(Casi ningún día sin alguna nota).
1)
* Un día como hoy, en 1959, Thelonious Monk comienza la grabación de su álbum ‘5 by Monk by 5’.
- Recorded: June 1, 2 & 4 1959, at Riverside Studio, New York.
‘5 by Monk by 5’ es un álbum del pianista de jazz Thelonious Monk, grabado en 1959. Contiene cinco composiciones originales de Monk interpretadas por un quinteto. Por eso el título del álbum proviene del quinteto que interpreta cinco de las composiciones de Monk.
Cuando los años 50 llegaron a su fin, también lo hizo el contrato de Monk en Riverside. De hecho, las tres fechas necesarias para este título serían su penúltima grabación para esa etiqueta.
Irónicamente, ésta fue la primera vez que Monk había grabado con una alineación que presentaba tan prominentemente una sección rítmica bop ‘estándar’ que incorporaba tanto una trompeta (o, en este caso, corneta) como un saxofonista. El quinteto incluye a Monk (piano), Thad Jones (corneta), Charlie Rouse (saxo tenor), Sam Jones (bajo) y Art Taylor (batería). Rouse se convertiría en el saxofonista tenor permanente de Monk durante la mayoría de los años sesenta.
En lo que se había convertido en una tradición, el programa del disco consta de varios de los temas más establecidos de Monk, así como algunas composiciones nuevas.
Se debe comparar la complejidad de las composiciones con las contribuciones de Monk como miembro de la banda. Ejemplifica los arreglos sueltos, desarticulados y extremadamente difíciles que definirían a Monk como un compositor/arreglista/líder de banda de primer nivel. Esto contrasta con el Monk, teclista y miembro de la banda, como demuestra hábilmente en todo el álbum. Una sesión de Monk relativamente poco conocida, pero muy buena.
- Personnel:
Thelonious Monk – piano
Thad Jones – cornet
Charlie Rouse – tenor saxophone
Sam Jones – bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=wIB87eV4a7s
2)
* Un día como hoy, en 1964, poco antes de su muerte, Eric Dolphy graba en vivo su histórico álbum ‘Last Date’, originalmente una emisión de radio de su concierto en Hilversum en los Países Bajos.
- Recorded: June 2, 1964. Hilversum, Netherlands,
‘Last Date’ es un álbum en directo del músico de jazz Eric Dolphy publicado por Limelight Records. Estamos ante la última sesión de grabación conocida de Eric Dolphy (no su último concierto también grabado). Tras la última gira con Charles Mingus a finales de abril de 1964, Dolphy decidió quedarse en Europa ese año. El concierto, grabado el 2 de junio de 1964 en Holanda, cuando residía en París, fue sólo 27 días antes de su muerte por shock diabético, exactamente el 29 de junio Dolphy falleció de forma repentina en Berlín, a la edad de 36 años.
Esta música se grabó en Hilversum. A los 6 temas se le añadieron en reediciones otros bonus tracks, que aparecieron en otras recopilaciones póstumas. Dolphy está acompañado por el trío de Misha Mengelberg en el álbum, y fue una de las primeras apariciones de Mengelberg en un disco. Tras la grabación, Dolphy escribió a los miembros del trío para comunicarles sus planes de volver a trabajar con ellos, pero falleció. Dos días después de la muerte de Dolphy, el batería Han Bennink recibió una carta suya con detalles sobre una propuesta de compromiso en el Café Montmartre de Copenhague.
Diez años después de la grabación, Mengelberg encontró una cinta de ensayo que contenía una grabación de un ensayo de "Epistrophy" en el Cafe de Kroon, Eindhoven, Países Bajos, del día anterior al concierto. Mengelberg envió la cinta a Bennink, junto con una carta en la que le pedía su publicación.
A pesar de su título, ‘Last Date’ no fue la última actuación grabada de Dolphy, ya que participó en sesiones con Donald Byrd, Nathan Davis y otros músicos a mediados de junio de 1964. Esas grabaciones se publicaron en ‘Naima’, ‘Unrealized Tapes’, ‘Last Recordings’, ‘The Complete Last Recordings: In Hilversum & Paris 1964’ y ‘Paris '64’.
Esta sesión no tiene nada de testimonio, sino que nos permite comprobar como Eric, fue fiel a su música hasta la final de sus días. Como siempre con Dolphy, muy buena música. Y este álbum a menudo considerado como su mejor grabación.
- Personnel:
Eric Dolphy – bass clarinet, flute, alto saxophone
Misha Mengelberg – piano
Jacques Schols – double bass
Han Bennink – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=fV8U4y9kcWo
* Y un día como hoy, también en 1964, Dexter Gordon grabó su álbum ‘One Flight Up’.
- Recorded on June 2, 1964, at CBS Studios, Paris.
‘One Flight Up’ es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Dexter Gordon grabado en París y publicado por el sello Blue Note, en el que participaron Donald Byrd a la trompeta, el pianista Kenny Drew, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y el batería Art Taylor.
Cuando se expatrió a Escandinavia justo antes de que se grabara esta sesión en París, Dexter Gordon dijo que se había liberado en muchos sentidos, incluso como músico de jazz. Esto se refleja en los largos temas de este álbum, un testamento de esa libertad recién encontrada. Gordon y su quinteto, en el que destaca el trompetista Donald Byrd, pudieron improvisar sin pensar en ser editados, y prolongaron al máximo sus comentarios instrumentales de una forma que pocos músicos, de jazz o no, se permitirían. La compensación sería una experiencia auditiva que también mostraría la consistencia, un bien escaso en el léxico de su estilo de jazz post-bop mainstream.
El álbum se erigió como un testamento de la viabilidad de Dexter Gordon como líder de banda y compañero de equipo, mientras que su individualismo queda algo sublimado. Fue importante el papel de Gordon a la hora de animar a los jóvenes talentos y a los profesionales experimentados, dando mucho espacio a todos los otros músicos, especialmente en "Tanya", compuesta por Byrd, que ocupa toda la primera cara. Dexter está tranquilamente contenido, Byrd juega con Hubbard, Drew juega con Pearson y Hancock, Taylor mezcla Blakey con un toque de Williams, y NHOP [Pedersen] camina como un sueño a través del espacio de 18 minutos, dijo la crítica. El tema, sencillo, dulce y ligeramente oscilante, se ha convertido en un standard clásico, y es un elemento básico en la dieta de la mayoría de los saxofonistas, a pesar de que las estructuras de acordes de apoyo del pianista Kenny Drew y los metales de Byrd son más atractivos o notables que el tenor bluesy de Gordon. Memorable por muchas razones, la brillante composición de Drew "Coppin' the Haven", de 11 minutos, es jazz moderno de manual, una delicia modal en clave menor en la que Byrd domina de nuevo con una melodía brillante y deslizante unida a un swing fácil que ejemplifica la forma de canción para el jazz en su mejor sentido. Gordon se separa del trompetista en la gran balada "Darn That Dream" y está en su mejor momento, exprimiendo cada emoción lamentosa de su saxo como sólo él puede hacerlo. La reedición contiene el tema extra "Kong Neptune" sin Byrd, un buen swinger que no bebe de otras influencias, fusionando las fuerzas míticas de las dos criaturas de su título a través del musculoso, ágil y atlético viento de Gordon.
