Diciembre 2022 jazz.
31)
* Un día como hoy, en 1982, Miles Davis en septeto,
actuó en NYC. La actuación se recogió en el álbum ‘New Year's Eve - Live Forum,
New York 12/31/82’.
· Recorded live at Felt Forum, Madison Square Garden,
N.Y.C., on December 31, 1982.
Tras un periodo de sequía, a partir de 1981 Davis abandonó
bandas grandes en favor de un combo con el saxofonista Bill Evans y el bajista
Marcus Miller. Ambos colaborarían con él durante toda esa década. Tras unos
meses de tratamiento, tras un derrame cerebral que le paralizó la mano, Davis
reanudó sus giras en abril de 1982 con una formación que incluía al
percusionista Mino Cinelu y al guitarrista John Scofield, con quienes colaboró
estrechamente esos meses, e incluso realizo giras al año siguiente.
Con todos ellos realizó este concierto de nochevieja
en el Madison Square Garden.
· Personnel:
Miles Davis, trumpet, synthesizer (keyboards);
Bill Evans, soprano/tenor sax, flute & electric
piano;
John Scofield, guitar;
Mike Stern, electric guitar;
Marcus Miller, electric bass;
Al Foster, drums;
Mino Cinelu, percussion.
https://www.youtube.com/watch?v=xbehqMbuoKA
30)
* Un día como hoy, en 1947, Dizzy Gillespie y Chano
Pozo graban su famoso tema “Manteca”, para RCA Victor.
· Recorded: at RCA Studio in New York City, NY, on
December 30, 1947.
"Manteca" fue grabada en estudio por
primera vez por Dizzy Gillespie y su Orquesta el 30 de diciembre de 1947. (El
término ‘manteca’ se refiere a la marihuana).
Ese diciembre, el baterista Kenny Clarke se había
reincorporado a la banda de Gillespie a tiempo para las sesiones de estudio de
RCA Victor de ese mes, seguidas de la gira europea de la banda de enero-marzo
de 1948, uno de los acontecimientos seminales más importantes de la historia
del jazz moderno en Europa.
Las sesiones de RCA Victor (en dos fechas, 22 y 30 de
diciembre de 1947) inclinaron el sonido ‘afrocubano’ de Dizzy para big band,
incluyendo las grabaciones originales de “Manteca”, “Cubana Be”, “Cubana Bop” y
“Algo Bueno” (aka Woody'n'You), con el conguista Chano Pozo, así como “Cool
Breeze”, “Good Bait”, “Ool-Ya-Koo” y “Minor Walk”.
Chano Pozo era hermano del famoso trompetista Félix
Chapotín, admirador de Rita Montaner, e imán de las transmisiones públicas de la
estación de Radio Cadena Azul. En la década de los cuarenta, Chano Pozo, cubano
inyectó al jazz norteamericano de una nueva y vigorosa energía, gracias a la
visión del músico Mario Bauzá. Trabajó junto a figuras de la talla de Charlie
Parker y Dizzy Gillespie, siendo con Dizzy cuando popularizó el conocido tema
de “Manteca”. La fulgurante carrera de Chano Pozo, en Estados Unidos comenzó en
1942, cuando abandonó la Orquesta de Machito, para unirse en Chicago al
conjunto de los Jack Cole Dancers. El estilo de Chano llevó gradualmente a
Gillespie a correr cada vez más riesgos musicales, lo cual desembocó en una
fusión perfecta la de un genio de la armonía del Jazz con un genio de los
ritmos afrocubanos.
“Manteca” se dio a conocer en el mundo del jazz
durante la presentación de la big band a nombre de Gillespie, con Pozo como
sideman. En aquel concierto intervinieron otras dos glorias del Jazz mundial,
el pianista John Lewis, quien fundaría luego el Modern Jazz Quartet, y el
baterista Kenny Clarke, uno de los padres del Bebop.
Al parecer, la banda estaba ligera de material para
la segunda de estas sesiones de diciembre y el compositor/arreglista de la
banda, Gil Fuller, estaba terminando los arreglos en el propio estudio,
aparentemente con prisa por tener algo en disco antes de la huelga de grabación
anunciada para el 1 de enero de 1948. Eso puede explicar la inclusión de
“Ool-Ya-Koo”, uno de los numerosos vehículos de scat bebop para Dizzy y su
cantante Kenny Hagood. Aunque oficialmente es una composición de Gillespie/Fuller,
el riff había sido escrito antes por Joe Wilder, uno de los antiguos
trompetistas de la banda, quien dijo que originalmente lo había tocado como un
riff de fondo detrás de un cantante.
El tema “Manteca”, escrito por Chano Pozo, Dizzy
Gillespie y Walter “Gil” Fuller, en 1947, se considera fundacional del jazz
afrocubano y fue la primera melodía basada en el patrón rítmico de la clave, un
patrón de cinco tiempos que se originó en la música tradicional del África subsahariana.
En la música afrocubana, la clave mantiene unido el ritmo del mismo modo que
una clave mantiene un arco en su sitio.
A mediados de la década de 1940, cuando el
trompetista Dizzy Gillespie buscaba una forma de animar el componente rítmico
de su mundialmente famosa orquesta de jazz, había descubierto a un congoleño de
origen cubano llamado Chano Pozo. En poco tiempo, los dos músicos colaboraron
en un nuevo género de jazz que mezclaba los componentes armónicos del bebop con
los rítmicos y melódicos de la herencia afrocubana de Pozo. Y uno de sus
mayores experimentos artísticos fue el tema "Manteca", que se grabó
tal día como hoy (30 de diciembre) de 1947. La canción se convertiría en un
prototipo del género musical que llegaría a conocerse como jazz latino.
La obra fue uno de los temas más escuchados durante
1948, convertida en insignia de la nueva música, impuso un estilo cubano,
adaptándose los patrones rítmicos de la tumbadora, probablemente en la más
notable y característica de es la etapa del bebop, bautizado también como ‘cubop’.
La composición fue, hasta ese momento, el punto culminante en la forja de ese
estilo, que se dio en llamar, también, jazz afrocubano, iniciado por Machito y
Bauzá de Cuba.
· Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet, vocal;
Benny Bailey, Dave Burns, Elmon Wright, Lamar Wright,
trumpet;
Ted Kelly, William Shepherd, trombone;
John Brown, Howard Johnson, alto sax;
Joe Gayles, George “Big Nick” Nicholas, tenor sax;
Cecil Payne, baritone sax;
John Lewis, piano;
Al McKibbon, bass;
Kenny Clarke, drums;
Chano Pozo, congas, bongos, vocal;
Kenny Hagood, vocal.
https://www.youtube.com/watch?v=j2fhraskYP0
* Y un día como hoy, en 1960, Coleman Hawkins grabó
su álbum ‘Night Hawk’.
· Recorded: on December 30, 1960, at Van Gelder
Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Night Hawk’ es un álbum de los saxofonistas Coleman
Hawkins con Eddie "Lockjaw" Davis como sideman, grabado a finales de
1960 y publicado en el sello Swingville. Acompañantes de este fascinante
conjunto son también Tommy Flanagan al piano, Ron Carter al bajo y Gus Johnson
a la batería.
Esta edición muestra un álbum de estudio excepcional
realizado por Coleman Hawkins en 1960. En ‘Night Hawk’ lo presenta con su
compañero saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis, un intérprete más joven
que obviamente admiraba a Hawk. Hawkins fue una de las principales
inspiraciones de su compañero tenor Eddie "Lockjaw" Davis, por lo que
era lógico que algún día se encontraran en el estudio de grabación.
Coleman Hawkins es considerado el padre del saxo
tenor en el jazz. Aunque ya había saxofonistas competentes antes de Hawk, él
fue el primer saxofonista de jazz que alcanzó la grandeza. Hawk murió el 19 de
mayo de 1969, a los 64 años.
Por su parte, además de dirigir sus propias bandas y
realizar numerosas grabaciones como líder, Eddie "Lockjaw" Davis
(1922-1986) había trabajado en las bandas de Cootie Williams, Lucky Millinder,
Andy Kirk, Louis Armstrong y Count Basie. Tocó en los géneros swing, bop, hard
bop, latin jazz y soul jazz. ‘Night Hawk’ es un álbum de quinteto, que muestra
a ambos saxofonistas con el apoyo de una sólida sección rítmica.
En esta época Ron Carter aún no se había unido al
Quinteto de Miles Davis, que le llevaría a la fama (sus primeras grabaciones
con Miles datan de 1963). Hawkins y Carter sólo coincidirían en una ocasión más
en los estudios de grabación, para la realización del álbum de Hawk ‘The Hawk
Relaxes’, el 28 de febrero de 1961. Tommy Flanagan, por su parte, fue uno de
los colaboradores habituales del saxofonista, tanto en estudio como en directo
(sus grabaciones conjuntas abarcan el periodo de 1958 a 1963).
Este álbum tiene muchos buenos momentos de estos dos tenorístas
tan competitivos, en particular el largo corte que da título al disco y un
acalorado intercambio en "In a Mellow Tone", en el que Davis llega
más alto, pero Hawkins gana en ideas.
· Personnel:
Coleman Hawkins, Eddie "Lockjaw" Davis –
tenor saxophone
Tommy Flanagan – piano
Ron Carter –
bass
Gus Johnson –
drums.
https://www.youtube.com/watch?v=xO2RWWqZqOc
29)
* Un día como hoy, en 1979, Joe Henderson terminó de
grabar su ábum ’Relaxin´ At Camarillo’.
· Recorded: on August 20
& December 29, 1979, at Contemporary Record's Studio, Los Angeles, CA.
‘Relaxin' at Camarillo’ es un álbum del saxofonista
de jazz estadounidense Joe Henderson grabado en 1979 y publicado en el sello
Contemporary, en el que Henderson aparece con el teclista Chick Corea y dos
secciones rítmicas: el bajista Richard Davis y el batería Tony Williams en dos
temas, y el bajista Tony Dumas y el batería Peter Erskine en los tres
restantes.
Después de atravesar de manera muy digna, encomiable,
por el funk y la fusión de los años setenta, grabando subestimadas, pero bien
consistentes sesiones para Milestone, Joe Henderson inició otra etapa muy
fértil, fructífera, en diversos sellos desde principios de los ochenta. Las
modificaciones de sonido, forma de tocar el saxofón y estilo a lo largo de su
impecable e inmaculada carrera fueron mínimas.
Por esa razón, ‘Relaxin' at Camarillo’ cuenta con un
atractivo especial, puesto que incorpora un novedoso matiz luminoso, leve en
oposición a un usualmente gordo, oscuro y profundo tono.
Otro motivo para apreciar esta audición consiste en
la deslumbrante labor de Chick Corea ocupando un rol de acompañante;
consiguiendo despojarse, desembarazarse de sus manías interpretativas en el
piano, del continuo regodeo en un mismo libreto.
La ejecución de Chick Corea en este álbum es
majestuosa, lo mismo que en el siguiente junto a Joe Henderson, ‘Mirror,
Mirror’, distante de la talentosísima, pero, de algún modo, limitada, repetida
performance a que nos acostumbrara en buena parte de sus propios discos;
soberbio en los solos: pleno de staccato en el original de Henderson “Y Todavía
La Quiero” y percutiendo vigorosamente las teclas en “Relaxin' at Camarillo”
(Charlie Parker).
Resulta fascinante la forma melodiosa, elegante al
extremo, sutil, liviana, pero de una contextura feroz, con que Henderson ataca
la clásica balada “My One and Only Love” (Guy Wood).
También fino Tony Dumas en contrabajo, compartiendo
la sección rítmica con Peter Erskine en batería en la sesión de agosto de 1979
(reemplazados por Richard Davis y Tony Williams, respectivamente, en la
posterior de diciembre del mismo año).
Fuera de sus grabaciones reunidas en tres diferentes
períodos (correspondientes a los sellos Blue Note, Milestone y Verve, en los
60s, 70s y 90s, respectivamente); durante los 80s, Joe Henderson registró
notables álbumes para distintas discográficas de Estados Unidos y Europa.
Se puede afirmar que Charlie Parker, John Coltrane y
Sonny Rollins estarían situados entre los mayores saxofonistas del género; y
que, próximos en méritos, se encontrarían colegas como Dexter Gordon y el
propio Henderson.
En el caso de Gordon y Henderson, se consideran
alguna/s de sus tempranas entregas para Blue Note como las obras maestras de
ambos. Todo para señalar que, de la misma manera que ‘Tangerine’ para Dexter,
‘Relaxin' at Camarillo’ es una de esas gemas ocultas, escondidas, en el
catálogo de Joe Henderson, esperando por ser (re)descubierta.
‘Relaxin' at Camarillo’ es una audición en apariencia
menos fogosa, apasionada, según lo corriente en el genial tenor, sin embargo,
tiene una sustancial profundidad, densidad, complejidad. Una ejecución, más
propiamente, con claroscuros, tornasolada.
Esta sesión informal está repleta de buenos solos de
los dos principales y se recomienda a los aficionados al hard bop avanzado, ya
que es una superlativa obra de Joe Henderson perdida en su ilustre catálogo.
· Personnel:
Bass – Richard Davis & Tony Dumas (tracks:
A1,A2,B3)
Drums – Tony Williams & Peter Erskine (tracks:
A1,A2,B3)
Piano – Chick Corea
Tenor Saxophone – Joe Henderson
https://www.youtube.com/watch?v=5fjRqw8F1Hs
28)
* Un día como
hoy, en 1943, Lester Young en cuarteto, grabó por primera vez como líder, “Sometimes
I´m Happy” y otros tres temas que aparecieron en vinilos del sello Keynote.
· Recorded in New York City, NY, on December 28,
1943.
El tema "Sometimes I'm Happy" (de Irving
Caesar/Vincent Youmans/Clifford Grey/Leo Robin), interpretado por Lester Young
Quartet, es jazz en su máxima expresión.
El saxofonista tenor grabó esta obra maestra en 1943
con el pianista Johnny Guarnieri, el bajista Slam Stewart y el batería Sid
Catlett. Se había reincorporado a la orquesta de Count Basie con la moral por
las nubes. Se desvanecería al año siguiente, cuando fue reclutado para una
deprimente experiencia en el ejército, pero éste es el Lester boyante de antes
de la guerra. Uno de los mayores logros de Young, fue su grabación Keynote de
"Sometimes I'm Happy".
El tema termina con una frase de ocho compases que se
mantiene, después de 80 años, como una pieza perfecta de improvisación
melódica. Esos ocho compases de música son uno de los más memorizados e
imitados del jazz. Ha sido repetido miles de veces no sólo por el ejército de
saxofonistas tenores que se crean a sí mismos a imagen de Lester Young, sino
también por intérpretes de todos los instrumentos y por docenas de arreglistas
y compositores. Aquel día de 1943, Prez no sabía que estaba erigiendo un
monumento. Los últimos compases de Prez impresionaron tanto a Oscar Peterson
que casi nunca tocaba "Sometimes I'm Happy" sin citarlos al final.
Peterson no fue ni mucho menos el único músico que se identificó con la frase.
Para una generación de saxofonistas tenores, formaba parte de la doxología.
El pianista Jack Brownlow, que tocó con Young en Los
Ángeles después de la guerra, a mediados de los años 40le puso letra:
“Puedo encontrar un rayo en el día más lluvioso.
Si estoy contigo, todos los cielos nublados se
vuelven azules.
Mi disposición cambia de verdad cuando estás cerca.
Todos los días son felices contigo, querida”.
Fresh Sound reeditó las grabaciones de jazz que
Keynote realizó durante la corta y asombrosamente productiva vida del sello
(1943-1947), que se extendió hasta la era del bebop. El cuarteto de Young hizo
buenas caras A de los vinilos de Keynote, entre ellas "Sometimes I'm
Happy".
El productor y estudioso japonés Kiyoshi Koyama
investigó en los archivos y descubrió tomas alternativas y otro material
inédito de las sesiones de Keystone, incluida una toma alternativa de
"Sometimes I'm Happy". El descubrimiento más interesante puede ser
que la famosa coletilla de Pres, basada en una cita de "My Sweetie Went
Away", fue una invención espontánea.
· Personnel:
Lester Young (tenor sax)
Johnny Guarneri (piano)
Slam Stewart (Double Bass)
Sidney "Big Sid" Catlett (Drums, drums)
https://www.youtube.com/watch?v=ep3U_POYMyQ
27)
* Un día como hoy, en 1957, Jackie McLean grabó su
álbum ‘Fat Jazz’.
Recorded in New York City, on December 27, 1957.
‘Fat Jazz’, también conocido como ‘Jackie McLean
Plays Fat Jazz’, es un álbum del saxofonista estadounidense Jackie McLean, que
fue grabado a finales de 1957 y publicado por el sello Jubilee. En él aparece
McLean en un sexteto con el trompetista Webster Young (aquí en la corneta), el
tubista Ray Draper, el pianista Gil Coggins, el bajista George Tucker y el
batería Larry Ritchie.
Dos álbumes de Jackie McLean fueron grabados para
Jubilee a finales de los años 50. ‘Fat Jazz’ es uno de los pocos álbumes de
Jackie McLean en los que aparece su sexteto con Ray Draper. Draper fue el
increíble tubista que grabó con Coltrane, y su presencia aquí añade mucho a la
sesión -- al igual que sus dos composiciones "Filide" y "Two
Sons". También incluye una grabación de "Millie's Pad" de Young.
· Personnel:
Alto Saxophone – Jackie McLean
Bass – George Tucker
Cornet – Webster Young
Drums – Larry Ritchie
Piano – Gil Coggins
Tuba – Ray Draper.
https://www.youtube.com/watch?v=PJu50g3Uvhg
* Tambien un día como hoy, en 1962, Freddie Hubbard
grabó su álbum ‘Here To Stay’.
· Recorded: on December 27, 1962, at Van Gelder
Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Here to Stay’ es un álbum de estudio del trompetista
de jazz estadounidense Freddie Hubbard grabado el 27 de diciembre de 1962, pero
no publicado en el sello Blue Note hasta mucho más tarde. Incluye actuaciones
de Hubbard, Cedar Walton, Reggie Workman, Philly Joe Jones y Wayne Shorter.
Freddie Hubbard, uno de los gigantes reconocidos de
la trompeta de jazz, grabó muchos álbumes para Blue Note en los años sesenta.
Debido a la increíble cantidad y calidad de las sesiones de grabación de Blue
Note en los años 50 y 60, varios de los álbumes más conmovedores de Hubbard no
se publicaron en su momento. Hubo ocasiones en las que el motivo de la decisión
de Alfred Lion de retener una sesión estaba bastante claro. Pero hubo muchas
otras, como esta joya, en las que uno sólo puede deducir que la oficina de Blue
Note, a principios de los 60, estaba simplemente demasiado ocupada y caótica
como para seguir la pista a todas las sesiones.
‘Here to Stay’, una auténtica rareza, se publicó por
primera vez como parte de un conjunto de dos álbumes, con ‘Hub Cap’, una
combinación que no deja en muy buen lugar a ninguna de las dos sesiones, y una
década más tarde se publicó finalmente como álbum único, después de languidecer
en los archivos durante más de 15 años. Presenta a un Hubbard con poco más de
veinte años, y definitivamente en su mejor momento. Freddie era miembro de los
Jazz Messengers de Art Blakely en esa época.
Aunque esa sesión (compuesta por dos composiciones de
Hubbard y estándares) es excelente, lo más interesante es el álbum completo de
material inédito de un quinteto de estrellas. Hubbard forma equipo con sus
compañeros de Jazz Messengers, con (en lugar de Blakey) el batería Philly Joe
Jones para un hard bop avanzado. Los puntos álgidos incluyen la fogosa
"Philly Mignon" del joven Hubbard, todo confianza descarada con brío
a raudales que, aunque Hubbard grabó con el batería Philly Joe Jones en varias
sesiones, su química nunca fue tan intensa como en esta sesión, especialmente
en ese tema inicial, escrito por Hubbard para el fogoso batería. Este es uno de
los momentos supremos de Philly Joe Jones en el estudio, y este álbum merece
una mención de primera categoría sólo por eso. También una fuerte versión de
"Body and Soul" especialmente memorable. La versión de Hubbard es una
interpretación de la balada completamente notable marcada por la madurez de la
interpretación individual que aporta el joven trompetista (que tenía 24 años en
1962). Hubbard piensa mucho -más de lo que la mayoría de los trompetistas del
doble de su edad han pensado- sobre la letra, reservándose mucha pasión a la
vez que mantiene un tono decidido y penetrante. Sólo la clásica grabación
original de Coleman Hawkins supera la lectura de Hubbard.
