Agosto jazz 2023
(Otro agosto de jazz)
31)
* Un día como hoy, en 1967, Albert Ayler, en quinteto sin piano, comenzó la grabación de su álbum ‘Love Cry’.
- Recorded: on August 31, 1967 & February 13, 1968, at Capitol Studios, New York City.
‘Love Cry’ es un álbum de 1968 del saxofonista de jazz Albert Ayler, publicado en Impulse. Fue reeditado originalmente por GRP con dos tomas alternativas inéditas y una toma descartada inédita. En la portada se afirmaba que "Universal Indians" se presentaba como una edición extendida más larga, pero en realidad es idéntica a la del original. La posterior edición doble (junto con "The Last Album") no incluye los temas extra.
Love Cry supuso la última aparición grabada de Donald Ayler con su hermano.
Desde que fichó por Impulse en 1966, se dio por sentado que los lanzamientos de Albert Ayler en ese sello estarían motivados por un intento de comercialidad. Aunque la música era más suave que en sus primeras grabaciones con ESP, Ayler nunca hizo discos comerciales. De la misma manera que los últimos discos de Impulse de Coltrane no eran comerciales, Ayler simplemente se aprovechó de la distribución de una compañía discográfica más grande para exponer su música a más gente.
La libertad musical sin concesiones de Ayler, mezclada con su pegadiza combinación de ritmos infantiles y marchas de banda de música, siguió siendo prominente en ‘Love Cry’. La interacción entre los hermanos Ayler también siguió siendo fogosa, ya que se oye al hermano menor, Donald, tocar la trompeta por última vez en una grabación con su hermano. Donald fue despedido de la banda (por sugerencia de Impulse) y, poco después de la sesión, abandonó el grupo y regresó a Cleveland, desgraciadamente, ingresó en una institución psiquiátrica durante una breve estancia después de que se grabaran estas sesiones.
Sería uno de los mejores álbunes de Ayler, para varios críticos, presentando temas cortos e improvisaciones que son accesibles, aunque experimentales. Ayler revisita algunos de sus temas más conocidos, como "Ghosts" y "Bells", reorganizados en breves y lúcidas explosiones musicales. La sección rítmica de Alan Silva al bajo y Milford Graves a la batería instiga e impulsa continuamente esta música hacia un furioso territorio de marcha militarista. Graves y Silva forman un inspirado equipo rítmico, dando rienda suelta a una gran cantidad de ideas musicales y Ayler suena sencillamente magistral en todo momento. “Universal Indians" demuestra que no han dejado atrás sus raíces, es una explosión de free-jazz con un bonito diálogo de trompeta y tenor que es maduro y tórrido, mientras que Graves está simplemente extraordinario impulsando a todo el mundo hacia adelante, también es la épica del álbum, con casi diez minutos. Desgraciadamente, los cuatro temas en los que Call Cobbs toca el clavicémbalo no tienen igual recepción crítica. Para algunos el clavicordio de Cobbs es un comodín, pero funciona bastante bien, dando a la música un sonido inusual y único. Pero para otros, tiende a desvirtuar la música, pudiendo haber utilizado en su lugar su piano u órgano de inspiración gospel.
La tipografía psicodélica que adorna la portada de este álbum a menudo pasado por alto en la discografía de Ayler insinúa la dirección que estaba tomando en ese momento. Junto con ‘Om’ de John Coltrane y ‘The Magic of Ju Ju’ de Archie Shepp, éste era el acid jazz experimental en su máxima expresión.
- Personnel:
Albert Ayler - tenor saxophone, alto saxophone, vocals
Donald Ayler - trumpet
Alan Silva – bass
Milford Graves – drums
Call Cobbs – harpsichord.
https://www.youtube.com/watch?v=3qJWpKv5q3s
https://www.youtube.com/watch?v=urwn38RM8Bo
https://www.youtube.com/watch?v=lA87T58h7kM
30)
* Un día como hoy, en 1965, Eddie Harris terminó la grabación de su álbum ‘The In Sound’ con su conocido tema “Freedom Jazz Dance”.
- Recorded: in New York City on August 9 and August 30, 1965.
‘The In Sound’ es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Eddie Harris grabado en 1965 y publicado por el sello Atlantic. El álbum contiene la primera grabación de Harris de "Freedom Jazz Dance", que se convertiría en un estándar de jazz tras aparecer en el álbum de Miles Davis ‘Miles Smiles’.
Este raro álbum de debut es uno de los grandes discos de Eddie Harris. Baste decir que ‘The In Sound’ es un sólido programa de seis temas de jazz directo que Harris publicó cuando tenía treinta y cuatro años y ya se había labrado una reputación de músico versátil, inventivo e innovador. El infravalorado pero popular saxofonista tenor introduce su estándar "Freedom Jazz Dance" (que el bajista Ron Carter llevó a su jefe Miles Davis, quien la inmortalizó como un clásico del jazz), cerrando el álbum y donde Harris explora e investiga lo que entonces eran los últimos avances en jazz. El resultado fue un tema con un sonido mucho más innovador. Era muy diferente a lo que Harris había grabado para Columbia. Inicialmente, es un blues de piano durante los primeros dieciséis compases. Más tarde, hay un guiño a Ornette Coleman durante la melodía. Luego, cuando llegan los solos, la primera línea se impone y el trompetista Ray Codrington y el saxofonista tenor Eddie Harris toman las riendas de un arreglo palpitante.
Toca una de las primeras versiones de "The Shadow of Your Smile", una versión que podría ser un éxito en el cine en "Love Theme From 'The Sandpiper'". Es lenta, relajada y melosa, en la que Eddie Harris y su banda exploran las sutilezas y matices de la canción. El pianista Cedar Walton desempeña un papel estelar y luego Eddie Harris, que toca con fuerza y pasión, pero siempre tiene el control durante lo que ahora se considera un clásico.
Retoza en la malvada y sinuosa versión de "Love for Sale", diferente en la que Eddie Harris y su banda juguetean a lo largo del tema. Algo parecido ocurre con una versión alegre y llena de swing del estándar 'S Wonderful' y su propio "Cryin' Blues". También interpreta "Born to Be Blue" que evoca las imágenes de un humeante club de jazz a mediados de los sesenta por la noche. Con su sonido melancólico, apesadumbrado y rumiante, incita a la reflexión y es la banda sonora perfecta para los que han amado y perdido.
Harris se encuentra en plena forma en un cuarteto/quinteto con el bajista Ron Carter, el pianista Cedar Walton, el batería Billy Higgins (Walton y Higgins, la sección rítmica favorita de Lee Morgan) y el trompetista a tiempo parcial Ray Codrington. La forma de tocar es inspirada Una joya.
El tenor de Chicago Eddie Harris ya tenía en su haber casi una docena de álbumes y un gran primer éxito (‘Exodus to Jazz’) que contribuyó a lanzar su carrera, cuando fichó por Atlantic Records en 1965. En los 12 años siguientes, Atlantic publicó más de 20 discos suyos, innovadores, sublimes, exitosos y otros extraños. Pero siempre tuvo momentos de gran interés. Aunque, por desgracia, Eddie Harris nunca obtuvo en vida la atención, el reconocimiento o el respeto musical que sinceramente merecía. Los críticos pensaban que Harris, su forma de tocar y sus inquietudes musicales eran demasiado eclécticas o erráticas para merecer atención.
Eddie Harris tenía uno de los timbres más característicos del saxo tenor (un grito de alegría pellizcado). Sus composiciones, aunque solían explorar estructuras rítmicas innovadoras, seguían teniendo ganchos pegadizos. Su forma de tocar siempre tenía una lógica lineal y narrativa, tanto si exploraba los lados más airosos del romanticismo como los más libres del espectro. Y todas las bandas de Harris contaban con muchos miembros de talento, a menudo líderes por derecho propio, que hacían que él sonara aún mejor.
- Personnel:
Eddie Harris - tenor saxophone
Ray Codrington – trumpet
Cedar Walton – piano
Ron Carter – bass
Billy Higgins – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=P0lrmd0N2JU
28)
* Un día como hoy, en 1975, Sonny Fortune comienza la grabación de su álbum ‘Awakening’.
- Recorded on August 28, 1975 at Plaza Sound Studios, New York City and on September 8 & 9, 1975 at Sound Ideas, New York City.