- Personnel:
Dexter Gordon - tenor saxophone
Donald Byrd - trumpet (tracks 1 & 2)
Kenny Drew – piano
Niels-Henning Ørsted Pedersen – bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=TUOivCL5imA
3)
* Un día como hoy en 1963, el tenorísta Joe Henderson grabó su primer álbum como líder, ‘Page One’.
- Recorded on June 3, 1963 at the Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
Hace cincuenta y siete años hoy, Joe Henderson, de 26 años, grabó su álbum debut para Blue Note. El título ‘Page One’ es apropiado para este disco, ya que marca el comienzo del primer capítulo en la larga y fructífera carrera del tenor Joe Henderson.
En la portada (con una famosa foto de Henderson de F. Wolff frente al entonces nuevo Lincoln Center en Nueva York) se incluye "Joe Henderson / Kenny Dorham / Butch Warren / Pete La Roca, etc.”. Solo falta el nombre de McCoy Tyner. Tyner acababa de firmar con Impulse, por lo que esta primera aparición en Blue Note no era una cláusula de su contrato y supuestamente lo violaba. En otras ediciones figuraría que McCoy actuaba por cortesía de su sello.
Henderson y Dorham hacen una pareja ideal. Ambos muestran la destreza compositiva ya madura que se convertiría en la marca registrada de Henderson a lo largo de su legendaria carrera. Varios de los temas que hicieron su primera aparición en el álbum se convirtieron en megaclásicos del jazz moderno... tocados en sesiones de improvisación en todo el mundo y conocimiento esencial para todos los músicos de jazz.
Aunque uno tiene la sensación cuidadosa de una primera sesión de un líder, se nota un esfuerzo particularmente fuerte e histórico. Es uno de los álbumes más aclamados por la crítica de Henderson y una de las 17 grabaciones esenciales de hard bop.
Pero Joe Henderson pasará a la historia del jazz por otras razones, entre ellas la de ser el saxo tenor de dos de los discos más vendidos de la historia del sello Blue Note: ‘The Sidewinder’ de Lee Morgan y ‘Song for My Father’ de Horace Silver. Su estilo refleja la síntesis de toda la tradición negra del saxo tenor y es una buena muestra de que la forma no está reñida con la inventiva. Durante sus cerca de cuarenta años de carrera profesional, logro implantar una voz particular y ser un sonido de referencia.
- Personnel:
Joe Henderson – tenor saxophone
Kenny Dorham – trumpet
McCoy Tyner – piano
Butch Warren – bass
Pete La Roca – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=yaHl83qK0eM
https://www.youtube.com/watch?v=2lGPBce-FRo
4)
* Un día como hoy, en 1950, Charlie Parker participa durante varios días con otros músicos en la actuación grabada en las conocidas como ‘Apartment Jam Sessions’.
- Recorded at William Henry Apartment, 136th. St./ Broadway, New York City, on June 4, 11, 18 & 25, 1950.
- Personnel:
Norman Carson, Jon Eardley, John Nielson trumpet; Jimmy Knepper, trombone; Charlie Parker, Joe Maini, alto sax; Bob Newman, Don Lanphere, Gers Yowell, tenor sax; John Williams, piano; Buddy Jones, bass; Phil Brown, Frank Isola, Buddy Bridgeford, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=FEWlf3Pd-n8
5)
** Un día como hoy en 1945, Parker y Gillespie grabaron el tema “Blue 'n' Boogie” (D. Gillespie-F. Paparelli)], recogido entre otros, en volúmenes de los álbumes recopilatorios como ‘Young Bird’ o ‘Bird's Eyes’.
- Recorded on June 5, 1945 at Academy Of Music, Philadelphia, Pa.
- Personnel:
Charlie Parker (as);
J.B. "Dizzy" Gillespie (tpt);
Al Haig (p);
Dillon "Curley" Russell (b);
Max Roach (d)
https://www.youtube.com/watch?v=xfbOWVbTyyk
* Y un día como hoy, en 1956, Miles Davis en quinteto continuó la grabación de su fenomenal álbum ‘‘Round About Midnight’.
- Recorded: October 26, 1955; June 5 and September 10, 1956. Columbia Studios, New York City.
‘‘Round About Midnight’ es un álbum del trompetista de jazz Miles Davis que fue editado por Columbia.
Tras el Festival de Jazz de Newport en 1955, Miles firmó con Columbia un contrato y formó su ‘primer gran quinteto’ con John Coltrane en el saxo. Éste fue su primer álbum para el sello.
Todavía estaba bajo contrato con Prestige, pero tenía un acuerdo por el que podía grabar material para que Columbia lo publicara después de la expiración de su contrato con Prestige. La grabación tuvo lugar en los estudios de Columbia; la primera sesión fue el 26 de octubre de 1955 en Studio D. Ésta fue la primera grabación de estudio del quinteto. El resto del álbum fue grabado durante las sesiones el 5 de junio de 1956 y el 10 de septiembre de 1956 en el 30th Street Studio de Columbia. Durante el mismo período, Miles Davis también estuvo grabando con su quinteto sesiones para cumplir su otro contrato.
Coltrane todavía estaba por convertirse en una icónica figura para la historia del jazz e incluso su presencia el quinteto de Davis resultaba una decepción para muchos como reemplazo de Rollins. Su estilo, aunque embrionariamente frenético y perspicaz, no contaba todavía con el enfoque que lo haría famoso al final de la década.
Pero resultó ser el período de trabajo más inspirado para uno de los grupos más inspirados en la historia del jazz. El fraseo de trompeta sobrio y elíptico de Davis contrastaba hipnóticamente con la ferocidad del saxo tenor de Coltrane, y una sección rítmica (que incluía al baterista Philly Joe Jones) que nunca antes había sonado tan infaliblemente oscilante y sin embargo tan provocativamente flexible.
Álbum de jazz moderno concebido y ejecutado al mejor estilo. Jazz progresivo conservador ortodoxo. ‘'Round About Midnight’ está considerado por la crítica como un punto de referencia del hard bop y uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos.
- Personnel:
Miles Davis – trumpet
John Coltrane – tenor saxophone
Red Garland – piano
Paul Chambers – double bass
Philly Joe Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=1C7DyWdky_Y&t=1s
6)
* Un día como hoy, en 1950, un acontecimiento, Parker & Gillespie, con Monk en quinteto, grabaron prácticamente (con alguna toma previa incluida) su último álbum juntos: el genial ‘Bird and Diz’.
