Notas de jazz agosto 2022.
[Estas notas de agosto no completan todos los días, sólo se refieren a ocasiones interesantes].
30)
* Un día como hoy, en 1924, nació Kenny Dorham. Dorham fue uno de los grandes trompetistas hard-bop, así como un gran compositor, sin embargo, no tuvo el reconocimiento de un Freddie Hubbard o un Woody Shaw en vida. Tenía un gran interés por la música latina y entre sus composiciones famosas está el standard de jazz “Blue Bossa”. Dorham murió antes de cumplir 50 años de edad, en 1972 y sólo se le ha reconocido como uno de los grandes del jazz en años posteriores.
Aquí lo escuchamos en su álbum 'Kenny Dorham Quintet'. Es un álbum de estudio, debut como líder y fue grabado en 1953, en el sello de Mingus ‘Debut’, acompañado de unos estupendos músicos.
Recorded at Van Gelder Studion, Hackensack, NJ on December 15, 1953 and in New York City on October 21, 1953.
Personnel:
Kenny Dorham - trumpet, vocal
Jimmy Heath - tenor and baritone saxophones
Walter Bishop - piano
Percy Heath - double bass
Kenny Clarke - drums.
https://www.youtube.com/watch?v=NLEfwXwXbY0
* Y un día como hoy en 1965, Eddie Harris concluyó la grabación de su álbum 'The In Sound' en el sello Atlantic.
Recorded in New York City on August 9 and August 30, 1965.
Es uno de los grandes discos de Eddie Harris con un interesante trompeta y una magnífica sección rítmica. La forma de tocar está inspirada. Una buena banda con Cedar Walton (piano) y Billy Higgins (batería), la sección rítmica favorita de Lee Morgan. El infravalorado pero popular saxofonista tenor presenta su "Freedom Jazz Dance", la primera grabación de Harris que se convertiría en un estándar del jazz tras aparecer en el álbum Miles Smiles de Miles Davis. Toca una de las primeras versiones de "The Shadow of Your Smile", retoza en "Love for Sale" y "'S Wonderful", y también interpreta "Born to Be Blue" y su propio "Cryin' Blues". Harris se encuentra en plena forma en un cuarteto/quinteto con el pianista Walton, el bajista Ron Carter, el batería Higgins y el trompetista a tiempo parcial Ray Codrington. Una joya.
Personnel:
Eddie Harris - tenor saxophone
Ray Codrington - trumpet
Cedar Walton - piano
Ron Carter - bass
Billy Higgins - drums.
https://www.youtube.com/watch?v=oOn1VFMOMeU
29)
* Un día como hoy, en 1920, nacía el gran Charlie Parker. En el 102 aniversario de su nacimiento se puede incluir un enlace abajo con una parte sonora del documental audio-visual sobre la historia del jazz de Ken Burns en el que hay un extraordinario solo improvisado de Parker sobre el tema “Ko Ko”, en vivo. Este saxofonista, que toca con su amigo Dizzy Gillespie -otro de los pioneros del be-bop- ha influido a generaciones hasta el día de hoy y ha sido admirado durante más de medio siglo. (Parker murió a los 34 años de edad, pero su música y su legado pasaron a ser inmortales)
https://www.youtube.com/watch?v=i_ZajJd-1kY&list=PL95FD5C7F16DB8F6A
- Su primera grabación con 17 años en Kansas City, MO (c. early 1937):
https://www.youtube.com/watch?v=pN-_vtjNSWo
-Su última grabación como Charlie Parker Quintet (Charlie Parker, alto sax; Walter Bishop Jr., Avenue, New York City, December 10, 1954.
https://www.youtube.com/watch?v=euh2_RwW1Ew
28)
* Un día como hoy, en 1953, Clifford Brown en sexteto grabó temas recogidos en su álbum ‘New Star On The Horizon’ para Blue Note. Aparecieron posteriormente en diferentes recopilatorios con tomas extras y con otras sesiones, como ‘Memorial Album’ (no confundir con ‘Memorial’ también de Brown).
Recorded at Audio-Video Studios, NYC, on August 28, 1953.
‘New Star On The Horizon’ es un álbum del trompetista de jazz estadounidense Clifford Brown compuesto por temas grabados en 1953. Aparte de algunas grabaciones oscuras, el álbum representa los primeros temas grabados bajo la dirección de Brown.
La cita tuvo lugar justo una semana antes de que Brown partiera hacia Europa, como miembro de la orquesta de Lionel Hampton. Al igual que Gigi Gryce, el saxofonista alto y compañero de Hampton, al que Brownie obligó a participar en esta sesión, el joven trompetista encontró pocas ocasiones para expresar su personalidad individual en una organización tan grande y monolítica. La oportunidad de grabar con un grupo pequeño y compacto, orientado a la creación de originalidad y relajación en lugar de intensidad y consternación, fue un cambio de escenario bienvenido para los dos jóvenes ansiosos.
Una tercera estrella de los Hampton’s también contribuyó a moldear esta cita. También estaba instalado desde hacía algún tiempo en la sección de trompetas de Hampton, pero es quizás más conocido como arreglista, y es en esta última capacidad que Quincy Jones, una nueva estrella de Boston, contribuyó con dos originales, “Wail Bait” y “Brownie Eyes”, para la sesión de Brown. Completa la primera línea Charlie Rouse, un tenor al que la mayoría de los aficionados recordarán del famoso cónclave de Tadd Dameron que produjo “The Squirrel”, “Our Delight”, “Dameronia”, etc. Charlie también ha sido escuchado en las orquestas de Duke Ellington, Dizzy Gillespie y otros.
En junio de 1956, Brown y Richie Powell se embarcaron en un viaje a Chicago para su próxima aparición. Nancy, la esposa de Powell, iba al volante para que Clifford y Richie pudieran dormir. Mientras conducía de noche bajo la lluvia por la Pennsylvania Turnpike, al oeste de Bedford, se presume que perdió el control del coche, que se salió de la carretera, falleciendo los tres en el accidente. Brown murió a los 25 años dejando atrás cuatro años completos de grabaciones.
El álbum es parte de ese trágicamente breve legado de uno de los más grandes músicos de la historia del jazz, que ayudaron a presentar al mundo al trompetista Clifford Brown, contribuyeron a su meteórico ascenso a la fama y establecieron un estándar increíblemente alto para las grabaciones de debut que las generaciones sucesivas han encontrado difícil de igualar.
Personnel:
Clifford Brown, trumpet;
Gigi Gryce, alto sax, flute;
Charlie Rouse, tenor sax;
John Lewis, piano;
Percy Heath, bass;
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=hn9mgjQXHvw
https://www.youtube.com/watch?v=3v8G0UskIKw
27)
* Un día como hoy (en el que nació en 1909 el saxofonista Lester Young), pero en 1962, Dexter Gordon en cuarteto grabó su estupendo álbum ‘Go!’.
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on August 27, 1962.
‘Go!’ es un álbum de estudio del músico de jazz Dexter Gordon con Sonny Clark (un excelente pianista de bop influenciado por Bud Powell y Thelonious Monk), el bajista Butch Warren y el batería Billy Higgins, grabado por Rudy Van Gelder en el estudio Van Gelder de Englewood Cliffs y publicado ese mismo año en Blue Note. Esta sesión no se grabó en una actuación en un club nocturno, pero, en su simetría informal, coincide con la atmósfera relajada que engendran las mejores de las realizadas de esa manera. Todos estaban realmente juntos, en todos los sentidos más positivos de esa palabra.
Desde su lanzamiento, ‘Go!’ ha recibido críticas muy positivas por parte de los críticos. El álbum se considera una auténtica obra maestra, en parte por la forma de tocar del líder, y en parte por el talento de los demás miembros de la formación. En sesiones de este calibre es tanto lo que hacen los solistas que el baterista y el bajista a menudo se ven eclipsados. Pero sin Higgins y Warren calentando al fondo éste no sería el álbum superior que es. Desde el principio de la grabación, apenas los primeros fraseos del primer tema, estuvo claro que ‘Go!’ es uno de esos discos que dejan impregnado de una estela mágica. La aportación de los músicos es crucial para el éxito del álbum con Dexter Gordon sobrevolando con su saxo por encima de sus acompañantes. Los discos de Dexter Gordon para el sello Blue Note tienen todos el mismo denominador común: son auténticas obras maestras.
Gordon sólo grabó otra sesión con esta misma formación en el transcurso de la misma semana (el 29 de agosto de 1962), que se publicó en el álbum ‘A Swingin' Affair’. Sonny Clark moriría poco después de esta sesión, en enero de 1963, a la edad de 31 años.
El álbum fue reeditado en marzo de 1999 y 20 años después seleccionado por la Biblioteca del Congreso para su conservación por ser cultural, histórica o estéticamente significativo.
Cuando Dexter Gordon grabó ‘Go!’ el jazz estaba se movía en muchas direcciones diferentes. John Coltrane y Miles Davis lideraban la explosión modal, Ornette Coleman y Cecil Taylor exploraban las posibilidades del free jazz disonante, y los organistas de soul-jazz de Filadelfia se inclinaban por una mezcla funky y groove de jazz y R&B. Gordon, sin embargo, seguía siendo un hard bopper comprometido, aunque ‘GO!’ no era en absoluto un calco del saxofón tenor de los años 40 y 50.
‘GO!’ llegó en un momento en que Gordon estaba disfrutando de un renacimiento a pesar de su publicitada adicción a la heroína y los periodos de encarcelamiento durante la década de 1950. Aunque Gordon fue uno de los saxofonistas bop más influyentes de la década de 1940, sólo grabó esporádicamente durante la década siguiente. Gordon, de hecho, estaba en libertad condicional en la prisión de Chino (California) cuando, en 1960, Cannonball Adderley produjo su álbum de regreso ‘The Resurgence of Dexter Gordon’ para el sello Jazzland, y al año siguiente, Gordon firmó con Blue Note.
Los álbumes de Blue Note de 1961-1965 están considerados como los más importantes de su carrera, Gordon seguía siendo bastante distintivo y reconocible, y muchas de sus influencias de la década de 1940 permanecieron (Coleman Hawkins y Lester Young). Sin embargo, en los álbumes a principios y mediados de los 60, se oye a Gordon incorporar elementos de Coltrane y Sonny Rollins, dos de los saxofonistas tenores más influyentes de esa época.