‘Awakening’ es un álbum del saxofonista estadounidense Sonny Fortune grabado en 1975 y publicado por el sello Horizon. Sonny Fortune fue un músico interesante, un abanderado de los sonidos del Nueva York de los setenta: jazz directo, vanguardia panafricana. Tras una temporada con la banda de fusión de Miles Davis, en 1974, Sonny (conocido discípulo confeso de Coltrane, rechazó inicialmente una invitación para unirse a la banda de fusión de Miles Davis y se estableció en su lugar con McCoy Tyner y la banda del legado de Coltrane, sin embargo, aceptó la segunda invitación de Miles, sustituyendo a Dave Liebman, antes de emprender su propio camino), formó entonces su propio grupo y un año después de su álbum en Strata East (‘Long before Our Mothers Cried’), grabó ‘Awakening’, su segundo título con una formación decididamente Strata East.
El segundo álbum de Fortune como líder es un conjunto adecuado de jazz directo, (un deep jazz de estilo Strata-East), que lo distingue de muchos de sus colegas de los años 70 que practicaban la fusión y aunque el álbum no presentaba nada innovador, (comparado con la fenomenal progresión del jazz a finales de los sesenta y principios de los setenta, es obvio que en 1975 no había mucha revolución), sí mostraba la habilidad de Fortune para una gran síntesis, incluyendo matices de hard bop y el Miles de finales de los 50 en un entorno más modal, tan lírico y duro en el que el tema de 12 minutos de flauta y congas ("Awakening", el corte que da título al disco) resulta bastante creíble, incluso escuchable. Es un swinger de ritmo fácil, con Sonny abriendo con la flauta, que luego se extiende a lo largo de diez minutos y con una contribución sobresaliente, la del trompetista Charles Sullivan. Este es el sonido del Jazz acústico de mediados de los setenta (en contraposición, como se ha dicho, a los lanzamientos dominantes de fusión).
Con un elenco de músicos expertos y profesionales [Billy Hart, Kenny Barron, John Hicks, Reggie Workman, Charles Sullivan, Wayne Dockery, etc. (Kenny Barron aparece por cortesía de Muse Records y Clifford Adams, trombón, y Leonard Gibbs, percusión, tocaron en varios temas que, lamentablemente, no están incluidos en este álbum)], Awakening nunca sorprende, pero tampoco decepciona. Fortune, como de costumbre, ofrece varios solos enérgicos, mientras sus compañeros hacen swing incesantemente. Él se deja la piel con su saxo alto (y también con las flautas). Lo que sigue haciendo de este álbum una valiosa muestra del Jazz acústico modal post-hardbop de los años 70 es la franqueza, sin artificios, de la grabación en estudio en directo, y la entereza mostrada por los músicos.
La mitad de los setenta fue una encrucijada especialmente ajetreada, el jazz se movía rápidamente en muchas direcciones, difícil para cualquiera que sólo quisiera cruzar la calle. Este álbum es quizás demasiado mainstream para los fusionistas, demasiado funky para los hard-boppers, no suficientemente difícil para los vanguardistas y demasiado eléctrico para los puristas de los instrumentos acústicos.
- Personnel:
Sonny Fortune - alto saxophone, flute, cowbell, chimes, claves, shaker, percussion
Charles Sullivan - trumpet, flugelhorn
Kenny Barron - piano, electric piano
John Hicks - piano
Wayne Dockery & Reggie Workman – bass
Billy Hart & Chip Lyle – drums
Angel Allende - congas, percussion.
https://www.youtube.com/watch?v=z3EEj0f_7kE
27)
- Recorded on August 27, 28, and 30, 1988 at Van Gelder Recording Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
‘Art Deco’ es un álbum del trompetista de jazz Don Cherry grabado en 1988 y publicado por el sello A&M.
Aunque no se menciona en ninguna parte, esta sesión es en gran medida una reunión de las tres cuartas partes del primer cuarteto de Ornette Coleman. Grabado en agosto de 1988, este fascinante álbum presenta al trompetista Don Cherry reunido con el bajista Charlie Haden y el batería Billy Higgins (del primer Ornette Coleman Quartet) y, sobre todo, con el saxofonista tenor James Clay. Clay, que después de tocar con Cherry en Los Ángeles en los años 50 y hacer algunas grabaciones se había trasladado a Texas y había permanecido en el olvido durante décadas. Afortunadamente, su toque es bastante fuerte en lo que resulta ser una sorprendente sesión orientada al bop.
Este conjunto de temas es bastante accesible y encuentra a todos los músicos en plena forma. Compuesto por estándares superiores, 'Bemsha Swing' de Thelonious Monk y una maravillosa versión de 'Body and Soul' que es una característica de James Clay, algunos temas originales del grupo y tres temas de Ornette Coleman (incluido el clásico "The Blessing"). El cuarteto tocó en el Village Vanguard antes de grabar un álbum sorprendentemente tradicional. La sesión fue bastante relajada y los cuatro músicos están en la cima de su recreación.
- Personnel:
Don Cherry — trumpet
James Clay — tenor saxophone
Charlie Haden — bass
Billy Higgins — drums.
https://www.youtube.com/watch?v=FLNoA0eQ_34
https://www.youtube.com/watch?v=ZtIlIHamzGU
https://www.youtube.com/watch?v=paqvkihtnoI
26)
* Un día como hoy, en 1966, Cannonball Adderley volvió a Japón, actuando en vivo y grabando el álbum ‘Cannonball in Japan’.
- Recorded live on August 26, 1966 in Tokyo, at Sankei Hall, Tokyo, Japan.
‘Cannonball in Japan’ es una grabación en directo del Cannonball Adderley Quintet en el Sankei Hall de Tokio, que se publicó por primera vez en el sello japonés Capitol. Una rara grabación en directo de Cannonball Adderley, inédita en los Estados Unidos, e interpretada con el estilo de sus mejores trabajos para Riverside. El álbum es muy similar a algunos de los mejores directos del grupo para este sello, como la grabación de otra de Tokio, con temas largos y un poco alargados.
‘Cannonball in Japan’ es otro espectáculo en directo en un lugar favorito y el grupo toca bastante bien. Los álbumes japoneses en directo son casi siempre una delicia. Un público respetuoso y un equipo de grabación de alta fidelidad se combinan normalmente para hacer discos de gran sonido con interpretaciones fuertes e intensas. El fantástico documento en directo ‘In Japan’ de Julian "Cannonball" Adderley no es una excepción. Grabado en agosto de 1966, presenta al saxofonista alto en la cima de su carrera. Respaldado por su mejor banda (el cornetista Nat Adderley, el pianista eléctrico Joe Zawinul, el bajista Victor Gaskin y el batería Roy McCurdy) Adderley interpreta un repertorio bastante estándar, pero lo hace de una forma nada aburrida y de un modo que no tiene nada de rutinario.
La versión extendida de "Mercy Mercy Mercy" es quizás incluso más ardiente que la que pronto se convertiría en un éxito. "Work Song" y "Jive Samba" abren y cierran el espectáculo con estilo, pero temas menos conocidos como "The Sticks" y "Money in the Pocket" son casi tan memorables.
- Personnel:
Julian "Cannonball" Adderley – alto sax
Nat Adderley – Cornet
Joe Zawinul – piano
Victor Gaskin – bass
Roy McCurdy – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=sQhxs9munFE
https://www.youtube.com/watch?v=wuZUCQ6Nbzo
https://www.youtube.com/watch?v=hLU_7UNDQY4
https://www.youtube.com/watch?v=aFh2mhAAEUw
https://www.youtube.com/watch?v=HSp_VfJlnvs
25)
* Un día como hoy, en 1977, Buddy Tate grabó su disco ‘Buddy Tate Meets Dollar Brand’.
- Recorded on August 25, 1977, at Studio Downtown Sound, New York City.
‘Buddy Tate Meets Dollar Brand’, reeditado como ‘Buddy Tate Meets Abdullah Ibrahim: The Legendary Encounter’, es un álbum del saxofonista Buddy Tate y el pianista Dollar Brand grabado en Nueva York en 1977 y publicado por el sello Chiaroscuro.
Al principio, un encuentro entre el saxofonista tenor de swing Buddy Tate y el pianista de post-bop Abdullah Ibrahim (todavía conocido como Dollar Brand en 1977, cuando se grabó este álbum), parecía un posible fracaso. En lugar de ello, resulta ser una inspiración, ya que cada intérprete enseñó al otro música nueva y lograron mezclar con éxito sus dispares antecedentes jazzísticos en un álbum sobresaliente. Una inusual combinación que funciona bastante bien.