- Recorded 6th June 1950.
(& 2 tracks recorded 2nd March & 5th May 1949).
Originalmente reseñado como interpretado por el 'Charlie Parker Quintet', los temas principales fueron grabados el 6 de junio de 1950 en un estudio de grabación desconocido de la ciudad de Nueva York. En marzo y mayo de 1949, Parker había grabado dos pistas que aparecieron en la edición original, sin Gillespie y con un personal diferente al de las otras de junio.
El álbum, última grabación de estudio en colaboración de Parker y Gillespie, contiene composiciones realizadas con la instrumentación estándar de saxofón, trompeta, piano, bajo y batería del be-bop. Monk, aquí, está diluido en el combo y tiene muy poco espacio en solitario, por lo que su genio altamente idiosincrásico no tiene mucha exposición.
Atrás quedaban los tiempos difíciles en los que los críticos y parte del público criticaban con dureza su música, ya eran los reyes indiscutibles del jazz y no había vuelta atrás. El líder del cambio (Parker) junto al hombre que lo supo vender (Gillespie) y, para alcanzar la perfección absoluta, el filósofo del bop, el hombre misterioso, el gran Monk al piano.
Be-bop genuino, y con un repertorio absultamente nuevo sacado de la chistera de un Parker en estado puro. Absolutamente sublime, perfecto, una cumbre del be-bop. Imprescindible.
- Personnel:
Charlie Parker (as),
Dizzy Gillespie (tp),
Thelonious Monk (p),
Curley Russell (b)
Buddy Rich (d).
https://www.youtube.com/watch?v=qRDv2FiidtY
7)
* Un 7 de junio de 1955, Miles Davis grabó su bastante desconocido álbum ‘The Musings of Miles’.
- Recorded: June 7, 1955 at Van Gelder Studio, Hackensack, N.J.
‘The Musings of Miles’, grabado en formato de cuarteto con Miles como único viento, presenta también a Red Garland en el piano, el gran Oscar Pettiford en el bajo y Philly Joe Jones en la batería. Parte de la sección de ritmo de este cuarteto se convirtió en el núcleo del grupo que más tarde se conocería como el ‘Primer Gran Quinteto’ de Miles. Garland y Jones pronto estarían en el grupo de Miles, aunque el ardiente Pettiford resultó demasiado difícil de manejar para el trompetista y fue rápidamente sustituido por Paul Chambers.
En este conjunto de Miles, el atractivo histórico es que se formó en el momento en que el trompetista acababa de dejar la heroína, y poco antes de su legendaria actuación de ‘regreso’ en el festival de Jazz de Newport y la formación de su gran quinteto de los años 50. El sonido brillante y estridente del piano de Garland y el enfoque percusivo es una fortaleza importante después de las improvisaciones ágiles, aunque ocasionalmente impasibles, del trompetista. Pero Pettiford, normalmente una potencia, suena pesado, e incluso el explosivo Jones parece apagado, a pesar de un clásico atractivo como “A Night in Tunisia”, el tema que presenta a Philly Joe Jones tocando con baquetas especiales que tenían campanillas clavadas en el eje.
- Personnel:
Miles Davis – trumpet
Red Garland – piano
Oscar Pettiford – bass
Philly Joe Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=pK7NoYRKBhs
8)
* Un día como hoy, en 1956, Cannonball Adderley en noneto, con su hermano Nat, comenzó la grabación de los temas de su álbum ‘In The Land Of Hi-Fi’.
- Recorded: June 8, June 16, & June 18, 1956 at Capitol Studios, New York, NY.
‘In the Land of Hi-Fi with Julian Cannonball Adderley’ [ver luego] es el cuarto álbum del saxofonista de jazz Cannonball Adderley, y el tercero publicado en el sello EmArcy, con un noneto (seis vientos, tres ritmos) con Nat Adderley, Jerome Richardson, Ernie Royal, Bobby Byrne o Jimmy Cleveland, Danny Bank, Junior Mance, Keter Betts y Charles "Specs" Wright.
Julian "Cannonball" Adderley hizo su primera descarga cuando se publicó su primer álbum. Poco después, apareció en una sesión de quinteto bajo la dirección de su hermano, Nat, en el sello Wing; más recientemente, Cannonball apareció con un conjunto de cuerdas. Estos álbumes lograron su objetivo de establecer a Cannonball como un nuevo e importante talento del jazz.
Con la presente travesía los hermanos Adderley y sus compañeros de combo vuelven aproximadamente al mismo formato y escenario de su primer álbum.
La mayoría de las melodías que se escuchan en estas caras nunca se habían grabado antes.
Por ejemplo, "Between the Devil and the Deep Blues Sea", tema de Harold Arlen de 1931, en la que los coros de Jimmy Cleveland son sorprendentes en su técnica y deslumbrantes en su estilo, a la altura de la brillante fluidez del propio Cannonball, algunos de cuyos mejores trabajos como contralto se escuchan aquí.
En resumen, se trata de una sesión animada y llena de swing de jazz moderno sin pretensiones que servirá para consolidar aún más la reputación de Cannonball como uno de los grandes de la música contemporánea.
- Personnel:
Cannonball Adderley - alto saxophone
Jerome Richardson - tenor saxophone, flute
Danny Bank - baritone saxophone
Nat Adderley – cornet
Ernie Royal - trumpet
Bobby Byrne & Jimmy Cleveland - trombone
Junior Mance - piano
Keter Betts - bass
Charles "Specs" Wright - drums
https://www.youtube.com/watch?v=0_ExhB5kqjM
9)
* Un día como hoy, en 1958, Cecil Taylor grabó su álbum ‘Looking Ahead!’.
Recorded on 9 June 1958 at Nola's Penthouse Studios, NYC.
‘Looking Ahead!’ es un álbum del pianista Cecil Taylor grabado para el sello Contemporary. El álbum presenta las actuaciones de Taylor con Buell Neidlinger, Denis Charles y Earl Griffith.
Es una de las primeras grabaciones de Cecil Taylor, su segundo álbum, y el único del pianista para Contemporary Records que hace que el sello haga honor a su nombre.
‘Looking Ahead!’ [mirando hacia adelante] es precisamente lo que intenta el músico mientras mantiene los pies en la tradición. Es un documento asombroso de un talento que está a punto de estallar en la escena del jazz y que lo cambiará para siempre. Con Earl Griffith en el vibráfono, Taylor utiliza un instrumento al que volvería ocasionalmente mucho más tarde, uno que da una capa extra de percusión a la sesión, enfatizando los nuevos ataques rítmicos con los que estaba experimentando. Griffith suena como si hubiera estado uno o dos pasos conceptuales por detrás de los otros tres, pero, en el contexto de la época, esto puede haber servido para hacer la música un tono más agradable para los gustos contemporáneos. Las contribuciones del bajista Buell Neidlinger y el baterista Dennis Charles no pueden ser subestimadas, ellos respiran con Taylor como una unidad y parecen estar completamente en sintonía con sus ideas. Es un magnífico escaparate, que se erige solo en el canon de Taylor.