Además, el buen gusto de Hubbard en esta sesión se
revela al utilizar dos de las composiciones más memorables de Cal Massey,
"Father and Son" y "Assunta". Escuchar los solos de Hubbard
y Shorter en "Assunta" y preguntarse si no se han deslizado a una
nueva fase de su crecimiento, a distancia de la banda de Blakey en esta
coyuntura, que es más oscuramente introspectiva.
La música es ardiente, brillante y llena de emoción.
‘Here to Stay’ es una rareza del hard bop (que ahora se escucha con una
fidelidad asombrosa) de algunos de los mejores jóvenes leones de la década de
1960. Es, sencillamente, uno de los álbumes más inspirados de la carrera de
Hubbard.
· Personnel:
Freddie Hubbard – trumpet
Wayne Shorter - tenor saxophone
Cedar Walton – piano
Reggie Workman – bass
Philly Joe Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=dGBSyRCGch8
https://www.youtube.com/watch?v=0w52YBnp0bw
https://www.youtube.com/watch?v=XJYqlrCkDHg
* Y un día como hoy, y dos posteriores, en 1974,
Charles Mingus grabó sus álbumes ‘Changes One’ & ‘Changes Two’.
· Recorded at Atlantic Recording Studios, New York
City, on December 27, 28 & 30, 1974.
‘Changes One’ es un álbum del compositor y bajista de
jazz Charles Mingus. Se grabó los días 27, 28 y 30 de diciembre de 1974 en los
estudios Atlantic de Nueva York.
‘Changes Two’ es otro álbum de Charles Mingus. Se
grabó en las mismas sesiones que dieron lugar al álbum ‘Changes One’. Atlantic
Records publicó inicialmente el disco, Rhino Records lo reeditó.
Quince años transcurrieron desde el último disco que
grabó Mingus, hasta estos que lo hizo en 1974. La sequía de esos años no fue
óbice para que, a la vuelta, Mingus conservara intacta la calidad de antaño.
Estos ‘Change One & Change Two’ deben su título a una combativa revista
negra dirigida por su esposa.
El tema "Remember Rockefeller at Attica",
que tenía otro título antes de su grabación. Mingus cambió el nombre para hacer
una declaración política sobre las acciones del gobernador del estado de Nueva
York, Nelson Rockefeller, que ordenó a la policía estatal que retomara el
correccional de Attica en septiembre de 1971 tras la toma de la prisión por
parte de los reclusos que exigían cambios en las condiciones que allí se
vivían. El resultado del asalto fue la muerte a tiros de 10 guardias
penitenciarios, 33 reclusos y otros trabajadores de la prisión. El suceso elevó
las apuestas en el movimiento por los derechos civiles, marcando el comienzo de
una década de radicalismo y violencia clandestina. La canción capta
ingeniosamente el clima político de la época y la creciente militancia.
"Devil Blues" tiene una letra es de
Clarence "Gatemouth" Brown, pero la melodía es de nueva composición
del vocalista y saxofonista George Adams. Mingus también tiene créditos como
compositor, posiblemente por las líneas de vientos que siguen a la canción. La
canción es un estridente blues de marcha atribuido a los tres músicos. La
canción es emotiva y ardiente, y puede que sea el único punto débil del álbum.
Un productor más fuerte podría haber exigido otro instrumental al mismo nivel
de sofisticación que los demás. Pero la canción conserva su aire áspero y
desgarrado.
“Duke Ellington's Sounds of Love” fue escrita por
Mingus poco después de la muerte de Ellington en mayo de 1974. Esta balada
suspirante y romántica tiene rastros de “Lush Life” y “A Flower Is a Lovesome
Thing” de Billy Strayhorn. El solo de piano de Pullen es magnífico, el solo de
Adams es jadeante y decidido, y el solo de Mingus es claramente un elogio a
Ellington, su héroe musical. El tema, como gran parte del álbum, es una obra
maestra. En ‘Changes Two’, la breve versión de "Duke Ellington's Sound of
Love" cuenta con la voz de Jackie Paris y la trompeta de Marcus Belgrave.
Unos diez años tuvo que esperar Mingus para poder
contar con un grupo estable tan conjuntado como el que presenta en estos dos
discos (en realidad un disco doble editado por separado). Tras la fantástica
banda integrada por Coles, Dolphy, Jordan, Byard y Richmond que realizó la
agotadora gira de 1964, los siguientes grupos y proyectos de Mingus adolecieron
de falta de continuidad y, sobre todo, de consistencia.
Pero en 1973, con la incorporación de los jóvenes
Pullen y Adams y la continuidad de Richmond (el eterno percusionista de Mingus,
con más de 20 años a su lado), quedaban reunidos los mimbres para formar un
conjunto memorable. Tras grabar un disco desigual, ‘Mingus Moves’ con Ronald
Hampton a la trompeta, la sustitución de éste por Jack Walrath conformaba el
quinteto estable presente en ‘Changes One & Two’. La banda tiene el
espíritu aventurero y el enfoque arriesgado de los mejores grupos de Mingus,
haciendo de éste un ejemplo fácilmente recomendable de la música del gran
director de orquesta.
El primer álbum empieza en plan hardboper, sin muchas
complicaciones, como para demostrar de qué es capaz el grupo con un material
bastante tradicional. El elemento distintivo lo pone el pianista Don Pullen,
que en su solo incluye toques vanguardistas, en especial con su característico
efecto de percutir el teclado con su puño derecho.
"Sue’s Changes", que debe su nombre a Sue
Graham, esposa de Mingus y editora de ‘Changes’, una provocativa revista
literaria y musical. Los 17 minutos de la composición son en realidad una
suite, que pasa de la balada a una tempestuosa sección de free-jazz uptempo
seguida de una vuelta al formato de balada. Y constituye un ejemplo perfecto de
la música de Mingus: utilización de varias melodías cruzadas, cambios de ritmo
y de ambientes: primero balada, luego la cosa se acelera, vuelve a frenarse,
para más adelante adentrarse en caminos cercanos al free con una sección de
improvisación colectiva (algo así como un estilo Free-Nueva Orleans). Este
juego de tensión-relajación-tensión-relajación muestra toda la grandeza de
Mingus como compositor y organizador de sonidos, así como la calidad del grupo,
cuyo control y compenetración resultan notables. Entre los solistas, destaca
George Adams, que tras una entrada majestuosa con su saxo tenor, explora el
registro agudo del instrumento, en una vertiente hiperexpresionista similar a
la de David Murray.
Adams vuelve a ser el protagonista principal del
siguiente tema, "Devil’s Blues", un blues terroso, de esos de dar
palmas y seguir el ritmo con los pies. Y el saxofonista incluso se arranca a
cantar, en la más pura tradición "shouter" sureña (del Mississippi).
‘Changes One’ concluye con un hermoso homenaje a Duke Ellington, fallecido ese
mismo año, y del que Mingus tal vez haya sido el principal continuador.
El segundo álbum arranca, como el primero, con otra
composición de vena hardbop y, al igual que "Remember Rockefeller at
Attica", con alusiones políticas en el título, en concreto a la brutalidad
policial en las cárceles. En realidad, los dos discos ofrecen un material
similar, curiosamente ordenado de forma semejante. Así, tras esta pieza que
podría calificarse de calentamiento, llega un verdadero tour de force.
Más todavía que en "Sue’s Changes", todas
las virtudes de la música de Mingus están reunidas en "Orange Was the
Color of Her Dress, Then Silk Blue", un tema tan cercano a la perfección
(que por supuesto, nunca se puede alcanzar) que es necesario escucharlo en
repetidas ocasiones para captar toda su grandiosidad. El juego de ritmos y
melodías superpuestas, típicos del universo mingusiano, alcanzan aquí su máxima
expresión, con unos solistas en estado de gracia.
Pero la tensión no se relaja ni mucho menos con
"Black Bats and Poles", un tema tocado a toda pastilla, fantástico
por la energía y cohesión que despliega el quinteto. Le sucede una breve
versión de "Duke Ellington’s Sound of Love" cantada por Jackie Paris,
crooner de voz melosa al que Mingus grabó en los años cincuenta en su sello
Debut.
Tras este ligero bajón, el disco concluye por todo lo
alto con "For Harry Carney", otro homenaje al mundo ellingtoniano, en
esta ocasión al saxofonista barítono que falleció dos meses antes de esta
grabación. Su compositor es Sy Johnson que colaboró con Mingus en varias
ocasiones, en especial en su disco en bigband ‘Let My Children Hear Music’. En
"For Harry Carney", los solistas se quedan únicamente acompañados por
la batería en un primer momento, para que luego entre el resto de la sección
rítmica. Si hay algún adjetivo que poner a esta pieza es el de conmovedor
porque, aunque todos los solos están a gran altura, lo que prevale por encima
de todo es su profunda carga emotiva.
Hay algo en la grabación que supera incluso el alto
nivel compositivo y la sensibilidad habituales de Mingus. El álbum es
taciturno, melancólico y recuerda al Nueva York de mediados de los setenta más
que ningún otro. Lo que atrae de estos álbumes son los estados de ánimo
cambiantes de os mismos, su profundo romanticismo y la calidad de la
interpretación.
En definitiva, ‘Changes One & Two’ son unos
discos eclécticos, que abrazan muchos estilos dentro de la música negra, pero a
la vez muy de Mingus y con un carácter intemporal. Pero son las mejores grabaciones
de Charles Mingus de su última época de Atlantic.
Con demasiada frecuencia olvidamos lo extraordinario
que fue Mingus como compositor, bajista, líder y espejo político. Este álbum
sirve de puerta de entrada a su música y a la necesidad de revisitar su
discografía.
· Personnel:
Charles Mingus – acoustic bass, viol
Jack Walrath & Marcus Belgrave – trumpet
George Adams – tenor saxophone, vocals
Don Pullen – piano
Dannie Richmond – drums
Jackie Paris – vocals.
https://www.youtube.com/watch?v=lKTP58E46zM
https://www.youtube.com/watch?v=tt_eAZGmjFA
26)
* Un dia como hoy, en 1958, John Coltrane grabó (con
Freddie Hubbard en un tema), estándares para su álbum ‘Stardust’.
· Recorded on July 11 & December 26, 1958, at Van
Gelder Studio, Hackensack, NJ.
‘Stardust’ es un álbum del músico de jazz John
Coltrane que fue publicado por Prestige Records. Se compuso a partir de dos sesiones
separadas en el estudio de Rudy Van Gelder en Hackensack, Nueva Jersey, en
1958. Se ha reeditado incluyendo un bonus track de la sesión de julio.
En 1958, John Coltrane aún no había dado el salto al
post-bop modal. Seguía siendo un hard bopper, aunque sus solos de hojas de
sonido se encontraban sin duda entre los más interesantes, creativos y
distintivos que el bop podía ofrecer a finales de los cincuenta. ‘Stardust’
contiene algunos momentos destacados de dos sesiones de Coltrane orientadas al
bop en 1958: una es una sesión del 11 de julio con el
trompetista/flügelhornista Wilbur Harden, el pianista Red Garland, el bajista
Paul Chambers y el batería Jimmy Cobb (en la sesión se grabaron más temas que
aparecieron en otros álbumes de Trane, como ‘Standard Coltrane’); la otra es
una sesión del 26 de diciembre con Garland, Chambers, el trompetista Freddie
Hubbard y el batería Art Taylor. En ambas sesiones, la interpretación de
Coltrane es muy atractiva. Es un lírico y expresivo intérprete de baladas en
"Then I'll Be Tired of You", "Stardust" y "Time After
Time", pero se balancea rápida y agresivamente en "Love Thy
Neighbor" (el único tema de este programa de 39 minutos que no es una
balada). El tema “Do I Love You Because You're Beautiful” grabado en esta sesión
se editó en otro álbum de Coltrane, ‘The Believer’.
En ambas sesiones, Coltrane está bien acompañado por
el piano de Garland y el bajo de Chambers. Cuando Coltrane tocaba junto a estos
jazzmen en el quinteto de Miles Davis entre 1955 y 1957, disfrutaba de una gran
compenetración con ambos, y esa compenetración no se debilitó en 1958. No es
casualidad que el departamento de Prestige uniera a Coltrane con Garland y
Chambers tan a menudo; el sello conocía lo compatibles que eran todos ellos.
Aunque no es del todo esencial, ‘Stardust’ pinta una imagen consistentemente
atractiva de la producción de Coltrane en 1958.
Personnel:
John Coltrane – tenor
saxophone
Wilbur Harden – flugelhorn &
trumpet
Freddie Hubbard - trumpet
Red Garland – piano
Paul Chambers – bass
Jimmy Cobb & Arthur
Taylor – drums
https://www.youtube.com/watch?v=RVoS4grdAkE
25)
* Un día como hoy, navidad, en 1948, Charlie Parker
en quinteto, actuó en un club neoyorquino. La actuación fue retrasmitida por
radio y los temas aparecieron en distintas recopilaciones del artista como ‘The
Comprehensive Charlie Parker: Live Performances Volume I’.
· Recorded: at ’Royal Roost’, NYC, (radio broadcast),
on December 25, 1948.
Famosas grabaciones radiofónicas del legendario
Charlie Parker, captadas en un club nocturno a finales de los años 40 y explotando
con increíble potencia a través de las ondas la escena neoyorquina. Entre las
grabaciones en directo más gratificantes de Charlie Parker se encuentran sus
actuaciones en una serie regular de emisiones que emanaron del ‘Royal Roost’
durante 1948-1949. Muse, en su serie Savoy, publicó toda esta valiosa música y parte
de ella ha aparecido posteriormente también. Esta edición, en su primer volumen
contiene varias de estas grabaciones radiofónicas y en él se encuentra a Parker
y su quinteto.
La presentación del material incluye fragmentos de
locuciones, una combinación sorprendentemente maravillosa con el famoso saxo
alto de Bird, presentado en un entorno que permite escuchar la fuerza de la
música de Parker y la forma en que se presentaba al público de la época. Este
volumen incluye trabajos con Kenny Dorham (trompeta), Al Haig (piano), Tommy
Potter (bajo) y Max Roach (batería). Los títulos incluyen "White
Christmas", "Little Willie Leaps", "Half Nelson, etc. Un
momento culminante especial se produce cuando Bird responde a una petición en
la emisión del 25 de diciembre y hace una brillante reelaboración de
"White Christmas".
Al inmortal contralto se le escucha en todo momento
en su mejor momento y en una forma siempre brillante, lo que nos da una buena
idea de cómo debían ser sus actuaciones en directo de la época. Muy
recomendable.
· Personnel:
Kenny Dorham, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
Al Haig, piano;
Tommy Potter, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=CNbKQ7KRwCw
https://www.youtube.com/watch?v=vTiVGH5M0wk
https://www.youtube.com/watch?v=pqMox4KLj-Y
24)
* Un día como hoy, nochebuena, en 1949, Charlie
Parker en quinteto, actuó en vivo en NYC en Christmas´49, grabando temas
recogidos, por ejemplo, en el recopilatorio ‘Dance Of The Infidels’ (junto a
otras sesiones posteriores con otros cuartetos).
· Recorded: at "Carnegie Hall", NYC, on
December 24, 1949.
Un acontecimiento, este concierto en el Carnegie Hall
en la nochebuena de 1949, emitido originalmente en WMCA Radio, que puede
considerarse el apogeo de la era bebop, viendo la lista de músicos de enorme
talento "The Stars Of Modern Jazz". Es realmente una reunión de
estrellas. Todos los cabezas de cartel
-Parker, Miles, etc.- son músicos magnéticos y soberbios. Pero los músicos secundarios también son
excelentes. Mucho de lo que se convirtió en importante para el jazz moderno,
estuvo profundamente influenciado por las personas que estaban en el escenario
aquella noche de fiesta tan especial.
Entre los jóvenes jazzistas modernos más destacados
que se escuchan cerca de sus primeras cimas, con sus interpretaciones siempre
sobresalientes, se encuentran, Charlie Parker y su quinteto (que incluye al
trompetista Red Rodney, el pianista Al Haig, el bajista Tommy Potter y el
batería Roy Haynes) que se llevaron la palma.
El Parker Quintet fue el último grupo de la
"Symphony Sid's Christmas Party", una gala que comenzó a las 20:30
del día de Navidad. Producido por Symphony Sid
Torin, Monte Kay y Leonard Feather, entre los demás artistas figuraban Miles
Davis y su grupo de estrellas; el Bud Powell Trio; el grupo Kai Winding/Stan
Getz; el Lennie Tristano Sextet; Sarah Vaughan y Jimmy Jones (con intercambio y
participación de unos músicos y otros en ellos). Según un anuncio del Daily
News (24 de diciembre, p. 19), también iban a aparecer George Shearing, Errol
Garner y Buddy DeFranco; pero las grabaciones conservadas no incluyen sus
actuaciones.
Un álbum pirata británico contiene un anuncio de
Feather antes de la introducción de Sid Torin:
"Saludos y modulaciones, amigos. Hoy vamos a dedicar todo nuestro programa
a algunas grabaciones de un concierto de jazz moderno realmente maravilloso que
tuvo lugar la pasada noche de Navidad en el Carnegie Hall. Y como tenemos mucha
música que meter en el tiempo disponible, vamos a pasar inmediatamente la
palabra al caballero que fue maestro de ceremonias en ese concierto, uno de los
disks-jockeys más populares de Estados Unidos, Symphony Sid...".
Y en el anuncio de Symphony Sid: "Nos gustaría
presentarles al principal grupo, es un verdadero nuevo sonido para 1950,
primero vamos a traerlos con un gran aplauso, Charlie Parker and the
All-Stars...".
Bird y Rodney rara vez sonaron más fogosos que en sus
cinco canciones, y el increíble solo de Parker en esta versión de "Ko
Ko" podría muy bien ser el mejor.
Algunas ediciones del tema "Cheryl" por
ejemplo, las publicadas en Bird Box, tienen una voz en off de Feather en el
solo de Parker, con Feather comentando sobre "la nueva escuela tomando
fiado de la vieja". También, aunque se oye a Parker gritar ‘Salt Peanuts’
hacia el final de "Now's the Time" (durante el solo de Haig, Parker
dice: "Salt Peanuts es el siguiente"), no ha aparecido ninguna
grabación de este tema. Y en el tema “All the Things You Are [Bird of
Paradise]” de J. Kern y O. Hammerstein, Parker hace citas de "Moose the
Mooche", "Kerry Dancers" y "Popeye the Sailor Man".
Esta grabación, o parte de ella, ha circulado
ampliamente a lo largo de los años. Gran parte de ella fue grabada por la Voz
de América para su emisión en el extranjero, otra parte fue realizada por
aficionados de la época, y otra parte fue grabada para su emisión por algunas
de las emisoras locales de Nueva York (había un elaborado sistema de cables que
iban desde el escenario del Carnegie Hall hasta una cabina de grabación en una
oficina del piso de arriba). Pero hacía muchos años que no estaba disponible
como concierto completo, e incluso ahora, esta grabación de la velada,
recopilada a partir de una amplia gama de fuentes diferentes, se sigue pensando
que no es el concierto completo de aquella nochebuena de 1949, con ese gran
genio que es Charlie Parker terminando la cuarta parte.
Sea cual sea la historia de las grabaciones, y son
una historia en sí mismas, la música interpretada representó una revolución:
una nueva ola del jazz, la ola del futuro. No fue un movimiento que surgiera de
la noche a la mañana, sino que llevaba años gestándose en silencio. Rompiendo
con las grandes bandas y concentrándose en conjuntos más pequeños, pero
contemplando la música desde un punto de vista diferente. La oportunidad de
explorar más a fondo surgió a raíz de la Segunda Guerra Mundial, cuando muchas
bandas se vieron obligadas a interrumpir su actividad debido al alistamiento. Y
después de la Segunda Guerra Mundial, cuando las Big Bands empezaron a perder
el favor del público, surgieron otras variaciones y otros géneros empezaron a
hacerse notar, como el jump blues y la influencia de la música urbana negra
como resultado de las migraciones hacia el norte y el descubrimiento de la
música racial a medida que las industrias de defensa se convertían en lugares
de trabajo integrados. De repente, la Big Band sonaba anticuada.
Pero eso no quiere decir que todo cambiara de la
noche a la mañana y que el público acudiera en masa a esta nueva música. Como
ocurre con todos los movimientos, esta nueva forma de jazz fue objeto de burlas
por parte de los críticos, los medios de comunicación y el público en general,
y se intentó marginarla relegándola al territorio de las modas, junto con
estereotipos de los músicos de be bop como drogadictos y extraños.