El primer tema, "Goduka Mfundi", es especialmente interesante, se trata de un original de Ibrahim que Tate y la sección rítmica (el batería Roy Brooks y el bajista Cecil McBee) acababan de aprender antes de grabarlo y el compositor se inspire en esta hipnótica melodía de groove africano. Aunque el veterano tenor de swing Buddy Tate interpreta bien el tema vamp de Abdullah Ibrahim, (los vamp son frases rítmicas que se repiten cíclicamente y que nos sirven para crear un buen groove, además son perfectas para improvisar pequeñas frases entre medias), en la mayoría de los casos es el pianista quien hace un esfuerzo adicional para que Tate se sienta cómodo. El otro original del pianista Ibrahim para el cuarteto es el sabroso blues "Heyt Mazurki". Por lo demás, el repertorio se compone de estándares del swing. La rápida tutoría de Tate a Ibrahim también da grandes dividendos, ya que "Doggin' Around" es la interpretación más hirviente de la fecha, mientras que "Just You, Just Me" demuestra ser una mezcla única de swing y jazz africano. Los dos temas restantes del cuarteto resultan familiares para todos. El tono conmovedor de Tate recuerda a Ben Webster en "Poor Butterfly", aunque Ibrahim roba claramente el espectáculo con su bien disimulada y ensoñadora introducción a "In a Sentimental Mood" de Duke Ellington. En este punto, Tate tuvo que marcharse a un concierto, y la cita se completó como trío. Ibrahim tocó con bastante parsimonia y a veces se retiraba por completo detrás de Tate. El tenor (que está en plena forma) se convierte fácilmente en la estrella solista.
La reedición añadió dos números inéditos de trío sin Tate ("Shrimp Boats" y "Django") del mismo día que se dio a Ibrahim más oportunidades de brillar."Shrimp Boats", una pieza que Ibrahim grabó en varias ocasiones, se desarrolla lentamente, pero es una obra muy contagiosa. El pianista entona la introducción que suena casi a Oriente Medio y que finalmente se convierte en el conocido "Django" de John Lewis; de hecho, esta pieza de más de diez minutos está a punto de terminar cuando entran en su tema, tras el estupendo solo de arco bajo de McBee y el magnífico solo de batería de Brooks.
Es una pena que no se produjera una reunión entre Ibrahim y Tate tras la grabación de este memorable disco.
- Personnel:
Buddy Tate – tenor saxophone (tracks 1-6)
Dollar Brand – piano (tracks 2-8)
Cecil McBee – double bass
Roy Brooks – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=eAbumLcChPw
24)
* Un día como hoy, en 1964, Tony Williams terminó de grabar su primer álbum ‘Life Time’.
- Recorded on August 21 & 24, 1964, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Life Time’ es el álbum de debut del batería estadounidense Tony Williams, grabado y publicado por el sello Blue Note, en el que aparecen músicos como el saxofonista tenor Sam Rivers, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Herbie Hancock y los bajistas Ron Carter, Gary Peacock y Richard Davis.
Anthony Tillmon "Tony" Williams está ampliamente considerado como uno de los bateristas de jazz más importantes e influyentes y ha tocado la batería con todo el mundo, desde Miles Davis a Eric Dolphy y desde Wayne Shorter a Herbie Hancock, además de publicar varios discos propios. Miles Davis le designaba como el centro del sonido del grupo.
Tras una colaboración con Sam Rivers a los 13 años, Williams fue contratado por Jackie McLean a los 16 y acabó grabando en su álbum de 1963 ‘One Step Beyond’, una aventura que consolidó a Williams como un solicitado batería de sesión para Blue Note. A medida que se corría la voz de su virtuosismo, Williams fue consiguiendo sesiones con algunos de los músicos más destacados del post-bop y la vanguardia, cuyos álbumes han alcanzado desde entonces un estatus legendario. Williams dejó una huella indeleble en ‘Out to Lunch!’ de Eric Dolphy, ‘Point of Departure’ de Andrew Hill y ‘Fuchsia Swing Song’ de Sam Rivers, por citar algunos. Mientras, Williams seguía reinventando el papel del batería en el jazz.
La primera grabación del batería Tony Williams como líder (realizada cuando tenía 19 años y aún figuraba como Anthony Williams) le dio la oportunidad de utilizar un grupo avanzado de músicos. La imprevisible música mantiene el interés. Fue un debut muy sólido para el magistral batería. Constantemente rebosante de espíritu, este joven pionero.
Williams escribió las cuatro piezas y cuenta con una combinación diferente de intérpretes en cada tema. El álbum comienza con la composición en dos partes "Two Pieces of One". Todos los músicos (excepto Hutcherson) están. La primera parte, "Red", comienza con un saxo tenor y un bajo de arco que se entrelazan para producir una melodía sombría sobre la caja de Williams. A partir de un prolongado solo de bajo, Rivers y Williams se revuelcan en una convincente interacción sin una dirección concreta antes de dejar que Davis y Peacock hagan un dúo durante el resto de la canción. "Green" vuelve a la carga con las enérgicas y vibrantes ejecuciones de Rivers sobre los dinámicos patrones de platillos ride de Williams. Aumentando la energía, Rivers coquetea con notas exageradas antes de relajarse para dejar que Williams ilustre su enfoque expresivo e impredecible.
Williams, Rivers y Peacock en un trío se combinan para "Tomorrow Afternoon", que se hace eco de la improvisación imaginativa de la anterior, pero se vuelve más suelta y desinhibida a medida que avanza. Quizá el detalle más notable de esta canción sea la interacción entre Peacock y Rivers. Peacock, que alberga un enfoque lírico del bajo, hace rebotar conjuntos angulares de notas en Rivers, que luego las repite, contribuyendo a un ciclo de ideas frescas en constante evolución.
La improvisada "Memory" presenta a Hutcherson, Hancock y Williams en una colorida y a veces picante interacción. El tema marca la primera aparición de Hutcherson y Hancock en el álbum.
En el tema más percusivo del disco, Williams toca su kit habitual junto con timbales, bloques de madera, maracas y triángulo. Hancock toca en la sombra, estableciendo un tono general de mal humor con secuencias de acordes oscuros y esporádicos. Hutcherson, tocando el vibráfono y la marimba, embellece la primitiva instrumentación de Williams, interpretando con el máximo celo e inventiva.
Williams, siendo el músico maduro que era, se apartó de los focos y permitió que Hancock y Carter interpretaran un dúo de piano y bajo para la última composición. Una canción tan encantadora como su título, "Barb's Song to the Wizard" está saturada de caprichosas interacciones y sutilezas musicales. Aparte de la impresionante interpretación, esta canción es un buen testimonio de la infravalorada destreza compositiva de Williams.
A estas alturas, es un hecho irrefutable que el batería Tony Williams fue la figura preeminente más joven dentro del movimiento vanguardista de mediados de los años sesenta. Todo aficionado al jazz parece conocer los acontecimientos que le llevaron a la fama internacional: tras intrigar al trompetista Miles Davis con su vanguardista enfoque de la batería, fue contratado y añadido al innovador Segundo Gran Quinteto a la madura edad de 17 años. Durante esta importante etapa, Williams alteró la trayectoria de la música de Davis, se consolidó como un niño prodigio de la batería y amplió sus habilidades para pasar con éxito del jazz a géneros orientados al rock, como la fusión.
Tony Williams pudo considerarse un relevo generacional en el mundo del jazz. Fue uno de los bateristas de jazz más influyentes de los años 60 y uno de los pioneros del jazz fusión. Hasta su muerte en 1997, Williams fue un baterista muy respetado de la primera versión del jazz, así como del jazz de vanguardia. En retrospectiva, es fácil ver por qué los logros de Williams en el campo de la fusión ocultan a menudo sus esfuerzos orgánicos anteriores, la música bulliciosa de los 70 es innegablemente más popular que los ideales experimentales del jazz de vanguardia. No obstante, esta música merece ser reconocida y disfrutada.