La influencia de Coltrane se percibe en selecciones de ritmo duro como "Cheese Cake" (una original de Gordon), "Second Balcony Jump" de Billy Eckstine y una interpretación estelar de "Love for Sale" de Cole Porter, donde Gordon combinó con éxito un ritmo brasileño con la pasión e intensidad del hard bop. Gordon pasó de ser una influencia primaria para Coltrane a estar influenciado por Coltrane. El maestro, en otras palabras, finalmente aprendió algunas cosas valiosas de sus alumnos.
A lo largo de su carrera, Gordon fue conocido por sus valientes interpretaciones a ritmo acelerado, así como por sus expresivas y tórridas baladas. Publicado por primera vez en 1919, el estándar de Julián Robledo "Three O'Clock in the Morning" es un vals popular en la década de 1920, tanto que el autor F. Scott Fitzgerald incluso lo mencionó en su famosa novela de 1925, "El Gran Gatsby". Y fue un gran éxito para el director de orquesta Paul Whiteman en 1922. Pero cuando Gordon grabó "Three O'Clock in the Morning" 40 años después la famosa versión de Whiteman, claramente no buscaba la nostalgia de los años 20. Interpretada a un interpretada a un cómodo tempo medio, la interpretación de Gordon de 1962 era hard bop en toda regla.
El álbum encontró a Gordon liderando un cuarteto acústico cohesivo. No es casualidad que, a pesar de toda su improvisación, suene tan centrado. Gracias a su trabajo pionero con el grupo de Ornette Coleman a finales de los 50 y principios de los 60, Higgins pasó a la historia como una figura crucial en el desarrollo del free jazz. Pero la mayoría de los de los álbumes en los que apareció Higgins durante esa época no eran vanguardistas y su impecable trabajo en ‘Go!’ demuestra por qué Gordon y muchos otros músicos de bop le tenían en tan alta estima. Lamentablemente, a Clark le quedaba menos de medio año de vida cuando apareció en ‘Go!’. Clark sufrió un fallo cardíaco, aparentemente causado por una sobredosis de heroína. Pero para alguien que murió tan joven, Clark dejó un largo e impresionante trabajo que incluía los álbumes que grabó para Blue Note como líder, así como su trabajo como como acompañante del clarinetista DeFranco, el saxofonista McLean y muchos otros.
Personnel:
Dexter Gordon, tenor sax;
Sonny Clark, piano;
Butch Warren, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=tzcl454jdhI
[La fecha del 27 de agosto fue, para Gordon, una especie de fetiche pues en otras tres ocasiones, ese día de muy diferentes años, hizo alguna grabación.
- En el "Hula Hut Club", Los Angeles, CA, en 1950, grabó con el ‘Sonny Criss Septet’, con Clark Terry, trumpet; Sonny Criss, alto sax; Dexter Gordon & Wardell Gray, tenor sax; Jimmy Bunn, piano; Billy Hadnott, bass; Chuck Thompson, drums & Damita Jo, vocal, el álbum ‘The Sonny Criss Memorial Album’.
- También, ese mismo día, en otra sesión en el mismo club, pero como ‘Wardell Gray All Stars’ con los mismos músicos sin vocalista, grabaron el álbum ‘Wardell Gray Memorial Album’.
- Y ya, en NYC, en 1970, Dexter Gordon, en cuarteto con Wynton Kelly, piano; Sam Jones, bass & Roy Brooks, drums, ese día grabó su álbum ‘The Jumpin' Blues’].
26)
** Un día como hoy, en 1965, John Coltrane, con su cuarteto de gala, grabó su álbum póstumo ‘Sun Ship’.
Recorded: August 26, 1965, at RCA Victor Studios, New York City.
‘Sun Ship’ es un álbum de jazz póstumo del saxofonista tenor John Coltrane grabado el 26 de agosto de 1965. ‘Sun Ship’ fue uno de los únicos álbumes que el cuarteto de John Coltrane grabó sin el ingeniero de sonido Rudy Van Gelder. Se reeditó como ‘Sun Ship: The Complete Session’, En esa reedición, "Amen" aparece inalterado, y hay tomas alternativas de los cinco temas, tomas incompletas y secciones de algunos títulos.
Junto con ‘First Meditations’, grabado una semana después, fue una de las últimas fechas de grabación del "Classic Quartet" de Coltrane con McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones. (Tyner dejó el grupo de Coltrane a finales de 1965 para formar su propio trío y trabajar con Tony Scott, y Jones se marchó en enero de 1966, uniéndose a la banda de Duke Ellington. La grabación se produjo poco después de una actuación de treinta y siete minutos de duración del cuarteto, con Archie Shepp añadido como segundo tenor, en el Soldier Field de Chicago, que fue descrita por Ben Ratliff como un famoso punto de ruptura, con una música irregular y vociferante.
‘Sun Ship’ consta de cinco pistas independientes, a diferencia de muchas otras obras de Coltrane de este período (por ejemplo, ‘Ascension’, ‘First Meditations’, ‘Om’, ‘Meditations’) que son suites o grandes obras individuales. Es probable que las cinco composiciones fueran bocetos más que arreglos completos, ya que Coltrane solía confiar en la capacidad de comunicación casi telepática del grupo para dar cuerpo a sus ideas. A veces no llevaba una melodía, sino una escala, se tocaba la escala y todo quedaba ahí. Ese nivel de creatividad está bien documentado aquí, en un conjunto de interpretaciones que, en conjunto, sirven para mostrar las habilidades de cada miembro del cuarteto.
‘Sun Ship’ fue la penúltima grabación del cuarteto más importante de John Coltrane (aunque tuvieron varias actuaciones en lo que quedó de año). Después de casi cuatro años juntos, esta banda había logrado una identidad colectiva vital. Cuando Coltrane se decantó por estilos rítmicos y melódicos métricamente libres (con melodías a menudo basadas en un acorde o en una breve serie de notas como temas), el pulso rítmico del cuarteto y la interacción colectiva evolucionaron en consecuencia. El tema que da título al disco se abre con un tema fragmentado. Garrison y Jones se agrupan de forma dramática en torno a la llamada del líder, y luego abstraen rítmicamente el pulso; dan a entender un ritmo central más que uno estatal. Tyner elabora un solo monumental, lleno de modulaciones aplastantes y de líneas sencillas acaloradas. Coltrane vuelve a entrar a toda máquina, alternando gritos de registro superior estrangulados con crujientes declamaciones de bajo, utilizando multifónicos y altissimos mientras el ritmo levitante hierve a su alrededor. Garrison y Jones aparecen en "Ascent" y "Attaining", donde revelan nuevas y atrevidas soluciones para entrar y salir del tempo, y manipular las dinámicas mientras mantienen un flujo y reflujo amorfo pero autoritario. Las olas giratorias y oceánicas de "Dearly Beloved" sugieren exploraciones baládicas anteriores como "Alabama", con el tenor agudo de Coltrane proporcionando un foco melódico tenso para los ritmos de múltiples capas, casi rituales, que le rodean. Las grandes olas de acordes y el movimiento contrapuntístico de Tyner llegan a un clímax explosivo antes de que el saxofonista vuelva a entrar para llevarlos a casa. En "Amen", el saxofonista anuncia un tema modal que evoca el swing, pero lo refracta a través del free jazz. A la vez que un resumen para este cuarteto, ‘Sun Ship’ es también un emocionante, aunque inacabado preludio del último periodo de transformación de Coltrane.
Personnel:
John Coltrane, tenor sax;
McCoy Tyner, piano;
Jimmy Garrison, bass;
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=wWtJ426Tbj0
23)
* Un día como hoy, en 1957, John Coltrane con el trío de red Garland, grabaron el álbum ‘Traneing In’, denominado al principio como ‘John Coltrane with the Red Garland Trio’.
Recorded: August 23, 1957, at Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.
‘John Coltrane with the Red Garland Trio’ es el tercer álbum de estudio del músico de jazz John Coltrane. Se publicó en Prestige Records. Se reeditó algún año después como ‘Traneing In’, con un diseño de portada diferente. Y el álbum fue reeditado posteriormente incluyendo un bonus track grabado por el mismo personal en el mismo estudio el 7 de febrero de 1958.
Para este álbum Coltrane (saxo tenor) unió sus fuerzas a las de su compañero de sello Prestige, Red Garland (piano), para comandar un cuarteto a través de una reunión de cinco temas apoyado por una sección rítmica de Paul Chambers (bajo) y Art Taylor (batería). La ausencia de instrumentistas no esenciales fomenta un enfoque decididamente concertado de Coltrane, que toca con medidas iguales de confianza y libertad. El original de Coltrane "Traneing In" es un blues entusiasta que ejemplifica la singularidad musical entre Coltrane y Garland. Aunque el pianista toma el mando desde el principio, la estructura del arreglo permite que el tenor construya su solo sin problemas a partir del de Garland, aumentando progresivamente la intensidad, pero sin perder nunca el bop subyacente de la canción. Chambers entra entonces en acción con una carrera efervescente que cita la favorita de la temporada "Santa Claus Is Coming to Town". La conmovedora "Slow Dance" es una balada oscura con una melodía sencilla y refinada que establece Coltrane. Le da el relevo a Chambers, y luego a Garland -cuyo estilo y gracia respectivos son prácticamente indescriptibles- antes de llevarlo a casa con una última estrofa. "Bass Blues" es la segunda canción de Coltrane en el álbum. Desde el complicado riff inicial, la melodía ligeramente asimétrica muestra la habilidad de Chambers para reflejar incluso las líneas más intrincadas o aparentemente improvisadas de Coltrane. El ritmo de medio tiempo es un trampolín para las invenciones espontáneas del tenor, que se relaciona con un Garland alegre y listo junto con el arco sin límites de Chambers. "You Leave Me Breathless" ofrece todo lo que una canción de amor debería ofrecer, con largas y lánguidas ejecuciones de Coltrane, Garland y lo que posiblemente sea Paul Chambers en su mejor momento. Pocos pasajes pueden igualar la gracia y el majestuoso refinamiento del bajista mientras pilota el proceso tras el firme metrónomo de Taylor y las luminosas y efectivas composiciones de Garland. El álbum llega al final con el sueño del amante del bebop, una interpretación rápida y furiosa del clásico de Irving Berlin "Soft Lights and Sweet Music". Está claro que Coltrane sobresale en este contexto, estableciendo sus grupos de notas más rápidamente de lo que el oyente puede absorber. Son demarcaciones claras que apuntan a los notables avances sonoros que Coltrane propugnaba. Y aunque pasarían algunos años antes de que diera el salto al free jazz en toda regla, las raíces pueden rastrearse claramente aquí.
