Verano de jazz II.

 

Notas jazz julio 2022

31)

Un día como hoy en 1945, el trompetista Roy Eldridge, en el quinteto de Artie Shaw, grabó el tema “Scuttlebut” en una sola toma para RCA. Ha sido recopilado en varias reediciones de álbumes, como ‘1945 Spotlight Bands Broadcasts’.

Recorded at Hollywood, July 31, 1945.

Tras ser licenciado de la Marina en 1944, Artie Shaw formó su quinta y última big band de la era del swing, sin contar la que dirigió mientras estaba en el ejército. Aunque el clarinetista estaba intrigado por el bebop y contaba con el pianista Dodo Marmarosa y el guitarrista Barney Kessel entre sus solistas clave, Shaw se ceñía principalmente al swing avanzado en su música. Durante parte de 1945 tuvo al trompetista Roy Eldridge como parte importante de su banda. La orquesta de Shaw se disolvió en noviembre de 1945. Eldridge aparece en las primeras actuaciones y luego dejó la banda, siendo sustituido por Ray Linn. Aunque se echa de menos a Eldridge en las últimas, la forma de tocar de Shaw en todo momento es brillante y los conjuntos de su infravalorada banda siempre tienen swing. Un excelente combo, Roy Eldridge con su ronca trompeta tocando con intensidad rítmica, Barney Kessel a la guitarra, el pianista Dodo Marmarosa y Shaw, también muy rítmico, con su clarinete, el baterista Lou Fromm y el bajo ambulante de Morrie Rayman. La mayor parte de esta música era anteriormente rara en edición y entre lo más destacado se encuentran "Little Jazz", "Lucky Number" (el más boppante de los números), "Jumpin' on the Merry-Go-Round", "The Sad Sack", "The Glider" y "Scuttlebutt".

Personnel:

(Artie Shaw and his Gramercy Five)

Roy Eldridge (tp),

Artie Shaw (cl),

Michael Dodo Marmarosa (p),

Barney Kessel (g),

Morris Rayman (b),

Lou Fromm (d).

https://www.youtube.com/watch?v=0HdcnG9EeJk

 

30)

* Un día como hoy, en 1963, Charles Mingus grabó su álbum de solos de piano ‘Mingus Plays Piano (Spontaneous Compositions And Improvisations)’.

Recorded  at New York, on July 30, 1963.

‘Mingus Plays Piano’ es un álbum de jazz en solitario de Charles Mingus. El álbum es notable por el alejamiento de Mingus de su papel habitual como compositor y contrabajista en las grabaciones de conjuntos, y sólo tocar el piano sin ningún músico adicional. Es único en el enorme catálogo de Mingus. Como indica el título, el célebre bajista toca las teclas de marfil en solitario para dar vida a su deslumbrante arte de improvisación. Al principio parece extraño escuchar a Mingus sin uno de sus característicos conjuntos interactivos y exploratorios. Pero la sensibilidad que aporta a esta colección de piezas para piano lleva todos los signos del genio del compositor.

En la primera pieza, "Myself When I Am Real", la turbulencia y la dolorosa belleza se funden en el espontáneo despliegue de frases de Mingus. Estándares como "Body and Soul" y "Memories of You" reciben lecturas personales y armónicamente intrigantes que se mezclan a la perfección con un original de Mingus como "Old Portrait". En muchos sentidos, es una delicia escuchar al artista trabajando en esta atmósfera más reducida y tranquila, ya que permite concentrarse más intensamente en la gama y la brillantez compositiva de esta figura incomparable.

Personnel:

Charles Mingus- solo piano, vocals.

https://www.youtube.com/watch?v=V4jt2bY2HPs

 

29)

* Un día como hoy, en 1962, Curtis Amy en sexteto grabó en vivo en  ‘The Lighthouse’

su álbum ‘Tippin' On Through’.

Recorded at ‘The Lighthouse’, Hermosa Beach, CA, on July 29, 1962.

‘Tippin' on Through’ es un álbum en directo del saxofonista Curtis Amy grabado para el sello Pacific Jazz.

Raro álbum de Amy con un jovencísimo Roy Ayers al vibráfono en el grupo. Amy está en la misma forma que la posterior sesión de ‘Katanga’, su álbum más conocido.