A decir verdad, el segundo trabajo de Williams para Blue Note, ‘Spring’, a menudo hace sombra a ‘Life Time’, en parte debido a su accesibilidad y a sus firmes raíces en el post-bop estructurado. Eso no quiere decir que ‘Life Time’ carezca de visión musical, de hecho, el álbum en sí es un clásico pasado por alto que presume de un sentido de la aventura y del espacio que está ausente en ‘Spring’. La música de ’Life Time’ siempre está en movimiento, examinando cada faceta de cada composición, extrayendo colores, emociones y vibraciones, está libre de las garras de la tradición y, cuando se toca de principio a fin, galvaniza la imaginación del oyente.
En retrospectiva, es fácil ver por qué los logros de Williams en el campo de la fusión a menudo ocultan sus anteriores esfuerzos orgánicos; la música bulliciosa de los 70 es innegablemente más popular que los ideales experimentales del jazz de vanguardia. No obstante, esta música merece ser reconocida y disfrutada.
En realidad, ‘Life Time’ planteaba un radicalismo bastante diferente del de otras grabaciones que marcaron un antes y un después en 1964. Anthony Williams tenía un enfoque manifiesto y poco convencional de la forma. Cuando Williams volvió al estudio Van Gelder para grabar ‘Sprin’ con Hancock, Peacock, Rivers y Shorter, la vanguardia estaba en ascenso, pero conservó algunos de los parámetros de ‘Life Time’.
- Personnel:
Tony Williams – drums, timpani, woodblocks, maracas, triangle
Sam Rivers – tenor saxophone
Bobby Hutcherson – vibes, marimba
Herbie Hancock – piano
Ron Carter, Richard Davis & Gary Peacock – bass.
https://www.youtube.com/watch?v=4DZccr0dzWE
23)
* Un día como hoy, en 1968, McCoy Tyner, con un septeto de lujo, grabó su álbum ‘Expansions’.
- Recorded on August 23, 1968, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Expansions’ es el décimo álbum del pianista de jazz McCoy Tyner y el cuarto que publica con el sello Blue Note. Fue grabado en agosto de 1968 y Tyner cuenta con, en cuanto al personal, una formación impresionante. En el saxofón estaba Wayne Shorter, entonces todavía en el Miles Davis Quintet, mientras que Ron Carter también estaba prestado de ese grupo, aunque tocaba el violonchelo en la sesión en lugar de su bajo habitual. Tocaba la trompeta uno de los talentos emergentes de Filadelfia, Woody Shaw, que había impresionado en el álbum ‘Unity’ del organista Larry Young. El saxo alto (y flauta de madera) era el músico de Baltimore Gary Bartz, que más tarde, en los años 70, trabajaría con Miles Davis. Completaban la formación el bajista Herbie Lewis y el batería Freddie Waits.
Aunque sólo tenía 29 años cuando grabó ‘Expansions’ el pianista de Filadelfia McCoy Tyner era ya un músico experimentado. La carrera profesional de Tyner comenzó cuando sólo tenía 15 años, tocando en bandas locales de R&B, pero pronto las superó. Bajo la tutela del célebre pianista de bebop Bud Powell, que era vecino suyo, el joven Tyner se convirtió rápidamente en un gran talento del jazz. La primera vez que se dio a conocer al gran público del jazz fue en 1959, cuando formó parte de la innovadora banda de Benny Golson y Art Farmer, The Jazztet.
Un año más tarde, Tyner, que entonces sólo tenía 21 años, fue reclutado por la estrella emergente John Coltrane y, como parte del famoso cuarteto del saxofonista durante los cinco años siguientes, ayudaría a dar forma al curso de la historia del jazz a través de los álbumes clásicos de Trane. La carrera en solitario de Tyner comenzó cuando aún estaba con Coltrane y, en un periodo fértil entre 1962 y 1964, publicó seis álbumes para el sello Impulse. Después de dejar a Coltrane, en 1965, Tyner pasó un par de años en barbecho, pero finalmente aterrizó en Blue Note en 1967.
El pianista McCoy Tyner era una reconocida fuerza de la naturaleza. ‘Expansions’ hacía referencia al hecho de que era el proyecto en solitario más ambicioso de Tyner hasta ese momento, ya que utilizaba un conjunto más grande de lo habitual, compuesto por siete músicos.
Entre los temas más destacados de un programa compuesto por cuatro originales de Tyner y un estándar de Cal Massey, se encuentran la obra maestra atemporal "Peresina" y el envolvente tema de apertura "Vision".
Ese primer tema, "Vision", es un clásico del jazz modal de finales de los sesenta. Un corte propulsivo, impulsado por los acordes de piano percusivos y fuertemente rítmicos de Tyner. Encima de este alegre patrón de ostinato, los vientos armonizan una serie de motivos que parecen clarines, antes de una transición a una sección de puente oscilante con bajo andante. Tyner toma el primer solo, yuxtaponiendo explosivos acordes de la mano izquierda con chispeantes y ágiles ejecuciones de la mano derecha. A medida que la música se calma, Ron Carter se convierte en el centro de atención con un solo de violonchelo de arco que utiliza efectos glissandi. Le siguen pasajes fulgurantes de improvisación por parte de los saxos, Wayne Shorter y Gary Bartz y el trompetista Woody Shaw, aunque es el batería Freddie Waits quien tiene la última palabra, con un breve solo antes de una repetición del tema principal.
Tras el frenético comienzo, la brillante "Song Of Happiness" es serena en comparación. Con su uso de escalas pentatónicas, tiene una marcada influencia de Asia Oriental, quizás reflejando el hecho de que Tyner había visitado ese país un año antes.
"Smitty's Place" es rápida y furiosa, con una serie de duelos entre los miembros del septeto. En el primero, Wayne Shorter se enfrenta a Tyner; les siguen Shaw y Bartz, cuyos vientos se entrelazan, y luego, con el impulso efervescente de la canción disolviéndose con la ausencia de batería, Ron Carter y Herb Lewis ofrecen un diálogo entre el violonchelo y el bajo. Freddie Waits vuelve a entrar para establecer una conversación musical con Tyner.
Construida sobre un ritmo de bajo lento y a medio tiempo, similar al de "Song For My Father" de Horace Silver, se encuentra "Peresina", con tintes latinos, que demuestra que Tyner puede tocar con delicadeza, así como con potencia y precisión. Shorter, Bartz y Shaw, además de proporcionar partes de trompa elegantemente combinadas, también contribuyen con fabulosos solos individuales.
El tema que cierra el álbum, una balada agridulce llamada "I Thought I'd Let You Know", tiene un estilo más tradicional y es la única versión. Proviene de la pluma de Cal Massey, un trompetista de Filadelfia que era más conocido por su habilidad como compositor (John Coltrane, Lee Morgan, Freddie Hubbard y Archie Shepp fueron algunos de los músicos de jazz que grabaron sus canciones).
Es uno de los mejores de los muchos lanzamientos estelares de este gran pianista de jazz, el álbum divide la diferencia entre los grooves de hard bop relativamente sencillos y el jazz de vanguardia frenético y atonal.
Es un álbum que amplió los horizontes musicales del pianista de Filadelfia. Sobre todo, puso de relieve su crecimiento como compositor y arreglista, y demostró que había salido de la sombra de Coltrane para encontrar su propia voz y su lugar especial en el mundo del jazz. Tyner grabó siete álbumes para Blue Note entre 1967 y 1970, pero ‘Expansions’ fue la declaración musical más característica y decisiva de Tyner como líder y compositor. Reunió a la banda más potente y los músicos disfrutan claramente de la oportunidad de tocar en una compañía tan inspiradora, como si se animaran unos a otros a buscar soluciones y movimientos más atrevidos. El material también da a los participantes mucho espacio para buscar y expresarse. La estimulante música se sitúa entre el hard bop avanzado y la vanguardia, empujando y tirando de los límites del jazz mainstream moderno.
Esta música tan interesante, que despierta tanto la mente como el corazón, se abre camino entre un hard bop muy avanzado y la vanguardia, abarrotando y expandiendo activamente los límites del jazz mainstream moderno. Excelente ‘expansión’ musical.
- Personnel:
McCoy Tyner – piano
Woody Shaw – trumpet
Gary Bartz – alto saxophone, wooden flute (on track 2)[4]
Wayne Shorter – tenor saxophone, clarinet (on track 2)[4]
Ron Carter – cello
Herbie Lewis – bass
Freddie Waits – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=XVXQXo1DGw0
22)
* Un día como hoy, en 1972, Noah Howard grabó en directo su álbum ‘Live At The Village Vanguard’.
- Recorded live at the Village Vanguard, New York City, on August 22, 1972.