Personnel
John Coltrane – tenor saxophone
Red Garland – piano
Paul Chambers – bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=-eLj4Ln4PeA
22)
* Un día como hoy, en 1958, Eric Dolphy, con el combo de Chico Hamilton, grabó el álbum ‘The Original Ellington Suite’. [No confundir con ‘Ellington Suite’ (*) con Hamilton y sin Dolphy].
Recorded: August 22, 1958, Los Angeles, CA.
‘The Original Ellington Suite’ es un álbum del quinteto del baterista y director de orquesta Chico Hamilton, grabado en 1958 pero que no se publicó en el sello Pacific Jazz hasta el año 2000. El álbum fue archivado y Hamilton grabó otro conjunto de temas de Ellington con un grupo diferente que se publicó como ‘Ellington Suite’ en 1959.
[(*) ‘Ellington Suite’ es un álbum del sexteto del baterista y director de orquesta Chico Hamilton, con la participación del multiinstrumentista Buddy Collette, publicado por el sello World Pacific. Hamilton grabó el álbum para reemplazar las grabaciones de 1958, que no se publicaron hasta mucho después].
Por lo tanto, Chico Hamilton grabó la Suite Ellington dos veces. La primera en agosto de 1958 (con Eric Dolphy), y otra en enero de 1959 (con diferentes músicos). La primera grabación permaneció inédita durante años, a excepción de algunos temas que se publicaron en un LP antológico. Cuando el productor de la primera reedición, Michael Cuscuna, investigó todas las cintas conocidas del sello atribuidas a Chico Hamilton, todo lo que encontró fueron tres números editados de esta sesión, dos de los cuales habían aparecido en una compilación, versiones editadas emitidas en el sello Pacific Jazz y otro sólo en una versión editada de otro tema que apareció por primera vez en un sampler de radio de Pacific Jazz.
Esta edición procede de una prueba encontrada en Inglaterra, las cintas maestras se perdieron hace tiempo, aparte de los temas que aparecieron anteriormente en la caja de Mosaic. Se debe a la suerte de un residente canadiense que estaba rebuscando en un contenedor de discos usados en su ciudad natal de Brighton, Inglaterra, donde encontró una copia de ‘The Ellington Suite’ con el personal listado de una sesión posterior y una prensada de prueba en blanco casi nueva de lo que resultó ser la versión original de Chico Hamilton con Dolphy, perdida hace tiempo. En 1995 John Cobley, residente en Victoria, B.C., hizo un viaje a su Brighton natal, Inglaterra, donde se encontró con una prueba de impresión de las grabaciones de Hamilton con Dolphy. Lo puso en conocimiento de los responsables de Capitol Records y ahí está, ‘The Original Ellington Suite’ y ésta es, por tanto, la única edición que contiene las tomas completas con Eric Dolphy.
El Chico Hamilton Quintet, reconfigura once piezas del popular espectáculo de Broadway ‘South Pacific’ en nuevos patrones de sonido y ritmo. Chico explicó que habían mantenido los sonidos de jazz allí donde debía haber jazz. Las melodías fueron extremadamente difíciles de arreglar porque la mayoría eran buenas y sencillas; una de las cosas más difíciles en la música es conservar la sencillez. Los arreglos de Hal Gaylor y John Pisano, nos dejaron una de las interpretaciones más felices de este espectáculo.
La principal importancia del disco es la aparición de Dolphy. Aparte de algunos trabajos que hizo en selecciones de la big band de Roy Porter grabadas en 1949, ésta es su primera aparición en disco. En 1949, Charlie Parker había influido en la forma de tocar el contralto de Dolphy y de Sonny Criss, que había desarrollado su propia variante del estilo de Parker, e improvisaba de una manera muy dura y legato. En 1958, el trabajo de Dolphy, aunque tiene algo en común con el de Cannonball Adderley, casi había alcanzado el grado de gran originalidad que mostró uno o dos años más tarde, cuando empezó a recibir elogios de la crítica.
Aunque el productor Richard Bock pudo pensar que la forma de tocar de Dolphy era a veces demasiado radical, la historia demuestra que estaba equivocado. La improvisación de Dolphy es excelente, pero, excepto en "It Don't Mean a Thing", contenida, lo que no es sorprendente, ya que Hamilton tenía un grupo de jazz de cámara. Su suave saxo alto es un ingrediente clave de "In a Sentimental Mood", mientras que su fraseo único es fundamental en la oscilante "Just A-Sittin'and A-Rockin'". La flauta de Dolphy no es tan agresiva como lo sería en los años siguientes, pero su forma de tocar en "Everything but You" proporciona un adelanto de lo que vendría más adelante en su carrera. El clarinete de Dolphy se entrelaza con el solo de violonchelo de Nate Gershman en la encantadora "Day Dream". Por supuesto, el trabajo del guitarrista John Pisano, el bajista Hal Gaylor y el líder no debe ser ignorado, ya que su musicalidad es también de primer orden.
Estas grabaciones de jazz de cámara sin piano de Chico Hamilton para Pacific Jazz entre 1955 y 1959 son hitos importantes, pero el descubrimiento de ésta de fecha perdida hace tiempo se suma a sus muchos logros.
Personnel:
Chico Hamilton – drums
Eric Dolphy - alto saxophone, flute, clarinet
Nathan Gershman – cello
John Pisano – guitar
Hal Gaylor – bass.
https://www.youtube.com/watch?v=LQBdNauQK6I
19)
* Un día como hoy, en 1960, Eric Dolphy con ‘The Latin Jazz Quintet’ grabaron su álbum ‘Caribé’.
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, August 19, 1960.
‘Caribé’ es un álbum del Latin Jazz Quintet con Eric Dolphy que fue grabado en 1960 y publicado en el sello New Jazz en febrero de 1961.
Caribè muestra al gran multiinstrumentista Eric Dolphy en el inesperado contexto de un combo de Latin Jazz. Una fascinante combinación de elementos aparentemente distantes donde la maestría de Dolphy brilla a través de cada armonía y groove mostrado por este sólido quinteto de Latin-Jazz con Juan Amalbert - congas, Gene Casey - piano, Charlie Simons - vibráfono, Bill Ellington - bajo y Manny Ramos - batería, timbales
El volátil Eric Dolphy, un serio lamento en el saxo alto y aún más idiosincrásico y radical en el clarinete bajo, irrumpe en la guarida del Latin Jazz Quintet de Juan Amalbert y no los perturba en lo más mínimo. El pianista Gene Casey y el vibrafonista Charlie Simons producen constantemente buenos solos, pero la voz más fuerte de la fecha es la de Eric, tanto porque su viento es intrínsecamente el instrumento más fuerte del grupo, como porque sus ideas y su personalidad musical son las más contundentes. Sin embargo, no se aprovecha de estas circunstancias para dominar las actuaciones, toca con el grupo, en el mejor sentido de la expresión, pero no sacrifica su propio enfoque personal de la interpretación. La misma filosofía que hizo que sus discos con [Chico] Hamilton tuvieran éxito en general es evidente, y las grabaciones resultantes son interesantes y satisfactorias.
El tema que da título al disco es una auténtica esquizofrenia, el LJQ se pasea en un blues con acento de conga mientras Dolphy dispara por todas partes con el saxo alto. Incluso el más animado "Mambo Ricci" tiene el mismo tipo de dinámica de grupo; Dolphy en llamas, Gene Casey tranquilo y deliberado al piano. Sólo en "Spring Is Here", donde Dolphy cambia a una flauta de tono contemplativo, encontramos un punto de encuentro equilibrado, aunque su solo de flauta en "Sunday Go Meetin'" vuelve a salirse del camino. No es, pues, una combinación ideal, pero sin duda es fascinante.
Personnel:
Eric Dolphy, alto sax, flute, bass clarinet;
Charlie Simons, vibes;
Gene Casey, piano;
Bill Ellington, bass;
Manny Ramos, drums, timbales;
Juan Amalbert, congas.
https://www.youtube.com/watch?v=FrULiJkJbZw
* Y un día como hoy, y los siguientes, en 1969, Miles Davis, con su banda, comenzó la grabación de su seminal álbum ‘Bitches Brew’ para Columbia, recopilado como ‘The Complete Bitches Brew Sessions’ incluyendo más sesiones, temas de otros álbumes, temas inéditos y distintos músicos.
Recorded:
August 19, 20 & 21,1969, at Columbia Studio B, New York City
November 19 & 28,1969 at Columbia Studio E, New York City
January 27, 28 & February 6, 1970; Columbia Studio B, New York City.
‘Bitches Brew’ es un álbum de estudio del trompetista, compositor y director de orquesta estadounidense Miles Davis. Se grabó entre el 19 y el 21 de agosto de 1969 en el Estudio B de Columbia en la ciudad de Nueva York y fue publicado el 30 de marzo de 1970 por Columbia Records. Supuso la continuación de su experimentación con los instrumentos eléctricos que había presentado en su anterior disco, el aclamado ‘In a Silent Way’(1969). Con estos instrumentos, como el piano eléctrico y la guitarra, Davis se apartó de los ritmos tradicionales del jazz en favor de arreglos sueltos, con influencia del rock, basados en la improvisación. El productor Teo Macero editó y recopiló los temas finales.
Al principio, el álbum recibió una respuesta comercial y de la crítica mixta, pero cobró impulso y se convirtió en el álbum de Davis con mayor éxito, ganó un premio Grammy y se convirtió en el primer álbum de oro de Davis (luego de platino).
En los años siguientes, ‘Bitches Brew’ fue reconocido como uno de los mejores álbumes de jazz y un progenitor del género de jazz rock, así como una gran influencia en los músicos de rock y crossover de los años 70. En 1998, Columbia publicó ‘The Complete Bitches Brew Sessions’, una caja de cuatro discos que incluye el álbum original y material inédito.