El mejor ejemplo de este primer material de Cecil Taylor le encuentra a él en transición, su sección rítmica que está en vena de bop, ha desarrollado un oído más comprensivo hacia lo que intentaba lograr y el vibrafonista Earl Griffith presenta un buen contrapunto a su piano. Taylor y Griffith se centran en gran medida en el entrelazamiento de líneas... hay un espacio, una apertura, un enfoque arrítmico y politonal que permite que los músicos trabajen una sensibilidad inusual para sus instrumentos y una gran comprensión mutua de la música.
Musicalmente, este es un disco único en su catálogo y se sitúa más cerca de las innovaciones de Ornette Coleman que de sus propias obras posteriores. Es una grabación vital del nacimiento de uno de los genios de la música moderna.
- Personnel:
Piano – Cecil Taylor
Bass – Buell Neidlinger
Drums – Dennis Charles
Vibraphone [Vibra-harp] – Earl Griffith.
https://www.youtube.com/watch?v=3WY6-fxHZvw
10)
* Un día como hoy, en 1965, John Coltrane siguió grabando temas para varios álbumes.
En la primavera de ese año, Trane consolidó su cuarteto de gala tras actuar en NY en el ’Half Note’ y en el ‘Village Gate’ en Greenwich Village y grabó para Impulse, en varias sesiones en el Van Gelder Studio de Englewood Cliffs, NJ, una serie de temas fundamentales en su trayectoria.
En concreto, el 17 de mayo (que ya hubimos reseñado) y, en nuestro caso, el 26 de mayo, 10 de junio y 16 de junio.
Algunas grabaciones formaron parte del álbum ‘Kulu Se Mama’ (con adiciones de músicos y otros temas grabados el 14/10/1965) pero, sobre todo, de dos álbumes póstumos ‘Living Space’ y ‘Transition’ y algún otro.
- ‘Kulu Sé Mama’ es un álbum del músico de jazz John Coltrane. Grabado durante 1965, fue editado a principios de 1967.
Dos temas se grabaron en octubre de 1965 y cuentan con un gran conjunto que incluye a músicos como Sanders, Garrett, Butler y Lewis. Las otras pistas, grabadas antes, presentan el "cuarteto clásico" (Coltrane, Jones, Garrison y Tyner). ‘Kulu Sé Mama’ fue el último álbum editado durante la vida de Coltrane. La crítica señaló que su colorida percusión hace de este álbum una grabación única, si no esencial, en la discografía de Coltrane.
- ‘Living Space’ es un álbum recopilatorio de Coltrane. Editado póstumamente por Impulse presentó piezas grabadas en 1965. Casi todas habían sido publicadas previamente, como ya hemos indicado.
- ‘Transition’ es un álbum de Coltrane, grabado en 1965 pero editado póstumamente en 1970.
Como su título indica, fue un puente entre las grabaciones clásicas del cuarteto y las obras más experimentales de los últimos años de Coltrane.
La interpretación de Coltrane alterna aquí entre modismos de blues y el free jazz que dominaría su trabajo final. De los cuatro músicos en este álbum, el pianista McCoy Tyner seguía siendo el más arraigado en el jazz tradicional. El bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones estaban encontrando nuevas formas de acercarse a sus instrumentos, mientras que Coltrane tomó la delantera con una nueva libertad musical.
Tres meses después de esta grabación, el cuarteto de Coltrane se mudó a un territorio experimental con su álbum ‘Sun Ship’.
- Personnel:
John Coltrane, tenor sax;
McCoy Tyner, piano;
Jimmy Garrison, bass;
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=tEvKJYdCIiU
(…)
14)
* Un día como hoy, en 1964, Albert Ayler grabó su álbum ‘Prophecy’.
- Recorded on June 14, 1964 at the Cellar Café, West 90th Street, New York City.
‘Prophecy’ es un álbum en directo del saxofonista estadounidense de free jazz Albert Ayler grabado en Nueva York el 14 de junio de 1964 y publicado en el sello ESP-Disk.
A menudo se cita a Albert Ayler diciendo: "Trane era el Padre, Pharoah era el Hijo, yo soy el Espíritu Santo", refiriéndose a John Coltrane, Pharoah Sanders y a sí mismo. Se podría decir mejor que Ayler fue Juan el Bautista, el profeta musical que proclamó la llegada del free jazz. Como muchos profetas, su final fue agónico. Ayler se ahogó en el East River en 1970, tras una brevísima carrera discográfica de ocho años.
Las raíces de Ayler en la iglesia afroamericana, sus antecedentes en bandas de música militares y su amor por los himnos combinados con una especie de discurso en lengua de señas. En cuanto al free jazz, después de Ayler otros músicos pudieron seguir su ejemplo e incendiar el mundo de la música.
El álbum presenta al trío de Ayler, con el bajista Gary Peacock y el batería Sunny Murray, y contiene cinco temas que representan aproximadamente la mitad del concierto de esa noche, que fue grabado por Paul Haines. El sello alemán In Respect editó una grabación de todo el concierto, que incluía cinco piezas adicionales, con el título ‘Albert Smiles With Sunny’. Según Sunny Murray, Bernard Stollman, fundador de ESP-Disk, "editó Prophecy después de la muerte de Albert, sin la firma de éste, pero como yo también tenía una copia de la misma cinta, edité la mía a través de una empresa en Alemania, como una medida correcta para mí y para Al". (Según Val Wilmer, las grabaciones de Ayler para ESP-Disk se hicieron "en contra del consejo de Cecil Taylor y otros músicos que pensaban que los artistas debían esperar un precio acorde con su talento". Ayler justificó su decisión afirmando: "Sentía que mi arte era tan importante que tenía que sacarlo. En aquel momento estaba musicalmente fuera de este mundo. Sabía que tenía que tocar esta música para la gente”).
Los temas adicionales de Albert Smiles with Sunny fueron reeditados por Revenant Records en ‘Holy Ghost: Rare & Unissued Recordings’. Además, todos los temas del 14 de junio de 1964, más el tema único del 1 de mayo de 1965 del álbum ‘Bells’, fueron reeditados por ESP-Disk como ‘Bells & Prophecy: Expanded Edition’. El trío Ayler grabaría ‘Spiritual Unity’ menos de un mes después.
Junio de 1964 encontró a Ayler al borde de lo que posiblemente fue la fase más productiva de su viaje, moldeando los motivos que conformarían una parte sustancial de su repertorio, empujándolos y tirando de ellos, viendo hasta dónde podía estirar la música conservando su núcleo esencial y espiritual. ‘Prophecy’ nos devuelve a una época muy mágica para Ayler.