Noah Howard, nativo de Nueva Orleans y uno de los saxofonistas más olvidados frente a Ornette Coleman, Marion Brown y Frank Wright, irrumpió en escena en 1966 con dos potentes grabaciones para el sello ESP-Disk - ‘Quartet’ y ‘Live at Judson Hall’- y desde entonces sólo se le ha escuchado esporádicamente en grabaciones. Esta sesión en directo editada en el Village Vanguard en 1972 es un recordatorio de su individualidad y originalidad.
Howard pertenece a la primera generación de saxofonistas posteriores a Ornette Coleman. Eso significa que, aunque relativamente joven, fue un artista experimentado en comparación con muchos de los intérpretes más novatos de Estados Unidos. Llegó a la música con todas las credenciales necesarias. Su lugar de nacimiento fue la famosa ciudad no sólo por su contribución al jazz primitivo, sino por los ritmos funky que desencadenaron toda una era de rhythm-and-blues. Haga lo que haga Howard, siempre conserva su destreza técnica y lo que los críticos suelen denominar gusto. Eso significa que, aunque grite con vehemencia a través de su instrumento, nunca alcanza la tosquedad granulada de, por ejemplo, Pharoah Sanders o Albert AyIer.
En el álbum sólo se incluyen tres temas, todos de Howard, el corte central, "Conversation", es un solo de saxofón alto de ocho minutos y medio, que demuestra un enfoque tranquilo y bien construido en el que el espacio es tan importante como las notas. Sin ser en absoluto exagerado, Howard desgranó una serie de improvisaciones despejadas y fáciles de escuchar. Presenta la interpretación más relajada del líder de la noche. Esencialmente melódica, es larga pero directa, y revela la naturaleza interior del artista.
Los otros dos temas los interpreta con un combo en el que figura el fogoso saxofonista tenor Frank Lowe. La pureza de Howard es más convencional y contrasta con la ronca desesperación de Frank Lowe.
"Back A'town Blues" - en referencia a un barrio de Nueva Orleans, y no a la melodía de Louis Armstrong del mismo nombre - es un post-bopper agridulce con los saxos en un acuerdo tonal anti-puro, controlado, pero no abrasivo. Este tema es su reverencia a los sonidos que escuchó allí de niño.
Y "Dedication", en memoria del fallecido gran innovador Albert Ayler, se acerca más a la sonoridad de iglesia libre que cabría esperar, ya que los acordes de piano machacones pero reverentes de Robert Bruno energizan al grupo, mientras que la batería estelar de Rashied Ali aviva constantemente un fuego de nivel medio. Frank Lowe, impulsado por Ali, sopla con una intensidad casi aterradora y es el complemento ideal para el enfoque más reflexivo de Howard.
Ese notable saxofonista tenor, Lowe, que se unió a la unidad de Howard para éste y varios conciertos dominicales en el Village Vanguard, pulió con chorro de arena la mayor parte de la superficie de su saxo para aumentar sus sobretonos. Es, ante todo, un hombre enérgico. Nacido y criado en Memhis, Tennessee, Frank Lowe ha desarrollado la mayor parte de su experiencia en San Francisco, mientras que en Nueva York ha tocado con Sun Ra's Arkestra, Alice ColtrAne y Milford Graves.
Robert Bruno, pianista desde los 12 años, procede de Silver Springs, Maryland. Ha grabado con Louis Armstrong y ha tocado para artistas tan diversos como los Platters, Fathead Newman y el difunto Jimi Hendrix. Juma Sutan, otro antiguo alumno de Hendrix de la época de Band of Gypsies, toca la conga y otras percusiones. Originario de California, ha vivido en Nueva York desde finales de los sesenta, donde es famoso como fabricante de los instrumentos no occidentales que toca su Aborikinal Music Society. Que Howard se ocupa de todo quedó patente en su elección del bajista. El hábil y propulsivo Earl Freeman, que aparece aquí con un bajo Fender en lugar de su modelo acústico más habitual, nació en Oakland, California. Había tocado con Sun Ra en Chicago, pero la mayor parte de su experiencia profesional la adquirió en Europa con Sonny Murray, Kenneth Terroade, Burton Greene, Noah y Frank Wright. Rashied Ali, inmortalizado por su trabajo con el difunto John Coltrane, es un rey entre los príncipes de la percusión. No decae ni un instante allí donde toca; es el baterista moderno para todas las estaciones. Su trabajo aquí es absolutamente soberbio, a pesar de que fue llamado en el último minuto para sustituir al batería habitual de Noah, Art Lewis.
Aquellos a los que no les gusten los sonidos excesivamente altos y concentrados de Lowe, Ayler, John Coltrane de la última época o Peter Brötzmann no tienen por qué temer lo que Howard y Lowe están conjurando. De hecho, si sus oídos están realmente abiertos, ésta es una grabación que pueden saborear fácilmente, y es un documento de la obra de Howard afortunadamente disponible.
Ésta es una sesión sólida porque Noah Howard eligió sus componentes con gusto y habilidad. Del mismo modo que toca el saxofón, de hecho.
- Personnel:
Alto Saxophone, Tambourine, Bells – Noah Howard
Bass – Earl Freeman
Congas, Timbales – Juma Sutan
Drums – Rashied Ali
Piano – Robert Bruno
Tenor Saxophone, Bells – Frank Lowe.
https://www.youtube.com/watch?v=xzCuoAHjk3Y
20)
* Un día como hoy, en 1979, Joe Henderson comenzó la grabación de su álbum ‘Relaxin' at Camarillo’.
- Recorded at Contemporary Record Studio Los Angeles, CA, on August 20 and December 29, 1979.
‘Relaxin' at Camarillo’ es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Joe Henderson grabado en 1979 y publicado en el sello Contemporary, en el que Henderson aparece con el teclista Chick Corea y dos secciones rítmicas: el bajista Richard Davis y el batería Tony Williams en dos temas, y el bajista Tony Dumas y el batería Peter Erskine en los tres restantes.
Después de atravesar de manera muy digna, encomiable, por los funkies años setenta, grabando subestimadas, pero bien consistentes sesiones para Milestone, Henderson inició otra etapa muy fértil, fructífera, en diversos sellos desde principios de los ochentas.
Henderson llevaba años haciendo un trabajo de calidad en numerosos sellos independientes y extranjeros, y ‘Relaxin' at Camarillo’ es sólo uno de los muchos ejemplos de ello. Hay cinco temas, sólo uno dura menos de ocho minutos, con los atributos habituales de Henderson: tono pleno y profundo, ideas agudas y una capacidad para barrer registros y octavas con facilidad. Chick Corea fue un excelente compañero, tocando sin la timidez que aparece repetidamente en sus obras de fusión y eléctricas. Los bajistas y los baterías eran intercambiables, aunque sin duda se puede distinguir a Tony Williams de Peter Erskine (y eso no es un menosprecio a Erskine) y a Davis de Dumas.
‘Relaxin' at Camarillo’ cuenta con un atractivo especial, puesto que incorpora un novedoso matiz luminoso, leve, en oposición a un usualmente grueso, oscuro y profundo tono. Aunque las modificaciones de sonido, forma de tocar el saxofón y estilo a lo largo de su impecable, e inmaculada, carrera fueron mínimas.
Otro motivo para apreciar esta audición consiste en la deslumbrante labor de Chick Corea ocupando un rol de acompañante; consiguiendo despojarse, desembarazarse de sus manías interpretativas en el piano, del continuo regodeo en un mismo libreto. Su ejecución en este álbum es majestuosa, lo mismo que en el siguiente junto a Joe Henderson, ‘Mirror, Mirror’, distante de la talentosísima, pero de algún modo, limitada, repetida performance a que nos acostumbrara en buena parte de sus propios discos. Soberbio en los solos: pleno de staccato en el original de Henderson “Y Todavía La Quiero” y percutiendo vigorosamente las teclas en “Relaxin' at Camarillo” (de Charlie Parker).
También fino Tony Dumas en el contrabajo, compartiendo la sección rítmica con Peter Erskine en la batería en la sesión de agosto (reemplazados por Richard Davis y Tony Williams, respectivamente, en la posterior de diciembre del mismo año).
Resulta fascinante la forma melodiosa, elegante al extremo, sutil, liviana, pero de una contextura feroz, con que Henderson ataca la clásica balada “My One and Only Love” (de Guy Wood).