Esta es una de las primeras grabaciones de Roy Ayers, que es hilarantemente mal nombrado como "Ron Ayres" a lo largo de la contraportada. Sólo aparece como "Roy Ayers" una vez. Ayers ya era drogadicto en esta fecha. Marable era el baterista favorito de Dexter Gordon y no decepciona aquí. John Houston es sólido en el piano y, aunque no es rival para Amy, Roy Brewster se mantiene en el trombón de válvulas.

El saxofonista tenor Curtis Amy grabó seis álbumes para ‘Pacific Jazz’ durante 1960-63. Amy tenía un buen estilo orientado al hard bop con un sonido conmovedor. Una música oscura pero gratificante que fue eclipsada durante la época y que hasta ahora estaba descatalogada.

Personnel:

Bass – Bob Whitlock

Drums – Lawrence Marable

Piano – John Houston

Tenor Saxophone – Curtis Amy

Valve Trombone – Roy Brewster

Vibraphone – Ron Ayers.

https://www.youtube.com/watch?v=mRgsaQ-d3c8

 

28)

* Un día como hoy, en 1955, Elmo Hope grabó su álbum ‘Meditations’.

Recorded on July 28, 1955, at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.

"Meditations" es el tercer álbum como líder del pianista Elmo Hope, su primero en el sello Prestige después de dos para Blue Note. El programa mezcla estándares y originales, interpretados en formato de trío por Hope, junto con el bajista John Ore y el baterista Willie Jones. Hope interpreta algunos originales, la mayoría de los cuales se basan en los cambios de acordes de canciones anteriores.

En general, la aproximación de Hope a la música es el estilo estereotipado del bebop, favorecido por la mayoría de los pianistas de la época, aunque añade su propio toque personal con un acompañamiento de la mano izquierda especialmente activo y melódico. El tema de apertura, "It's a Lovely Day Today" de Irving Berlin, es uno de los mejores ejemplos de esto, ya que la mano izquierda de Hope alterna entre la puntuación percusiva de sus líneas de la mano derecha, y un acompañamiento melódico casi contrapuntístico. Hope es capaz de crear líneas de bebop deslumbrantes con su mano derecha, aunque a veces la complejidad de su acompañamiento con la mano izquierda le lleva a cometer errores, notas torpes o incoherencias en sus líneas de la mano derecha.

Hope suena mejor tocando a un ritmo vertiginoso. Comienza de forma ardiente su introducción en el solo de la canción original "Lucky Strike", y hace algunos de sus mejores solos en el rápido tempo de la canción. "Elmo's Fire" es aún más rápido; probablemente demasiado rápido, ya que Hope no suena tan seguro o confiado. También hay algunas buenas baladas. El clásico "I Don't Stand a Ghost of a Chance" es interpretado con una elegante e interesante armonización por parte de Hope, y "I'm in the Mood for Love" tiene un bonito solo de bajo de Ore. El tema que cierra el disco, "Blue Mo", es un blues más bien estándar con un plodding two-feel de la sección rítmica, pero Hope finalmente explora algunas áreas armónicas bastante progresivas e intrigantes en su solo (y su composición tras el solo de bajo de Ore).

Puede afirmarse que se trata de un disco de trío de piano bebop bastante estándar. Aunque Elmo Hope fue uno de los compositores de jazz más interesantes de la década de 1950, el énfasis de su conjunto de trío con el bajista John Ore y el baterista Willie Jones está en el toque de piano de Hope. Influenciado en gran medida por Bud Powell (su contemporáneo), Hope generalmente impresiona con su impresionante estilo bop y su imaginativa técnica de la mano izquierda, aunque su ejecución no siempre es la adecuada. Sin embargo, cuando todo encaja, Hope suena lo suficientemente bien como para rivalizar con Bud Powell, el rey del piano bop de la época. Hope también toma decisiones armónicas ocasionalmente intrigantes que, junto con la calidad general de su interpretación, hacen que sea una escucha satisfactoria en general.

Personnel:

Elmo Hope – piano

John Ore – bass

Willie Jones – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=errV_cMz9ho

 

27)

* Un día como hoy, en 1962, Sonny Rollins, en cuarteto, comenzó la grabación de su álbum ‘Our Man in Jazz’.