La primera de las grabaciones ESP de Albert Ayler (pero una de las últimas en publicarse) es esta sesión en directo con Peacock y Murray. Se escucha al tenor en las primeras versiones de su tema más famoso, "Ghosts" (se incluyen tres interpretaciones), junto con melodías como "Spirits", "Wizard" y "Prophecy". Las tres versiones de "Ghosts" siguen provocando escalofríos. En parte himno y en parte sermón, la interpretación de Ayler es feroz. Peacock, a quien hoy conocemos como el pulso detrás del trío de Keith Jarrett, mantiene un sonido de zumbido que alimenta el vuelo del saxofonista. El mismo apoyo viene de Murray, excepto que él favorece un estrépito sonoro, y puede que la suya sea la voz del fantasma gimiente detrás de "Spirits".
Aunque el trío había perfeccionado un sonido de grupo y un método que comprendía temas lentos y pausados o extremadamente rápidos, el constante parloteo percusivo de Murray y los lamentos vocales que proporcionaban un trampolín alternativo de sonido puro, la constante filigrana armónica de Peacock que creaba otra red auditiva, todo ello se presenta en ‘Prophecy’ como un marco mucho más suelto, que fue una sesión importante para establecer parte del lenguaje básico de la carrera del saxofonista.
Ayler alternaba los temas sencillos tipo marcha con improvisaciones salvajes y muy libres que poco o nada deben a la tradición del bop, o incluso a sus contemporáneos de la vanguardia. Ayler siempre tuvo su propio mensaje individual, y sus sesiones le encuentran en una forma consistentemente explorativa, dijo la crítica.
Los fans del free jazz actual pueden volver a uno de los documentos fuente con esta grabación.
- Personnel:
Albert Ayler - tenor saxophone
Gary Peacock - bass
Sonny Murray – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=hhPfDG7FNiQ
15)
* Un día como hoy, en 1965, Ornette Coleman comenzó la grabación de su álbum ‘Chappaqua Suite’.
-Recorded on June 15-17, 1965 in New York.
‘Chappaqua Suite’ es un álbum de free jazz del saxofonista alto Ornette Coleman grabado para Columbia Records.
Esta suite en cuatro partes es en realidad la banda sonora de ‘Chappaqua’, la primera película de Conrad Rooks, aunque nunca se utilizó como tal. Encargada originalmente por el director, sin embargo, la música no se utilizó en la versión estrenada de la película porque Rooks decidió al escuchar la música de Coleman que su belleza inherente podría restar fuerza a la película. Así pues, la suite siguió siendo una pieza musical independiente y fue editada por el sello Columbia en formato de álbum doble (cada una de las 4 partes ocupaba una cara del disco). Debido a la falta casi total de publicidad, el álbum se vendió muy mal, y se reimprimió posteriormente en ediciones muy pequeñas.
‘Chappaqua Suite’ fue la primera grabación de estudio de Coleman con su trío, con David Eisenzon al contrabajo y Charles Moffet a la batería. También fue la primera grabación realizada por Coleman acompañado por una orquesta de estudio completa.
Grabado pues por el Ornette Coleman Trio, contó además con Pharoah Sanders al tenor y una gran orquesta de estudio arreglada por Joseph Tekula.
Coleman consiguió demostrar un control asombroso sobre la orquesta. Si para su trío era habitual tocar siguiendo la intuición, para la orquesta, poco conocedora de las improvisaciones del free jazz, necesitaba algún tipo de apoyo, y Coleman y sus músicos lo crearon a tiempo. Así se abren para acomodarse a las construcciones más formales de una banda que sabe poco de improvisación y de cómo funciona en el contexto del free jazz.
La interacción de Sanders al saxo tenor con Coleman también es sorprendente, en el sentido de que su voz, normalmente avasalladora, se atempera aquí, jugando con los matices y las extrañas figuras armónicas que Coleman sugiere y luego declara descaradamente desde su contralto. La improvisación es complementaria, no se trata en absoluto de una competición de cortes, no vuela a distancias muy lejanas y obedece al contexto general de la obra, que construye el líder y una sensible sección rítmica que combina con gracia las diferentes partes de la composición en términos de dinámica y potencia. En general, muestra a su manera la visión compositiva de Ornett Coleman en un formato orquestal a gran escala. La sección rítmica, sobre todo, lleva el equilibrio de poder y mantiene todo el asunto en movimiento, manejando los cambios dinámicos con una gracia feroz y, al mismo tiempo, sugiriendo un camino más complicado para que Coleman lo siga en las tentadoras secciones pastorales de la obra. Aunque no se considere una obra maestra de Coleman, quizá debido a su falta de disponibilidad en Estados Unidos en su totalidad, Chappaqua Suite es un testimonio de la visión de Coleman como compositor y del poder de su dirección orquestal. Merece mucho la pena.
- Personnel:
Ornette Coleman – alto saxophone
Pharoah Sanders – tenor saxophone
David Izenzon – double bass
Charles Moffett – drums
Orchestra arranged by Joseph Tekula.
https://www.youtube.com/watch?v=nlp3d2i-HNQ
16)
* Un día como hoy, en 1963, Art Blakey y The Jazz Messengers graban en vivo su magnífico álbum ‘Ugetsu’.
- Recorded live on June 16, 1963 at Birdland, New York City.
‘Ugetsu: Art Blakey's Jazz Messengers at Birdland’ es un álbum de jazz en directo de Art Blakey and the Jazz Messengers grabado en el Birdland de Nueva York y publicado por Riverside Records. Fue el ultimo disco que grabaron con ese sello antes de pasarse a Blue Note.
El álbum original constaba de seis pistas y el productor declaró en las notas de presentación que hubo otras actuaciones grabadas entonces que no pudieron encajar en el álbum resultante. Cuando el álbum se reeditó se añadieron tres temas nuevos grabados aquella noche.
La gira de los Jazz Messengers por Japón había terminado unos meses antes de esta actuación en directo, entonces la banda decidió tocar dos temas como homenaje a Japón: la composición de Cedar Walton "Ugetsu" (que Walton también publicó bajo el título "Fantasy in D" en sus discos en solitario) y "On the Ginza" de Wayne Shorter. En la última reedición en la serie Original Jazz Classics, con un tema inédito, "Conception".