Sin embargo, el público empezó a crecer y músicos
como Gillespie, Parker, Davis y otros se convirtieron en estrellas, llevando
finalmente al mundo del jazz a territorios nuevos e interesantes, con cambios
valientes y potentes de pensamiento y técnica. El jazz era bastante soso en la
década de 1940 en comparación con lo que iba a ocurrir 20 años más tarde. Pero
esto fue un comienzo.
En cualquier caso, fue un concierto histórico y
merece la pena escucharlo, no sólo por la música.
· Personnel:
Red Rodney [Robert Chudnick], trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
Al Haig, piano;
Tommy Potter, bass;
Roy Haynes, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=orXq-8EbfYA
https://www.youtube.com/watch?v=KSzgVqvDzVE
* Así mismo, un día como hoy, en 1949, Miles Davis en
septeto, actuó en vivo también en NYC en Christmas´49. Los temas interpretados
se recopilaron en álbumes de varios artistas como Charlie Parker, ‘The Stars Of
Modern Jazz Concert At Carnegie Hall’.
· Recorded at "Carnegie Hall", NYC,
December 25 (or 24), 1949.
(Se dan dos fechas diferentes para este concierto: 24
y 25 de diciembre. Brekman, Bukowski y Saks afirman que no fue en nochebuena,
sino en navidad. En la biografía de Ian Carr figura como sesión de
improvisación el día de nochebuena).
La grabación de concierto fue emitida por la radio
Voice of America (VOA).
La música del histórico concierto de Navidad de 1949
en el Carnegie Hall ha sido reeditada por Stash.
Se trató de una extraordinaria cumbre festiva de fin
de década en la que se reunieron algunas de las figuras legendarias del bebop y
el jazz moderno. El elenco, que actuó por separado a lo largo de la noche y en
varios conjuntos informales, entre los jóvenes modernos más destacados que se
escuchan, se encuentran el pianista Bud Powell, el trompetista Miles Davis, el
barítono Serge Chaloff, el contralto Sonny Stitt, entre otros. No obstante, The
Charlie Parker Quintet fue la principal atracción de la noche, consiguiendo el
mayor espacio de tiempo con cinco números para sí mismo. Un espectáculo
fantástico desde el punto de vista musical e histórico.
· Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Bennie Green, trombone;
Sonny Stitt, alto sax;
Serge Chaloff, baritone sax;
Bud Powell, piano;
Curly Russell, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=cF-l_bKqojM
https://www.youtube.com/watch?v=0Rfw2XXWL1g
* Y un día como hoy, en 1964, Wayne Shorter, en
quinteto, grabó su álbum de estudio ‘Speak No Evil’.
· Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New
Jersey, December 24, 1964.
‘Speak No Evil’ es el sexto álbum de Wayne Shorter.
La música combina elementos de hard bop y jazz modal, y cuenta con Shorter al
saxo tenor, el trompetista Freddie Hubbard, el pianista Herbie Hancock, el
bajista Ron Carter y el batería Elvin Jones. La foto de la portada es de la
primera esposa de Shorter, Teruko (Irene) Nakagami, a quien conoció en 1961.
‘Speak No Evil’ se editó por el sello Blue Note. Una
versión posterior, supervisada por Rudy Van Gelder, incluía una toma alternativa
de "Dance Cadaverous". También se publicó en Japón una edición
limitada remasterizada, que incluía dos tomas alternativas inéditas.
‘Speak No Evil’ fue uno de los varios álbumes que
Shorter grabó para Blue Note en 1964, su primer año como miembro del quinteto
de Miles Davis a mediados de los sesenta. En su tercera cita para Blue Note en
el plazo de un año, Wayne Shorter cambió las bandas que tocaban en los otros,
tanto en ‘Night Dreamer’ como en ‘Juju’ y consiguió dar a los críticos y a los
aficionados al jazz una visión diferente de él como saxofonista. Debido a sus
asociaciones previas con McCoy Tyner, Elvin Jones y Reggie Workman en esas
grabaciones, Shorter había sido injustamente etiquetado como otro discípulo de
Coltrane, a pesar de sus composiciones originales e inusuales. Aquí, con sólo
Jones y sus compañeros del Quinteto de Miles Davis, Herbie Hancock y Ron Carter
a bordo (y con Freddie Hubbard completando la sección de vientos), Shorter por
fin se hizo a sí mismo y provocó una importante reevaluación de su obra
anterior.
El tema que da título a esta obra maestra de 1964 del
eminente saxofonista y compositor, “Speak No Evil” se sitúa en un swing medio
cómodo y totalmente accesible. Su tema principal es una serie de tonos largos
que esbozan una armonía plácida y abierta. Su puente parece sacado del cuaderno
de Thelonious Monk: un sencillo motivo en staccato que sube y baja, cada frase
definida por acentos estratégicos. Sin embargo, como suele ocurrir en la música
de Wayne Shorter, las cosas no son del todo lo que parecen. Hay capas. Las
notas de la melodía cuentan una historia; los acordes empujan a los músicos a
otro lugar, un reino donde las lecciones teóricas tienen un valor limitado y el
instinto importa más que el intelecto. La melodía, por sencilla que sea, tiene
su propio lenguaje específico, un rasgo que comparte con muchas de las piezas
de Shorter. Comienza "Speak No Evil" repitiendo una y otra vez una
sola nota hábilmente entonada, como si estuviera abriéndose camino en un nuevo
territorio. Los primeros versos de Shorter son simples declaraciones con una
gota de blues. A medida que toma curvas cerradas, sus líneas se funden en una
especie de lirismo espontáneo: canta a través del saxo, enlazando frases
aparentemente inconexas en un estribillo inolvidable. Los siguientes solistas
adoptan su ejemplo de dar prioridad a la melodía a la hora de improvisar: el
trompetista Freddie Hubbard sopla con nostalgia, luego con ternura y después
con fiereza; el pianista Herbie Hancock sigue líneas modales ágiles hacia
rincones tranquilos e introspectivos.
Los extraños marcos armónicos utilizados para erigir
"Fee-Fi-Fo-Fum", con su estructura de balada aumentada con un régimen
bluesy de hard bop y modalismo de tono abierto, crean la ilusión de una banda mucho
más grande gestionando todo ese espacio tímbrico. Del mismo modo, en la canción
que da título al disco, con su línea melódica orientada al post-bop, esparcida
por una amplia paleta cromática de menores y el piano de Hancock empujando a
través de un conjunto contrapuntístico de semicorcheas, la vanguardia se
encuentra de frente con el hard bop de los años 50 y todo el mundo sale
ganando. La lírica de los vientos y los riffs de Hancock en la sección central
durante el solo de Shorter revelan un amplio sentido del humor en la
lingüística del saxofonista y un sentido profundo y más regimentado del tiempo
y la coloración temática. "Dance Cadaverous" ofrece un macabro
recorrido por una casa encantada (o, quizás, una mente encantada), mientras que
las agudas octavas de "Infant Eyes" esbozan la vulnerabilidad humana
con una rara empatía sostenida. Increíblemente, estas piezas se vuelven más
profundas y densas en los pasajes solistas, ya que cada uno de los intérpretes
se esfuerza con cautela por realzar la belleza que ya existe en la página. El
conjunto termina con la hermosa "Wild Flower", una balada cadenciosa
con acentos angulares de Hancock, que toma la letra y la invierte, encontrando
un contrapunto cromático que se funde con la primera línea en lugar de tocar en
oposición. El swing es suave pero pronunciado y lleno del singular lirismo de
Shorter como saxofonista y como compositor.
Esta sutil guía de solistas es un componente crucial
del álbum y de gran parte de la producción compositiva de Wayne Shorter. ‘Speak
No Evil’, el último de los tres monumentales trabajos que Shorter grabó en
1964, aparece con frecuencia en las listas de jazz esencial y una de las
razones es la capacidad de Shorter para sacar a los que le rodean de sus zonas
de confort y llevarlos a nuevas formas de tocar. Las melodías de Shorter animan
a los músicos a estirarse, al igual que sus entornos armónicos vívidamente
imaginados, auténticos campos de juego. Ninguna otra figura del jazz encontró
formas tan innovadoras de equilibrar el fuego rítmico del hard bop con una
armonía delicadamente relajada (pero, sobre todo, tonal).
El álbum se considera generalmente uno de los mejores
de Shorter, y también uno de los más destacados del catálogo de Blue Note. Es
una especie de consolidación de la excelencia compositiva de Wayne Shorter. Es
completo, consistente y amplio. Es casi un manifiesto de sus ideas. Ofrece la
primera muestra de un estilo compositivo gnómico que perseguiría al jazz para
siempre. Un álbum clásico tanto en términos de composición como de
improvisación.
· Personnel:
Freddie Hubbard, trumpet;
Wayne Shorter, tenor sax;
Herbie Hancock, piano;
Ron Carter, bass;
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=k2Mxud6LeQ8
23)
* Un día como hoy, en 1943, Coleman Hawkins grabó
cuatro temas, entre ellos, su versión del tema “The Man I Love” (de George e
Ira Gershwin), recogido en vinilo por el sello Signature, y luego en
recopilaciones del saxofonista, como ‘The Chronogical Coleman Hawkins,
1943-1944’.
· Recorded at WOR Studios, NYC, December 23, 1943.
La tercera y última sesión que Coleman Hawkins
(Coleman Hawkins Swing Four) grabara para Signature nos dejó una de las joyas
de la corona de la improvisación jazzística.
La entrada de Shelly Manne a las escobillas y los
magníficos solos de Eddie Heywood (vibrante y alegre) y Oscar Pettiford
(magnífica su elección de notas y al que se oye tomar aire como si de un
instrumento de viento se tratara) anticipan lo que vendría después. Hawk inicia
su solo con una disonancia que da paso a un primer chorus de 64 compases en el
que se mantiene en el registro medio de su instrumento, enlazando frases de
corcheas de forma magistral y plena de swing, y creciendo en intensidad hasta
llegar al segundo chorus. En éste, Hawk, sin perder un ápice de fluidez en el
fraseo, se muestra más agresivo y punzante, amplía su registro hasta abarcar
dos octavas e incrementa la excitación rítmica para rematar cinco minutos
memorables.
· Personnel:
Bass – Oscar Pettiford
Drums – Shelly Manne
Piano – Eddie Heywood
Saxophone – Coleman Hawkins.
https://www.youtube.com/watch?v=i7m8DRtx_Xc
https://www.youtube.com/watch?v=eUDvNlJpx18
* Y un día como hoy, en 1955, Charles Mingus grabó en
vivo su actuación en un club de NYC recogida en su álbum ‘Mingus At The
Bohemia’.
· Recorded at Cafe Bohemia, New York City, on
December 23, 1955.
‘Mingus at the Bohemia’ es un álbum en directo de
Charles Mingus grabado en el Café Bohemia de Nueva York el 23 de diciembre de
1955. Max Roach aparece como invitado en un tema.
Otras grabaciones de la misma actuación se publicaron
en 1964 con el título ‘The Charles Mingus Quintet & Max Roach’. También se
publicó bajo el título ‘Chazz!’ y a nombre de The Charles Mingus Quintet.
Se trata de la primera grabación de Mingus en la que
aparecen principalmente sus propias composiciones. Algunas son sus futuros
estándares. Aquí aparecen sus primeros intentos de técnicas futuras, como la
combinación de dos canciones en una. Destaca su forma de tocar el bajo.
Inicia con su fascinante composición titulada
"Jump Monk", en la que comienza brillando ya su contrabajo marcando
el estribillo, pronto se añaden el batería y el tenor de Barrow con un sonido
muy aterciopelado. Se une luego el trombón y más tarde el resto de la banda
creando un in-crescendo muy logrado con la fascinante sección de ritmo que
fluye sin parar. Con el saxo y el piano cabalgando sobre el endiablado ritmo de
su contrabajo hablando, sobre todo, en un magistral solo. La experimentación
que lo convirtió en maestro del avant-garde aparece en el tema compuesto junto
a Max Roach (y donde Roach substituye al batería Willie Jones) "Percussion
Discussion", en el que toca su contrabajo repetidamente, también con el
arco. Este tema es quizás el más introspectivo de todos. Como un estrecho
diálogo entre bajo y batería.
Tampoco faltan algunas brillantes obras ajenas
llevadas a su terreno como "Serenade in blue", con exquisito y
melódico saxo tenor, que empieza como una balada y acaba tornándose hábilmente
en un swing impecable o ese "All the things you C#", en el que
combina a Kern y Hammerstein con sus incursiones en la música clásica con
Rachmaninoff y su "Preludio en do sostenido menor", demostrando cómo
Mingus sabía dar espacio a sus músicos. Los músicos se van turnando en sus
entradas para bordar un directo muy disfrutable en cualquier momento. Más
momentos vibrantes tenemos en otras grandes composiciones de Mingus como
"Work song", que tiene tintes de música de thrillers, con un aire más
blues, los músicos hacen sus solos y todos desempeñan a la perfección un buen
trabajo. O "Septemberly" que es la combinación compositiva de Mingus
de "September in the Rain" de Dubin y Warren, y "Tenderly"
de Gross y Lawrence y que tiene una estructura parecida a "Serenade in
Blue" y en el que destaca George Barrow al saxo tenor, que hace unos
fraseos sosegados pero vivos.
Un muy buen disco cargado de swing y buena sintonía,
de formas ortodoxas, muy creativas y en ningún momento aburrido. Los músicos
tocan a sus anchas y con maestría.
· Personnel:
George Barrow - tenor saxophone
Eddie Bert – trombone
Mal Waldron – piano
Charles Mingus - double bass and cello
Willie Jones & Max Roach – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=PC6vmvBSZ2Q
22)
* Un día como hoy, y el siguiente, en 1965, Miles
Davis actuó con su segundo gran quinteto, en vivo en un club de Chicago. Las
actuaciones se recogieron en álbumes y recopilatorios, el más pleno ‘The
Complete Live at the Plugged Nickel 1965’.
· Recorded on December 22 & 23, 1965, at the
Plugged Nickel Club, Chicago, Illinois.
‘The Complete Live at the Plugged Nickel 1965’ es un
recopilatorio de álbumes del Quinteto de Miles Davis, grabada los días 22 y 23
de diciembre de 1965 (aunque el día anterior la banda también había actuado en
el club, por algún motivo no aclarado, aquellas sesiones no fueron grabadas).
Editado por primera vez en Japón por Sony Records, fue reeditado por Legacy
Records. Conjuntamente con Legacy, Mosaic Records publicó un conjunto que
incluye grabaciones de siete actuaciones durante dos noches del segundo gran
quinteto de Davis en el desaparecido club nocturno Plugged Nickel de Chicago.
Legacy publicó una muestra, ‘Highlights from the Plugged Nickel’.
Algunos temas estaban disponibles en otras
recopilaciones de Miles Davis, pero las grabaciones completas no se publicaron
hasta la aparición de esta colección. Entre otros, apareció como ‘At Plugged
Nickel, Chicago’ en ‘Miles Davis: The Complete Columbia Album Collection’. Los
temas eran similares a los que componían las ediciones japonesas, ‘At Plugged
Nickel, Chicago, Vol. 1’ y ‘At Plugged Nickel, Chicago, Vol. 2’.
El nuevo gran quinteto que empieza a configurarse
discográficamente hablando (el saxofonista había sido George Coleman y luego
Sam Rivers) en el álbum de 1963, ‘Seven Steps To Heaven’, y debuta en su
formación definitiva con el disco grabado en enero de 1965, E.S.P. Los conciertos
de Plugged Nickel llegaron al final de un año difícil para Davis. A partir de
abril de 1965, unos tres meses después de la grabación de ‘E.S.P.’, operaciones
y hospitalizaciones sucesivas mermaron su actividad durante meses. A finales de
otoño, el quinteto estaba por fin reunido de nuevo y tocó en Filadelfia,
Detroit, Nueva York y Washington, D.C., y luego viajó a Chicago para un
esperado concierto allí de dos semanas (del 21 de diciembre al 2 de enero) en
el Plugged Nickel (Miles había cancelado ya actuaciones allí, en los meses de
julio, agosto y octubre).
La crítica resaltó que se trataba de grabaciones
verdaderamente históricas. Todas las piezas interpretadas en el Plugged Nickel
fueron una mirada al material antiguo a través de lentes radicalmente
diferentes. Las interpretaciones representaban el esfuerzo de Davis por volver
a los clásicos y refundirlos en el nuevo modo que estaba creando. Los
resultados fueron fantásticos.
Aunque Davis aún se estaba recuperando de sus
calvarios, parecía disfrutar del inesperado desafío y dejaba espacio extra a
los demás músicos. En realidad, el trompetista no estaba en su mejor momento
(aunque sí su creatividad), pero Wayne Shorter (que a menudo se lleva los
honores como solista) es siempre brillante y la sección rítmica (impulsada por
Tony Williams) fue una de las mejores de la época. Se trataba de un grupo muy
importante (aunque en su momento se viera eclipsado por el John Coltrane
Quartet), y sus versiones avanzadas de estándares de Davis son algunos de los
muchos momentos destacados.
En esa excepcional banda, Wayne Shorter, que procedía
de los Jazz Messengers de Art Blakey, era ya un gran saxofonista, pero también
un prodigioso compositor llamado a revolucionar la música de Davis durante los
años siguientes, aportando a la banda una buena parte del material que
conformaría los históricos registros de estudio que esta banda estaba llamada a
producir. Shorter era un músico inquieto, situado en la vanguardia jazzística
del momento, que se situaba un paso más allá de la ortodoxia improvisativa del hard
bop, liberándose de las ataduras armónicas y melódicas de los temas, para
internarse en exploraciones cuajadas de abstracción y libertad. Shorter exhibió
una técnica brillante que, la aventurera sección rítmica de la banda de Davis,
impulsó a algunas de las interpretaciones más brillantes de su carrera en estas
grabaciones de Chicago.
Herbie Hancock fue otro elemento fundamental de la
banda. Frente al elegante pero previsible Wynton Kelly, que le había precedido
en la banqueta del pianista en la banda de Davis, los acordes de Hancock son
impredecibles. En ocasiones se acomodan a los parámetros de la ortodoxia
armónica de los temas, pero luego, los modifica, los altera, convierte un blues
en un tema modal, o una balada popular en algo distinto, misterioso o
abstracto. Su acompañamiento tras el saxo o la trompeta es una continua
invitación a aventurarse más allá.
Ron Carter en el bajo es el soporte de las aventuras
armónicas y rítmicas del conjunto. Rítmicamente mantiene la solidez que Paul
Chambers aportaba al primer quinteto, pero añade a ello la flexibilidad
necesaria para abordar los nuevos planteamientos del grupo. Por su seriedad y
responsabilidad. se convierte en el tutor del jovéncísimo batería Tony Williams,
el pilar rítmico del conjunto, un genio precoz que cuenta con diecisiete años
cuando se incorpora al conjunto de Davis y que, del mismo modo que Shorter hace
con el saxo tenor, inventa de nuevo la batería de jazz,
construyendo complejas estructuras polirrítmicas que a día de hoy nadie ha
podido superar y que siguen siendo libro de texto para todo batería de jazz. Su
rítmica es apasionante, pura energía, es flexible, es el sustento y también el
motor de todo lo que ocurre en el escenario.
Estos álbumes ofrecen una ventana a esas sesiones y
demuestra cómo Davis había llevado las convenciones de improvisar en el tiempo
sobre progresiones cíclicas de acordes a tal nivel de sofisticación,
interacción, espontaneidad y creatividad que no le quedaba otro lugar al que
ir. El genio de Davis fue, por supuesto, darse cuenta de ello y lanzarse en una
dirección totalmente nueva, dejando a las generaciones posteriores de músicos y
aficionados contemplando con asombro y maravilla su imponente logro en aquellas
dos noches de diciembre de 1965 en Chicago.
· Personnel:
Miles Davis — trumpet
Wayne Shorter — tenor saxophone
Herbie Hancock — piano
Ron Carter — bass
Tony Williams — drums.
https://www.youtube.com/watch?v=3xv6P3f-UeU
https://www.youtube.com/watch?v=vkKmtm5OFUQ
* Y un día como hoy, en 1967, Jackie McLean, en
quinteto, grabó su álbum ‘Demon´s Dance’.