En 1969, el núcleo de la banda de trabajo de Davis estaba formado por Wayne Shorter al saxo soprano, Dave Holland al bajo, Chick Corea al piano eléctrico y Jack DeJohnette a la batería. El grupo, sin DeJohnette, grabó ‘In a Silent Way’, en el que también participaron Joe Zawinul, John McLaughlin, Tony Williams y Herbie Hancock. El álbum marcó el inicio del "periodo eléctrico" de Davis, incorporando instrumentos como el piano y la guitarra eléctricos y estilos de jazz fusión. Para su siguiente álbum de estudio, Davis deseaba explorar aún más su estilo electrónico y de fusión. Mientras estaba de gira con su quinteto desde la primavera hasta agosto de 1969, introdujo nuevas piezas para que su banda las tocara, incluyendo las primeras versiones de lo que se convirtió en "Miles Runs the Voodoo Down", "Sanctuary" y "Spanish Key". En este punto de su carrera, Davis estaba influenciado por la música rock y funk contemporánea, por la forma de tocar de Zawinul con Cannonball Adderley y por el trabajo del compositor inglés Paul Buckmaster.
En agosto de 1969, Davis reunió a su banda para un ensayo, una semana antes de las sesiones de grabación previstas. Además de su quinteto, se les unieron Zawinul, McLaughlin, Larry Young, Lenny White, Don Alias, Juma Santos y Bennie Maupin. Davis había escrito líneas de acordes sencillas, al principio para tres pianos, que amplió en un esbozo de una composición a mayor escala. Presentó al grupo algunos "esbozos musicales" y les dijo que podían tocar cualquier cosa que se les ocurriera, siempre que tocaran a partir de los acordes elegidos. Davis no había arreglado cada pieza porque no estaba seguro de la dirección que iba a tomar el álbum y lo que se produjo procedía de un proceso de improvisación.
Davis reservó el Estudio B de Columbia en la ciudad de Nueva York del 19 al 21 de agosto de 1969. La sesión del 19 de agosto comenzó a las 10 de la mañana, la banda intentó primero "Bitches Brew". Todos se colocaron en medio círculo con Davis y Shorter en el centro.
Como era habitual en las sesiones de grabación de Davis durante este periodo, los temas se grababan por secciones. Davis daba unas pocas instrucciones: un recuento del tempo, unos cuantos acordes o una pista de melodía, y sugerencias sobre el estado de ánimo o el tono. A Davis le gustaba trabajar de este modo; pensaba que obligaba a los músicos a prestar mucha atención a los demás, a sus propias interpretaciones o a las indicaciones de Davis, que podían cambiar en cualquier momento. En los momentos más tranquilos de "Bitches Brew", por ejemplo, se oye la voz de Davis dando instrucciones a los músicos: chasqueando los dedos para indicar el tempo o indicando a los individuos cuándo deben hacer un solo. "John McLaughlin" y "Sanctuary" también se grabaron durante la sesión del 19 de agosto. Hacia el final, el grupo ensayó "Pharaoh's Dance".
A pesar de su reputación de improvisador melódico y "cool", gran parte de la interpretación de Davis en este álbum es agresiva y explosiva, a menudo tocando carreras rápidas y aventurándose en el registro superior de la trompeta. Su solo final en "Miles Runs the Voodoo Down" es especialmente destacable en este sentido. Davis no actuó en la breve pieza "John McLaughlin".
‘Bitches Brew’ también fue pionera en la aplicación del estudio como instrumento musical, presentando montones de ediciones y efectos de estudio que formaban parte integral de la música. Miles y su productor, Teo Macero, utilizaron el estudio de grabación de formas radicalmente nuevas, sobre todo en la canción que da título al disco y en la que lo abre, "Pharaoh's Dance". Había muchos efectos especiales, como bucles de cinta, retardos de cinta, cámaras de reverberación y efectos de eco. A través de la edición intensiva de la cinta, Macero ideó muchas estructuras musicales totalmente nuevas que luego fueron imitadas por la banda en los conciertos en vivo. Macero, que tiene una formación clásica y probablemente se inspiró en los experimentos de la musique concrète francesa de los años 50 y 60, utilizó la edición de cintas como forma de arreglo y composición. Por tanto, ‘Bitches Brew’ no sólo se convirtió en un polémico clásico de la innovación musical, sino que también se hizo famoso por su uso pionero de la tecnología de estudio.
Aunque ‘Bitches Brew’ fue revolucionario en muchos aspectos, quizá su innovación más importante fue la rítmica. La sección rítmica de esta grabación consta de dos bajistas (uno toca el bajo y el otro el contrabajo), dos o tres baterías, dos o tres pianistas eléctricos y un percusionista, todos ellos tocando al mismo tiempo. Davis otorga a la sección rítmica un papel central en las actividades del conjunto. El uso de una sección rítmica tan grande ofrece a los solistas espacios amplios pero activos para sus solos.
Las voces solistas que más se escuchan en este álbum son la trompeta y el saxo soprano, respectivamente de Miles y Wayne Shorter. También destaca el clarinete bajo de Bennie Maupin, presente en cuatro temas.
‘Bitches Brew’ definió y popularizó el género del jazz fusión, también conocido como jazz-rock, pero fue odiado por algunos puristas.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Bennie Maupin, bass clarinet;
Wayne Shorter, soprano sax;
Chick Corea, Joe Zawinul, electric piano;
John McLaughlin, guitar;
Dave Holland, electric bass, bass;
Harvey Brooks, electric bass;
Jack DeJohnette & Lenny White, drums;
Don Alias, congas, percussion, drums.
[Other musicians:
Khalil Balakrishna – Sitar
Ron Carter - Bass
Billy Cobham - Drums, Triangle
Steve Grossman - Soprano saxophone
Herbie Hancock - Electric piano
Airto Moreira - Berimbau, Cuíca, Percussion
Bihari Sharma - Tabla, Tamboura
Juma Santos (aka “Jim Riley”) - Conga, Shaker
Larry Young - Organ, Celeste, Electric piano].
https://www.youtube.com/watch?v=SbCt-iXIXlQ
Página web:
https://jazztimes.com/features/profiles/miles-davis-and-the-making-of-bitches-brew-sorcerers-brew/
18)
* Un día como hoy, en 1954, Sonny Rollins en quinteto con Kenny Dorham, grabaron los temas principales de su álbum ‘Moving Out’.
Recorded. August 18 and October 25, 1954, at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.
‘Moving Out’ es un álbum del saxofonista de jazz Sonny Rollins. Este fue su segundo álbum para Prestige Records, con Kenny Dorham, Elmo Hope, Percy Heath y Art Blakey, y un tema en cuarteto con Thelonious Monk, Tommy Potter y Art Taylor.
Los primeros 4 temas, del 18 de agosto, habían aparecido originalmente en el álbum ‘Sonny Rollins Quintet Featuring Kenny Dorham’ y el último tema, del 25 de octubre, había aparecido en el ‘Sonny Rollins and Thelonious Monk’.
Las colaboraciones entre Sonny Rollins y cualquier trompetista eran escasas, pero incluían a personajes notables como Miles Davis, Don Cherry, Clifford Brown y, en este caso, su primera asociación en tándem con Kenny Dorham. Por aquel entonces, ambos eran también miembros del Max Roach Quintet, y por tanto conocían bien los puntos fuertes del otro. Si se añade a la mezcla el baterista Art Blakey, el bajista Percy Heath y el pianista emergente de jazz moderno Elmo Hope, este es uno de los combos más potentes de 1954. Es una música bastante sencilla con Rollins, con poca participación de Dorham excepto en los solos. El rápido tema del título, basado en los cambios de "Donna Lee" o "Indiana", tiene la línea melódica más breve antes de que Rollins se lance a la locura de las corcheas, mientras que el flojísimo "Swingin' for Bumsy" hace lo mismo, repitiendo tres veces la frase más fina. Un clásico de todos los tiempos, "Solid" tiene a los dos vientos juntos, tocando un pensamiento establecido y bluesero al unísono, una belleza en la economía, mientras que la balada obligatoria "Silk 'n' Satin" es todo Rollins envuelto en una tela de brillo y suavidad. Hay un tema que, por alguna razón, cuenta con una banda totalmente diferente, ya que "More Than You Know" abarca 11 minutos completos de este programa, que en total dura algo menos de 32 minutos. Esta melodía inconfundible está envuelta por Rollins y Thelonious Monk, con el bajista Tommy Potter y el baterista Art Taylor como apoyo para una melodía que es diferente a las demás en estilo y textura. ‘Moving Out’ contiene buena música, especialmente para la época.
Personnel:
Kenny Dorham, trumpet;
Sonny Rollins, tenor sax;
Elmo Hope, piano;
Percy Heath, bass;
Art Blakey as "Abdullah Buhaina", drums.
https://www.youtube.com/watch?v=UM0upNcJEYM
* Y un día como hoy, en 1957, también Kenny Dorham, con el quinteto de Hank Mobley, grabaron el álbum ‘Curtain Call’ (aka ‘Hank Mobley Quintet Featuring Sonny Clark’), temas recogidos así mismo en recopilaciones posteriores.
Recorded on August 18, 1957, at Van Gelder Studio, Hackensack.
‘Curtain Call’ es un álbum del saxofonista de jazz Hank Mobley, publicado por el sello japonés Blue Note en 1984. Fue grabado el 18 de agosto de 1957 y cuenta con Mobley, el trompetista Kenny Dorham, el bajista Jimmy Rowser, el pianista Sonny Clark y el baterista Art Taylor.
Hoy en día sólo podemos especular sobre la razón por la que tantas sesiones de Blue Note no se publicaron originalmente.A veces el productor de Blue Note consideraba que una sesión concreta no merecía ser publicada. Aunque ni la forma de tocar ni la de componer están al nivel del aclamado ‘Soul Station’ de Mobley de 1960, ‘Curtain Call’ es, sin embargo, un buen trabajo, aunque sólo se publicó en 1984 en Japón.
Kenny Dorham, que al igual que Mobley había trabajado en el grupo de Max Roach, aparece en la trompeta. (Dorham y Mobley también habían grabado juntos en una sesión anterior de Mobley para el sello Prestige). Lo más destacado es la balada "Deep in a Dream", que sería regrabada cuatro años más tarde con Ike Quebec para incluirla en el gran LP ‘Leapin' and Lopin'’ de Sonny Clark. Los originales de Hank, "Curtain Call" y "The Mobe", son líneas de bop vivas y agradables. A pesar de una tendencia ocasional a que la articulación relajada de Mobley suene un poco lánguida, su forma de tocar es generalmente agradable, y su escritura exhibe carácter, madurez y un enfoque rítmico único para elaborar melodías memorables.