Fuera de sus grabaciones reunidas en tres diferentes períodos (correspondientes a los sellos Blue Note, Milestone y Verve, en los 60s, 70s y 90s, respectivamente); durante los 80s, Joe Henderson registró notables álbumes para distintas discográficas de Estados Unidos y Europa.
Se puede afirmar que Charlie Parker, John Coltrane y Sonny Rollins estarían situados entre los mayores saxofonistas del género y que, según algunos, próximos en méritos se encontrarían colegas como Dexter Gordon y el propio Henderson. En el caso de Gordon y Henderson, se consideran algunas de sus tempranas entregas para Blue Note como las obras maestras de ambos.
‘Relaxin' at Camarillo’ es una audición en apariencia menos fogosa, apasionada, según lo corriente en el sobresaliente tenor, sin embargo, tiene una sustancial profundidad, densidad, complejidad, con claroscuros tornasoles. El álbum es una superlativa obra de Henderson, una de esas gemas ocultas, escondidas o perdidas en su ilustre catálogo.
Esta sesión informal está repleta de buena música y es recomendable a los aficionados al hard bop avanzado.
- Personnel:
Joe Henderson – tenor saxophone
Chick Corea – piano
Richard Davis &Tony Dumas – bass
Tony Williams & Peter Erskine – drums
https://www.youtube.com/watch?v=vcb1TNXS81E
19)
* Un día como hoy, en 1966, Archie Shepp grabó su álbum ‘Mama Too Tight’.
- Recorded on August 19, 1966, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Mama Too Tight’ es un álbum de Archie Shepp publicado en Impulse. El álbum contiene temas grabados ese día por Shepp, con el trompetista Tommy Turrentine, los trombonistas Grachan Moncur III y Roswell Rudd, el tubista Howard Johnson, el clarinetista Perry Robinson, el bajista Charlie Haden y el batería Beaver Harris. El octeto del que se rodeó Archie Shepp en 1966 estaba lleno de caras nuevas y viejas. Los trombones, el bajista y el trompetista personificaban los noveles, mientras que figuras conocidas como el batería y el tubista habían formado parte de la banda habitual de Shepp.
Hay cuatro temas en ‘Mama Too Tight’, todos ellos de alguna manera actuando como extensiones de la suite inicial de tres partes "A Portrait of Robert Thomson (As a Young Man)". Shepp había alcanzado aquí su mejor momento compositivo. El tema es, al principio, una aparente explosión de free jazz, pero luego traza la historia del jazz, el gospel y la corriente del blues a través de sus tres secciones. Ciertamente hay mucha atonalidad, pero también mucha invención armónica y rítmica. La pieza, de casi 19 minutos de duración, posee una intrincada arquitectura que utiliza técnicas de prefiguración y complejos métodos de resolución. (Ya está ampliamente aceptado que, cuando el free jazz estaba en pleno auge en Nueva York en la década de 1960, no había, a pesar de las apariencias superficiales, ninguna incompatibilidad fundamental entre él y la tradición histórica del jazz. Más polémicamente, los historiadores revisionistas sugieren ahora que tampoco existía un conflicto real entre la New Thing y las músicas de jazz basadas en variaciones o modalidades).
La segunda cara, en cambio, diferente y más accesible, empieza con “Mama Too Tight”, el tema que da título al disco, un blues swinger post-bop con un riff de primera línea que entra y sale mientras los trombones se enfrentan, un funky con mucho sentido del humor. “Theme for Ernie” es una balada, en la cual lucen por igual el vanguardista saxo tenor de Archie Shepp y el multicolor acompañamiento que componen el resto, clarinete, trompeta, trombones, tuba y una sección rítmica sin piano. Y, por último, "Basheer", con una modalidad oriental que se transpone hacia el blues y la música folk, se convierte en una declaración sobre los lazos de transición que los años 60 estaban marcando musicalmente. Aquí también, mucho soplido libre, estallidos de energía furiosa y gritos de puro jolgorio se equilibran con la elegancia ellingtoniana y una contención lo suficientemente considerable como para dejar flotar la línea lírica y fomentar una mayor improvisación. El tema bebe nuevamente en las fuentes del blues a la manera de Charles Mingus, en cuanto a sofisticación, riqueza de timbres, energía y al modo de conjugar tradición y modernidad.
‘Mama Too Tight’, uno de los álbumes destacados en el catálogo de Shepp, es una inmejorable muestra de cuán creativa, aventurada, versátil e inspirada era su música en los sesentas. Esto es Shepp en su mejor nivel.
- Personnel:
Archie Shepp: tenor saxophone
Tommy Turrentine: trumpet
Grachan Moncur III: trombone
Roswell Rudd: trombone
Howard Johnson: tuba
Perry Robinson: clarinet
Charlie Haden: bass
Beaver Harris: drums.
https://www.youtube.com/watch?v=78ZtFdqAZ3c
17)
* Un día como hoy, en 1956, Red Garland grabó en trío su álbum ‘A Garland of Red’.
- Recorded on August 17, 1956, at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.
‘A Garland of Red’ es el álbum debut del pianista Red Garland, grabado en 1956 y publicado por el sello Prestige.
El pianista Red Garland, de treinta y tres años en el momento de su primera grabación como líder, ya tenía su estilo distintivo completamente formado. Con la ayuda del bajista Paul Chambers (compañero en el grupo de Davis) y el batería Art Taylor, Garland está en una forma superior en seis estándares, "Constellation" de Charlie Parker (durante la cual demuestra que podía sonar relajado a los tempos más rápidos) y su propio "Blue Red".
Cuando el pianista grabó la amalgama de temas de este disco esencial, llevaba aproximadamente un año tocando con el Miles Davis Quintet. Aunque ya había tocado junto a grandes nombres, como Charlie Parker y Lester Young, Garland -con un perfil modesto en 1955 que más o menos se mantendría así- alcanzó el punto álgido de su carrera en esta época, tal vez por la compañía musical que mantenía o, tal vez, porque le daba igual. Éste también fue un periodo de apogeo para Art Taylor, grabaría extensamente con Garland y Coltrane durante los tres años siguientes, retirándose poco después a la vida como músico de gira en Europa.
El trío está en pleno apogeo desde el principio, saltando a "A Foggy Day", que procede como un paseo alegre por una calle decididamente sin niebla. Después de la entrada, Garland hace un solo casi de inmediato, impresionante, sin ser ostentoso. Chambers sigue con algo astuto y conmovedor, antes de que Garland intervenga de nuevo. Se salta a Taylor (un tema recurrente), pero lo compensa con rápidas pinceladas, con una precisión casi mecánica.
"My Romance" ralentiza las cosas, las vibraciones individuales de las notas que componen el familiar estilo de acordes en bloque de Garland se hacen más claras que el cristal. Taylor vuelve a usar las escobillas y Chambers hace un arco en las últimas notas para un hermoso final. Vuelve a coger el arco para su solo en "What Is This Thing Called Love?", citando juguetonamente "I Can't Believe That You're in Love with Me". Para que nadie acuse al trío de sentimentalismo, está la relajada y bluesera "Makin' Whoopee", una agradable contrapartida a la soporífera "Little Girl Blue" que viene después. Más blues llega en forma de "Blue Red", con un solo de introducción de Chambers que personifica la frescura.
Sería fácil describir el álbum como una instantánea de la época en la que Garland estaba en su mejor momento como líder, flanqueado por excelentes intérpretes. Pero sería una palabra engañosa, ya que el ambiente aquí es cualquier cosa menos estático. Atemporal quizás. Pero nunca, nunca estático.
Red Garland grabó con frecuencia durante el período 1956-62 y prácticamente todas sus grabaciones en trío son siempre atractivas, y ésta no es una excepción.
- Personnel:
Red Garland – piano
Paul Chambers - bass
Art Taylor – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=mSTIrAcyp3I
* También un día como hoy, en 1960, Teddy Edwards grabó su álbum ‘Teddy´s Ready!’.
- Recorded on August 17, 1960, at Contemporary Records Studio, Los Angeles, CA.
‘Teddy's Ready!’ es un álbum del saxofonista Teddy Edwards grabado en 1960 y publicado en el sello Contemporary.
