta, fueron grabadas el 9 de octubre con los saxofonistas Ernie Henry (saxo alto) y Sonny Rollins (saxo tenor), el bajista Oscar Pettiford y el baterista Max Roach. Tienen relación ambos temas, el hotel donde vivía y el nombre, con Pannonica de Koenigswarter, protectora y financiadora de Parker, Monk y otros músicos de jazz.
El 15 de octubre, Monk intentó grabar la canción principal con la misma banda durante una sesión de cuatro horas. La complejidad de la canción principal se convirtió en un desafío para los acompañantes de Monk, que intentaron veinticinco tomas y generó tensión entre él y Henry, quien casi se derrumba mentalmente, y Pettiford que intercambió duras palabras con Monk durante la sesión. Monk trató de facilitarle las cosas a Henry al no tocar durante su solo de alto. Durante una de las tomas, el productor y otros en la sala de control no pudieron escuchar la reproducción de Pettiford y revisaron su micrófono del bajo en busca de un mal funcionamiento, pero finalmente se dieron cuenta de que estaba simulando su interpretación. Sin una sola toma completa, finalmente se reunió la versión del álbum a partir de varias tomas.
El 7 de diciembre, otro tema se grabó con Paul Chambers en el bajo y el trompetista Clark Terry, quien reemplazó a Henry, y Monk grabó también una versión para piano solo.
Hay una frescura y vitalidad ineludibles saturadas en cada compás de cada canción. El paso del tiempo hace que sea aún más difícil imaginar a otros músicos con la capacidad de apoyar a Monk con una precisión tan irónica.
Según se ha publicado ‘Brilliant Corners’ fue el álbum más aclamado por la crítica de 1957. Una sesión de hard bop ‘clásica’. El LP de jazz moderno más importante de Riverside hasta la fecha.
Debido a su importancia histórica, el álbum figura en la Biblioteca del Congreso.
· Personnel:
Thelonious Monk – piano and celeste;
Ernie Henry – alto saxophone;
Sonny Rollins – tenor saxophone;
Oscar Pettiford – double bass;
Max Roach – drums and timpani;
Clark Terry – trumpet;
Paul Chambers – double bass.
https://www.youtube.com/watch?v=KmMtbWsNM8k
8)
* Un día como hoy, en 1963, John Coltrane y su gran cuarteto, actuó en vivo en la sala ‘Birdland’ de NY. Actuación recogida en el álbum ‘Coltrane Live At Birdland’, que se completó con grabaciones posteriores en estudio.
· Recorded: October 8, 1963 at Birdland, New York City
March 6 & November 18, 1963 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Live at Birdland’ es un álbum del músico de jazz John Coltrane, editado por Impulse. Fue su segundo álbum en vivo en el sello.
A pesar de su título, solo las tres primeras pistas se grabaron en vivo en el club ‘Birdland’, el resto son pistas de estudio. Pero nos brindan una visión completa de las capacidades y características del grupo en un momento de la carrera de Coltrane antes de lanzarse a la abstracción total y cuando dejó atrás a algunos de sus primeros seguidores.
Dijo la crítica que este álbum presentaba 'The Great Quartet' en excelente forma: Elvin golpeando y maldiciendo, McCoy una fuerza constante que mantiene las formas, Jimmy Garrison marcando el ritmo y Coltrane extendiéndose hacia el espacio llenando el vacío.
Posiblemente el mejor álbum completo de John Coltrane, se dijo también.
· Personnel:
John Coltrane, soprano, tenor sax;
McCoy Tyner, piano;
Jimmy Garrison, bass;
Elvin Jones, drums.
John Coltrane Quartet at Birdland - Afro Blue
5)
* Un día como hoy, en 1951, con Sonny Rollins incorporado al sexteto de Miles Davis, grabaron los temas que aparecieron, entre otros, en el álbum 'Dig'.
· Recorded: October 5, 1951 at Apex Studios, NYC.
‘Dig’ es un álbum de Miles Davis en Prestige Records. Contiene pistas de una sesión de 1951 en Apex Studios. Pistas que han sido incluidas separadas en una gran cantidad de álbumes de dicho sello.
Después de inaugurar la escuela de cool jazz con sesiones de grabación en 1949 y 1950, Davis casi de inmediato se alejó de ese sonido a principios de la década de 1950, para explorar el hard bop. ‘Dig’ fue también el debut discográfico de jazz del saxofonista Jackie McLean, y fue una de las primeras grabaciones de Sonny Rollins (citado en la portada); ambos hombres se convertirían en principales músicos del jazz por venir.
· Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Jackie McLean, alto sax;
Sonny Rollins, tenor sax;
Walter Bishop Jr., piano;
Tommy Potter, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=cUcj_vPwkEI
* Y también, un día como hoy, en 1956, Sonny Rollins en quinteto grabó el álbum ‘Rollins Plays for Bird’.
· Recorded: October 5, 1956 at Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.
‘Rollins Plays for Bird’ es un álbum del saxofonista de jazz Sonny Rollins, grabado para el sello Prestige, con actuaciones de Rollins con Kenny Dorham, Wade Legge, George Morrow y Max Roach a base de material asociado con Charlie Parker.
Como el saxo tenor no está en la misma tonalidad que el alto, Sonny Rollins tendría que transponer mucha música para llevar un homenaje a Charlie Parker a un alto nivel. En cambio, Rollins eligió estándares asociados con Parker y los registró un año después de la muerte de Bird. Esta idea plantea algunos desafíos peculiares, pero la música ciertamente tiene sus momentos sumados al hecho de que el quinteto de Rollins inicia el proceso con un popurrí de siete melodías entretejidas a la perfección.
El pianista Wade Legge, un héroe anónimo del jazz en los años 50 sin duda, toca una música maravillosa aquí y une los ritmos de las melodías, mientras que el bajista George Morrow y el siempre excepcional baterista Max Roach mantienen el tipo progresando. Pero más inusual es que el trompetista Kenny Dorham sea en muchos casos invisible en la cita, desempeñando un papel bastante superficial para Rollins. Dorham rara vez toca con él y está muy por libre, lo que en muchos aspectos es una pena. Teniendo en cuenta lo bien que trabajaron Dorham y el saxofonista tenor Joe Henderson como tándem, uno se pregunta por qué no sucedió aquí.
La crítica añadió: “Una decepción en términos de división del trabajo, y no la fusión de titanes que los amantes del jazz hubieran deseado, esta grabación aún ofrece una gran cantidad de música de alto nivel que podría haber ha sido mucho más”.
· Personnel:
Sonny Rollins (ts)
Kenny Dorham (tp)
Wade Legge (p)
George Morrow (b)
Max Roach (d).
https://www.youtube.com/watch?v=Vtt73m3B2zk
4)
* Elmo Jones grabó un día como hoy, en 1955, su álbum ‘Hope Meets Foster’ en cuarteto y quinteto, con el saxofonista Frank Foster (y el trompetista Charles Freeman Lee en algunos temas), para el sello Prestige.
· Recorded: October 4, 1955, at Van Gelder Studio, Hackensack, N. J.
· Personnel:
Elmo Hope - piano
Frank Foster - tenor saxophone
John Ore - bass
Art Taylor - drums
Charles Freeman Lee – trumpet.
https://www.youtube.com/watch?v=5VEaL8ShNoA