Personnel:
Kenny Dorham, trumpet
Hank Mobley, tenor sax
Sonny Clark, piano
Jimmy Rowser, bass
Art Taylor, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=xwFGesNKSYU
16)
* Un día como hoy, en 1957, John Coltrane grabó en trio temas de su álbum ‘Lush Life’, otros temas grabados en quinteto y cuarteto se añadieron al álbum en su edición por Prestige. También se recogieron en el álbum posterior ‘The Last Trane’.
Recorded: May 31, 1957, August 16, 1957 & January 10, 1958, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Lush Life’ es un álbum del músico de jazz John Coltrane, publicado a principios de 1961 por Prestige Records, que se compuso a partir de pistas no publicadas anteriormente de tres sesiones de grabación en el estudio Van Gelder de Hackensack, Nueva Jersey, en 1957 y 1958. A medida que el perfil de Coltrane aumentaba durante la década de 1960, algunos años después de la finalización de su contrato con Prestige, el sello utilizó grabaciones no publicadas para crear nuevos álbumes sin la participación o la aprobación de Coltrane.
‘Lush Life’ es uno de los mejores trabajos de John Coltrane en el sello Prestige. Una de las razones puede atribuirse fácilmente al interesante personal y a la consiguiente falta de un teclista para la sesión del 16 de agosto de 1957 que dio lugar a la mayor parte del material. Coltrane (saxo tenor) tuvo que liderar esencialmente el compacto trío formado por él mismo, Earl May (bajo) y Art Taylor (batería). El formato sin piano es sorprendentemente completo y los solos de Coltrane son a la vez divertidos y reflexivos. La interpretación de May y Taylor es cálida y robusta y complementa perfectamente el lirismo musculoso de Coltrane, inspirado en el R&B. El ambiente íntimo es perfecto para baladas como la que abre "Like Someone in Love". Coltrane no tiene que complementar la frecuente redundancia inherente a los pianistas, por lo que tiene mucho espacio para expresarse a través de pasajes simples y adornados. Unificando la resbaladiza síncopa y la sensación ligeramente oriental de "I Love You" está la capacidad prevalente del tenor para realizar arreglos de cabeza impecables, si no francamente inspirados, que emergen singulares y claros, sin sonar nunca preconcebidos. Incluso a un ritmo acelerado, la sección rítmica estimula hábilmente el ritmo de fondo sin interferir. Una comparación cuidadosa revelará que "Trane's Slo Blues" es en realidad una derivación bastante evidente (o posiblemente una toma diferente) de "Slowtrane". El blues a medio tiempo está respaldado por un tono desenfadado. May proporciona una plataforma para las carreras equilibradas de Coltrane antes de que el tenor se retire, permitiendo que tanto May como Taylor tengan la oportunidad de brillar. Las divertidas travesuras del gato y el ratón continúan cuando se oye a Taylor animar al tenor a subir la apuesta y el tempo, lo que hace con gran efecto.
El tema que da título al disco es un tour-de-force descaradamente romántico y de estilo cinematográfico que cautiva completamente. La lectura de prácticamente un cuarto de hora de "Lush Life" de Billy Strayhorn no sólo es el punto central de este álbum, sino que está considerada con razón como una de las obras maestras incondicionales de Coltrane. La interpretación data del 10 de enero de 1958, cuando Coltrane se sienta con Red Garland (piano), Donald Byrd (trompeta), Paul Chambers (bajo) y Louis Hayes (batería). Coltrane maneja las delicadas complejidades de la melodía con infinito estilo y delicadeza. Garland también brilla (elegante y delicado trabajo de piano), mientras que el solo de Byrd ofrece una alternativa tonal. Grabado en la misma época que ‘Blue Train’, una de las mayores obras maestras de Coltrane, ‘Lush Life’ es un ejemplo perfecto de la primera forma de tocar del maestro en su máxima sensibilidad y exuberancia.
Hay que señalar que la lectura aquí no incluye la voz de Johnny Hartman. Esa versión se puede encontrar en el siempre imaginativo nombre de ‘John Coltrane & Johnny Hartman’ (1963).
Personnel:
John Coltrane – tenor saxophone
Earl May – bass
Art Taylor – drums
&
John Coltrane – tenor saxophone
Red Garland – piano
Paul Chambers – bass
Louis Hayes & Albert Heath – drums
Donald Byrd – trumpet
https://www.youtube.com/watch?v=zi3NOGtmvtQ
https://www.youtube.com/watch?v=AG-68zLGW_c
15)
* Un día como hoy, en 1962, Sam Jones continuó grabando temas para su álbum ‘Down Home’. Temas recogidos posteriormente con los de otros álbumes en la recopilación ‘Right Down Front: The Riverside Collection’.
Recorded: June 25 and August 15 & 16, 1962, New York City.
‘Down Home’ es el tercer álbum del contrabajista y violonchelista Sam Jones, grabado en 1962 y publicado en el sello Riverside.
La crítica señaló que ésta es una excelente música basada en el hard bop, en la que Jones improvisa a contracorriente de la orquesta con un efecto revelador.
Por su parte, ‘Right Down Front - The Riverside Collection’ es una recopilación en el sello Original Jazz Classics con pistas de los lanzamientos originales en Riverside Records de: "Soul Society" grabado el 8 & 9 de marzo de 1960, "The Chant" grabado el 13 & 26 de enero de 1961 y "Down Home" grabado el 25 de junio y el 15 & 16 de agosto de 1962.
Una colección de composiciones extraídas de álbumes anteriores, con músicos como Frank Strozier, Nat Adderley, Ernie Wilkins, Charles Davis, Tate Houston, Pat Patrick, Israel Crosby, Ketter Betts, Ron Carter, Sam Jones, Nat Adderley, Ben Riley, Louis Hayes, Vernell Fournier, Jack Higgins, Ray Fowler, Keter Betts, Bobby Timmons, Joe Zawinul, Victor Feldman, Wynton Kelly, Jimmy Heath, Jimmy Cleveland, Melba Liston, Blue Mitchell, Clark Terry, Snooky Young y Victor Feldman.
Para esa recopilación de pequeñas actuaciones de big-band, el bajista Sam Jones -reconocido desde hace tiempo por su capacidad para anclar y dar swing a una sesión- fundamenta de forma fiable una colección de arreglos que tienen afinidad con Count Basie Band de principios de los 60. Los temas pertenecen a tres álbumes que Jones grabó en ls 60’s durante su estancia en el grupo de Cannonball Adderley. Junto al bajista están varios miembros de la banda de Adderley, como el propio Cannonball, su hermano Nat, el batería Louis Hayes y los pianistas Bobby Timmons y Joe Zawinul. A ellos se suman otros miembros del hard bop, como el tenor Jimmy Heath y el trompetista Blue Mitchell.
Cuando Jones entra en escena, lo hace con el violonchelo, que toca en cinco de los 11 temas. Tiene una gran facilidad para tocar este pequeño instrumento, igual que cualquiera de sus intérpretes, desde Oscar Pettiford hasta Ron Carter. Dicho esto, su tono, posiblemente debido a la grabación, es frecuentemente seco y percusivo. El cálido y resonante trabajo del violonchelo en "'Round Midnight" es una excepción a esta situación. Los temas con Jones al bajo, tomando discretamente las riendas de la sección rítmica, son las interpretaciones más satisfactorias. Lo más destacado es un ajuste de diez piezas para "Four" de Miles Davis y el único original de Jones en el conjunto, "Unit 7", un tema que grabó con la banda de Adderley. Unas cuantas piezas más del líder habrían sido bienvenidas, ya que Jones es un escritor de talento además de un bajista excepcional.
Personnel:
Sam Jones - double bass, cello
Les Spann - flute
Snooky Young, Blue Mitchell & Clark Terry – trumpet
Jimmy Cleveland - trombone
Frank Strozier - flute, alto saxophone
Jimmy Heath - tenor saxophone
Pat Patrick - baritone saxophone, flute
Wynton Kelly & Joe Zawinul – piano
Ron Carter & Israel Crosby - double bass
Vernel Fournier & Ben Riley – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=NpHL7W9U0ps
14)
* Un día como hoy, en 1947 (hace 75 años), jovencísimo Miles Davis, con sólo 17 años, graba a su nombre una de las sesiones históricas y germinales del Bebop. En New York y bajo el mecenazgo de Charlie Parker, este autoriza a su joven trompetista a liderar una sesión de grabación. El resultado es espectacular y Parker a partir de entonces consideraría a Miles su trompetista preferido.
A los 21 años lideró su primera grabación como líder, un 14 de agosto de 1947, de la que ahora se cumple el 75º aniversario, una sesión registrada bajo el nombre de Miles Davis All Stars en la que participó el mismísimo Charlie Bird Parker, tocando -otra rareza- el saxo tenor. Fueron los primeros pasos de un hombre destinado a revolucionar el jazz durante más de cinco décadas.
Miles Davis venía de colaborar en la banda de Charlie Parker y, de hecho, los músicos que reunió para esta primera sesión bajo su propio nombre fueron los músicos del ideólogo del bebop de aquel entonces, a saber, el mencionado Bird, el pianista John Lewis, el contrabajista Nelson Boyd y jovencísimo baterista llamado Max Roach. Con ellos grabó cuatro pistas a 78 rpm: “Milestones”, “Little Willie Leaps”, “Half Nelson” (¿Nelson Boyd? ¡Oh! Eso explica el título. La melodía se basa en los acordes de "Lady Bird" de Tadd Dameron) y “Sippin at Bells”, y la actitud de Miles nada tuvo que ver con la primera vez que entró a un estudio de grabación, un 24 de abril de 1945, cuando contaba con 18 años y para acompañar al cantante de blues Rubberlegs Williams, con la siguiente formación: Bass – Leonard Gaskin, Drums – Ed Nicholson, Piano –Teddy Brannon, Tenor Saxophone, Clarinet – Herbie Fields & Trumpet – Miles Davis. El autor de ‘Kind of Blue’ confesó en su autobiografía, elaborada junto al poeta y ensayista Quincy Troupe, que su primera vez estaba tan nervioso en la primera grabación de su vida que apenas podía tocar y que olvidó la mayoría de los detalles al relegar la experiencia, se ocultó tras la banda, apenas sintió la valentía de protagonizar solos y su soplo estuvo amordazado por los nervios. De hecho, Davis no toca ningún solo en la sesión sólo se le escucha como parte del conjunto.