Ese año, el saxofonista tenor y pionero del bebop Edwards se había asentado firmemente en su papel de principal intérprete directo y entregó este excelente álbum para el sello de la costa oeste, donde Edwards, nacido en Jackson, Mississippi, se había establecido a mediados de los años cuarenta. Edwards se dio a conocer con las grabaciones de ‘The Duel’ de 1947 con Dexter Gordon. Al igual que Gordon, que también vivía en el oeste por aquel entonces, y Hampton Hawes, Howard McGhee y Elmo Hope, Edwards destacaba como el músico duro y atrevido entre los músicos californianos de moda. Hacia 1960, Edwards estaba en racha. Antes de ‘Teddy's Ready’, que se editó en agosto de 1960, Edwards publicó ‘It's About Time’, una magnífica sesión con el mantecoso trío de Les McCann, y ‘Sunset Eyes’, un buen disco que cuenta con la canción del título, la composición de Edwards que se convirtió en un estándar instantáneo. Ambos álbumes se publicaron en Pacific Jazz. Las grabaciones posteriores fueron ‘Together Again’, una reunión con su compañero de bop, el trompetista Howard McGhee y Good Gravy, publicado en 1961, que también es muy recomendable.
El debut del saxofonista tenor Teddy Edwards, ofrece a los oyentes una sólida muestra del talento del infravalorado tenor. Edwards, contemporáneo de Dexter Gordon y Wardell Gray, pero a veces pasado por alto debido a su decisión de permanecer la mayor parte de su vida viviendo en Los Ángeles, se exhibe en un cuarteto con el oscuro pero talentoso pianista Joe Castro, el bajista Leroy Vinnegar y el batería Billy Higgins. Interpretando tres estándares, tres originales (de los cuales "Higgins' Hideaway" es el más memorable), y "The Sermon" de Hampton Hawes, Edwards tiene la oportunidad de desarrollarse y aprovecha al máximo la oportunidad, creando una excelente música directa. Edwards, el innovador del bop, que tiene un timing impecable, un ritmo contagioso y una furia relajada que es un dulce para el oído, es un bluesman de corazón.
El blues rezuma de él durante las excelentes interpretaciones de su pegadiza composición a tiempo parado “You Name It” y la suntuosa línea de blues a medio tiempo de Hampton Hawes, “The Sermon”, ya citado. Y es que en el sonido voluptuoso y ligeramente ronco del saxo tenor de Edwards hay un mínimo de tensión entre sus labios, músculos faciales, respiración y la cadencia que emana de su viento.
- Personnel:
Teddy Edwards – tenor saxophone
Joe Castro – piano
Leroy Vinnegar – bass
Billy Higgins – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=pAWmw2c7ZFU
15)
* Un día como hoy, en 1969, 1969 Jimmy Lyons grabó en cuarteto sin piano, su álbum ‘Other Afternoons’.
- Recorded in Paris on August 15, 1969.
‘Other Afternoons’ es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Jimmy Lyons, grabado en 1969 y publicado en el sello BYG como parte de su serie Actuel. Es su primera grabación como líder, en la que Lyons toca el saxofón alto junto con el trompetista Lester Bowie, el bajista Alan Silva y el batería Andrew Cyrille. (Lyons había tocado con Silva y Cyrille en la banda de Cecil Taylor).
De paso por París para un concierto en St Paul de Vence en la Fundación Maeght, se instala durante unos días y participa en el frenesí que anima la capital. El álbum se grabó como parte de una sesión maratoniana de una semana de duración del BYG, que también produjo álbumes de artistas como Archie Shepp, el Art Ensemble Of Chicago, Grachan Moncur III, etc.
La crítica resaltó que la combinación de Lyons con Lester Bowie era simplemente increíble. La especialidad del saxofonista alto era una especie de tono punzante, pero sin sentimentalismos, algo así como el Charlie Parker intelectual, mientras que el trompetista Bowie parece llenar cada nota, ya sea atronadora o delicadamente soplada, con profundas bolsas de potencial cómico o melancólico. Es una combinación perfecta de contrastes, que se hace aún más interesante por la confianza de ambos músicos en el espacio, en cada caso desarrollado como una alternativa a la cantidad de energía intensa o bombardeo sónico que lanzan otros miembros de las asociaciones habituales de estos músicos. Del baterista Andrew Cyrille y el bajista Alan Silva, se puede esperar un cierto tipo de potencia de fuego, así como desarrollos rítmicos coloreados en términos de sugerencias e impulsos. Estos dos maestros de la interpretación son aquí emocionantes en sus aventurados intentos de dar a su amigo Jimmy Lyons un sonido totalmente nuevo en su álbum.
‘Other Afternoons’ debería conseguir fijarse seriamente, no sólo en el creciente dominio del saxofón alto de Lyons, sino también en su excepcional talento como compositor, recientemente revelado entonces.
- Personnel:
Jimmy Lyons - alto saxophone
Lester Bowie - trumpet
Alan Silva - bass
Andrew Cyrille – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=f9bGR6pFbDU
12)
* Un día como hoy, en 1959, Wynton Kelly graba ‘Kelly Great’, en un gran quinteto con Lee Morgan, Wayne Shorter, Paul Chambers y Philly Joe Jones.
- Recorded at Fine Sound Studios, New York City, NY, on August 12, 1959.
El pianista Wynton Kelly forma magnífico equipo con el trompetista Morgan, el tenorista Shorter, el bajista Chambers y el baterista Jones para una buena cita de hard bop avanzado.
Hay cuatro originales (todos prácticamente olvidados décadas después) de Kelly, Shorter y Morgan, pero el único estándar, una versión juguetona de "June Night" (que cuenta con la pícara trompeta de Morgan), es el que destaca.
- Personnel:
Wynton Kelly – piano
Lee Morgan – trumpet
Wayne Shorter – tenor saxophone
Paul Chambers – bass
Philly Joe Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=zIFfTpB_ZaQ
* También un día como hoy, en 1965, Tony Williams graba ‘Spring’, con los tenoristas Wayne Shorter y Sam Rivers.
- Recorded on August 12, 1965, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘Spring’ es el segundo álbum del batería estadounidense Tony Williams, grabado en 1965 y publicado por el sello Blue Note, en el que aparece junto a los saxofonistas tenores Sam Rivers y Wayne Shorter, el pianista Herbie Hancock y el bajista Gary Peacock.
Teniendo en cuenta el extraordinario talento reunido para la segunda cita de Tony Williams en ese sello como líder, ésta podría haber sido una sesión histórica. Desgraciadamente, no lo es tanto. ‘Spring’ no es totalmente obviable, lo que se esperaba de los miembros del Miles Davis Quintet (Williams, Hancock y Shorter), todos completamente influenciados por lo nuevo, se desataron por completo de las férreas riendas de Miles. Si a esta mezcla añadimos al saxofonista tenor Sam Rivers y al bajista de Albert Ayler, Gary Peacock, la influencia se acrecentó. Sin embargo, las cinco composiciones de Tony Williams (incluida "Echo", sólo de batería) a menudo no lograron provocar que los músicos alcanzaran una unidad crucial, lo que convirtió a Spring en un disco que no alcanzó el objetivo esperado.
Tras ‘Spring’, Williams no volvería a publicar otro disco en solitario durante cuatro años.
- Personnel:
Anthony Williams – drums
Wayne Shorter - tenor saxophone
Sam Rivers - tenor saxophone
Herbie Hancock - piano
Gary Peacock – bass.
https://www.youtube.com/watch?v=0UoPZfwJm3Q
* Y un día como hoy, en 1965, Archie Shepp terminó de grabar su álbum ‘On This Night’.
- Recorded on March 9 & August 12, 1965, at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘On This Night’ es un álbum de Archie Shepp publicado por Impulse! Records en 1965. El álbum contiene temas grabados por Shepp, el bajista David Izenzon y el batería J. C. Moses en marzo de 1965 y con una banda más grande en agosto de ese año que incluía al vibrafonista Bobby Hutcherson, el bajista Henry Grimes y los percusionistas Ed Blackwell, Joe Chambers y Rashied Ali.
El tercer lanzamiento del saxofonista tenor Archie Shepp para el sello Impulse recoge valiosos cabos sueltos grabados ese año. Entre lo más destacado se encuentra una apasionada lectura de "In a Sentimental Mood" de Duke Ellington y la pieza que da título al disco, un conmovedor homenaje a W.E.B. DuBois, con la inquietante soprano Christine Spencer empleando una clara influencia clásica del siglo XX, con Shepp al piano. Shepp es el viento solista en estas fechas, tocando en plena forma con contribuciones del vibrafonista Bobby Hutcherson al principio de su carrera, David Izenzon o Henry Grimes al bajo, y cuatro bateristas rotatorios, incluyendo a Rashied Ali (que murió un día como hoy en 2009), J.C. Moses, Joe Chambers y Ed Blackwell, tocando una variedad de percusión.