· Recorded on December 22, 1967 at van Gelder Studio,
Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Demon's Dance’ es un álbum del saxofonista
estadounidense Jackie McLean grabado en 1967 para Blue Note, pero que no se
publicó hasta tres años después. En él, McLean forma quinteto con el
trompetista Woody Shaw, el pianista LaMont Johnson, el bajista Scotty Holt y el
batería Jack DeJohnette.
Una estupenda primera impresión de Liberty Records,
en el clásico sello azul y blanco, muy probablemente una de las últimas
grabaciones originales que se publicaron en esta encarnación antes de que se
eliminara gradualmente (‘Demon's Dance’ se grabó en 1967, pero no se publicó
hasta finales de 1970, muy probablemente en noviembre). Al parecer, el álbum fue lo suficientemente
popular como para que el sello lo reeditara.
‘Demon's Dance’ es la penúltima grabación de McLean
en Estados Unidos y el final de una larga serie de álbumes para Blue Note. Fue su
último álbum -y su vigésimo primero para el sello- y es un digno colofón a una
década de grabaciones en las que McLean pasó del sonido hard bop del que fue
pionero en los años 50 a una forma de jazz más compleja y abierta que combinaba
el soul del hard bop con el espacio y la estructura (o la falta de ella) de los
movimientos del free jazz. Aunque ‘Demon's Dance’ es definitivamente más
post-bop que free jazz en comparación con algunos de los trabajos más
importantes de McLean de tan sólo unos años antes (‘Destination...Out!’ y ‘One
Step Beyond’ en particular), no deja de ser una salida aventurera. No es tan
original como algunos de sus trabajos anteriores, ya que se adentra más en la
corriente dominante, pero es vanguardista y modal. El disco se aleja también
un poco de la interpretación casi libre de McLean en ‘New and Old Gospel’ y ‘'Bout
Soul’, concentrándose en cambio en un avant bop angular y modal con
progresiones de acordes más estructuradas.
El tema que da título al disco dice todo lo que se necesita
saber sobre lo que se va a encontrar en él, es a veces siniestra y conmovedora,
con grandes solos y riffs por todas partes. Es el broche de oro perfecto para
McLean en el cierre de su etapa en Blue Note, un álbum que desafía la
categorización fácil, pero que funciona en muchos niveles diferentes. Aunque ‘Demon's
Dance’ no impulsó el sonido de McLean como lo habían hecho sus dos
predecesores, no había indicios de que el contralto estuviera empezando a
perder fuelle creativo.
Como director de orquesta, McLean era insuperable y
su talento se pone de manifiesto aquí, reuniendo a un grupo de jóvenes músicos
y creando un álbum que suena como si hubieran estado tocando juntos durante
años. De particular interés es la presencia de un joven Woody Shaw en la
trompeta sólo unos pocos años antes de que entrara en el estudio para grabar ‘Blackstone
Legacy’, su álbum debut como líder de su propio grupo (en ‘Demon's Dance’,
escuchamos la primera versión grabada de "Boo Ann's Grand", uno de los
originales favoritos de Shaw). Aquí, su forma de tocar está en su punto y es el
complemento perfecto para el distintivo sonido de contralto de McLean.
Se añade una sección rítmica de primera -formada por
el dúo relativamente oscuro de Lamont Johnson y Scott Holt, junto a un joven,
pero dinámico, Jack DeJohnette- y están todos los elementos necesarios para uno
de los últimos álbumes clásicos de jazz moderno publicados por Blue Note. Una
aparición muy temprana de Jack DeJohnette, que acababa de dar sus primeros
pasos musicales y se le concede un pequeño espacio en solitario en el tema
“Message From Trane’” y cuya larga carrera le ha descrito como algo más que un
simple batería, sino como un percusionista, colorista y comentarista
epigramático que media en las cambiantes densidades del conjunto (como muestra
de su prestigio, en 1968 DeJohnette se unió al Bill Evans Trio, y después
sustituyó a Anthony Williams en la banda en directo de Miles Davis, siendo el
batería principal en las históricas sesiones de ‘Bitches Brew’).
Toda la sesión es muy movida, gracias al estilo
ocupado y cinético del batería Jack DeJohnette. El pianista Lamont Johnson y el
bajista Scott Holt regresan del anterior trabajo de McLean, ‘New and Old Gospel’,
y Woody Shaw está tan en plena forma, igual que Jackie en el conjunto, que hace
que merezca la pena buscar este álbum sólo por la contribución de Shaw. Woody Shaw es un firme favorito en la
valoración de su innovador y magistral estilo de trompeta, su ataque era
notablemente limpio y preciso, independientemente del tempo, con un tono rico y
oscuro que era distintivo con una calidad casi vocal, su entonación y
articulación estaban muy desarrolladas, y utilizaba en gran medida los efectos
del registro bajo, por lo general empleando un vibrato profundo y extendido al
final de sus frases. Shaw también incorpora a menudo la escala cromática, lo
que daba a sus líneas melódicas una sutil fluidez que parecía permitirle entrelazar
dentro y fuera de los acordes a la perfección desde todos los ángulos.
No mucho después de esta grabación, Mclean
desapareció, fue uno de los muchos que se cayeron del registro de artistas de
Blue Note a medida que el sello cambiaba de dirección para perseguir a artistas
más funky soulful, volviendo su atención a las pocas oportunidades de giras y a
su posición académica en la enseñanza del jazz. McLean reapareció brevemente
cinco años después en Dinamarca grabando para el sello Steeplechase, pero a
partir de entonces su papel en la educación musical se convirtió en el
principal trabajo de su vida.
Este disco siempre ocupó un lugar destacado, no tanto
por la música -que ya es razón suficiente- sino por esa portada. Siempre ha destacado en el mundo de las
portadas de Blue Note: no hay nada parecido en la discografía del sello. Según
alguna fuente, fue diseñada por Bob Venosa, uno de los líderes de la escuela
surrealista del Realismo Fantástico Espiritual, que parece haber trabajado en
Blue Note en la década de 1960, pero no hay mucha información sobre él, aparte
de que estuvo detrás de la portada de ‘Abraxas’ de Santana, una de las portadas
de álbumes de rock más reconocibles de la década de 1970. Sin embargo, para
otros la portada, muy de su tiempo, sería hermana de la portada de ‘Bitches
Brew’ de Miles Davis, y del mismo artista visionario alemán Mati Klarwein. El
arte de la portada sería en realidad una sección de una obra de Klerwein,
"Time" de 1965.
· Personnel:
Jackie McLean - alto saxophone
Woody Shaw - trumpet, flugelhorn
LaMont Johnson – piano
Scotty Holt – bass
Jack DeJohnette – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=IHIte-Y9GTg
https://www.youtube.com/watch?v=lqu0RN2pY5g
21)
* Un día como hoy, en 1947, Charlie Parker y su
quinteto con Miles Davis, grabó temas recopilados en varios álbumes como ‘The
Complete Savoy Studio Sessions’.
· Recorded at Unitet Sound Studios, Detroit, Michigan,
on December 21, 1947.
‘Charlie Parker The Complete Savoy Studio Sessions’
contiene todas las grabaciones que Charlie Parker realizó para el sello Savoy y
está repleta de joyas y de un número casi incontable de tomas alternativas.
Absolutamente indispensable, con todos los masters transferidos de los acetatos
originales de sesiones por Rudy Van Gelder, cubriendo los años 1944-48.
Bird fue uno de los jazzistas más importantes de
todos los tiempos y merece la pena escuchar casi todas las notas que grabó (en
estudio o en directo). Esta recopilación comienza con su cita con Tiny Grimes
en 1944 en el Tiny Grimes Quintet, contiene la famosa sesión de Parker en 1945
con un joven Miles Davis a la trompeta, los Bird's Reboppers & All Stars y
continúa con las sesiones de su quinteto de 1947-1948 con un Miles Davis más
maduro, el Miles Davis All-Stars, además de sesiones con Bud Powell, John Lewis
o Duke Jordan al piano, los bajistas Tommy Potter, Curly Russell o Nelson Boyd
y el batería Max Roach. Juntos grabaron temas clásicos que el gran contralto
grabó para Savoy y que están en esta recopilación.
· Personnel:
(Original Charlie Parker Quintet)
Miles Davis, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
Duke Jordan, piano;
Tommy Potter, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=6Fh69EA3xl4
https://www.youtube.com/watch?v=DyMn8sh-JP4
https://www.youtube.com/watch?v=ZkKwK4iZ0PI
https://www.youtube.com/watch?v=zwXNB9kkTSg
* También un día como hoy, en 1960, Ornette Coleman con
un doble cuarteto sin piano grabó su seminal álbum ‘Free Jazz’.
· Recorded on December 21, 1960, at A&R Studios
in New York City.
‘Free Jazz: A
Collective Improvisation’ es el sexto álbum del saxofonista y compositor de
jazz Ornette Coleman, publicado por Atlantic Records, el cuarto para la discográfica.
Su título estableció el nombre del entonces naciente movimiento del free jazz.
La sesión de grabación tuvo lugar el 21 de diciembre de 1960 en los estudios
A&R de Nueva York. La única toma de la sesión, "First Take", se
publicó posteriormente en el recopilatorio ‘Twins’.
El envoltorio original del álbum incluía el cuadro de
Jackson Pollock ‘The White Light’ (La luz blanca), de 1954. La portada era un
desplegable con una ventana recortada en la esquina inferior derecha que dejaba
entrever el cuadro; al abrir la portada se veía la obra de arte completa, junto
con las notas críticas. Coleman, además de pintor, era admirador de Pollock, y
en su álbum de 1966 ‘The Empty Foxhole’ aparecen obras del propio Coleman.
‘Free Jazz’ se grabó en una sola toma ininterrumpida
de 36 minutos y 23 segundos y se transfirió al disco sin que se realizara
ninguna sobregrabación. Es exactamente como se escuchó en el estudio durante la
actuación de The Ornette Coleman Double Quartet.
En estéreo Ornette Coleman, Don Cherry, Scott LaFaro
y Billy Higgins se escuchan en el canal izquierdo, Eric Dolphy, Freddie
Hubbard, Charlie Haden y Ed Blackwell se escuchan a la derecha.
Fue el primer álbum extenso y continuo de
improvisación libre del jazz, y prácticamente desafía los superlativos en
cuanto a su importancia histórica. La música de Ornette Coleman ya había sido
etiquetada como ‘free’, pero este álbum llevó el término a un nivel
completamente nuevo. Aparte de un orden predeterminado de los solistas y varias
breves señales de transición indicadas por Coleman, toda la obra se creó
espontáneamente, sobre la marcha. La formación se amplió a un formato de
cuarteto doble, dividido en un cuarteto para cada canal estéreo. Las secciones
rítmicas tocan todas a la vez, anclando toda la improvisación con un pulso
firme y enérgico. Las seis secciones principales presentan a cada viento por
turno, además de un dúo de bajo y un dúo de batería; los solistas son en
realidad diálogos principales, en los que los demás instrumentos son libres de
apoyar, empujar o puntuar las líneas del intérprete principal. Como no había
una hoja de ruta para este tipo de grabación, cada intérprete se limitó a
aportar su estilo ya establecido. Esto significa que todavía hay elementos de convención
y melodía en las voces individuales, lo que hace que ‘Free Jazz’ sea mucho más
accesible que los esfuerzos que siguieron una vez que el mundo del jazz se puso
al día. Aun así, el álbum fue enormemente controvertido por su estructura
básica y la ausencia de temas repetidos. A pesar de parecerse al cuadro
abstracto de la portada, no era tan radical como parecía; el concepto de
improvisación colectiva tenía profundas raíces en la historia del jazz,
remontándose a los primeros grupos de Dixieland de Nueva Orleans. El jazz se
había enorgullecido durante mucho tiempo de reflejar la libertad y la
democracia estadounidenses y, con ‘Free Jazz’, Coleman simplemente llevó esos
ideales al siguiente nivel. Un logro asombroso.
Es uno de los 20 álbumes esenciales del Free Jazz.
Sirvió de modelo para posteriores grabaciones de free jazz con grandes grupos,
como ‘Ascension’ de John Coltrane y ‘Machine Gun’ de Peter Brötzmann.
‘Free Jazz’ fue reeditado en disco compacto por Rhino
Records como parte de su serie Atlantic 50. La pista "Free Jazz",
dividida en dos secciones para cada cara del álbum primitivo, aparecía aquí de
forma continua e ininterrumpida, junto con una pista extra de la anteriormente
editada "First Take", un primer intento de "Free Jazz".
Por su parte, el álbum ‘Twins’, publicado
originalmente en 1959, incluye “First Take'' que era una versión ensayada de la
famosa pieza ''Free Jazz'', una agitada composición que quedó fuera del
lanzamiento original, cargada de interacción como escaparate para un joven trompetista
precoz llamado Freddie Hubbard, el clarinete bajo rival de Eric Dolphy y la
primera aparición con los grupos de Coleman para el batería de Nueva Orleans Ed
Blackwell. Y además, reúne los temas que no llegaron a incluirse en los álbumes
de estudio de Ornette Coleman durante su etapa en Atlantic Records. Está
compuesto por tomas descartadas de las sesiones de grabación de 1959 a 1961 (May
22, 1959, July 19 and 26, 1960, December 21, 1960 & January 31, 1961) de ‘The
Shape of Jazz to Come’, ‘This Is Our Music’, ‘Free Jazz: ¡A Collective
Improvisation’ y ‘Ornette!’. Las sesiones para "Monk and the Nun", angulosa
como Monk y conmovedora como el espiritualismo, tuvieron lugar en Radio
Recorders en Hollywood, California; para "First Take" en A&R Studios
en Nueva York, y todas las demás en Atlantic Studios también en Manhattan. El
álbum ofrece una visión general de lo que Coleman pensaba en aquellos años
cruciales del movimiento free bop y de la música que vendría más tarde en los
años 60.
· Personnel:
(The Ornette Coleman Double Quartet)
Donald Cherry, pocket trumpet;
Freddie Hubbard, trumpet;
Eric Dolphy, bass clarinet;
Ornette Coleman, alto sax;
Charlie Haden, Scott LaFaro, bass;
Ed Blackwell, Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=WB8f7bxioro
* Además, un día como hoy igualmente, en 1960, Eric
Dolphy grabó su álbum ‘Far Cry’.
· Recorded: December 21, 1960, at Van
Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Far Cry’ es el tercer álbum del
músico de jazz Eric Dolphy, publicado en New Jazz (filial del sello Prestige).
Con un quinteto codirigido con el trompetista Booker Little, es una de las
pocas grabaciones de su colaboración. El pianista Jaki Byard, el bajista Ron Carter
y el batería Roy Haynes regresan de álbumes anteriores de Dolphy. Fue una época
de mucho trabajo para Dolphy: participó en la sesión de ‘Free Jazz’ de Ornette
Coleman y grabó este álbum el mismo día, y había participado en el ‘Jazz
Abstractions’ (‘John Lewis Presents Contemporary Music: Composiciones de
Gunther Schuller y Jim Hall’).
Toda la primera cara presenta una
suite a Charlie Parker. "Mrs. Parker of K.C. (Bird's Mother)" y
"Ode to Charlie Parker", ambas compuestas por el pianista Jaki Byard,
están dedicadas respectivamente a Addie, la madre de Charlie Parker, y son un
homenaje a Parker. "Far Cry", compuesta por Dolphy, es también un
homenaje a Parker (la melodía es idéntica a la de "Out There"),
mientras que "Miss Ann" es un retrato musical de una chica a la que
Dolphy conoció en aquella época. El pianista Mal Waldron, que formaría parte de
la banda de gira de Dolphy durante 1961, compuso el homenaje a Billie Holiday
"Left Alone". El álbum también incluye dos estándares entre los originales,
"Tenderly" y "It's Magic". Little sólo aparece en
"Miss Ann" durante la segunda cara, y "Tenderly" es Dolphy
sin acompañamiento al saxo alto.
El álbum se reeditó en Fantasy
Records. Se incluyó una pista extra de "Serene" de Eric Dolphy,
regrabada en estas sesiones y grabada previamente para su álbum ‘Out There’.
La crítica reconoció la influencia de
Charlie Parker que impregna esta sesión de 1960. Más allá del reconocimiento
obvio en los títulos de las canciones, su espíritu inquieto se utiliza como
guía para romper los moldes del bebop. En ‘Far Cry’, Dolphy se encuentra en una
fase de transición, abandonando el impacto universal de Parker y sumergiéndose
en una siguiente fase controvertida. Como demuestra este álbum, su estilo
altamente sofisticado evolucionó a partir del bebop y Charlie Parker y no fue
concebido en oposición a él, como muchos críticos de la época pensaban, al
contrario, fue el esfuerzo más firmemente cimentado de Dolphy en la tradición be
bop. Así "Tenderly" sería una obra maestra menor, que anticipa
prácticamente todos los recursos técnicos y estructurales de 'For Alto' de
Anthony Braxton". La interpretación de Dolphy de ese tema, un asombroso
solo de contralto sin acompañamiento, una obra que tiende un puente entre el
pionero “Picasso” de Coleman Hawkins y las excursiones posteriores del propio
Dolphy con el clarinete bajo solo en “God Bless The Child”, excepto que aquí la
melodía sigue estando muy presente. Algunos han sugerido que se vio influido
por el tema sin acompañamiento “Body And Soul” de Sonny Rollins, grabado dos
años antes.
‘Far Cry’, también supuso la primera aparición
grabada de la composición más célebre de Dolphy, “Miss Ann”, un delicioso tema
de 14 compases que iba a tocar hasta el final de su vida.
· Personnel:
Eric Dolphy – bass clarinet, flute &
alto sax
Booker Little – trumpet
Jaki Byard – piano
Ron Carter – bass
Roy Haynes – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=SUFT6xWj3ow
https://www.youtube.com/watch?v=HzRH6mV0sDI
* Y un día como hoy, en 1963, Lee Morgan, en
quinteto, grabó su famoso álbum ‘The Sidewinder’.
· Recorded: December 21, 1963, at Van Gelder Studio
Englewood Cliffs, New Jersey.
‘The Sidewinder’ es un
álbum de 1964 del trompetista de jazz Lee Morgan, grabado en el estudio Van
Gelder de Englewood Cliffs, Nueva Jersey, EE.UU. que se publicó en el sello
Blue Note.
El álbum se convirtió en el disco más vendido de la
historia de Blue Note, batiendo el récord de sus ventas y salvando al sello de
una quiebra inminente. El productor recuerda el inesperado éxito ya que la
compañía sólo editó 4.000 copias en el momento del lanzamiento y se agotaron en
tres o cuatro días. Era a la vez lo mejor y lo peor que le había pasado a
Morgan antes de los terribles acontecimientos del 19 de febrero de 1972, en que
ocurría el asesinato de Morgan a manos de su pareja, Helen Moore.
La composición que da título al álbum es quizá la
composición más conocida de Morgan; se convertiría en un estándar de jazz y se
publicó como sencillo. Es un glorioso tema de 24 compases sinuoso y punzante. Ese
tema principal fue utilizado como música en un anuncio de televisión de
Chrysler y como música para programas de televisión. Ante la insistencia de los
ejecutivos de Blue Note, se pospuso el lanzamiento de varios álbumes
posteriores de Morgan o se archivaron por completo para que el sello pudiera
conseguir otro ‘Sidewinder’.
Llevado por su casi imposiblemente infecciosa canción
homónima de apertura, “The Sidewinder” ayudó a presagiar los sonidos del
boogaloo y el soul-jazz con su saludable influencia del R&B y su tinte
latino. Mientras que el resto del álbum se repliega a un sonido hard bop más
convencional, las composiciones de Morgan son vanguardistas y universalmente
sólidas. Con sólo 25 años en el momento de su publicación, Morgan era lo
suficientemente consumado (y quizá engreído) como para hablar de haber sido
mentor del gran Joe Henderson, que a los 26 empezaba a tener citas con Blue
Note tras salir del ejército. Henderson hace una importante contribución al
álbum, especialmente en "Totem Pole", donde sus solos muestran su
singular estilo, amenazando con eclipsar a Morgan, que también está bastante
impresionante aquí. Barry Harris, Bob Cranshaw y Billy Higgins también están en
buena forma a lo largo de todo el álbum, y el grupo trabaja a la perfección
para crear un álbum que rebosa energía a la vez que mantiene un flujo elegante.
Siendo una de las 17 grabaciones esenciales de hard bop.
Tras su éxito, los siguientes álbumes de Morgan
intentaron aproximarse al formato y el atractivo de ‘The Sidewinder’ abriendo
con una composición inspirada en el boogaloo soul-jazz, al tiempo que
intentaban captar una estética hard bop. Este enfoque es más notable en los
álbumes inmediatamente posteriores de Morgan, como ‘The Rumproller’, ‘The
Gigolo’ y ‘Cornbread’.
· Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Joe Henderson, tenor sax;
Barry Harris, piano;
Bob Cranshaw, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=OrXzOHmtqTs
https://www.youtube.com/watch?v=RIXZUFBlquk
20)
* Un día como hoy, Max Roach en cuarteto, grabó temas
que aparecieron en su álbum ‘Quartet Max Roach + Four & More’ y en la
recopilación ‘The Complete Mercury Max Roach Plus Four Sessions’.
· Recorded in New York, on March 18, & 20, 1957
Quintet & December 20, & 23, 1957 Quartet without piano.
En el álbum ‘Max Roach + Four & More’, el
baterista Max Roach abandona el piano de su quinteto por primera vez y actúa
con un cuarteto sin piano. Con la marcha de Sonny Rollins (sustituido hoy en
tres temas por Hank Mobley), el grupo de Roach (que también contaba con el
trompetista Kenny Dorham y George Morrow al bajo) se quedó temporalmente sin
ningún innovador importante (aparte del líder).
Así que era perfectamente apropiado que Roach echara
la vista atrás e interpretara temas de otros compositores. Estos temas están
bien en general, aunque la falta de un piano se siente realmente en parte del
material.
‘The Complete Mercury Max Roach Plus Four Sessions’
es la crónica de un periodo maravilloso en la carrera del gran batería.
Esta recopilación presenta 95 temas de los pequeños
combos del legendario baterista Max Roach, que consisten en las grabaciones de
1956-1960 para EmArcy o Mercury Records.
En estos álbumes, encontramos a Roach manteniendo su
asalto al jazz junto con el trompetista Kenny Dorham, el pianista Ray Bryant y
los compañeros de banda del batería de los años de Clifford Brown, como el
bajista George Morrow. Los aficionados al jazz encontrarán aquí una gran
cantidad de música fantástica, ya que Roach también empleó a artistas de
renombre como los saxofonistas tenores Hank Mobley, y George Coleman, y muchos
otros de renombre.
En conjunto, esta reedición debería considerarse de
escucha obligada para los observadores astutos del bebop de finales de los 50 y
de la continua evolución del jazz moderno. Siendo, por lo tanto, recomendable.
· Personnel:
Kenny Dorham, trumpet;
Hank Mobley, tenor sax;
George Morrow, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=5VOXNIDn3gg
19)
* Un día como hoy, en 1957, Dizzy Gillespie siguió grabando
con Sonny Rollins y Sonny Stitt, ahora en sexteto, temas que se recogieron en
su álbum ‘Sonny Side Up’, continuación del ‘Duets’ de la semana anterior, pero
publicado antes.
· Recorded at Nola Penthouse Sound Studios, NYC, on December
19, 1957.
‘Sonny Side Up’ es un álbum del trompetista Dizzy Gillespie
y los saxofonistas tenores Sonny Stitt y Sonny Rollins, grabado en diciembre de
1957 en Nueva York. Salió a la venta en 1959 en el recién lanzado sello Verve
del productor Norman Granz.
El pianista Ray Bryant, el bajista Tommy Bryant y el batería
Charlie Persip forman la sección rítmica [ver reseña del día 11 de diciembre].
El álbum fue uno de los discos de 'jam session' más
emocionantes del catálogo de jazz del sello. A la vez un combo de jazz muy
disfrutable y algo así como una aproximación a la antaño venerada sesión de
corte en directo de la música.
· Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet;
Sonny Rollins, Sonny Stitt, tenor sax;
Ray Bryant, piano;
Tom Bryant, bass;
Charlie Persip, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=CL4t_N17DvA
18)
* Un día como hoy, en 1965, Hank Mobley grabó, con
Lee Morgan en sexteto, el álbum ‘A Caddy For Daddy’.
· Recorded: on December 18, 1965, at Van Gelder
Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘A Caddy for Daddy’ es un álbum del saxofonista de
jazz Hank Mobley grabado el 18 de diciembre de 1965 y publicado por el sello
Blue Note en 1967. Incluye actuaciones de Mobley con el trompetista Lee Morgan,
el trombonista Curtis Fuller, el pianista McCoy Tyner, el bajista Bob Cranshaw
y el batería Billy Higgins.
Hank Mobley era un artista perfecto para Blue Note en
la década de 1960. Un solista distintivo, pero no dominante, Mobley era también
un escritor de gran talento cuyas composiciones evitaban lo predecible, aunque
a menudo podían ser bastante melódicas y conmovedoras; sus difíciles originales
inspiraban constantemente a las jóvenes estrellas de Blue Note. Para este
álbum, que es una reedición directa de una sesión de 1965, Mobley está
acompañado por una formación típicamente notable de Blue Note, para el
contagioso corte del título, otros tres originales menos conocidos pero
superiores, más "Venus Di Mildew" composición de Wayne Shorter con un
título afilado y musicalmente más nítido que otros temas, que rozan el
soft-bop. Pero Hank sigue ofreciendo valor, tanto con Lee Morgan y Curtis
Fuller en los vientos, como junto con McCoy Tyner, Higgins y Cranshaw en la
sección rítmica. Una edición agradable, más que las fechas posteriores de
Mobley, que después de 1966, fueron un poco cuesta abajo. Recomendado.
· Personnel:
Hank Mobley — tenor saxophone
Curtis Fuller — trombone
Lee Morgan — trumpet
McCoy Tyner — piano
Bob Cranshaw — bass
Billy Higgins — drums.
https://www.youtube.com/watch?v=MJQjQIoq7u8
https://www.youtube.com/watch?v=h3LFZ8uzVYo
https://www.youtube.com/watch?v=uIyjmp0dcA0
* Y un día como hoy, en 1974, Woody Shaw terminó de grabar
su álbum ‘The Moontrane’.
· Recorded at Blue Rock Studios, New York City on December11
& 18,1974.
'The Moontrane' es el tercer álbum liderado por el
trompetista Woody Shaw que fue grabado en 1974 y editado en el sello Muse. ‘The
Moontrane’ fue reeditado como parte de ‘Woody Shaw: The Complete Muse Sessions’
por Mosaic Records.
Algunos han afirmado que la tragedia de la vida de
Shaw fue la infravaloración de su genio y hay algo de cierto en esta
afirmación. El oyente medio nunca pondría a Shaw, en lo que a trompetistas se
refiere, en el jazz moderno que empieza con Dizzy Gillespie y sigue con
Clifford Brown y Miles Davis. El aficionado medio a la música suele haber oído
hablar de legendarios como Lee Morgan y Freddie Hubbard. Shaw apareció en
escena en los sesenta, pero maduró como líder en los setenta, la década
sintetizada que carece de la chispa revolucionaria del bebop o del encanto
monocromo del hard bop y no es tan propicia a la creación de mitos.
Aunque nunca alcanzó la notoriedad de ellos, Woody
Shaw fue uno de los trompetistas más destacados de la década de 1970. Shaw,
tenía una afinación perfecta y un intelecto musical altamente dotado que
incorporó sin esfuerzo a su estilo conceptos vanguardistas como la
politonalidad y la modalidad. Shaw es un puente entre la era clásica del jazz
moderno y los jóvenes leones de los 80, como Wynton Marsalis, Nicholas Payton,
o Wallace Roney.
Por encima de todo, sus actuaciones en directo de los
años 70 y principios de los 80 muestran una intensidad notable y unas historias
de alto voltaje que avanzan con una fuerza imparable. Además, Shaw escribió
varias melodías duraderas como “Stepping Stones”, “Rosewood” y “Little Red's
Fantasy”. La madurez como líder le llegó tarde, en los albores de los años 70,
pero Shaw ya era muy activo como sideman en los sesenta. Debutó en ‘Iron Man’
de Eric Dolphy e irrumpió en escena con su participación en el álbum clásico de
Blue Note del organista Larry Young, ‘Unity’, para el que el trompetista, que
entonces tenía 18 años, escribió tres composiciones: “Zoltan”, “Beyond Limits”
y “The Moontrane”. Shaw alcanzó el hard bop como miembro del grupo Horace
Silver. Una sesión para Blue Note con Joe Henderson en 1965 fue archivada.
Finalmente se publicó en Muse con el título “In The Beginning” en 1983. Inició
su carrera en solitario en 1970 con el doble álbum “Blackstone Legacy”, una
alternativa post-bop para los que consideran que “Bitches Brew” languidece.
A finales de 1974, Shaw grabó ‘The Moontrane’,
acertadamente llamado así por su inolvidable composición. Es un álbum
vanguardista, una buena dosis de jazz progresivo de mediados de los 70 que, en
cierto sentido, debe mucho al concepto y al enfoque apasionado de John
Coltrane.
‘The Moontrane’ fue una sesión sólida de una de los
mejores combos de Shaw, una banda que incluye a Azar Lawrence al tenor y
soprano, sin duda un intérprete ardiente e influenciado por Trane con un toque
de Joe Henderson, el prometedor trombonista Steve Turre (el trombón es la
guinda del pastel de la primera línea), el teclista Onaje Allen Gumbs, Buster
Williams o Cecil McBee al bajo, el batería Victor Lewis, Tony Waters a las
congas y el percusionista Guilherme Franco. La banda fue un conjunto flexible y
extravagante perfectamente adecuado para las desafiantes travesuras de Shaw.
No se debe dejar pasar la oportunidad de acercarnos a
los músicos que se encontraban en la compañía de Shaw a finales de 1974, Azar
Lawrence y Steve Turre.
Nacido a principios de los años 50, el saxofonista
tenor Azar Lawrence, nombre que no tenía registrado, llegó a la escena del jazz
a mediados de los años 70. Este título figuraría entre sus primeras sesiones de
grabación, recién cumplida la veintena. Estuvo estrechamente vinculado a la
trayectoria de McCoy Tyner en los 70, y su discografía como líder tiene más de
un aroma a espiritualidad y misticismo: ‘Bridge Into the New Age’, ‘Summer
Solstice’, ‘Prayer for My Ancestors’, ‘The Seeker’, ‘Mystic Journey’, ‘People
Moving’, etc.
El trombonista Steve Turre fue otro recién llegado a
la escena del jazz de los 70, ambos en un momento en el que el público del jazz
se había movido en gran medida hacia otras direcciones, así que hay que admirar
a estos jóvenes músicos tomando las decisiones musicales que tomaron. Quizás
siguiendo el ejemplo de Yusef Lateef, Turre se hizo un hueco único tocando
conchas marinas con una colección de conchas de varios tamaños que recogió
durante sus viajes por las playas del Caribe. ‘Turre's Sanctified Shells’,
es un coro de conchas formado por músicos de metal que doblan sobre conchas
marinas.
Aunque ninguno de los temas originales del grupo (el
más conocido es “The Moontrane” la composición emblemática de Woody Shaw), alcanzó
la popularidad, su música aventurera sigue sonando estimulante más de dos
décadas después. El tema que da título al disco, “The Moontrane”, grabado, como
se ha indicado, 10 años después de ‘Unity’ de Larry Young, es recuperado
maravillosamente por Shaw y compañía. El exótico groove, “Sanyas”, está repleto
de momentos estelares: la hermosa introducción con tintes orientales del
bajista Buster Williams, con toboganes y curvas y todo; la pintoresca mezcla de
modernismo y el sentimiento visceral de los trombonistas de Ellington de Steve
Turre; la plétora de frases fluidas y staccato de Shaw. La colocación
continuamente curiosa y sorprendente de las notas por parte de Shaw es una
delicia. Sus notas son como un estímulo perfecto. “Are They Only Dreams?” pasa
de un ágil ritmo latino a un pulso a lo Hancock/Corea, un ambiente adecuado
para Allen Onaje Gumbs, cuyas líneas caen como gotas de una pequeña cascada.
“Katrina Ballerina” es una bonita melodía en compás de vals. La tensión aumenta
con los turbulentos racimos de doble tiempo de Shaw. El álbum se completa con
“Tapscott's Blues”, tal vez el único tema que no es necesario hacer sonar una y
otra vez, pero que no por ello deja de ser un animado jugueteo.
Al resistirse firmemente a los cantos de sirena de la
fusión jazz-rock y soul-funk de los años 70, la música de Woody Shaw ofrece un
conjunto de obras frescas y estimulantes. Puede que 1974 no haya sido el mejor
año del jazz. Pero Shaw mantuvo la llama encendida.
El trompetista Woody Shaw nunca regresó a su casa en
Newark, Nueva Jersey, después de asistir a una actuación de Max Roach en el
Village Vanguard de Nueva York en febrero de 1989. Resultó que fue arrollado
por un tren subterráneo, que le lesionó gravemente el brazo y la cabeza.
Tuvieron que amputarle el brazo. Tras una larga estancia en el hospital, en
parte en coma, Shaw acabó falleciendo por insuficiencia renal y cardiaca el 10
de mayo de 1989. Shaw tenía 44 años.
· Personnel:
Woody Shaw – trumpet
Steve Turre – trombone
Azar Lawrence – tenor & soprano saxophone
Onaje Allan Gumbs – piano, electric piano
Cecil McBee & Buster Williams – bass
Victor Lewis – drums
Guilherme Franco – percussion
Tony Waters - congas.
https://www.youtube.com/watch?v=BrH-4-FZ-TE
17)
* Un día como hoy, en 1947, Charlie Parker continuó
grabando temas, entre ellos “Crazeology”, con Max Roach y Miles Davis en
su sexteto, para sus álbumes ‘Charlie Parker On Dial Volume 6’ o ‘Alternate
Masters Vol. 2’ y otros.
· Recorded at WOR Studios, Broadway at 38th Street, NYC,
on October 28, November 4 & December 17, 1947.
El sexto y último álbum de la serie ‘On Dial’ remata
la reedición completa de las importantes y muy disfrutables grabaciones en el
sello Dial de Charlie Parker. Como es habitual, a estas selecciones
("Drifting on a Reed", "Quasimodo", "Charlie's
Wig", "Bongo Beep", "Crazeology" y "How Deep Is
the Ocean") se añaden todas sus tomas alternativas, lo que da como
resultado 16 versiones (dos de las cuales son extractos) de los seis números.
El quinteto de Parker (que incluye al trompetista Miles Davis, al pianista Duke
Jordan, al bajista Tommy Potter y al batería Max Roach) se convierte en sexteto
con la incorporación del gran trombonista J.J. Johnson para esta sesión. Música
bop clásica que se ha reeditado íntegramente.
La grabación de “Crazeology” (“Crazeology” se podría
traducir como "Demenciología"), tiene una importancia histórica
triple: es uno de los clásicos del comienzo del be-bop, un joven Miles Davis
integraba el conjunto de Charlie Parker, en reemplazo de Dizzy Gillespie, y fue
la última grabación de estos músicos, en diciembre de 1947, antes del famoso
boicot de la Federación de músicos (el segundo de su tipo), que comenzó el 1 de
enero de 1948 y que se extendió hasta noviembre de ese año. Los músicos se
negaron a grabar para las compañías de discos hasta no obtener condiciones
económicas más favorables. El boicot se llevó a efecto en EEUU y Canadá y logró
una mejora en los ingresos de los músicos.
· Personnel:
Miles Davis, trumpet;
J.J. Johnson, trombone;
Charlie Parker, alto sax;
Duke Jordan, piano;
Tommy Potter, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Trzym1JQM8Q
* Y un día como y, en 1951, Sonny Rollins continuó grabando
con el Modern Jazz Quartet el álbum ‘Sonny Rollins with the Modern Jazz
Quartet’.
· Recorded on January 17, December 17, 1951 &
October 7, 1953, at Apex Studios, New York City.
Este álbum (también publicado como ‘Sonny & the
Stars’) es un recopilatorio de 1956 del saxofonista de jazz Sonny Rollins, con
sus primeras grabaciones para el sello Prestige bajo su dirección, incluyendo
cuatro temas interpretados por Rollins con el Modern Jazz Quartet (John Lewis,
Milt Jackson, Percy Heath y Kenny Clarke), ocho temas en los que Kenny Drew y
Art Blakey sustituyen a Lewis, Jackson y Clarke, y un tema con Miles Davis al
piano.
Los cuatro primeros temas, en los que aparecen los
miembros del Modern Jazz Quartet, se habían publicado anteriormente en ‘Sonny
Rollins With Modern Jazz Quartet’. Los temas siguientes se incluyeron en ‘Sonny
Rollins Quartet’ que se reedita íntegramente aquí. Otro tema se publicó en el
recopilatorio ‘Mambo Jazz’.
"I Know", con Miles Davis al piano, se
grabó en la misma sesión que otros cuatro temas a nombre de Davis, utilizando
los mismos músicos, incluido el joven Rollins. Esta fue la primera sesión de
grabación de Davis para Prestige Records y la primera con Rollins. El productor
Bob Weinstock intentó disuadir a Davis de utilizar a Rollins, pensando que no
estaba preparado, pero Davis convenció a Weinstock para que dejara a Rollins
grabar un tema con su propio nombre. Los temas de Davis grabados en esa fecha
se publicaron en ‘Modern Jazz Trumpets’ y aparecieron en el álbum ‘Miles Davis
and Horns’.
La mayoría de los temas está interpretada por Rollins
y un cuarteto que también incluye el talento de Kenny Drew (piano), Percy Heath
del MJQ (bajo), y el principal Jazz Messenger, Art Blakey (batería). En el tema
original "Scoops", las payasadas de Blakey proporcionan
interjecciones sonoras bien colocadas, puntuando el sentido melódico altamente
contagioso de Rollins. Hablando de melodías pegadizas, todos los oídos deben
dirigirse al título bíblico "Shadrack", que había sido una pieza
emblemática de Louis Armstrong. Esta temprana encarnación del Sonny Rollins
Quartet rara vez ha sonado tan cohesionada, como lo hacen colectivamente con su
ejecución definitiva. Cabe destacar la inclusión de "I Know" de Miles
Davis. Esta extensión de "Confirmation" de Charlie Parker presenta a
Davis al piano acompañando a Rollins con sólidas progresiones de acordes,
permitiendo al floreciente intérprete liderar su primer cuarteto de la historia
con Heath y Roy Haynes (batería).
Personnel:
Sonny Rollins – tenor saxophone
Kenny Drew – piano
Percy Heath – bass
Art Blakey – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=HQ2ScN_naVk
https://www.youtube.com/watch?v=pKSsd2Qjm5A
https://www.youtube.com/watch?v=w2tv3yab7Hk
16)
* Un día como hoy, en 1956, Sonny Rollins, en
quinteto, grabó su álbum ‘Sonny Rollins, Vol. 1’
· Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ,
December 16, 1956.
‘Sonny Rollins, Volume 1’ es un álbum de jazz de
Sonny Rollins, su primer trabajo para el sello Blue Note. El disco original no
distinguía el número de volumen en el título, se llamaba simplemente Sonny
Rollins.
‘Volume 1’, se publicó en 1957. Rollins está
acompañado aquí por Donald Byrd, Max Roach, Wynton Kelly y Gene Ramey. Y se
reeditó con una nueva remasterización como parte de la aclamada serie de
reediciones Rudy VanGelder de Blue Note.
Rollins es un gran saxofonista tenor de jazz
estadounidense. En la historia del jazz figura entre los gigantes del saxo
tenor junto a Coleman Hawkins, Lester Young, Ben Webster y John Coltrane. En su
deslumbrante carrera de 60 años en la cima, Rollins ha equilibrado el
desarrollo melódico con frases imprevisibles, infundiendo a sus ideas innovadoras
su memorable ingenio. Es ampliamente reconocido como uno de los músicos de jazz
más importantes e influyentes y varias de sus composiciones se han convertido
en estándares del jazz.
Éste sorprendente trabajo temprano de Rollins es un
disco que realmente muestra su despegue en aquella época. El disco capta a
Rollins en un punto de inflexión clave, emergiendo de sus fogosos años de bop,
moviéndose hacia un estilo de tenor mucho más complicado e introspectivo que
era un escaparate perfecto para su genio en desarrollo para la improvisación (no
tan lejos de como en unos años más tarde), pero ya inundado de imaginación y
creatividad.