Ambas sesiones, la del 45 y el 47, fueron publicadas en 1990 por el sello Savoy bajo el título de ‘First Miles’. Histórico y magnifico álbum recopilatorio del músico de jazz estadounidense Miles Davis, publicado 1990 por Savoy Records.
Davis ya había grabado varias sesiones en 1947 como miembro de la banda de Parker para los sellos Savoy y Dial, pero mientras Parker solía grabar sin ensayar, Davis hizo que el grupo ensayara el material dos veces antes de grabar. Davis compuso y arregló los cuatro temas, que se publicaron como singles bajo el nombre de ‘Miles Davis All-Stars’. Los cuatro temas también se han recopilado en numerosas compilaciones de Charlie Parker Savoy, como ‘Bird: The Savoy Recordings’. La siguiente sesión de grabación de Davis como líder sería la primera de las sesiones de ‘Birth of the Cool’ en 1949, tras haber dejado la banda de Parker.
Recorded: August 14, 1947 at Harry Smith Recording Studio, NYC
& April 24, 1945 at WOR Studio, NYC.
Personnel
Miles Davis All-Stars,
Miles Davis – trumpet
Charlie Parker – tenor sax
John Lewis – piano
Nelson Boyd – bass
Max Roach – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=kKbHFGUJbOk
https://www.youtube.com/watch?v=wc3Fr9De8tE
12)
* Un día como hoy, en 1969, el Art Ensemble of Chicago grabó su álbum ‘Message to Our Folks’.
Recorded: August 12, 1969, at Studio Saravah, Paris.
‘Message to Our Folks’ es un álbum de 1969 grabado en París para el sello francés BYG Actuel que cuenta con las actuaciones de Lester Bowie, Joseph Jarman, Roscoe Mitchell y Malachi Favors Maghostut.
El Art Ensemble de Chicago, la banda insignia de la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos, una de las bandas de vanguardia y free jazz más influyentes y duraderas de todos los tiempos. formado en 1966 y floreciente hasta 2010, el Art Ensemble se distinguió por sus singulares prácticas de actuación: sus miembros tocaban cientos de instrumentos en el escenario, recitaban poesía, representaban sketches teatrales y llevaban la cara pintada, máscaras, batas de laboratorio y trajes tradicionales africanos y asiáticos. El grupo, que se hizo con un público mundial y realizó giras por seis continentes, presentó su trabajo como un arte escénico experimental, en oposición a la estética tradicionalista de la industria del jazz.
En los años sesenta y setenta había mucho de este tipo de música negra, cortesía de artistas de free jazz como Archie Shepp y el Art Ensemble. Algunos de estos artistas eran considerados marginales por la corriente principal del jazz, pero álbumes como éste demuestran que el gran free jazz estaba tan apegado a la tradición como cualquier bopper. Para empezar, el nombre del álbum, ‘Message to our Folks’, implica un intento de expresar gratitud a los antepasados musicales. Además, el álbum lleva el subtítulo de "gran música negra". Y ciertamente hay una gran variedad de música. Desde el estilo evangélico de la primera canción, "Old-Time Religion", hasta una versión razonablemente directa de "Dexterity" de Charlie Parker (completa con una multitud de percusión al más puro estilo Art Ensemble), el álbum no puede ser definido. "Rock Out" hace lo propio con su pesada sensación rítmica, mientras que "A Brain for the Seine" es una típica escena parisina, con una verdadera sensación de ambiente, de banda sonora (y una gran armónica de blues). El conjunto está ejecutado con la sensación de diversión, pero seriedad que caracteriza a muchas de las grabaciones de los Art Ensembles de este periodo.
En ‘Message to Our Folks’, se comprueba una nueva teoría de la improvisación en grupo que explica cómo los miembros de la banda eran capaces de improvisar juntos en tantos estilos diferentes, al tiempo que recurrían a un amplio repertorio de composiciones anotadas.
Es de resaltar el modo en que su distintivo modelo de relaciones sociales mantuvo al grupo unido durante cuatro décadas.
Personnel
Bass [Fender], Bass, Banjo, Drum [Log Drum], Sitar [Cythar], Percussion – Malachi Favors Maghostut
Soprano Saxophone, Alto Saxophone, Bass Saxophone, Clarinet, Flute, Cymbal, Gong, Congas, Percussion [Logs], Bells, Siren, Whistle, Steel Drums – Roscoe Mitchell
Soprano Saxophone, Alto Saxophone, Clarinet, Oboe, Flute, Marimba, Vibraphone [Vibes], Congas, Bells, Whistle, Gong, Siren, Guitar – Joseph Jarman
Trumpet, Flugelhorn, Bass Drum, Horns – Lester Bowie.
https://www.youtube.com/watch?v=EyyaopZjuaQ
10)
* Un día como hoy, en 1964, Archie Shepp grabó en estudio su álbum homenaje a Coltrane, ‘Four for Trane’.
Recorded: August 10, 1964, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Four for Trane’ es un álbum de estudio del saxofonista tenor Archie Shepp publicado por Impulse. Cuatro de los cinco temas son reelaboraciones de piezas grabadas originalmente en 1959 y 1960 por John Coltrane, y publicadas en sus álbumes ‘Giant Steps’ (1960) y ‘Coltrane Plays the Blues’ (1962), reorganizadas por Shepp y el trombonista Roswell Rudd. Los otros intérpretes, un equipo de iconoclastas, son el trompetista Alan Shorter (hermano de Wayne, que aquí toca el flugelhorn), el saxofonista alto John Tchicai (compañero de Shepp en los New York Contemporary Five), el bajista Reggie Workman y el batería Charles Moffett (que había trabajado mucho con Ornette Coleman). El propio Coltrane coprodujo el álbum. El álbum fue el primer lanzamiento de Shepp para Impulse, y le seguirían más de una docena de lanzamientos adicionales en el sello. Shepp recordó sus esfuerzos por conseguir una fecha de grabación. Fue el resultado directo de la intervención de Coltrane y de su fe en el joven saxofonista tenor de Filadelfia. Respecto a la sesión de grabación, se hizo casi toma por toma, porque habían ensayado todas las noches durante meses.
Todas las alabanzas deben ser para Archie Shepp. Hoy en día, es casi el hombre olvidado, pero en 1964, cuando grabó ‘Four For Trane’ (su debut como líder), era uno de los pocos tenores jóvenes capaces de superar al gran tornado negro que era John Coltrane. Tomaron cuatro de los temas más conocidos del maestro y los hicieron nuevos.
Esta cita de Archie Shepp como líder incluía temas de su mentor, su mayor influencia y su líder de banda. El hecho de que este álbum se mantenga mejor que casi cualquiera de los discos de Shepp casi 40 años después tiene mucho que ver con la banda que eligió para esta sesión y todo que ver con las habilidades de arreglo del trombonista. Incluso en 1964, esto fue una potencia, comenzando con una versión de blues de "Syeeda's Song Flute". Esta versión es ingeniosa, con Shepp permitiendo a Rudd arreglar los solos para él y Tchicai al frente y Rudd metiendo el blues y el gospel en el medio, antes de dar paso al doble tiempo de Workman y Moffett. La crudeza del conjunto es muy casera. El arreglo de Rudd de "Naima" es también asombrosamente bello: rearmoniza la pieza para el tono de registro medio de Shepp, que hace su mejor Ben Webster y añade una etiqueta microtonal en la parte delantera y trasera, dislocando la melodía antes de que empiece y después de que termine, mientras la mantiene justo fuera del rango de la consonante en todo momento. El único original de Shepp aquí es "Rufus (Swung, His Face at Last to the Wind, Then His Neck Snapped)". No es un tema terriblemente sofisticado, pero funciona en el contexto de esta banda en gran medida por la destreza en los solos de todos los miembros -en particular Tchicai- aquí presentes. Apenas hay melodía, los cambios de tonalidad son acordes con los cambios de tempo y los armónicos son de la variedad de escala móvil. Sin embargo, hay blues; nadie puede profundizar en ellos y tocarlos mejor que Shepp. Cuando se trata de pura exuberancia y expresión, era una fuerza a tener en cuenta en su juventud, y se muestra en cada una de las melodías grabadas aquí.
‘Four for Trane’ es un álbum realmente bueno, original y duradero de un músico poco celebrado.
Uno de los álbumes clásicos de jazz de los años 60 y una fascinante visión de lo completamente diferente que podía sonar lo que ya se consideraba como la revolución Coltrane. Demuestra cuánta lealtad emocional siente Shepp que le debe a Trane. Pero incluso con esa reconocida lealtad, Archie es tan dueño de sí mismo que, finalmente, es imposible nombrar una influencia como la que le ha guiado, su rango de expresión es tan amplio que parece acoger o haber digerido la mayoría de las formas de tocar el saxofón tenor.
Personnel:
Archie Shepp – tenor saxophone
Alan Shorter – flugelhorn
John Tchicai – alto saxophone
Roswell Rudd – trombone, arranger
Reggie Workman – double bass
Charles Moffett – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=xGo8ZJIRTHk
9)
* Un día como hoy, en 1963, el trompetista Johnny Coles en sexteto, terminó de grabar su álbum ‘Little Johnny C’ para Blue Note.
Recorded at the Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey on July 18 and August 9, 1963.
Johnny Coles, otro músico secundario de toda la vida, hizo un breve avance con ‘Little Johnny C’ para Blue Note, pero sin una continuación, y sólo un puñado de otros títulos como líder. Poseedor de un tono claro, nítido y melancólico, algo en común con Miles Davis, que la crítica denominó lirismo herido del bebop, o un intérprete intensamente personal, reflexivo y penetrante, parte del selecto linaje de trompetistas de jazz líricos por excelencia, una línea de románticos disciplinados que incluye a Miles Davis y Freddie Webster.