La reedición de ‘On This Night’ incluyó una toma alternativa de "The Mac Man" y tres de "The Chased" del álbum ‘Further Fire Music’ y una lectura de su poema "Malcolm, Malcolm, Semper Malcolm", publicado anteriormente en el álbum ‘Fire Music’. El tema "Gingerbread, Gingerbread Man" se eliminó y se incluyó como tema extra en la reedición del álbum ‘New Thing at Newport de John Coltrane/Archie Shepp’.
-Personnel:
Archie Shepp: tenor saxophone, piano, recitation
Bobby Hutcherson – vibes
David Izenzon: bass
Henry Grimes – bass
J.C. Moses: drums.
Rashied Ali – drums
Joe Chambers – drums, timpani
Ed Blackwell – rhythm logs
Christine Spencer: vocals.
https://www.youtube.com/watch?v=0SKEPzaXcQY
10)
* Un día como hoy, en 1967, el tenorista Joe Henderson, en sexteto, comenzó la grabación de su álbum ‘The Kicker’.
- Recorded on August 10 & September 27, 1967, at Plaza Sound Studios, New York City.
‘The Kicker’ es el sexto álbum del saxofonista tenor de jazz Joe Henderson, y el primero que publica el sello Milestone. Se grabó el 10 de agosto de 1967, con una pista procedente de una sesión posterior del 27 de septiembre y contiene actuaciones de Henderson en un sexteto con el trompetista Mike Lawrence, el trombonista Grachan Moncur III, el pianista Kenny Barron, el bajista Ron Carter y el batería Louis Hayes.
Si había vida después del bop y de Blue Note, sonaba así. En 1967, en la cúspide del cambio de rumbo del jazz, dirigiéndose a toda velocidad hacia la fusión de los setenta, ‘The Kicker’ fue el primero de una serie de discos que Henderson grabaría para ese nuevo sello.
Esa primera grabación de Henderson para el sello fue en gran medida una continuación de la música acústica aventurera que había grabado anteriormente para Blue Note. Este único álbum es un buen punto de partida para investigar su música del período medio. Empiezan a introducirse influencias funk y latinas, pero todos se alejan del precipicio free, decididamente mainstream. Henderson aparece reuniendo a su alrededor a algunos de los mejores contemporáneos del jazz que no se habían trasladado a Europa en un conjunto bien redondeado donde mantiene un rumbo firme y en el que destacan sus temas "Mamacita", "If" o el que da título al álbum, con otros ajenos como "Chelsea Bridge", "Without a Song" y "Nardis".
- Personnel:
Joe Henderson - tenor saxophone
Mike Lawrence – trumpet
Grachan Moncur III - trombone
Kenny Barron – piano
Ron Carter – bass
Louis Hayes - drums
https://www.youtube.com/watch?v=c7OkSmD3uKE
https://www.youtube.com/watch?v=z0OYWYAvhwI
https://www.youtube.com/watch?v=QiAwe3mcIL8
6)
* Un día como hoy, en 1954, Clifford Brown y Max Roach, en quinteto, terminaron de grabar su álbum ‘Brown and Roach Incorporated’.
- Recorded on August 2, 3, 5 & 6, 1954, at Capitol Studios, 5515 Melrose Ave, Hollywood in Los Angeles, California.
‘Brown and Roach Incorporated’ es un álbum del trompetista de jazz estadounidense Clifford Brown y el batería Max Roach con temas grabados en agosto de 1954 y publicados en el sello EmArcy.
La primera de las grabaciones EmArcy del Clifford Brown/Max Roach Quintet, es este álbum que presenta al trompetista Brown, al batería Roach, con el saxofonista tenor Harold Land, el pianista Richie Powell y el bajista George Morrow en plena forma. Los puntos álgidos incluyen "Stompin' at the Savoy", "I Get a Kick out of You" y la balada de Brown en "Ghost of a Chance". Música casi clásica de un grupo legendario.
- Personnel:
Clifford Brown - trumpet (tracks 1-3 & 5, 7)
Max Roach - drums
Harold Land - tenor saxophone (tracks 1, 3 & 5-7)
Richie Powell - piano
George Morrow – bass.
https://www.youtube.com/watch?v=K0FYYAGIS-A
* Y un día como hoy, en el año 2000, el veterano Harold Land grabó su álbum ‘Promised Land’.
- Recorded at David Phillips Sound Studio, La Jolla, California on August 6, 2000.
‘Promised Land’ es el último álbum de estudio del saxofonista tenor estadounidense de hard bop Harold Land. Sin embargo, el título de este álbum, es una composición de Land (no incluida en él), que fue grabada por primera vez cinco décadas antes, en 1958, por el quinteto que Harold Land tenía en esos días con Rolf Ericson en trompeta, Carl Perkins en pìano, Leroy Vinnegar en contrabajo y Frank Butler en batería, incluida como bonus track en su álbum ‘Harold in the land of jazz’. Land se había destacado antes con el quinteto de Clifford Brown/Max Roach, con el que grabó tres álbumes.
Harold Land regresó de un paréntesis discográfico de siete años con este álbum, acompañado de Mulgrew Miller al piano, Ray Drummond al bajo y Billy Higgins a la batería. (Lamentablemente, ésta sería una de las últimas sesiones de Higgins.)
Uno no esperaría otra cosa que sabiduría y profesionalidad de estos cuatro venerados intérpretes, y eso es lo que ofrecen.
Después de una larga carrera poco apreciada y una discografía escasa, el saxofonista tenor Harold Land afirma en este álbum su estatura como estilista individual. El sonido de Land había madurado hasta convertirse en algo claramente propio, una combinación del estilo swing de los comienzos de su carrera y un dominio total de las "hojas de sonido" inspiradas en Coltrane.
Igual que hay algo de Trane, también de Joe Henderson en las interpretaciones de Land, y quizá también algo de Charlie Rouse, como revela "Ugly Beauty" de Monk. Miller está en excelente forma, tocando a dúo con Land en "What's New", de más de nueve minutos, y haciendo solos nítidos e inventivos a lo largo de todo el disco.
El programa está dividido a partes iguales: tres estándares y tres piezas modales bastante sencillas de Land.
- Personnel:
Harold Land – tenor saxophone
Ray Drummond – bass
Billy Higgins – drums
Mulgrew Miller – piano.
https://www.youtube.com/watch?v=w5USltrZzZU
https://www.youtube.com/watch?v=4weepSB3F4c
8)
* Un día como hoy, en 1975, falleció el magnífico altoísta Julian Edwin Adderley conocido como ‘Cannonball’ Adderley.
Uno de sus grandes éxitos fue el álbum ‘Somethin' Else’, donde contó con la colaboración de Miles Davis a la trompeta, Hank Jones al piano, Sam Jones al contrabajo y Art Blakey a la batería.
https://www.youtube.com/watch?v=uheMdWr7Ny4
* Y un dia como hoy, en 1978, Sam Rivers grabó si álbum ‘Waves’.
- Recorded at Big Apple Studio in New York City on August 8, 1978.
‘Waves’ es un álbum del saxofonista de jazz estadounidense Sam Rivers con actuación grabada en 1978 y publicada en el sello Tomato.
Un explosivo conjunto de finales de los 70 con el infravalorado compositor, multiinstrumentista y arreglista Sam Rivers al frente de un sólido cuarteto. Mientras el bajista y violonchelista Dave Holland y el percusionista Thurman Barker se unían para formar una sección rítmica fuerte y desafiante, Rivers y Joe Daley, tocando la tuba y el saxo barítono, trabajaban juntos para crear diálogos instrumentales en secuencia. Su despliegue de voces contrastadas, con Rivers al saxo tenor y soprano y a la flauta, resulta convincente. Todos los temas son composiciones de Rivers.
- Personnel:
Sam Rivers - tenor saxophone, soprano saxophone, flute, piano
Dave Holland - bass, cello
Joe Daley - tuba, baritone horn
Thurman Barker - drums, percussion.
https://www.youtube.com/watch?v=ifa1mGKPu2w
https://www.youtube.com/watch?v=R7WccRyJSLI