Recorded on location at the ‘Village Gate’, Greenwich Village, New York City, July 27–30, 1962

& February 20, 1963.

‘Our Man in Jazz’ es un álbum del saxofonista de jazz Sonny Rollins, publicado por RCA Victor, que incluye actuaciones de Rollins con Don Cherry, Bob Cranshaw y Billy Higgins en julio de 1962. Es uno de los primeros álbumes realizados por el saxofonista tras su autoexilio musical de tres años. Se grabó en un formato de cuarteto sin piano. Estas actuaciones se han descrito como un contraste con el estilo anterior de Rollins al pasar a fantasías muy largas de forma libre, fanáticas e impetuosas.

La reedición complementa los tres temas del LP original con otros tres grabados en febrero del año siguiente, con Henry Grimes sustituyendo a Cranshaw al bajo. Estas grabaciones aparecieron originalmente en ‘3 in Jazz ‘.

Hay un argumento muy válido que dice que la sesión del Village Vanguard con Elvin Jones y Wilbur Ware es una de las grabaciones en directo definitivas del saxofonista tenor, pero este concierto del Village Gate también debería ocupar un lugar destacado. También podría llamarse la conexión de Ornette, dada la presencia de Billy Higgins y Don Cherry junto a Rollins, y la aportación de los señores de la "New Thing" que tuvo un efecto totalmente galvanizador en el coloso del saxofón. El examen de 25 minutos de 'Oleo' es uno de los grandes ejercicios exhaustivos del canon de Rollins, repleto de la rica creatividad rítmica y armónica que difumina la frontera entre el post-bop y la vanguardia. Sin embargo, el enfoque mucho más pausado de "Dearly Beloved" es un despliegue igualmente emocionante de dinámicas de liberación de tensión, ya que los diversos cambios de tempo y textura convierten la pieza en un hermoso mosaico en miniatura. Los acompañantes de Rollins están todos en excelente forma, pero Higgins en particular es una maravilla de la invención, su flujo interminable de acentos que atraen el oído equivale a una muestra de virtuosismo de toque ligero que habría sido muy instructivo para la próxima generación de bateristas funky que ayudaron decisivamente a James Brown a revolucionar el R&B unos años más tarde. Pero, por otra parte, la música de Rollins, a pesar de su gran técnica, siempre tuvo mucha alma. Los temas adicionales de una fecha de estudio en la que el gran Henry Grimes sustituye a Bob Cranshaw en el contrabajo son también un buen valor.

Personnel

Sonny Rollins – tenor saxophone

Don Cherry – cornet

Bob Cranshaw & Henry Grimes – bass

Billy Higgins – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=3gaWR7txU_Q

 

 

26)

* Un día como hoy, en 1968, Max Roach terminó de grabar su álbum ‘Members, Don't Git Weary’ editado por Atlantic.

Recorded: June 25 & 26, 1968, New York City.

Intenso álbum de 1968 del baterista Roach en el que participan los futuros fundadores de ‘Strata-East’, Cowell y Tolliver, así como el vocalista Andy Bey.

Aunque Max Roach era en gran medida un producto de la revolución del be-bop de los años 40, demostró ser bastante receptivo al post-bop modal y al jazz de vanguardia en los años 60. Una de las mejores citas post-bop que Roach grabó durante esa década fue ‘Members, Don't Git Weary’, de 1968, en el que el baterista dirige un quinteto modal cohesionado que emplea a Gary Bartz en el saxo alto, Charles Tolliver en la trompeta, Stanley Cowell en el piano acústico y eléctrico, y Jymie Merritt en el bajo eléctrico. A pesar del uso de instrumentos eléctricos, este no es un álbum que enfatice los elementos del rock o del funk ni que prediga la explosión de la fusión que estaba a la vuelta de la esquina. El álbum es en gran medida un esfuerzo directo, y la riqueza armónica de la interpretación modal queda ilustrada por joyas como "Equipoise" de Cowell, "Libra" de Bartz y "Absolutions" de Merritt. La canción que da título al disco de Roach cuenta con una memorable voz de influencia gospel de Andy Bey, pero todas las demás selecciones son instrumentales.