Después de varios discos increíbles para Prestige,
Rollins se había trasladado a Blue Note para grabar una serie de discos de
estudio y en directo. Aunque no tan innovadores como sus primeros trabajos, los
álbumes siguen destacando entre los numerosos lanzamientos de hard bop de la
época porque, como en todas las sesiones Blue Note de Rollins, su tenor es la
fuerza dominante. Éste, su excelente debut para el sello, por no hablar de
clásicos como ‘Saxophone Colossus‘ y ‘Sonny Rollins Plus Four’, uno casi da por
sentada la capacidad del gigante del tenor para desgranar un flujo incesante de
impresionantes líneas solistas al tiempo que mantiene intacta una estructura
temática general. Y aunque no tiene un sonido tan clásico como otros títulos de
Blue Note como el ‘Vol. 2’ o ‘Newk's Time’, ‘Sonny Rollins, Vol. 1’ satisfará a
los fans de Rollins que se sientan cómodos con un conjunto suelto y fluido.
Sus cuatro temas del álbum deberían haberse
recuperado hace tiempo. Los originales "Bluesnote" y
"Sonnysphere" ciertamente encajan bien, mientras que el blues
"Decision" y "Plain Jane" suben la apuesta con atractivas
declaraciones. Para rematar, Rollins incluye una de sus singulares
interpretaciones de canciones de Broadway con la balada de ‘Finian's Rainbow’,
"How Are Things in Glocca Mora" y toma su melodía y la convierte en
un fértil recurso para un acalorado solo.
Destaca además el trabajo del veterano bajista Gene
Ramey, del veterano batería Max Roach, y de las prometedoras estrellas del hard
bop, el trompetista Donald Byrd y el pianista Wynton Kelly. Rollins comparte el
registro de viento con Byrd y el calibre de Max Roach y Wynton Kelly merece ser
escuchado, y tanto mejor juntos, con mayor riqueza tonal y swing.
Una magnífica edición en la que Rollins toca con esos
excelentes músicos en lugar de ser el solista principal apoyado por una sección
rítmica sin piano. A algunos les gusta que Rollins esté solo, y hay muchas
grabaciones que satisfacen esa preferencia. Esta primera grabación de Rollins
en Blue Note es una obra de conjunto, con temas con fuertes declaraciones de
cabecera y una estructura de bop afinado en lugar de ser una plataforma de
lanzamiento irónica.
Tal vez no sea un disco de primera elección para los
recién llegados a Rollins, pero sin duda un título esencial en el futuro. No
obstante, para muchos este es su Rollins favorito.
· Personnel:
Donald Byrd, trumpet;
Sonny Rollins, tenor sax;
Wynton Kelly, piano;
Gene Ramey, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=hHzJjmKPPV4
15)
* Un día como hoy, en 1950, Sonny Stitt grabó su
álbum ‘Kaleidoscope’.
· Recorded in New York City on February 17, October
8, December 15, 1950, January 31, February 1, 1951 and February 25, 1952.
‘Kaleidoscope’
es un álbum del saxofonista Sonny Stitt que recopila temas grabados en 1950-52
y publicados en el sello Prestige en 1957. Su reedición añadió cuatro temas
extra al original.
El heredero del bebop Sonny Stitt, que maneja con
destreza el saxofón alto, tenor y barítono, se escucha aquí a la perfección en
una variedad de fechas de principios de los 50. Stitt no sólo hace gala de su
velocidad patentada, sino que también disipa las críticas que le tachaban de
ser todo fuego y nada de gracia. El disco, de 16 pistas, comienza con cuatro
swingers ajustados y con tintes latinos en los que participa un octeto que
incluye al trompetista Joe Newman y al timbalista Humberto Morales. Cambiando
al modo de cuarteto de piano para la mayor parte del disco, Stitt oscila sin
esfuerzo entre explosiones frenéticas ("Cherokee") y baladas doradas
("Imagination"). El lento tempo de balada de "Imagination"
contrarresta perfectamente las rápidas carreras de contralto de Sitt, e ilustra
por qué se le describe a menudo como uno de los más fervientes seguidores (e
imitadores) de Charlie Parker. La comparación con Parker plantea la
pregunta de hasta qué punto hay que ser bueno para copiar a Parker con
éxito.
Como colofón del disco con cuatro cortes extra en los
que participan músicos de la talla de Gene Ammons y Junior Mance, Stitt ofrece
uno de los mejores conjuntos de actuaciones de la última época del bebop.
· Personnel:
Sonny Stitt - tenor saxophone, baritone saxophone
& alto saxophone
John Hunt, Bill Massey & Joe Newman – trumpet
Matthew Gee – trombone
Gene Ammons - baritone saxophone
Charlie Bateman, Kenny Drew, John Houston &
Junior Mance – piano
Tommy Potter, Ernie Shepherd & Gene Wright – bass
Art Blakey, Wes Landers, Teddy Stewart & Shadow
Wilson – drums
Humberto Molares – congas
Larry Townsend - vocals
https://www.youtube.com/watch?v=oxk99aCKSKI
https://www.youtube.com/watch?v=m6NMV2dBwd8
14)
* Hoy celebramos el aniversario del nacimiento en
1920 del gran trompetista y fliscornista Clark Terry.
"Uno de los artistas de jazz más grabados en la
historia".
Aquí con Coleman Hawkins - ts; Clark Terry - tpt,
flh; Tommy Flanagan - p; Major Holley - b; Donald Bailey - d
Recorded December 10, 1962
https://www.youtube.com/watch?v=iutLisLanIg
* Y un día como hoy, y los siguientes, en 1966,
Booker Ervin grabó su álbum ‘Structurally Sound’.
· Recorded at Pacific Jazz Studios, Los Angeles on
December 14, 15 and 16, 1966.
‘Structurally Sound’ es un álbum del saxofonista de
jazz estadounidense Booker Ervin grabado en 1966 y publicado en el sello
Pacific Jazz. El álbum se reeditó en el sello Blue Note con cuatro temas extra.
Mezclando el romanticismo sombrío de Dexter Gordon y
la ideología tonal progresiva de John Coltrane, Booker Ervin es a menudo
archivado en la ‘a’ de amalgama junto a otros maestros del tenor pasados por
alto como Tina Brooks y Hank Mobley. ‘Structurally Sound’ quizá no sea el álbum
más provocador de Ervin, pero es un esfuerzo sólido y sabroso que presenta los
sonidos de acordes suspendidos popularizados por McCoy Tyner a finales de los
60. Aquí, los acordes llegan a través del brillante pianista John Hicks, que
abre el álbum con figuras funky de alta gama en "Berkshire Blues" de
Randy Weston. Se une una bien seleccionada nómina de músicos, muchos de los
cuales también fueron eclipsados por sus contemporáneos más conocidos,
incluyendo a Charles Tolliver a la trompeta, Red Mitchell al bajo y Lenny
McBrowne a la batería. Tolliver contribuye con la composición original
"Franess", un tema influenciado por Wayne Shorter que presenta su
tono gordo y bruñido. También versionan el estándar de Oliver Nelson
"Stolen Moments". La reedición, que originalmente terminaba con una
atlética versión de "Take the 'A' Train", incluye una chispeante
"Shiny Stockings", con unos coros especialmente inspirados de Ervin.
Una extraña versión de "White Christmas" también se incluye en el
disco, así como tomas alternativas de "Franess" y "Deep
Night".
· Personnel:
Booker Ervin - tenor saxophone
Charles Tolliver – trumpet
John Hicks – piano
Red Mitchell – bass
Lenny McBrowne – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=iI81KOl2e8I
https://www.youtube.com/watch?v=T1Fv3foDIDE
https://www.youtube.com/watch?v=OjdCa_cRoSQ
13)
* Un día como hoy, en 1957, John Coltrane y Donald
Byrd en el Red Garland Quintet, graban temas para los álbumes ‘Dig It!’ y ‘High
Pressure’.
· Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ, on March
22, November 15, December 13, 1957 & February 2, 1958.
‘Dig It!’ es un álbum de jazz de The Red Garland
Quintet, grabado en 1957 y 1958 pero no publicado en el sello Prestige hasta cuatro
años después.
Por su parte, ‘High Pressure’ es un álbum del
pianista de jazz Red Garland, grabado en 1957 pero no publicado también hasta
cuatro años después.
Estos álbumes son otros de la serie de excelentes
sesiones informales que Garland y Coltrane hicieron para Prestige a finales de
los 50’s.
El inconfundible pianista Red Garland, el saxofonista
tenor John Coltrane (que entonces tenía 31 años y ya se estaba desmarcando del
resto) y el trompetista Donald Byrd, junto con el bajista George Joyner y el
batería Art Taylor, interpretan varios temas, incluyendo estándares de jazz y
una explosiva versión de "Two Bass Hit" de Gillespie que presagiaba
la versión que Trane grabaría con Miles Davis y Cannonball Adderley al año
siguiente.
Los temas grabados este día fueron "Billie's
Bounce," "Lazy Mae", “Soft Winds”, “Solitude” y “Two Bass Hit”. El
piano ultra relajado de Garland encaja a la perfección con el ritmo constante
que aportan George Joyner al bajo y Art Taylor a la batería, mientras que
Coltrane y Byrd a menudo se roban el espectáculo con solos excepcionales. Se
trata de un quinteto maravilloso que profundiza en el lenguaje del blues y en
el lado más conmovedor del jazz.
Hard bop de alta calidad de unos auténticos Young
Lions.
· Personnel:
Donald Byrd, trumpet;
John Coltrane, tenor sax;
Red Garland, piano;
George Joyner, bass;
Arthur Taylor, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=h3T5ceJPbQw
https://www.youtube.com/watch?v=6PV_1zeHNGc
12)
* Un día como hoy, y otros de diciembre, en 1948,
Charlie Parker con su extraordinario quinteto tuvieron actuaciones en la radio,
luego recogidas en álbumes como ‘Bird At The Roost’.
· Concert recording, broadcast by WMCA radio, live at
The Royal Roost, NYC, December 11, 12 & 18, 1948.
Entre las grabaciones en directo más gratificantes de
Charlie Parker se encuentran sus actuaciones en una serie regular de emisiones
que emanaron del club nocturno ‘Royal Roost’ durante 1948-1949. Muse, en su
serie Savoy, publicó toda esta valiosa música, recopilando material excepcional
para la radio. Un primer volumen, que llenó un vacío vital para los fans de
Bird durante la prohibición de grabación de 1948, contiene estas famosas grabaciones
radiofónicas, y en él se encuentra a Parker y su quinteto (Miles Davis a la
trompeta, Al Haig al piano, Tommy Potter al bajo y Max Roach a la batería) que tienen
la oportunidad de estirarse en versiones de cuatro a cinco minutos de conocidos
temas.
La presentación del material incluye fragmentos de
locuciones del locutor, una combinación sorprendentemente maravillosa con el
famoso saxo alto de Bird, presentado en un entorno que realmente permite
escuchar la fuerza bruta tanto de la música de Parker como de la forma en que
se presentaba al público de la época.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Charlie Parker, alto sax;
Al Haig, piano;
Tommy Potter, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=gyT2-YtASqc
https://www.youtube.com/watch?v=VInmvMEEb-w
https://www.youtube.com/watch?v=DnjUzAaj-sU
11)
* Un día como hoy, en 1947, Coleman Hawkins grabó “Angel
Face”.
· Recorded in New York, on December 11, 1947.
Coleman Randolph Hawkins (21 de noviembre de 1904 - 19 de
mayo de 1969), apodado ‘Hawk’ y a veces ‘Bean’, fue un gran saxofonista tenor
estadounidense de jazz. Uno de los primeros músicos de jazz destacados en su
instrumento, había algunos tenorístas antes que él, pero el instrumento no era
un viento muy reconocido de jazz. Coincidió con otro gigante del tenor, Lester
Young, conocido como ‘Pres’ o ‘Prez’.
Hawkins citó como influencias a Happy Caldwell, Stump Evans
y Prince Robinson, aunque fue el primero en adaptar su método de improvisación
al saxofón en lugar de imitar las técnicas del clarinete. El enfoque virtuoso y
arpegiado de Hawkins hacia la improvisación, con su característico estilo tonal
rico, emocional y cargado de vibrato, fue la principal influencia en una siguiente
generación de tenorístas como Ben Webster o Paul Gonsalves. Aunque Hawkins se
dio a conocer con la música swing durante la época de las big bands, desempeñó
un papel en el desarrollo del bebop en la década de 1940.
En esta grabación aparece como ‘Coleman Hawkins And His
Orchestra’. La melodía del tema compuesto por Jones / Hawkins / Lincoln,
es "Angel Face" y se editó en vinilo por RCA Victor.
Personnel:
Coleman Hawkins (ts);
Thedore "Fats" Navarro (tp);
Jay Jay Johnson (tb);
Budd Johnson (as);
Marion De Veta (bs);
Hank Jones (p)
Chuck Wayne (g);
Jack Lesberg (b);
Max Roach (d).
https://www.youtube.com/watch?v=Qp2-CbwJ8uU
* Además, un día como hoy, en 1949, Sonny Stitt grabó el
álbum ‘Sonny Stitt With Bud Powell & J.J. Johnson’.
· Recorded in New York City on October 17, 1949, December
11, 1949 and January 26, 1950.
‘Sonny Stitt/Bud Powell/J. J. Johnson’ (también publicado
como ‘All God's Children Got Rhythm’) es un álbum del saxofonista Sonny Stitt
que recopila temas grabados con el trombonista J. J. Johnson o el pianista Bud
Powell en 1949-50 y publicado en el sello Prestige. Su reedición añadió cinco
temas extra al original. La portada fue realizada por el dibujante Don Martin,
famoso por la revista MAD.
Son tres sesiones clásicas de Sonny Stitt de 1949-50 las que
se escuchan en el álbum íntegramente. Stitt, que había estado fuera de acción
debido a sus problemas personales, no sólo hizo un regreso en toda regla en
estas fechas, sino que debutó y se ciñó exclusivamente al tenor en lugar de
tocar el alto, donde estaba siendo atacado como un imitador de Charlie Parker.
Aparece en ocho títulos de un par de cuartetos con el pianista Bud Powell (que
está en plena forma), el bajista Curly Russell y el batería Max Roach. Además,
Stitt forma parte de un quinteto encabezado por el trombonista J.J. Johnson y
que también incluye al pianista John Lewis, al bajista Nelson Boyd y a Roach.
Es un álbum muy recomendable para todas las colecciones
serias de bop.
· Personnel:
Sonny Stitt – tenor saxophone
Bud Powell – piano
Curly Russell – bass
Max Roach – drums
J. J. Johnson – trombone
John Lewis - piano
Nelson Boyd – bass.
https://www.youtube.com/watch?v=6sqtA5Fh8ho
* Y un día como hoy, en 1957, Dizzy Gillespie grabó su álbum
‘Duets’ con Sonny Rollins y también con Sonny Stitt.
· Recorded at Nola Penthouse Sound Studios, New York City,
on December 11, 1957.
‘Duets’ es un álbum del trompetista Dizzy Gillespie con
Sonny Rollins y Sonny Stitt, grabado en 1957 y publicado por el sello Verve.
Las grabaciones de este álbum proceden de sesiones en el mismo lugar y con el
mismo personal que produjeron el álbum ‘Sonny Side Up’ (que se publico antes),
en el que Sonny Stitt y Sonny Rollins tocaron simultáneamente con Dizzy
Gillespie el día 19 de diciembre. En el álbum ‘Duets’, como su nombre indica,
Sonny Stitt y Sonny Rollins tocaron por separado con Dizzy Gillespie (según las
notas del álbum, se trataría del volumen 2 de una sesión con los tres solistas
principales).
A Norman Granz le encantaban los contrastes. Una y otra vez,
reunía a diversos grupos de músicos en el estudio de grabación y dejaba que
saltaran chispas. Era una fórmula muy exitosa para crear jazz emocionante,
incluso cuando los músicos evitaban la atmósfera de batalla que Granz quería.
Pero cuando las condiciones eran las adecuadas, incluso las batallas podían ser
musicales y emocionantes. Dizzy Gillespie se incorporó a la lista de Granz
en 1953, y fue el catalizador de muchas reuniones en la cumbre, incluidos
magníficos álbumes con Stan Getz, Roy Eldridge y Oscar Peterson. Sin embargo,
no cabe duda de que la mejor de estas grabaciones fueron los dos álbumes de
1957 con Sonny Rollins y Sonny Stitt, publicados como ‘Duets’ y ‘Sonny Side Up’.
La pareja formada por Rollins y Stitt era muy inspirada. Más
importante que sus apodos comunes (y el juego de palabras del título del
álbum), los saxofonistas tenores Rollins y Stitt estaban ambos influidos por
Charlie Parker, pero cada uno tenía un enfoque muy diferente de la
improvisación. Stitt trasladó la intensidad de Parker al tenor después de que
varios fans y críticos señalaran la similitud tonal de sus sonidos de
contralto. Rollins era un intérprete más reflexivo que ampliaba el vocabulario
de la improvisación bop incorporando elementos temáticos a sus solos y
experimentando con diferentes formas melódicas y longitudes de frase inusuales.
Stitt disfrutaba de la naturaleza competitiva de la jam session, pero Rollins
se mantenía alejado de los concursos de corte (hubo la famosa batalla de
tenores entre Rollins y John Coltrane en "Tenor Madness", pero nunca se
ha percibido una verdadera química entre los dos gigantes en esta grabación).
En 1957, Rollins era el tenor joven de moda y trabajaba por su cuenta, grabando
álbumes brillantes para una amplia gama de sellos discográficos independientes.
Granz, sin duda, quería a Rollins en su lista, y un álbum con Gillespie era
probablemente la mejor manera de traerlo a bordo. Stitt había trabajado con
Gillespie en varias grabaciones desde 1946, y es posible que el trompetista
sugiriera la configuración de doble tenor. Gillespie proporcionó sin duda al
pianista Ray Bryant y al batería Charlie Persip (ambos tocaban con la banda de
Gillespie en ese momento) y cuando se le preguntó por un bajista adecuado,
Bryant recomendó a su hermano Tommy.
Para tantear el terreno, Granz programó una sesión doble el
11 de diciembre de 1957. Gillespie y la sección rítmica estuvieron presentes en
todo momento, pero los tenores entraron por separado. En el álbum
"Duets" se publicaron dos temas extendidos de cada pareja, pero la
reedición incluye otros dos temas del grupo con Stitt. Los temas duran unos 10
minutos cada uno, lo que da a los solistas tiempo de sobra para estirarse. Los
dos temas con Rollins son blues, "Wheatleigh Hall" y
"Sumphin'". "Wheatleigh", una especie de tour de force
tanto para Rollins como para Gillespie, arde desde el principio, con Rollins
poniéndose manos a la obra para desarrollar el tema original de Gillespie.
Rollins tenía mucha experiencia con los tempos rápidos de sus días con el
Clifford Brown/Max Roach Quintet, y tenía una forma única de dividir sus frases
para que su proceso de pensamiento nunca sonara precipitado. Por el contrario,
Gillespie empieza con largas cadenas de notas tocadas por encima del ritmo, y
luego rompe las frases a medida que avanza el solo. "Sumphin'" es una
fina línea de medio tempo con una melodía secundaria tocada contra el piano de
Bryant. Rollins vuelve a ser muy temático en su solo (a Rollins le gustaba
crear improvisaciones temáticas sobre cambios de blues). El solo de Gillespie
es una delicia, con grandes efectos vocalizados mezclados con los licks de bop.
Cuando Stitt sustituyó a Rollins en la segunda mitad de la
sesión, el grupo empezó con la única canción no blues del día, "Con
Alma" de Gillespie, con sabor latino. Esta fue la primera grabación de la
canción en un grupo pequeño, y la reedición incluye dos tomas. En la
alternativa, Stitt salta directamente a los cambios con un enfoque agresivo.
Después de escuchar a Rollins durante los 20 minutos anteriores, este estilo
resulta chocante, y contrasta menos con el estilo de Gillespie. Pero en la toma
maestra, Stitt se relaja en el ritmo y crea una paleta rítmica mucho más
variada. Gillespie también parece más aplomado y relajado en la toma maestra,
hilando líneas melódicas increíblemente complejas con sorprendentes acentos
rítmicos por el camino. La sensación rítmica también mejora en la toma maestra,
con Persip manteniendo el pulso de corcheas en las maracas en todo momento (en
la alternativa, cambia entre el tambor de mano y el set, creando cambios bruscos
en el fondo). La otra toma inédita, "Anythin'", (que Gillespie tituló
tardíamente "Anythin', Ha Ha" antes de la publicación de este álbum),
presenta el único trabajo de Stitt en alto para la fecha. Y aunque Stitt suena
ciertamente como Bird en este tema, su sonido aquí es menos intenso que el de
Parker, y eso fue probablemente una decisión consciente de Stitt. Cuando
Gillespie toma el relevo, Persip establece un gran ritmo de fondo y el
trompetista profundiza en varios coros conmovedores. A continuación, Stitt
vuelve al tenor, recuperando el fraseo agresivo de la versión alternativa de
"Con Alma". El último tema, "Haute Mon'", un blues sin tema
en sol menor que rueda en compás de 12/8, con Persip añadiendo a la atmósfera
unos platillos finamente sombreados. Hay bastante improvisación colectiva a lo
largo de esta interpretación y eso hace que la pieza destaque sobre las otras
melodías, que eran vehículos de soplido directo. En general, los solos son más
cortos y la inclusión de solos de bajo y batería junto con la interpretación
colectiva hacen de esta pieza un cierre intrigante para el álbum
"Duets".