La carrera musical de Coles comenzó en las grandes bandas de finales de los años 40 y 50: Jimmy Heath (codeándose con Trane y Benny Golson), Tadd Dameron, James Moody y Gill Evans. A mediados de los años 60, Coles había ganado el premio ‘Downbeat New Star’, un indicador temprano de talento, pero no un predictor del éxito futuro. Al igual que su compañero Ted Curson, la estrella de Coles brilló más como miembro del grupo de Mingus, junto a Eric Dolphy. Sin embargo, su etapa en Mingus incluyó sobre todo giras y nunca llegó al estudio de grabación, ni siquiera a la finalización de su gira con Mingus. De febrero a abril de 1964, Coles fue miembro del que quizás sea el mejor grupo de trabajo de Charles Mingus, pero nunca se grabó en un estudio, la banda se escuchó en conciertos universitarios y en una gira por Europa. Lamentablemente, Coles se desplomó en el escenario en París por una úlcera de estómago perforada, fue hospitalizado y la banda terminó la gira como quinteto, y nunca se volvió a unir a Mingus.
Coles reapareció en el Herbie Hancock Sextet de finales de los 60 (la trompeta se escucha en ‘The Prisoner’ de Blue Note) pero, a cambio de un sueldo regular, se separó para ocupar un puesto en la Orquesta de Ray Charles, y el eclipse de su posición en la New Star.
Las décadas siguientes vieron a Coles volver a las grandes bandas ya envejecidas: Duke Ellington, los ‘Jazz Messengers’ de Art Blakey de los años 70, ‘Dameronia’ de Tadd Dameron, la banda de repertorio Mingus Dynasty y la póstuma Count Basie Orchestra. Tal vez la vida en el banco de la big band le convenía, feliz de hacer una contribución, pero sin motivación para liderar. En los años 90, debido a su mala salud, Coles regresó a su ciudad natal, Filadelfia, donde murió a finales de 1997.
Leo Wright, por su parte, es un competente intérprete de contralto y flauta, colocado aquí para complementar el tenor de tono duro del joven Joe Henderson, Wright comenzó en un camino similar al de Johnny Coles, recogiendo también un premio ‘Downbeat’, pero desapareciendo a Europa en 1963 sin hacerse un nombre en los Estados Unidos. Se trasladó primero a Escandinavia, estableciéndose en Berlín en 1964, y en las décadas siguientes tocó prolíficamente en festivales de jazz en Alemania, Suiza, Yugoslavia y con diversos grupos de músicos, en su mayoría europeos, o estadounidenses de visita. Más tarde se instaló en Viena y se retiró de la música durante un tiempo, pero su regreso a finales de los 80 se vio truncado por un fatal ataque al corazón en 1991.
Es difícil no escuchar éste como un álbum de Duke Pearson, con cinco composiciones suyas, (todas las composiciones son de Duke Pearson, salvo una de Joe Henderson), y el toque seguro de Pearson en los arreglos, esencial con un sexteto con tres músicos de metal y algunas melodías muy marcadas. La trompeta quejumbrosa y ligeramente melancólica de Cole es la voz principal, que contrasta con el tono duro y abrasivo del joven Henderson, cosido por los acentos de buen gusto y los arpegios ondulantes de Pearson.
Las composiciones son todas delicias inventivas, de tempo y presentación variados a lo largo del espectro del bop, que van desde el brío urbano de la canción que da título al álbum hasta la tierna "How Sweet My Little Girl", una canción que se vuelve aún más conmovedora por la colocación ligeramente vacilante de las notas de viento de la melodía principal, que agarra la garganta, la expresión tonal se ajusta perfectamente al estado de ánimo.
Un álbum muy completo, una gran interpretación, grandes melodías, una de las mejores piezas de ingeniería de Van Gelder y la posibilidad de elegir entre seis temas para añadir a la colección de cualquier aficionado al jazz. La crítica reseñó que la impresionante formación de Blue Note manejaba un material oscuro con inventiva creativa.
Personnel:
Johnny Coles – trumpet
Leo Wright - alto saxophone, flute
Joe Henderson - tenor saxophone
Duke Pearson – piano
Bob Cranshaw - bass
Pete La Roca (tracks & Walter Perkins – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=EcHjj9jLqQI
7)
* Un día como hoy, en 1958, Thelonious Monk terminó la grabación de sus actuaciones con temas recogidos en su recopilatorio ‘Complete Live at the Five Spot 1958’.
Recorded live at the Five Spot Club, New York City, on July 9 and on August 7, 1958
& Recorded in New York City, on February 25, 1958.
Justo después de que John Coltrane lo dejara y antes de la llegada de Charlie Rouse, Thelonious Monk formó un cuarteto con Johnny Griffin, que tocó en el ‘Five Spot’ de Nueva York en julio y agosto de 1958. A primera vista, podría parecer improbable que un personaje tan testarudo y poco misterioso como Johnny Griffin pudiera ser un intérprete tan magistral de Monk. Pero su asociación fue inspiradora, el tenor no se inmutó ante la idea de que la música de Monk fuera difícil, y el cuarteto está en una forma fulminante en estas fechas grabadas en el club de Nueva York.
Aunque está en un estado de forma excepcional, Monk está lejos de ser el único, o incluso el más brillante, durante estos inolvidables temas. Le acompañan en el escenario del legendario club Five Spot: Johnny Griffin (saxo tenor), Ahmed Abdul-Malik (bajo) y Roy Haynes. Es una pena que este combo no permaneciera junta durante mucho tiempo, ya que son capaces de lanzar las composiciones de Monk a lugares bastante significativos. El agresivo estilo de interpretación de Johnny Griffin incorpora un matiz lírico y melódico que complementa perfectamente las esporádicas inflexiones de Monk. "Coming On the Hudson" presenta a Griffin tejiendo su magia alrededor de la melodía mientras proporciona un decisivo contrapunto al estilo de Coltrane al que Monk ubica precariamente sus respuestas. La intensidad de "Rhythm-A-Ning" eleva a todo el combo tras desarrollar rápidamente el estribillo. Griffin construye línea sobre línea melódica, tras lo cual Monk responde de la misma manera añadiendo sus propias puntuaciones. Tan poderosa es la embestida de Griffin, que se puede escuchar a Monk indicando más de una vez que Griffin debería permitirse otra estrofa. Tras un comienzo irregular pero acertado, "Evidence" se convierte en algo trascendental con Griffin, Monk, Malik y Haynes -que está frenéticamente brillante en todo momento- sumergiéndose en solos que envuelven la melodía y, en última instancia, expanden los patrones y motivaciones únicos.
Y aunque son melodías, arreglos y banda de Monk, es Griffin quien libera constantemente las interpretaciones. Durante "Nutty", su actividad, que incorpora hábilmente varias líneas de "Surrey With the Fringe on Top", tiene un swing maníaco que se ve resaltado por un contrajuego definitivo tanto de Haynes como de Monk. Además, la transición entre Haynes y Monk es orgánica y aparentemente psíquica. "Blues Five Spot", un homenaje de 12 compases de blues a su actual residencia, presenta solos de cada miembro de la banda. Griffin y Monk vuelven a mostrar su habilidad aparentemente innata para recalcular instantáneamente las estructuras de los acordes, así como para transmutar las melodías. El espectacular solo de Griffin lanza el ritmo a la vez que deja caer citas de otras melodías. El breve solo de Malik, al igual que su interacción con la banda, está infravalorado pero ejecutado con precisión. El tema “Misterioso” es una interpretación exploratoria. Mientras Griffin toma acertadamente las riendas para hacer sonar su embestida bop, la agilidad natural y tenue de Haynes apoya perfectamente el extenso solo de tenor, creando algunos pasajes únicos. Irónicamente, la única interpretación del solo de Monk, "Just a Gigolo", es la única composición que no es de Monk. Monk toca solos de piano en dos temas.
La mitad de esta música se publicó en dos álbumes originales de Riverside: ‘Thelonious Monk in Action’ y ‘Misterioso’. La reedición contiene toda la música conocida de estos famosos conciertos y, como extra, una rara selección del sexteto de Monk que incluye a Griffin, Donald Byrd y Pepper Adams.
Personnel:
Thelonious Monk (p),
Johnny Griffin (ts),
Ahmed-Abdul Malik (b)
Roy Haynes (d).
Art Blakey replaces Roy Haynes on track only.
Extra personnel (the bonus track features):
Donald Byrd (tp),
Pepper Adams (bs),
Wilbur Ware (b),
Philly Joe Jones (d).
https://www.youtube.com/watch?v=T6mvIC5zzPc
5)
* Un día como hoy, en 1968, Andrew Hill grabó en quinteto su álbum ‘Grass Roots’ para Blue Note. Se reeditó añadiendo temas de otra sesión anterior con músicos diferentes.
Recorded: August 5, 1968 [ & April 19 (bonus tracks)] at Studio Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Grass Roots’ es un álbum de estudio del pianista estadounidense Andrew Hill con actuaciones grabadas en 1968 y publicadas en el sello Blue Note. El álbum original presenta a Hill con el trompetista Lee Morgan, el saxofonista tenor Booker Ervin, el bajista Ron Carter y el baterista Freddie Waits interpretando cinco de sus originales. La reedición añadió versiones alternativas de tres de las piezas (y dos composiciones adicionales) grabadas por un sexteto con el trompetista Woody Shaw, el saxofonista tenor Frank Mitchell, el guitarrista Jimmy Ponder, el bajista Reggie Workman y el baterista Idris Muhammad en una sesión anterior como temas extra.
A finales de los años 60, Blue Note dedicó menos tiempo que nunca a la música aventurera, ya que no se vendía tan bien como el soul-jazz o el hard bop convencional. Por ello, puede parecer un poco extraño que el sello invitara a Andrew Hill a volver a grabar en 1968, dos años después de que realizara su última sesión para ellos. El trabajo de Hill para se encontraba entre los más desafiantes post-bop cerebrales de los años 60, pero había otro lado de Hill que no se mostró en esos discos, también tenía un don para el groove y la melodía, como indica su composición "The Rumproller", un clásico del hard-bop que se hizo famoso por el trompetista Lee Morgan. Ese era el lado que Blue Note quería mostrar en Grass Roots. Hill y su banda estaba trabajando a partir de la plantilla básica de hacer un álbum comercial de hard-bop, pero sin embargo se empujaron a sí mismos a un territorio desafiante. Sin embargo, Blue Note no aceptó la sesión y Hill volvió al estudio cuatro meses después con un nuevo grupo de músicos: los ya citados Morgan, Ervin, Carter y Waits. Este grupo era tan aventurero como el anterior, pero estableció un ritmo sólido sin comprometer la música. El resultado final puede que no sea tan vigoroso como los primeros trabajos de Hill, pero es un placer escucharle en un estado de ánimo tan genial y acogedor. Además, el disco no es insustancial desde el punto de vista musical: las canciones tienen melodías fuertes, incluso ganchos, para atraer a los oyentes ocasionales, pero dan a los músicos la libertad de encontrar una voz distintiva en sus solos.