Personal:

Max Roach - batería

Charles Tolliver - trompeta

Gary Bartz - saxofón alto

Stanley Cowell - piano, piano eléctrico

Jymie Merritt - bajo

Andy Bey – voz.

https://www.youtube.com/watch?v=Pyq4DFNsOdU

https://www.youtube.com/watch?v=TkTi5-JPOIw

 

25)

*  Un día como hoy, en 1963, el ‘Miles Davis Quintet’ actuó en París. La grabación se incluyó en el álbum ‘Live in St. Louis & Paris. 1963’ y en otros recopilatorios de esa gira europea.

Recorded live at ‘Theatre Des Champs-Elysees’, Paris, France, on July 25, 1963

For Europe-1 radio broadcast (C+)

De camino al Festival de Antibes, el Davis Quintet tocó una noche en el Théâtre des Champs-Élysées. La sección rítmica, después de haber tocado juntos durante sólo dos meses, está sorprendentemente fluida y cohesionada, y la interpretación de Davis fue muy animada en esas grabaciones. En una reseña crítica se señaló que Williams, un prodigio de la batería de 17 años, causó una leve sensación con su agitada y propulsiva forma de tocar la batería. Ciertamente, su nombre está destinado a convertirse en una palabra familiar en el mundo del jazz.

Un fragmento de "Joshua" (3:21) se incluye a veces con estas melodías, pero se trata de un extracto ligeramente desviado del comienzo de la versión interpretada el 1 de octubre de 1964 en la Salle Pleyel de París. El Quinteto debió de tocar un conjunto de 50-60 minutos en esa fecha, pero estas dos melodías “Stella By Starlight” & “So What”, son todo lo que ha salido a la luz hasta ahora.

En días sucesivos tres grabaciones fueron realizadas en el cuarto Festival de Juan-les-Pins, repitiendo, entre otros, esos temas.

Personnel:

Miles Davis, trumpet;

George Coleman, tenor sax;

Herbie Hancock, piano;

Ron Carter, bass;

Tony Williams, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=igR1G6BLYMs

 

* Y un día como hoy, pero en 1969, otra formación del ‘Miles Davis Quintet’ volvió a actuar en el festival de Antibes (Francia).

Recorded live at La Pinède ‘Juan-les-Pins Jazz Festival’, Antibes, France ,on  July 25, 1969.

"1969 Miles - Festiva de Juan Pins" - un álbum en directo de Miles Davis - fue grabado por la televisión y la radio francesa ORTF (Office de Radiodiffusion Télévision Française) en el festival de jazz del 25 de julio de 1969 en el barrio de Juan-les-Pins de Antibes en Francia.

El quinteto, (a esta formación se le conoció como "El quinteto perdido de Miles Davis", ya que no grabó en estudio con esta configuración), incluía (además del propio líder) a grandes músicos como Wayne Shorter (saxo soprano), Chick Corea (piano eléctrico), Dave Holland (contrabajo) y Jack DeJonette (batería), y actuó en el festival dos veces: el 25 y el 26 de julio. Ambos conciertos fueron grabados por Columbia Records, pero la música no estuvo totalmente disponible hasta mucho más tarde, cuando se publicó un conjunto titulado ‘Live in Europe 1969: The Bootleg Series Vol. 2’.

Esta edición fue elogiada por los expertos en música por la imaginación creativa de Davis que era holística y absolutamente ganadora. Las fogosas interpretaciones de su grupo entusiasmaron y deleitaron con su innovadora actuación, abriendo un nuevo capítulo en la historia del jazz.

Personnel:

Miles Davis, trumpet;

Wayne Shorter, soprano, tenor sax;

Chick Corea, electric piano;

Dave Holland, bass;

Jack DeJohnette, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=KN05-Fg3cGk

 

24)

* Un día como hoy, en 1967, The Cannonball Adderley Quintet terminó de grabar en dos sesiones su ábum ‘74 Miles Away’.

Recorded live at Capitol Tower, Los Angeles, CA, June 12 & July 24, 1967.

[ver notas nuestras del 12 de junio].

Personnel:

Nat Adderley, Cornet, vocal;

Cannonball Adderley, alto sax;

Joe Zawinul, piano, electric piano;

Victor Gaskin, bass;

Roy McCurdy, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=EmpV67Mgsl0

 

23)

* Un día como hoy, en 1970, Archie Shepp actúo en París y su actuación fue grabada para su álbum ‘Coral Rock’.