La siguiente sesión se programó ocho días después, el 19 de
diciembre de 1957. Esta vez, ambos tenores estarían presentes junto con
Gillespie y la sección rítmica. Un persistente dato histórico dice que
Gillespie llamó tanto a Rollins como a Stitt en la semana entre las sesiones,
diciéndoles que el otro tenor quería cortarle. Fuera o no cierto, las chispas
saltaron en la sesión de grabación. Parece que toda la banda retomó el ritmo
justo donde lo habían dejado la semana anterior. De hecho, el primer tema que
grabaron ese día era el que todo el mundo quería oír: la batalla de saxos
tenores entre Rollins y Stitt en "The Eternal Triangle". Este contrafacto
ultrarrápido de "I Got Rhythm" fue escrito por Stitt, y aunque otros
han grabado la pieza, ninguno se ha acercado a esta versión. Tras una
exposición muy limpia de la melodía, Rollins salta con un solo carnoso, casi
igualando el estilo agresivo de Stitt de la semana anterior. Sus ideas parecen
fluir sin cesar, y ni siquiera una lengüeta chirriante consigue disuadirle.
Sólo un cambio de timbre marca el cambio entre Rollins y Stitt, y en todo caso,
la intensidad sigue aumentando a medida que Stitt toca. Entonces Rollins y
Stitt intercambian cuatros y queda claro que cada uno de ellos estaba preparado
para igualar al otro, frase a frase. Gillespie estaba ciertamente inspirado por
todo el jolgorio, y su solo es eléctrico, con brillantes incursiones en el
registro agudo y una emocionante ejecución. Ray Bryant mantiene la intensidad
rítmica con un solo incisivo antes de que Gillespie vuelva para una ronda de
cuatros con Persip. (Es posible que esta secuencia se alargara un poco más en
la sesión, ya que hay un empalme audible antes de la recapitulación en el
original).
El resto de "Sunny Side Up" no alcanza las cotas
de éxtasis de "Eternal Triangle", pero todo está magníficamente
interpretado. "On the Sunny Side of the Street" debió de parecer
natural para este disco, y el arreglo y la voz de Gillespie ofrecen deliciosas
variaciones sobre la melodía original. Ahora que el combate ha terminado, Stitt
y Rollins vuelven a sus reconocibles -y considerablemente diferentes-
estilos. After Hours", de Avery Parrish, da protagonismo a Ray Bryant
y el relajado ritmo de 12/8 permite que todo el mundo se relaje. Bryant
conserva muchos de los riffs de la versión original de Erskine Hawkins,
incluida la etiqueta recurrente al final de cada estribillo. Un Gillespie
silenciado sirve la salsa, seguido de Rollins con su sonido áspero (en otras
grabaciones de este periodo, Rollins tocaba con un tono mucho más suave, lo que
me hace sospechar que estaba experimentando con diferentes boquillas y
lengüetas). Stitt está en excelente forma aquí, con un tono intenso y
penetrante y un enfoque perfectamente modulado del ritmo. El último tema
grabado fue "I Know That You Know", que había sido la base de una
grabación clásica de 1928 del clarinetista Jimmie Noone. A Rollins le encantaba
resucitar viejas canciones pop, y probablemente trajo esta canción a la sesión.
Rollins interpreta un maravilloso solo a tiempo parado en este tema, que pone
claramente de relieve su agudeza rítmica y presagia los brillantes solos sin
acompañamiento que se convertirían en parte habitual de su repertorio.
Tanto "Duets" como "Sonny Side Up" se
publicaron originalmente en mono, pero el productor de reediciones Phil Schaap
intentó reconstruir los álbumes en estéreo. Las bobinas de la sesión de
"Duets" se grabaron en estéreo, pero el sonido estaba desfasado, así
que, una vez corregido ese problema, el álbum sonó bien en estéreo. Sin
embargo, algunas de las bobinas estéreo de "Sonny Side Up" deben
haberse perdido o dañado, porque el sonido salta de mono a estéreo a lo largo
de la Verve Master Edition.
Si sólo se pudiera elegir uno por otra parte, probablemente
sería mejor tener el álbum ‘Sonny Side Up’ en lugar de éste, debido a la
colaboración simultánea de ambos saxofonistas (y por la única razón de la
belleza de "Eternal Triangle").
Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet;
Sonny Rollins, tenor sax;
Sonny Stitt, tenor & alto saxo;
Ray Bryant, piano;
Thomas Bryant, bass;
Charles Persip, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=v4mNF1G8g6A
https://www.youtube.com/watch?v=6Xdf3mWbt60
https://www.youtube.com/watch?v=KXZWbr2fFrU
https://www.youtube.com/watch?v=vXWnkBHP1tk
10)
* Un día como hoy, en 1954, Charlie Parker en
quinteto, grabó en estudio temas para Verve, posteriormente recopilados en
‘Bird: The Complete Charlie Parker On Verve’.
· Recorded on Friday December 10, 1954 at Fine Sound
Studios, 711 Fifth Avenue, New York City.
‘Bird: The Complete Charlie Parker on Verve’ es una
recopilación del músico de jazz Charlie Parker. Como líder, Charlie Parker
grabó para Savoy y Dial entre 1945 y 1948 y luego para Verve exclusivamente (al
menos en los estudios) entre 1949 y 1954. Entre los álbumes producidos durante
los años de Parker en Verve se encuentran ‘Bird & Diz’, ‘Charlie Parker
with Strings’ y ‘Swedish Schnapps’.
Esta extraordinaria recopilación añade bastante
material a una anterior, contiene todas esas grabaciones más las primeras
apariciones de Bird con Jazz at the Philharmonic. Además, ‘Bird and Strings’,
sus reuniones con la orquesta cubana de Machito, la sesión de 1950 con Dizzy Gillespie
y Thelonious Monk, fechas de grupos pequeños (incluida una reunión en 1951 con
Miles Davis), encuentros extraños con voces y bandas de estudio, el famoso ‘Jam
Blues’ con sus colegas contraltos Johnny Hodges y Benny Carter, y sus últimas
grabaciones, un conjunto de melodías de Cole Porter. Esta fue la última sesión
de estudio de Parker. El acompañamiento de Bauer es especialmente elegante.
· Personnel:
Charlie Parker (alto saxophone);
Walter Bishop Jr. (piano);
Billy Bauer (guitar);
Teddy Kotick (bass);
Art Taylor (drums)
https://www.youtube.com/watch?v=d-AV06HItr4
* También, un día como hoy, en 1959, Jimmy Forrest en
cuarteto y/o quinteto, comienza la grabación de su estupendo álbum de hard bop,
‘Black Forrest’, en el sello Delmark.
· Recorded: December 10 & 12, 1959
at Hall Studios, Chicago.
Al tardar bastantes años en publicarse, algunos temas
grabados esos días aparecieron en el álbum previo ‘All The Gin Is Gone’.
El guitarrista Grant Green, que debutaba
discográficamente, no participó en todos los temas. Es particularmente notable
el conjunto con el pianista Harold Mabern, el bajista Gene Ramey y el baterista
Elvin Jones.
· Personnel:
Jimmy Forrest - tenor saxophone
Harold Mabern – piano
Gene Ramey – bass
Elvin Jones – drums
Grant Green – guitar.
https://www.youtube.com/watch?v=XTNxCCyplQk
* Y un día como hoy, en 1964, Coltrane termina de
grabar en estudio con su cuarteto de gala temas de su álbum seminal ‘A Love
Supreme’, cuya grabación comenzó el día anterior.
· Recorded: December 9 & 10, 1964 at Van Gelder
Studio (Englewood Cliffs), NJ.
‘A Love Supreme’ es un álbum de jazz de vanguardia
grabado por el cuarteto de John Coltrane el 9 de diciembre de 1964 en el
estudio de Rudy Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey.
Varias versiones alternativas (6) en sexteto de
"Acknowledgement" fueron grabadas al día siguiente (December 10,
1964). Estas versiones incluyeron la participación del saxo tenor Archie Shepp
y del bajista Art Davis. Quedaron recopiladas en ‘The Complete Masters: Super
Deluxe Edition’.
El disco es una suite en cuatro partes, que se
corresponden con sendos temas: “Acknowledgement”, “Resolution”, “Pursuance” y
“Psalm”. Fue concebido como un disco espiritual, representativo de una búsqueda
personal de pureza por parte de Coltrane. El tema final se corresponde con la
letra de un poema piadoso.
La única interpretación grabada en vivo y en directo
de la suite ‘A Love Supreme’, fue en el Festival Mondial du Jazz de Antibes,
Francia (July 26, 1965), que fue también remasterizada y editada en un doble
disco por Impulse junto con el disco original y las tomas adicionales.
‘A Love Supreme’ es considerado habitualmente como
uno de los discos de jazz más importantes de la historia. Su recopilatorio
posterior es fundamental para aficionados exigentes.
· Personnel:
The John Coltrane Quartet
John Coltrane – tenor saxophone, soprano saxophone,
vocals
Jimmy Garrison – double bass
Elvin Jones – drums, gong, timpani
McCoy Tyner – piano
Additional personnel
Archie Shepp – tenor saxophone
Art Davis – double bass.
https://www.youtube.com/watch?v=ll3CMgiUPuU
https://www.youtube.com/watch?v=X_EROrinkgo
9)
* Un día como hoy, en 1932, nace el
trompetista Donald Byrd.
Un verdadero maestro de la trompeta conocido por su
exuberante sonido, su perfecta articulación y un talento especial para la
melodía. Byrd se convirtió en el trompetista de hard bop más importante tras
el desgraciado accidente que costó la vida a su principal rival, Clifford
Brown, en 1956. Donald Byrd es, junto a Lee Morgan, Freddie Hubbard, Kenny
Dorham o el mismo Clifford Brown, uno de los más importantes trompetistas de
jazz de la historia.
Su primer disco de estudio como líder de un sexteto fue
‘Byrd's Eye View’.
· Recorded: at Harvard Square, Cambridge, MA, on
December 2, 1955.
‘Byrd's Eye View’ es un álbum del trompetista Donald
Byrd grabado en 1955 y publicado originalmente en el sello Transition. El álbum
se reeditó posteriormente como parte del recopilatorio ‘The Transition Sessions’
en el sello Blue Note.
‘Byrd's Eye View’ captura al joven trompetista en
pleno dominio de sus estimables facultades, a pesar de la longitud y el alcance
de las pistas, Byrd mantiene un control absoluto, interpretando con una
autoridad y una destreza técnica que desmienten su edad. Una excelente cita con
el hard bop de los Jazz Messengers.
· Personnel:
Donald Byrd, trumpet;
Joe Gordon, trumpet;
Hank Mobley, tenor sax;
Horace Silver, piano;
Doug Watkins, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=JDdGisQL8Jw
* Y un día como hoy, en 1960, otro trompetista, Kenny
Dorham, en quinteto, grabó su álbum ‘ShowBoat’.
· Recorded in NYC, on December 9, 1960.
‘Showboat’ es un álbum del trompetista de jazz
estadounidense Kenny Dorham en el que interpreta temas del musical ‘Show Boat’,
de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II, grabado en 1960 y publicado por el sello
Time.
Esta edición de una sesión de Kenny Dorham, presenta
al talentoso trompetista y a un quinteto de estrellas (con Jimmy Heath al
tenor, el pianista Kenny Drew, el bajista Jimmy Garrison y el batería Art
Taylor) interpretando seis famosos temas de la obra de Jerome Kern. Todas las
melodías ("Why Do I Love You?", "Nobody Else but Me",
"Can't Help Lovin' Dat Man", "Make Believe", "Ol' Man
River" y "Bill") se escuchan en versiones agradables y llenas de
swing. Esta es una de las mejores sesiones de Dorham de la época y es
fácilmente recomendable para seguidores del hard bop
· Personnel:
Kenny Dorham, trumpet;
Jimmy Heath, tenor sax;
Kenny Drew, piano;
Jimmy Garrison, bass;
Art Taylor, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=e9OkcbIU43U
8)
* Un día como hoy, y mañana 9, en 1970, Woody Shaw
grabó en estudio su álbum ‘Blackstone Legacy’.
· Recorded in December 8 and 9, 1970 at A & R Studios
in New York City.
‘Blackstone Legacy’ es el álbum debut del trompetista
Woody Shaw, grabado en 1970 y publicado por el sello Contemporary.
Movido por las sensibilidades políticas muy cargadas
entre los artistas creativos durante la última parte de la década de 1960 y
principios de 1970, el mensaje de Shaw para ‘Blackstone Legacy’ hablaba de los
males sociales y políticos de su tiempo. En las notas de ‘Blackstone Legacy’,
Shaw afirmó: “Este álbum está dedicado a la libertad de los negros de todo el
mundo. Y está dedicado a la gente de los guetos de aquí. La ‘piedra’ del título
es la imagen de la fuerza. Crecí en un gueto: casas de mala muerte, ratas y
cucarachas, pasillos apestosos. He visto todo eso y he visto a gente superarlo.
Esta música quiere ser un sonido de fuerza y de superación. Es una música para
el gueto”.
‘Blackstone Legacy’ de Woody Shaw, su primer disco
como artista principal, puede que sea uno de sus mejores discos. Originalmente
en dos vinilos, el debut de Shaw como líder es una de las primeras sesiones de
"free bop", en muchos sentidos su respuesta a ‘Bitches Brew’. El
conjunto del trompetista extrae sonidos colectivos densos, enérgicos y carnosos
basados en la improvisación pura con un esqueleto de marco rítmico sobre el que
explayarse. Los saxofonistas Gary Bartz y Bennie Maupin, el pianista eléctrico
George Cables, los bajistas gemelos Ron Carter y Clint Houston, y el batería
Lenny White responden a la fuerte dirección de Shaw, dando lugar a uno de los
jazz más cinéticos que se escucharon en ese periodo de fusión temprana. El
brillante melodicismo de Shaw, su swing duro y su negativa a transigir son sus
mayores bazas.
Shaw tuvo una carrera estable como músico de
acompañamiento, trabajando con algunos de los grandes de París como Nathan
Davis, seguido de una temporada con Blue Note antes de embarcarse en una
carrera como líder de banda.
Tras la publicación de ‘Blackstone Legacy’, Shaw
continuó trabajando como músico de acompañamiento al mismo tiempo que publicaba
una serie de álbumes como artista principal. Shaw fue prolífico y murió
trágicamente a los 44 años, dejando un legado de actuaciones innovadoras que
reflejaban su avanzada técnica. Su improvisación era muy estructurada y sus
influencias eran muy variadas, combinando elementos africanos, europeos y
orientales. Shaw tenía un estilo de interpretación impecable que exigía
velocidad, articulación y gran fluidez. Aunque técnicamente hábil, Shaw también
conseguía impregnar su forma de tocar de alma y de frases y escalas menos
convencionales.
La banda es de primera categoría e incluye a otros
músicos notables. El sonido es una combinación de sonidos vanguardistas de big
band combinados con interludios esotéricos. La mayoría de los temas son largos,
y el álbum ocupa cuatro caras. Todos los temas duran no menos de nueve ni más
de diecisiete minutos. Esto permite a la banda desarrollar sus ideas e
interactuar de una manera más parecida a la de un concierto. Bartz (saxofón
alto y soprano) y Maupin (saxofón tenor, clarinete bajo y flauta) demuestran
constantemente por qué son dos de los mejores improvisadores de jazz que
existen.
El tema que da título al disco es tan salvaje y
lanosa como Woody podría ser. Comienza a toda máquina, con todos los
instrumentos a bordo, el piano eléctrico estableciendo un interludio para que los
vientos trabajen en torno a él. El batería, Lenny White, trabaja duro en este
tema. Gary Bartz toca a la perfección. Los sonidos del clarinete bajo son muy
distintivos. La forma de tocar de Maupin aquí le convirtió automáticamente en
el clarinetista bajo preeminente del jazz. Su interpretación es impresionante.
Hay una cualidad de conducción dura en esta composición que la mantiene en
movimiento incluso en los momentos suaves, cuando el bajo impulsa la canción, o
cuando los vientos atacan agresivamente y giran unos alrededor de otros. Hay una
sensación de movimiento incesante, cuando tocan al unísono, es una delicia.
A ese le sigue un clásico afinado como el imparable
"Think On Me", un hermoso tema de sonido un tanto convencional que
depende de varios solos para sus momentos extravagantes, pero incluso éstos son
armoniosos, algo que incluso alguien no familiarizado con el jazz más
vanguardista podría asimilar fácilmente. El trabajo al piano de George Cables
es un verdadero groove, azulado, jazzístico y clásico. El final, con los
vientos sincronizados, es estupendo.
La segunda cara termina con "Lost and
Found", bop libre en su máxima expresión que comienza con un solo de
batería que da paso a una floritura de virtuosismo de los vientos y luego
vuelve a la batería, sólo para ser interrumpida de nuevo por los vientos, más
el bajo y un genial solo de Maupin que es sencillamente arrebatador y George
Cables cuela un genial solo de piano eléctrico en el tema y resulta un sonido
clásico.
"New World" es un tema de free funk que
marcó tendencia en su época, tiene un riff de bajo genial y un wah-wah
psicodélico combinado con vientos tocando al unísono, piano eléctrico y un solo
excepcional de Bartz. En la mayoría de los temas intervienen dos bajistas, con
un par de excepciones. (Clint Houston era el otro bajista de Carter).
La gimnasia de "Boo-Ann's Grand" comienza
con una sección completa de vientos a todo gas, pero rápidamente se ralentiza y
deja que los instrumentos individuales desarrollen una melodía o un movimiento
dentro de la composición; el piano es sofisticado e intrincado, con un motivo
clásico, casi un estudio dentro de una pieza de conjunto mayor. Es un tema muy
interesante. La tonalidad de Bartz es magnífica. Nada salvaje ni nervioso,
simplemente toma la iniciativa y toca notas que se basan en la composición
subyacente, al tiempo que expresa una especie de vuelo libre sin límites. Es el
tipo de improvisación estructurada mencionado antes y representa la estética
del bop progresivo en su punto álgido.
El álbum termina con "A Deed for Dolphy",
que ha inspirado a tantos grandes músicos y muestra un lado abstracto y sin
tiempo que raramente se escucha de Shaw. Se trata de una pieza oscura y
taciturna, centrada en los vientos, con matices de luz y oscuridad, respaldada
por un hábil trabajo de piano y un detallado juego de platillos. El trabajo de los vientos, incluida la flauta
de Maupin, es notorio.
No hay mejor ejemplo de esta música desde sus
inicios, documentada en disco, que esta sesión de otro mundo que dio a conocer
al trompetista al mundo del jazz. Además, pocos lo han hecho mejor desde
entonces. Verdaderamente una grabación que marca un hito, y un punto de
inflexión en la historia de la música posmoderna.
Se trata de un disco excelente, quizá un poco
infravalorado. Desde el punto de vista sonoro, es soberbio.
· Personnel:
Woody Shaw – trumpet
Gary Bartz - alto saxophone, soprano saxophone
Bennie Maupin - tenor saxophone, bass clarinet
George Cables - piano, electric piano
Ron Carter – bass
Clint Houston - electric bass
Lenny White – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=uEhz-BOOiDM
7)
* Un día como hoy, en 1956, Thelonious Monk en
quinteto terminó de grabar su álbum ‘Brilliant Corners’.
· Recorded at Reeves Sound Studios, NYC, on December 7,
1956
‘Brilliant Corners’ es un álbum de estudio del músico
de jazz estadounidense Thelonious Monk. Fue su tercer álbum para Riverside
Records, y el primero, para este sello, en incluir sus propias composiciones.
La compleja canción que da título al álbum requirió más de una docena de tomas
en el estudio.