‘Ugetsu’, muestra a The Jazz Messengers en la cima de su carrera con una de sus formaciones más sólidas. Habiendo adquirido los servicios del trombonista Curtis Fuller en 1961, la primera línea de los Messengers era la más robusta de su historia, con Wayne Shorter y Freddie Hubbard realizando constantemente algunas de sus mejores actuaciones. Completan la sección rítmica con Blakey los igualmente poderosos Reggie Workman y Cedar Walton. El repertorio de The Messengers contiene la mayoría de temas escritos por el director musical Wayne Shorter, así como algunos de Curtis Fuller y Cedar Walton. El grupo está animado por un público muy receptivo, los tempos y los solos son enérgicos en su mayor parte, y Blakey parece excepcionalmente enérgico a pesar de no interpretar ni un solo extenso. Sus bromas entre canciones son igualmente entretenidas. En general, el grupo es preciso, expresivo y se mueve con fuerza, transmitiendo su mensaje desde la plataforma más grandiosa de la época.
- Personnel:
Art Blakey – drums
Freddie Hubbard – trumpet
Curtis Fuller – trombone
Wayne Shorter – tenor sax
Cedar Walton – piano
Reggie Workman – double bass.
https://www.youtube.com/watch?v=eMDCdSv11no
https://www.youtube.com/watch?v=9i6GggeAxP4
https://www.youtube.com/watch?v=_u0mfb1WdTs
https://www.youtube.com/watch?v=mqArwHLljKc
https://www.youtube.com/watch?v=TvK_oj4ymbE
https://www.youtube.com/watch?v=m9a6uWRyPsQ
(…)
18)
* En 1956, un dia como hoy, Cannonball Adderley continuó grabando con su combo temas que aparecieron en su álbum ‘In The Land Of Hi-Fi’.
- Recorded at Capitol Studios, NYC, on June 8, 16 and 18, 1956.
‘In the Land of Hi-Fi with Julian Cannonball Adderley’ es el cuarto álbum del saxofonista de jazz Cannonball Adderley, y el tercero publicado en el sello EmArcy, con seis vientos y tres rítmicas, que incluye entre otros a su hermano Nat Adderley.
Con la presente grabación de los hermanos Adderley y sus secuaces se vuelve aproximadamente al formato y escenario de su primer álbum. En éste, Ernie Wilkins ejerció de director de orquesta y arreglista. La banda estuvo formada con los siguientes participantes: Nat Adderley, corneta; Ernie Royal, trompeta; "Cannonball" Adderley, saxo alto; Jerome Richardson, saxo tenor y flauta; Danny Bank, saxo barítono; Jimmy Cleveland y Bobby Byrne, trombones; Junior Mance, piano; Charlie "Specs" Wright, batería; Keeter Betts, bajo.
La mayoría de las melodías que se escuchan nunca se habían grabado antes. "Dog My Cats" es un tema original de Ernie Wilkins interpretado a toda velocidad, comenzando con un buen trabajo al piano de Mance. "I'm Glad There Is You" es un sensible tratamiento de Wilkins del tema estándar, mostrando a Cannonball en su mejor momento de balada.
"Blues from Bohemia", a pesar de su título, se basa en realidad en una construcción de treinta y dos compases, con un excelente trabajo de Nat Adderley, cuyo tono y estilo recuerdan ocasionalmente a Clark Terry, y de Cannonball, que dio nombre a esta melodía por el club nocturno de Greenwich Village donde los neoyorquinos le vieron, escucharon y deliraron por primera vez en el verano de 1955.
"Junior's Theme", ideado, por supuesto, por Mance, es un tema ligeramente antiguo con un ritmo agradable y un excelente trabajo de Mance y de ambos Adderley. "Between the Devil and the Deep Blues Sea" es una canción de Harold Arlen de 1931, en la que los coros de Jimmy Cleveland son sorprendentes en su técnica y deslumbrantes en su estilo, a la altura de la brillante fluidez del propio Cannonball, algunos de cuyos mejores altos se escuchan aquí.
"Casa de Marcel", una melodía escrita por un joven escritor de Chicago llamado Marcel Daniels, es un tema atractivo de tempo medio. "Little Girl Blue", excepto por un interludio de piano, es Cannonball de principio a fin. "T's Tune", una creación de Thomas Turrentine, un trompetista de Pittsburgh que trabajó en el Medio Oeste junto a Ernie Wilkins en la orquesta de George Hudson. Es un blues lento y funky con más trabajo maravilloso de Mance y Cannonball.
"Broadway at Basin Street", que comienza con una cadencia de contralto, pasa a una rápida improvisación en clave menor por parte de Cannonball antes de que el tiempo se reduzca a la mitad para un trabajo de conjunto al unísono. Esta melodía es supuestamente la respuesta del club Basin Street a "Lullaby of Birdland", Basin Street de Nueva York, no es una calle, sino un bistro situado en la calle 51 justo al lado de Broadway. El grupo de Cannonball había tocado allí varias veces en los últimos meses.
"Just Norman", un original boppish, tiene un buen trabajo de Nat y Julian, así como algún destello solista de Specs, que lo compuso. El significado del título está envuelto en el misterio, no se puede confirmar el rumor de que estaba dedicada a Norman Vincent Peale. El conjunto se cierra con "I Don't Care", un original en clave menor de Ray Bryant, un joven pianista de Filadelfia. Además del notable trabajo de Cannonball, hay una excelente flauta de Jerome Richardson, tanto en solitario como en conjunto. Jerome es uno de los pocos hombres capaces de rezongar de forma convincente.
En resumen, se trata de una animada sesión de jazz moderno sin pretensiones que servirá para consolidar la reputación de Cannonball como uno de los grandes de la música contemporánea.
- Personnel:
Nat Adderley, cornet;
Ernie Royal, trumpet;
Bobby Byrne, Jimmy Cleveland, trombone;
Cannonball Adderley, alto sax;
Jerome Richardson, tenor sax, flute;
Danny Bank, baritone sax;
Junior Mance, piano;
Keter Betts, bass;
Charles "Specs" Wright, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=xXZ9FlSEFIw
* Y un día como hoy, en 1965, Hank Mobley en quinteto grabó su álbum ‘Dippin'’.
- Recorded at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on June 18, 1965.
‘Dippin'’ es un álbum del saxofonista de jazz Hank Mobley publicado por el sello Blue Note. Es la segunda de las nueve sesiones de Blue Note en las que participó Mobley junto a Lee Morgan durante la segunda etapa del trompetista en el sello. También es la segunda de las nueve sesiones de grabación consecutivas de Hank Mobley en las que participó Billy Higgins.