‘Grass Roots’ es un hard bop conmovedor, repleto de soul jazz descentrado y melodías latinas. Las composiciones y los arreglos de Hill son tan bellos y complejos como siempre, y las incursiones en el ritmo basado en el groove no son el resultado de un atontamiento, sino más bien otro color musical para la paleta de Hill, que llega a las partes que otros soul-jazz no alcanzan.
Hill, que tenía un pie en la vanguardia y otro en la corriente mainstream, nunca recibió el tipo de reconocimiento como el de los pianistas Herbie Hancock y McCoy Tyner, pero fue muy aclamado por los aficionados al jazz y los críticos serios. Aunque más desapercibido, el pianista, fallecido en 2007, recorrió un camino similar al del anciano creativo admirado por sus legendarias grabaciones en Blue Note en los años sesenta. Mencionará ‘Black Fire’, ‘Point Of Departure’ o ‘Judgment’ cualquier aficionado al jazz vanguardista que se precie. Clásicos en los que el ritmo, la armonía y la melodía se alteran de forma extrema para encontrar nuevas formas de expresión. Cerebral, introspectivo. En cualquier caso, las notas de Hill no pueden sino ejercer una fuerte atracción sobre el oyente. Un laberinto de sensaciones efímeras, un lugar que Hill busca e investiga. El anhelo de Hill se centra también en el ritmo, la raíz de su oficio: el jazz. Los ritmos de Hill son construcciones inteligentes y complejas.
La línea concisa y moderna de ‘Grass Roots’ tiene una naturaleza circular. Las composiciones tienen un groove astuto y encuentran a Hill en una forma elegante. El grupo que se reunió en el estudio Van Gelder el 5 de agosto de 1968 demuestra ser sensible a las necesidades de Hill. Es un equipo de las grandes ligas. Lee Morgan se adapta muy bien al repertorio. Generalmente acalorado, Morgan alterna su ardiente enfoque con suaves jugueteos con el ritmo y medidos efectos de válvula. Su brillante juego de conjunto con Booker Ervin perdura en la mente.
Personnel:
Lee Morgan – trumpet
Booker Erwin - tenor sax
Andrew Hill – piano
Ron Carter – bass
Freddie Waits - drums
https://www.youtube.com/watch?v=yDMhien8q5c
3)
* Un día como hoy, en 1964, Wayne Shorter grabó, con un cuarteto de gala, su álbum ‘JuJu’ para Blue Note.
Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliff, New Jersey, in April 3, 1964.
‘JuJu’ es el quinto álbum del saxofonista de jazz estadounidense Wayne Shorter. Fue publicado en julio de 1965 por Blue Note Records y cuenta con una sección rítmica formada por el pianista McCoy Tyner, el bajista Reggie Workman y el baterista Elvin Jones, todos los cuales habían trabajado ampliamente con el saxofonista tenor compañero de Shorter, John Coltrane.
Cumpliendo el potencial prometido en su debut en el sello, ‘Night Dreamer’, ‘JuJu’ fue el primer gran escaparate de sus dotes interpretativas y compositivas. Al principio de su carrera como líder, Shorter fue criticado como un mero acólito de John Coltrane, y el uso que hizo de la sección rítmica de Coltrane en sus dos primeros álbumes de Blue Note no hizo más que reforzar esa crítica. Pero lo cierto es que Elvin Jones, Reggie Workman y McCoy Tyner eran los músicos perfectos para respaldar a Shorter. La forma de tocar de Jones en aquella época era casi de otro mundo. Parecía canalizar la música a través de él cuando improvisaba y emitir la estructura perfecta para mantenerla unida. Workman también parecía entender casi instintivamente cómo embellecer las composiciones de Shorter. El papel de McCoy Tyner como uno de los más grandes pianistas de jazz de todos los tiempos también fue interpretado aquí, y su toque ligero y sus bellas y alegres improvisaciones lo convertirían en un compañero mucho mejor para Shorter de lo que Herbie Hancock demostraría ser más tarde. Lo que realmente brilla en ‘JuJu’ es la composición de las canciones. Desde el tema principal de influencia africana hasta la hipnotizante correlación entre Tyner y Shorter en "Mahjong", el álbum, que es todo original, florece con ideas, recogiendo un mundo de influencias y liberándolas de nuevo como una serie de visiones impresionantes y completas.
En "Juju" el enfoque de Shorter es melancólico, su tono es agrio, su fraseo tiene ritmo y peso, y contrasta con rápidas incursiones en el registro medio y superior, una urgencia subyacente reprimida. Las composiciones de Shorter son características, a menudo basadas en frases cortas, hipnóticas y repetitivas. Se muestra en él, la interacción entre Shorter y McCoy Tyner, que aporta una dinámica diferente a la interacción entre Shorter y Herbie Hancock en otros tres de sus álbumes de Blue Note. Cada álbum de Shorter tiene cambios interesantes en la química, añadiendo a Freddy Hubbard en dos títulos, Lee Morgan en otro, dos títulos añaden un trombón, Curtis Fuller y Grachan Moncur III y dos con el alto de James Spaulding enriqueciendo las líneas de vientos. Todo ello constituye un lienzo musical de gran riqueza.
‘JuJu’ (Juju es una tradición mágica popular de África Occidental) fue el primer escalón de una escalera gloriosa hacia la cima del jazz.
Personnel:
Wayne Shorter – tenor saxophone
McCoy Tyner – piano
Reggie Workman – bass
Elvin Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Wq4iU9ZeU-A
2)
* Un día como hoy, en 1954, Clifford Brown y Max Roach graban “Parisian Thoroughfare” (Bud Powell) y “Delilah” (Victor Young) para su álbum ‘Clifford Brown & Max Roach’ editado en diferentes sellos como EmArcy. El resto de temas se grabaron en días sucesivos y al año siguiente.
Recorded at Capitol Studios, Hollywood on August 2, August 3 y August 6, 1954
& at Capitol Studios, New York City on February 24, 1955.
‘Clifford Brown & Max Roach’ es un álbum de 1954 de los influyentes músicos de jazz Clifford Brown y Max Roach como parte del Clifford Brown and Max Roach Quintet, descrito por The New York Times como quizás el grupo de bop definitivo hasta el fatal accidente de automóvil de Brown. Y es que este fantástico grupo estaba destinado a terminar en tragedia, ya que, en la madrugada del 26 de junio de 1956, Clifford Brown murió en un accidente de coche (a la edad de 25 años) junto con el pianista Richie Powell y la esposa de Powell.
Los temas se publicaron por primera vez en vinilo en diciembre de 1954 e incluía sólo cinco de ellos: "Delilah", "Parisian Thoroughfare", "Daahoud", "Joy Spring" y "Jordu", todos grabados en los estudios Capitol de Hollywood, en agosto de 1954. En 1955, EmArcy publicó un vinilo añadiendo "The Blues Walk" y "What Am I Here For", de una sesión de febrero de 1955 en los estudios Capitol de Nueva York. Desde entonces, se ha reeditado varias veces, incluso con tres tomas alternativas y un tema inédito.
El álbum es uno de los varios que resultaron de la asociación entre Roach y Brown después de que éste invitara a Brown en la ciudad de Nueva York a unirse a él para crear una banda. Brown y Roach seleccionaron juntos a otros músicos para componer el quinteto de entre los músicos de jazz actualmente activos en Hollywood. Las primeras formaciones de la banda incluían a Sonny Stitt, Teddy Edwards, Carl Perkins y George Bledsoe, pero cuando se grabó la primera de estas sesiones, en agosto de 1954, habían sido sustituidos por la formación más duradera de George Morrow, Harold Land y Richie Powell, el hermano de la luminaria del jazz Bud Powell. La banda destacó en la escena del jazz, Land, incorporado cuando su predecesor Edwards declinó hacer una gira con el grupo, experimentó un enorme aumento de su reputación en el mundo del jazz, mientras que el sucesor de Land (Sonny Rollins) sería lanzado al superestrellato.
El quinteto Max Roach-Clifford Brown comenzó su andadura a principios de 1954. Toda la música aquí contenida está considerada como verdaderos hitos del jazz, no sólo por la asombrosa forma de tocar la trompeta, sino también por la abrumadora interacción y entendimiento entre Brownie y Roach, y entre todos los miembros de la banda en su conjunto. El material de ‘Clifford Brown & Max Roach’ incluye versiones originales de algunas de las mejores composiciones de Brownie, así como lecturas memorables de otros temas.
Dos de los temas que aparecen en este álbum, "Daahoud" y "Joy Spring", se han convertido en parte del repertorio estándar del jazz". La canción "Joy Spring" fue compuesta por Brown en honor a su mujer, a la que llamaba su "joy spring", que le había sido presentada por Roach como estudiante para demostrar en su tesis que el jazz era inferior a su campo de la música clásica, una tesis de la que Brown la convenció de que estaba equivocada. Estas dos canciones, junto con los temas "Parisian Thoroughfare" y "Jordu" se consideran cuatro de las grandes interpretaciones de Brown.
La primera versión de "Joy Spring" se grabó en agosto de 1954 en el primer álbum de la banda "Clifford Brown-Max Roach Quintet". La melodía de esta pieza tiene un aire alegre y vital. El saxofonista tenor Harold Land toma el primer solo y establece un tono brillante y amistoso que se mantiene a lo largo de los solos de Clifford y del pianista Richie Powell. El sonido clarificador de Clifford y su magnífica articulación son evidentes en los dos primeros compases de este solo. Ambos vientos se atrincheran mientras intercambian cuatros con Max Roach, que a continuación ejecuta un solo de batería extraordinariamente melódico.
También es notable la versión del álbum del tema de Victor Young para la película de Cecil B. DeMille ‘Samson and Delilah’, donde en el arrollador solo de Brown, el comentario suministrado por Roach es digno de especial estudio, ya que parece anticipar cada matiz de las líneas de su colíder.
Personnel
Clifford Brown (trumpet)
Max Roach (drums)
Harold Land (tenor saxophone)
Richie Powell (piano)
George Morrow (bass)
https://www.youtube.com/watch?v=dLk9Ur2j0_8
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