El álbum se grabó en tres sesiones a finales de 1956
con dos quintetos diferentes. "Ba-lue Bolivar Ba-lues-Are" y
"Pannonica", en la que Monk tocaba la celesta, se grabaron el 9 de
octubre con los saxofonistas Ernie Henry y Sonny Rollins, el bajista Oscar
Pettiford y el batería Max Roach. La primera composición se tituló como una
interpretación fonética de la pronunciación exagerada de Monk de "Blue
Bolivar Blues", que hacía referencia al Hotel Bolívar donde residía
Pannonica de Koenigswarter. Monk la había conocido durante su primer viaje a
Europa en 1954.
El 15 de octubre, Monk intentó grabar el tema
principal con la misma banda durante una sesión de cuatro horas. El tema que da
título al álbum tiene una estructura poco convencional que se desvía tanto de
la forma de canción estándar como de las estructuras del blues, así como de las
raíces musicales afroamericanas de Monk. Su forma ternaria emplea una sección A
de ocho compases, seguida de una sección B de siete compases y una sección A
modificada de siete compases, y presenta un tema a doble tiempo en cada segundo
estribillo y acentos rítmicos dificultosos. La complejidad de ese tema se
convirtió en un reto para los músicos de Monk, que intentaron veinticinco tomas,
y provocó tensiones entre él y Henry, que estuvo a punto de derrumbarse
mentalmente, y Pettiford, que intercambió duras palabras con Monk durante la
sesión. Durante una de las tomas, el productor y otros miembros de la sala de
control no pudieron oír la interpretación de Pettiford y comprobaron si el
micrófono del bajo funcionaba mal, pero al final se dieron cuenta de que estaba
haciendo simulaciones. Sin una sola toma completa, el productor acabó
componiendo la versión del álbum a partir de varias tomas.
El 7 de diciembre, se grabó "Bemsha Swing"
con Paul Chambers al bajo y el trompetista Clark Terry, que sustituyó a Henry,
y Monk grabó una versión para piano solo de "I Surrender, Dear".
"Bemsha Swing" fue la única composición del
álbum que Monk había grabado en una versión anterior.
Los entusiastas que estén cansados de la naturaleza
idiosincrásica de la forma de tocar de Monk o de sus progresiones de acordes
prácticamente aritméticas deberían volver de vez en cuando a ‘Brilliant Corners’.
Hay una frescura y una vitalidad ineludibles saturadas en cada compás de cada
canción. El paso del tiempo hace aún más difícil imaginar a otros músicos con
la capacidad de apoyar a Monk con tanta precisión irónica. El cuarteto reunido
para la mayor parte de las sesiones incluía a Max Roach (percusión), Sonny
Rollins (saxo tenor), Oscar Pettiford (bajo) y Ernie Henry (saxo alto). Aunque
se trata de un compromiso, la selección del bajista de Miles Davis, Paul
Chambers, y de Clark Terry (trompeta) en "Bemsha Swing" revela lo que
podría considerarse un accidente de éxtasis, ya que proporcionan un equilibrio
atemporal entre el apoyo y la posibilidad de impulsar musicalmente la causa.
Del mismo modo, las interjecciones de timbales de Roach aportan un surrealismo
sónico desequilibrado a la vez que hacen progresar el ritmo dentro y fuera de
los huecos proporcionados por las pistas de liebre de Monk. Es fácil considerar
la ferocidad de Monk como una rareza. Lo que no puede descartarse es la
capacidad de Monk para traducir las emociones al lenguaje musical, como en la
libertad y el abandono que permite a través de los hipnotizantes solos de Sonny
Rollins y Max Roach en "Brilliant Corners". La inocencia infantil
evocada por Monk al incorporar la celesta durante la bellísima oda "Pannonica"
eleva el listón emocional varios grados. Sin embargo, quizá sea más punzante la
apasionada "I Surrender, Dear", la única interpretación en solitario
del álbum.
Junto con su álbum en directo de 1958 ‘Misterioso’,
‘Brilliant Corners’ representa la cima artística de Monk, el álbum de jazz
moderno más importante de Riverside hasta esa fecha y una sesión clásica de
‘hard bop’.
‘Brilliant Corners’ fue una de las cincuenta
grabaciones elegidas por la Biblioteca del Congreso para su inclusión en el
Registro Nacional de Grabaciones. Debido a su importancia histórica, el álbum
fue incluido en el Salón de la Fama.
· Personnel (12/07/1956):
Clark Terry, trumpet;
Sonny Rollins, tenor sax;
Thelonious Monk, piano;
Paul Chambers, bass;
Max Roach, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=-5OgnlEPzTE
6)
* Un día como hoy, en 1960, Lee Morgan y Wayne
Shorter, dentro de The Jazz Messengers de Art Blakey,
actuaron en vivo en Suecia. La actuación se editó allí y posteriormente como ‘A
Jazz Hour with Art Blakey's Jazz Messengers: Blues March’.
Recorded by the Swedish Radio at The Concert House
(‘Konserthuset’), Stockholm, Sweden, December 6, 1960.
Grabado a partir de una emisión de radio en Suecia,
esta grabación muestra a The Jazz Messengers cerca de su apogeo. Esta edición
del grupo (con el trompetista Lee Morgan, Wayne Shorter
al tenor y el pianista Bobby Timmons) fue la más célebre y la más grabada
de todas las versiones de The Jazz Messengers.
‘A Jazz Hour
with Art Blakey's Jazz Messengers: Blues March’, se trata de una rara sesión
para el pequeño sello Movieplay que incluye el clásico de los Jazz Messengers
"Along Came Betty" junto con tres temas de Shorter, entre ellos una
versión menos frecuente de "Lester Left Town". El libreto que
acompaña al álbum sólo indica que se grabó en Europa, en 1961, pero la formación
de la banda y la duración de las pistas indican que probablemente se grabó el 6
de diciembre de 1960, en el Konserthuset de Estocolmo, y la mayor parte del
material se publicó anteriormente en el sello sueco Dragon con el título
"Art Blakey & The Jazz Messengers - Live In Stockholm 1960". Este
álbum (que incluye sólidas versiones de "Blues March", "Lester
Left Town", "Along Came Betty", "A Night in Tunisia" y
la menos conocida "The Summit" de Wayne Shorter) es fácilmente
recomendable como un sólido ejemplo de su legado.
Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Wayne Shorter, tenor sax;
Bobby Timmons, piano;
Jymie Merritt, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=5docBD0zd4Y
5)
* Un día como hoy, en 1947, Fats Navarro y los BeBop
Boys graban el tema “Nostalgia” recogido en álbumes como ‘Nostalgia. Fats
Navarro Memorial No. 2’ de Savoy Records.
· Recorded: in NYC, on December 5, 1947
Extraído de tres sesiones diferentes de finales de
los años 40, ‘Nostalgia’ presenta a Navarro en la buena compañía de estrellas
del bebop como Dexter Gordon, Tadd Dameron y Art Blakey. Aunque el sonido es
más flojo que el de las legendarias sesiones que el trompetista grabó para Blue
Note, los temas que se incluyen aquí siguen contando con los habituales y
agudos solos de Navarro, además de las estelares contribuciones de todos los
participantes. La primera sesión con el saxofonista tenor Charlie Rouse (una de
las primeras grabaciones del futuro acompañante de Monk), Dameron y Blakey,
muestra a Navarro mezclando un trabajo solista fluido y equilibrado con
declaraciones más intensas en las notas altas, demostrando su mezcla magistral
tanto del enfoque frío de Miles Davis como de la técnica incendiaria de Dizzy
Gillespie. Lo más destacado continúa con cuatro cortes más de una sesión
dirigida por Dexter Gordon de 1947, que se adhiere al modo de breve declaración
de cabeza y ronda de solos utilizado en los cortes anteriores. Dameron vuelve a
tocar el piano y compone muy bien el trabajo en solitario de Gordon, que ya es
muy característico, y las líneas de viento de Navarro, que son como perlas
(estos números también se han publicado en varios títulos de Gordon en Savoy).
El disco termina con una fecha dirigida por el tenor Eddie "Lockjaw"
Davis, que, aunque es menos intrigante que las otras sesiones, se balancea
poderosamente con una mezcla de melodías con sabor a bebop y R&B. ‘Nostalgia’
es digno de cualquier colección de jazz y ciertamente es un título esencial de
la era del bebop.
Navarro fue la principal influencia de Clifford
Brown, lo que significa que su sonido grande, gordo y descarado influyó directa
o indirectamente en todos, desde Lee Morgan, Freddie Hubbard y Carmell Jones,
hasta Woody Shaw y Roy Hargrove.
· Personnel:
Fats Navarro, trumpet;
Charlie Rouse, tenor sax;
Tadd Dameron, piano;
Nelson Boyd, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=4lB2zTqTH_s
4)
* Un día como hoy, en 1965, Ornette Coleman en trío,
finalizó sus actuaciones en Estocolmo que fueron grabadas en vivo para
constituir los 2 volúmenes de 'At The Golden Circle, Stockholm'.
· Recorded live at the Golden Circle (Gyllene
Cirkeln) in Stockholm on December 3 & 4, 1965.
‘At the "Golden Circle" Stockholm’ es un
álbum en dos volúmenes del Ornette Coleman Trio, que documenta los conciertos
de las noches del 3 y 4 de diciembre de 1965 en el club Gyllene Cirkeln de
Estocolmo. Marcó el comienzo del contrato de Coleman con Blue Note.
La música, todas son composiciones de Coleman, ha
sido descrita como "improvisaciones temáticas brillantes, optimistas
estrechamente unificadas".
El trío de Ornette Coleman de 1965 con el bajista
David Izenzon y el baterista Charles Moffett suele ser subestimado de entre
todos sus combos. Pero esta banda ciertamente no tiene que menospreciarse, al
contrario. Coleman estaba inmerso en la creación de un nuevo enfoque de la melodía.
Izenzon demostró ser el bajista adecuado para que Coleman hiciera realidad sus
ambiciones. Un arco impresionante y un ejecutante de pizzicatos Izenzon le
ofreció a Coleman el contraste perfecto. No importa dónde el solo de Coleman se
moviera, Izenzon estaba allí exactamente al mismo tiempo con un extraño sentido
del contrapunto y, a menudo, cambiaba el modo armónico por la fuerza. Charles
Moffett toca en el tiempo triple con una cifra de un compás o con figuras
rítmicas fuera de medida. La segunda noche de la estancia de dos semanas de
Ornette Coleman en Suecia fue incluso más ardiente que la primera. Para
empezar, el 4 de diciembre fue la noche en que Coleman sacó el violín y la
trompeta en la primera melodía.
El compositor, violinista, trompetista y --principalmente--
saxofonista, Ornette Coleman, es uno de los músicos geniales del jazz
contemporáneo. Fue uno de los principales innovadores de la década de los años
60 y su aporte al desarrollo del jazz ha sido enorme. En el año 1959, su álbum ‘The
Shape Of The Jazz To Come’ fue tan seminal como el ‘Kind Of Blue’ de Miles
Davis, pero en un estilo totalmente diferente, generalmente catalogado como
Avant-garde. Su discografía abarca alrededor de unos 50 álbumes, la mayoría de
ellos como líder de sus conjuntos. Del álbum mencionado se puede escuchar la
inmensa creatividad de Coleman y su trío, en Estocolmo esos días.
· Personnel
Ornette Coleman — alto saxophone, violin, trumpet
David Izenzon — double bass
Charles Moffett — drums.
https://www.youtube.com/watch?v=AkwrpJxJQ5s
3)
* Un día como hoy, en 1963, Booker Ervin en cuarteto,
grabó el magistral álbum 'The Freedom Book'.
· Recorded: December 3, 1963 at Van Gelder Studio,
Englewood Cliffs, NJ.
El primero de cuatro álbumes vinculados
temáticamente, ‘The Freedom Book’ del saxofonista tenor Booker Ervin es un
clásico que no se pasa por alto. ‘The Song Book’, ‘The Blues Book’ y ‘The Space
Book’ se grabaron posteriormente en 1964 para Prestige, pero esta grabación
seminal de 1963 es una obra maestra del hard bop avanzado y poco convencional.
De alguna manera, Booker Ervin fue el músico de jazz
arquetípico de la década de 1960 posterior al bop, combinando la tradición del
saxo tejano con un toque de modernismo vanguardista. Aunque su carrera fue
corta (el cáncer se lo llevó en el verano de 1970, cuando fue apenas cumplía 40
años), Ervin se las arregló para grabar unos 20 discos.
En ‘The Freedom Book’, Ervin está unido con el
pianista visionario Jaki Byard (un compañero veterano de las bandas clásicas de
Mingus), un músico más allá de categoría. Byard era posmoderno antes de que
existiera ese término, su estilo abarca todo, desde stride hasta free jazz. La
sección rítmica se completa con el imaginativo bajista Richard Davis y el
superlativo baterista Alan Dawson (futuro maestro de Tony Williams). El fraseo
único de Davis se combina con una sensibilidad melódica poco convencional. El
ataque rítmico fracturado de Dawson proporciona una corriente subterránea nerviosa,
insinuando el tempo sin exagerarlo. Su flujo sin fin complementa la modulación
y la capacidad de Davis para estirar ese tempo mientras mantiene el pulso a la
perfección. Rara vez una sección rítmica ha estado tan afinada entre sí. Para
una formación que nunca tocó oficialmente en vivo, este grupo de estudio revela
un notable nivel de interacción más que la mayoría de otros conjuntos
veteranos. Es un conjunto casi perfecto de hard bop moderno.
Aunque no es tan voluntariamente vanguardista como
sus contemporáneos Eric Dolphy y Ornette Coleman, Ervin (más conocido como
saxofonista tenor de Charles Mingus de 1956-1962) discurrió por el mismo
territorio sutil como Jackie McLean y Sam Rivers. Igualmente, capaz de un rico
lirismo y una tensión electrizante, el tono distintivamente elegante de Ervin
se ondula con un brío dramático. Su timbre conciso y resbaladizo oferta fraseos
impredecibles, una buena alternativa a los imitadores de Coltrane y Rollins de
la época.
· Personnel:
Booker Ervin - tenor saxophone
Jaki Byard - piano
Richard Davis - bass
Alan Dawson – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=TJoyv2UVC74
2)
* Un día como hoy, en 1955, Sonny Rollins grabó en
cuarteto su álbum 'Work Time'.
· Recorded: December 2, 1955
at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.
· Personnel:
Sonny Rollins – tenor saxophone
Ray Bryant – piano
George Morrow – bass
Max Roach – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=oG2dz5HwGss
* También,un día como hoy, en 1958, Donald Byrd grabó
en sexteto su álbum ‘Off To The Races’.
Recorded: on December 21, 1958, at Van Gelder Studio,
Hackensack, NJ.
‘Off to the Races’ es un álbum del trompetista
estadounidense Donald Byrd grabado en 1958 y publicado en el sello Blue Note.
Desde las crepitantes notas iniciales de "Lover
Come Back to Me", está claro que ‘Off to the Races’ es una de las sesiones
más vigorizantes de Donald Byrd de finales de los 50. Trabajando con una banda
estelar con Jackie McLean (saxo alto), Wynton Kelly (piano), Pepper Adams (saxo
baritono), Sam Jones (bajo), Art Taylor (batería), Byrd realiza una de sus
grabaciones más sólidas de la época. A lo largo del álbum, Byrd alterna entre
el hard bop, las baladas, el blues relajado y el soul-jazz. Dos de los temas
son estándares, uno es una versión y tres son originales de Byrd, pero lo que
importa es la interpretación. A lo largo del álbum, Byrd demuestra que ha
madurado mucho como solista, capaz de hacer solos dulces y melódicos en los
números más lentos, y fulminantes ejecuciones de notas en las canciones más
rápidas. McLean es igual de vigoroso y lírico, contribuyendo con algunos buenos
momentos al disco, al igual que Adams y Kelly. No hay nada sorprendente en ‘Off
to the Races’, es un conjunto de hard bop bien interpretado y agradable y a
veces eso es suficiente.
Personnel:
Donald Byrd - trumpet,
Jackie McLean - alto saxophone
Pepper Adams - baritone saxophone
Wynton Kelly – piano
Sam Jones – bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=oPypiRW6k8Y
* Y un día como hoy, sobre todo, en 1959, John
Coltrane terminó de grabar su magnífico álbum 'Giant Steps'.
· Recorded: May 4–5, 1959 & December 2, 1959
at Atlantic Studios, New York City.
‘Giant Steps’ es el quinto álbum de estudio del
músico de jazz John Coltrane como líder. Editado por Atlantic Records, éste fue
su primer álbum como líder en ese su nuevo sello.
"Disco de culto e icono del mejor hardbop de la
época, ‘Giant Step’ fue grabado con tres secciones rítmicas distintas y sólo
repite en todos los temas el admirado bajista, Paul Chambers. Coltrane había
dejado el grupo de Miles Davis cuando grabó este disco, pero aún no disponía de
grupo propio. También había dejado el sello Prestige y debutaba como líder en
Atlantic. En esa época se pasaba todo el día con el saxo en la boca intentando
desarrollar el caudal de ideas que se le venía encima como un torrente. Si
desde el punto de vista técnico, su formación estaba terminada, fue su concepto
armónico y su ritmo, capaz de tocar a cualquier velocidad, lo que atrajo la
atención de sus colegas y de los críticos.
La sesión en la que participó, Tommy Flanagan al
piano es la de mayor responsabilidad. El pianista, habitual acompañante de
Coltrane en otros discos, tuvo aquí muchas dificultades para seguir ese caudal
que salía del saxo de Coltrane como un caballo desbocado. Él mismo lo reconocería
años después grabando un sensacional disco en homenaje a su maestro con el
mismo título que éste. Poco tiempo después de esta grabación, se unieron al
cuarteto, el pianista McCoy Tyner y el baterista Elvin Jones abriendo paso a
uno de los mejores cuartetos de la historia del jazz y ofreciendo muchos días
de gloria al jazz, pero ‘Giant Step’, fue el canto del cisne del hardbop. En
ese cruce de caminos en que estaba el jazz, no había posibilidad de retorno y
el jazz cobró a partir de este álbum un impulso imperecedero y dio como bien
dice el título del disco un ‘paso de gigante’ irreversible. Una obra maestra
para disfrutarla con emoción" [de Google].
· Personnel:
John Coltrane – tenor saxophone
Tommy Flanagan, Wynton Kelly & Cedar Walton –
piano
Paul Chambers – bass
Art Taylor, Jimmy Cobb & Lex Humphries – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=xy_fxxj1mMY
1)
* Un día como hoy, en 1967, McCoy Tyner grabó su
álbum ‘Tender Moments’.
· Recorded by Rudy Van Gelder at the Van Gelder
Studio in Englewood Cliffs, New Jersey on December 1, 1967
‘Tender Moments’ es el octavo álbum del pianista de
jazz McCoy Tyner y el segundo publicado por el sello Blue Note. Se grabó en
diciembre de 1967 y presenta actuaciones de Tyner con un grupo ampliado que
incluye al trompetista Lee Morgan, el trombonista Julian Priester, el trompa
Bob Northern, el tuba Howard Johnson, el saxofonista alto James Spaulding, el
saxofonista tenor Bennie Maupin, el bajista Herbie Lewis y el batería Joe
Chambers.
Todas las composiciones son de Mccoy Tyner.
En este excelente set, McCoy Tyner tuvo la
oportunidad por primera vez de dirigir un grupo más grande. Su noneto es una
agrupación de estrellas. Tyner estrenó seis de sus originales, y aunque ninguno
se convirtió en estándar (quizás los más conocidos sean "The High
Priest" y "All My Yesterdays"), la música es bastante colorida y
avanzada para la época. Merece la pena investigarlo.
· Personnel
Lee Morgan, Trumpet
Julian Priester, Trombone
James Spaulding, Alto Sax And Flute
Bennie Maupin, Tenor Sax
Bob Northern, French Horn
Howard Johnson, Tuba
Mccoy Tyner, Piano
Herbie Lewis, Bass
Joe Chambers, Drums
https://www.youtube.com/watch?v=Mct0txLxw6Y
https://www.youtube.com/watch?v=yw0u6USOK9k
Nota.- Todas las recopilaciones de jazz en este blog han usado la misma Webgrafía:
- https://es.wikipedia.org/
- https://www.youtube.com/
- https://www.jazzdisco.org/
- https://www.discogs.com/
- https://www.allmusic.com/
- https://www.jazzmessengers.com/
- https://noticiasjazz.blogspot.com/
- https://apoloybaco.com/jazz/
- https://www.tomajazz.com/
- https://www.caravanjazz.es/