‘Dippin'’ es uno de los mejores momentos de Hank Mobley, incluso teniendo en cuenta que todo su catálogo de Blue Note es magistral, en particular sus fechas de los años 60 que revelan la profundidad y la dimensión de su comprensión de la invención armónica - todo en nombre del groove y el swing, por supuesto. Este disco, grabado un solo día de junio de 1965, contiene cuatro temas originales de Mobley y dos versiones. La banda estaba formada por el trompetista Lee Morgan, el pianista Harold Mabern, el bajista Larry Ridley y el batería Billy Higgins. La primera línea de dos vientos siempre le fue bien a Mobley. Aquí, con Morgan, el ritmo comienza desde las primeras notas del tema que abre el disco. Las cortas líneas de blues estallan desde esos vientos y se vuelven del revés con líneas elegantes pero nudosas que mueven la melodía casi hacia el territorio del pop, pero sin aventurarse nunca lejos del blues. El ágil "Recado Bossa Nova", escrito por Djalma Ferreira, saca a la banda de su zona de confort rítmicamente, pero el gráfico de vientos de Mobley es brillante. Higgins y Ridley mantienen el ritmo de bossa natural y humeante mientras los solistas empiezan a desmontar y volver a montar la melodía. Hay una balada en el disco, "I See Your Face Before Me", compuesta por Arthur Schwartz y Howard Dietz. En ella, Mobley hace su mejor Ben Webster, soplando bajo y humeante y dulce, pero la verdad es que no pertenece a un programa con tantos hard bop swingers. El resto de la sesión es pura alegría y un excelente documento de las habilidades de Mobley como director de orquesta y compositor.
- Personnel:
Lee Morgan, trumpet;
Hank Mobley, tenor sax;
Harold Mabern, piano;
Larry Ridley, bass;
Billy Higgins, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=TbdLmvoMNcM
https://www.youtube.com/watch?v=LMFDhUOxkMY
(…)
24)
* Un día como hoy, en 1973, Sonny Stitt y Gene Ammons grabaron en vivo su álbum ‘God Bless Jug and Sonny’.
- Recorded on June 24, 1973, at Left Bank Jazz Society at the Famous Ballroom, Baltimore, Maryland.
‘God Bless Jug and Sonny’ es un álbum en directo de los saxofonistas Sonny Stitt y Gene Ammons grabado en Baltimore en 1973 y publicado en el sello Prestige.
El tema central de este emocionante, aunque imperfecto, álbum es la reunión en 1973 de Gene "Jug" Ammons y Sonny Stitt, responsables de algunas de las batallas de saxofón tenor más famosas de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Cuando los dos se enfrentaron, fue deportividad musical en estado puro. Jug y Stitt se respetaban mutuamente y sus batallas eran la esencia de la competición amistosa. Puede que algunos bebopers acérrimos se sientan decepcionados al saber que ‘God Bless Jug and Sonny’ (que se grabó en directo en Baltimore en 1973 pero no se publicó hasta mucho más tarde) no es tan competitivo: los saxofonistas no intentan revivir sus legendarios ‘cutting contests’ de los años cuarenta y cincuenta. No obstante, hay muchos momentos inspirados, y disfrutan de una fuerte compenetración en las exuberantes interpretaciones de "Blue 'n' Boogie", "Stringin' the Jug" y "Bye Bye Blackbird" (todas ellas con Cedar Walton al piano, Sam Jones al bajo y Billy Higgins a la batería). Ammons y Stitt no tocan juntos en todos los temas; Stitt se retira en "God Bless the Child" de Billie Holiday, y Stitt es el único saxofonista en "Autumn in New York" de Vernon Duke (la única interpretación en la que Stitt toca el alto en lugar del tenor). Y ninguno de los dos saxofonistas aparece en "Ugetsu" de Walton, una joya que permite a la sección rítmica brillar por sí misma. Cuando Ammons y Stitt tocan juntos, nunca es difícil distinguirlos. En contraste con el Stitt de mentalidad Charlie Parker, Ammons tenía el tipo de tono grande, jadeante e influenciado por Coleman Hawkins que se espera de un tenor swing (aunque él era en gran medida un bebopper/hard bopper). A diferencia de algunos de sus encuentros anteriores, ‘God Bless Jug and Sonny’ no llega a ser fundamental. Pero esta reunión sigue siendo atractiva e interesará a los incondicionales de los saxofonistas.
- Personnel:
Gene Ammons - tenor saxophone (tracks 1, 2, 3 & 6)
Sonny Stitt - tenor saxophone (tracks 1, 2 & 6), alto saxophone (track 4)
Cedar Walton - piano - trio track 5
Sam Jones - bass
Billy Higgins – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=rUlZn5e4ZRU
25)
* En un día como hoy, en 1956, Clifford Brown, terminó de grabar su álbum ‘The Beginning and the End.
- Recorded: March 21, 1952, in Chicago & June 25, 1956, at Music City, Philadelphia.
(In memoriam).
‘The Beginning and the End’ contiene muy buena música. Editado por Columbia Records, es un recopilatorio de Clifford Brown. Según las notas de presentación, son la primera y la última actuación grabada de uno de los más grandes solistas de la historia del jazz.
El álbum comienza con dos temas con Brown haciendo solos que grabó con Chris Powell's Blue Flames en 1952 al principio de su trágicamente breve carrera y termina con grabaciones de una sesión celebrada en el Music City Club de Filadelfia en 1956, que presenta a Brown en la última noche de su vida, pocas horas antes de morir en un accidente de coche. Actuando en Filadelfia, su ciudad natal, ante un público entregado, se escucha al joven de 25 años tocar en su mejor momento. Interpreta "Walkin" con un sexteto local que incluye a Billy Root al tenor y al pianista Sam Dockery (futuro miembro de Art Blakey's Jazz Messengers), "A Night in Tunisia" con un quinteto, y concluye su noche y su carrera con una interpretación en cuarteto de "Donna Lee" que es sencillamente brillante. La muerte de Brown fue una de las grandes tragedias de la historia del jazz y sus despedidas al público fueron irónicas y, en retrospectiva, bastante tristes. La interpretación de Clifford Brown en esta cita es tan memorable que el álbum es esencial para todas las colecciones de jazz.
(Según una biografía de Brown, la sesión del Music City Club podría haber tenido lugar el 31 de mayo de 1955).
Su compañero trompetista, Christian Scott dijo que cuando era niño escuchó el álbum y pensó que la forma de tocar de Clifford Brown tenía mucho corazón. Al volver a escuchar el álbum mucho más tarde, se dio cuenta de que Brown tocaba cosas imposibles con el instrumento, cosas que este tipo hacía que muchos trompetistas de cincuenta años nunca intentarían.
- Personnel:
Clifford Brown (tp)
Chris Powell – vocals, percussion
Vance Wilson – alto saxophone, tenor saxophone
Eddie Lambert – guitar
Duke Wells – piano
James Johnson – bass
Osie Johnson – drums
And;
Billy Root – tenor saxophone
Ziggy Vines – tenor saxophone
Sam Dockery – piano
Adolph "Ace" Tisone – bass
Ellis Tollin – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=XbgaUz14VLE
(…)
27)
* Un día como hoy, en 1961, se grabó el álbum ‘The Quest’ del pianista de jazz americano Mal Waldron con sólo composiciones suyas. Algunas reediciones del álbum han aparecido bajo el nombre de Eric Dolphy que también participó en el sexteto.
- Recorded: June 27, 1961, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
Se debe devolver el liderazgo al pianista Mal Waldron. Sus siete temas originales no sólo presentan al altoista Dolphy (que hace una rara aparición con el clarinete en uno de ellos) sino al saxofonista tenor Booker Ervin, a Ron Carter (en el violonchelo) y con el bajista Joe Benjamin y el baterista Charlie Persip dando un apoyo importante y atento.
La crítica dijo que la música era compleja (que se sitúa entre el hard bop y la vanguardia) y se interpreta con éxito, siendo una cita del sexteto extraordinariamente original (e injustamente desatendida).
- Personnel:
Mal Waldron – piano
Eric Dolphy – alto saxophone, clarinet
Booker Ervin – tenor saxophone
Ron Carter – cello
Joe Benjamin – bass
Charlie Persip – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=jAplth5UaY https://www.youtube.com/watch?v=jyvyiqlQPws
https://www.youtube.com/watch?v=avJFTk25d0c
28)
* Un día como hoy, en 1960, Ken McIntyre, multiinstrumentista y docente musical, grabó su primer álbum "Looking Ahead" para el sello New Jazz.
- Recorded: June 28, 1960, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
Su álbum debut del altoísta Ken McIntyre, fue grabado con Eric Dolphy. Todos los temas, interesantes en grado sumo, son composiciones de McIntyre excepto una.
El álbum aparece como una de esas obras extremadamente intrigantes y sin embargo menos conocidas de la historia del jazz. Todo el grupo con el pianista Walter Bishop, Jr., el bajista Sam Jones y el gran baterista Art Taylor, se balancea con fuerza y claridad bajo la sección de viento sin precedentes de McIntyre-Dolphy.
La crítica consideró que fue muy apropiado que McIntyre tuviera la oportunidad de grabar en quinteto, estupendo, con Dolphy, ya que su enfoque multiinstrumental era similar, aunque siempre producía un sonido muy diferente.
- Personnel:
Ken McIntyre - alto saxophone, flute
Eric Dolphy - alto saxophone, bass clarinet, flute
Walter Bishop Jr. - piano
Sam Jones - bass
Art Taylor - drums.
https://www.youtube.com/watch?v=ijNqqzBg-rA
29)
* Un día como hoy, en 1954, Miles Davis y Sonny Rollins graban en un quinteto genial con Silver, Heath y Clarke, el álbum ‘Miles Davis with Sonny Rollins’, cuyos temas fueron después incorporados a otros álbumes de Prestige Records, como ‘Bags 'Groove’, ‘Oleo’, ‘Tallest Trees’ o ‘Tune U’.
- Recorded: June 29th, 1954, at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.
‘Miles Davis with Sonny Rollins’ es un álbum del prolífico año 1954 de Miles Davis en Prestige. Las cuatro pistas, junto con una segunda versión de ‘But Not For Me’, fueron grabadas en el estudio de Rudy Van Gelder, Hackensack, Nueva Jersey, el 29 de junio de ese año.
El álbum muestra las habilidades musicales y compositivas de Sonny Rollins, quien fue el saxofonista favorito de Davis en ese momento de su carrera. Tres de los cuatro temas eran originales de Sonny Rollins y se convertirían en parte regular de los sets en vivo de Davis y Rollins. En su autobiografía, Davis dice que Rollins estaba escribiendo la música en trozos de papel en el estudio durante la sesión de grabación.
Después, las cuatro pistas, junto a tomas alternativas, se incluyeron en otros álbumes.
- Personnel:
Miles Davis – Trumpet
Sonny Rollins – Tenor Saxophone
Horace Silver – Piano
Percy Heath – Bass
Kenny Clarke – Drums.
https://www.youtube.com/watch?v=OCcys7FIhis
* Y un día como hoy, en 1976, Woody Shaw grabó su àlbum ‘Little Red's Fantasy’.
- Recorded on June 29, 1976, at Blue Rock Studios, New York City.
‘Little Red's Fantasy’ es un álbum dirigido por el trompetista Woody Shaw que fue grabado en 1976 y publicado en el sello Muse. Fue reeditado por Mosaic Records como parte de ‘Woody Shaw: The Complete Muse Sessions’ en 2013.
Woody Shaw fue uno de los grandes trompetistas de los años setenta. Aunque su sonido estaba influido por Freddie Hubbard, las improvisaciones más avanzadas de Shaw sobre sus originales modales eran bastante originales y fogosas. Este álbum de Muse contiene tres de sus composiciones (incluida "In Case You Haven't Heard") y una canción cada uno del pianista Ronnie Mathews y el bajista Stafford James, El altoísta Frank Strozier y el baterista Eddie Moore completan el quinteto. Los variados temas originales proporcionan a los músicos una base sólida para sus solos espontáneos y desenfrenados, haciendo de ésta una de las mejores grabaciones de Woody Shaw.
La ardiente voz de trompeta de Shaw, el enérgico contralto de Frank Strozier y el alegre piano de Ronnie Mathews, en una gran formación con composiciones de primera clase. Pero menos satisfacce el bajo de Stafford James, debido al uso de una pastilla de guitarra en el cuerpo del bajo acústico en lugar de un micrófono externo. Supongo que buscaba imitar el bajo eléctrico Fender - cada vez más común en uso, - sin realmente cambiar de instrumento. Aparece en varias grabaciones de Shaw de esta época y coloca el bajo en un registro demasiado alto, sin profundidad ni resonancia.
Así, otro trompetista valoró la técnica de solos de Woody: “Casi todo lo que toca está perfectamente acompasado, incluso en los pasajes rápidos de semicorcheas. El fraseo en algunos de esos pasajes es increíble. El solo destaca por la amplia gama de articulaciones, dinámicas e inflexiones. A veces toca legato, tranquila y dulcemente, pero otras toca agresivamente y con una fuerte articulación. También utiliza una serie de ligados, caídas, trinos y falsas digitaciones, que emplea con gusto y moderación y que contrastan con las suaves líneas legato que también toca".
La trompeta depende en gran medida de la embocadura: labios, músculos faciales, lengua y dientes, respiración: la conexión más directa entre la carne y el instrumento, por eso la trompeta es emocionalmente tan directa y poderosa. Woody exprime de alguna manera las notas de la trompeta y algunas las deja colgar con un vibrato melancólico, nada en un camino establecido que no anticipa lo que viene a continuación, o siempre el sonido de la sorpresa te lleva con él.
La canción “Little Red's Fantasy” está dedicada a Maxine Gregg, esposa y mánager de Woody, que al parecer era pelirroja.
- Personnel.
Woody Shaw - trumpet
Frank Strozier - alto saxophone
Ronnie Mathews - piano
Stafford James - bass
Eddie Moore – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=sEnysrlv6tc