Recorded in Paris, France, July 23, 1970.

‘Coral Rock’ es un álbum del saxofonista de jazz Archie Shepp grabado en Europa en 1970 para el sello America. El álbum también fue publicado posteriormente por el sello Prestige.

‘Coral Rock’ presenta una alineación de músicos absolutamente prodigiosa. Los aficionados al free jazz reconocerán claramente a algunos de los músicos que acompañan al maestro Archie Shepp en esta grabación parisina de 1973, entre ellos: Bobby Few, Clifford Thornton, Muhammad Ali o Lester Bowie. Sin embargo, es especialmente interesante el poco conocido Alan Shorter, que contribuyó con el tema principal. Esta pieza recuerda especialmente a "Mephistopheles", una melodía que apareció en el álbum de su hermano Wayne, ‘The All Seeing Eye’, y en algunas reediciones del disco de Marion Brown. Al igual que "Mephistopheles", "Coral Rock" cuenta con una línea de bajo pesada y un instinto increíblemente disonante. Sin embargo, "Coral Rock" es mucho más suelto y, por esta razón, sería difícil imaginarlo en un lanzamiento de Blue Note de cualquier tipo. Esto es free jazz directamente de la escena parisina de finales de los 60 y principios de los 70. Un material muy serio. Dicho esto, la inclusión del estándar "I Should Care" puede resultar sorprendente, pero hay que tener en cuenta que, por mucho que Archie Shepp se haya alejado, sus raíces siempre han estado firmemente plantadas en el pasado. Parece que se presenta aquí más como un vehículo para el pianista Bobby Few que otra cosa y, dentro del catálogo de Shepp, podría compararse con el blues libre de "Damn If I Know (The Stroller)" de su álbum Impulse ‘The Way Ahead’.

Personnel:

Archie Shepp - tenor saxophone, piano, soprano saxophone

Clifford Thornton - trumpet, valve trombone

Lester Bowie - trumpet

Alan Shorter - flugelhorn

Bobby Few - piano

Bob Reid: bass

Muhammad Ali - drums

Djibrill - congas

Ostaine Blue Warner – percussion.

https://www.youtube.com/watch?v=VSVzbnq6Z7w

 

22)

* Un día como hoy, en 1966, John Coltrane actúo por segunda vez este mes en Tokio. Sesiones

que, publicadas por separado primero, luego se editaron como su álbum ‘Live in Japan’.

Recorded: at ‘Shinjuku Kosei Nenkin Hall’ in Tokyo on July 11, 1966 & at ‘Sankei Hall’ in Tokyo on July 22, 1966.

[Entre las dos sesiones también actuó el quinteto en ‘Kobe Kokusai Hall’ Kobe, Japan, el día 17 de julio de 1966, en una sesión de 2 horas recogida en disco].

‘Live in Japan’ es un álbum en directo de Coltrane, grabado para su emisión radiofónica durante su única gira japonesa en julio de 1966 en dos locales de Tokio, el ‘Shinjuku Kosei Nenkin Hall’ y el ‘Sankei Hall’. Las grabaciones presentan a su último grupo, un quinteto formado por Coltrane, su esposa/pianista Alice, el saxofonista/clarinetista bajo Pharoah Sanders, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Rashied Ali.

Las grabaciones se publicaron más tarde como ‘Concert In Japan’ y ‘Second Night In Tokyo’. Posteriormente, ‘Coltrane In Tokyo Vol. 1’ y ‘Coltrane In Tokyo Vol. 2’. Finalmente, Impulse publicó ambos volúmenes.

Estas grabaciones son algunas de las más largas y densas de la improvisación libre de la última etapa de la carrera de Coltrane, con algunas interpretaciones de temas individuales de casi una hora de duración. A estas alturas de su carrera, Coltrane estaba firmemente inmerso en el estilo vanguardista del jazz. Sanders, que fue un innovador del free jazz, influyó en la forma de tocar de Coltrane a través de su uso técnico del overblowing y las vibraciones feroces de la caña. Ambos saxofonistas utilizan multifónicos, sobretonos y otras técnicas musicales extendidas. El piano de Alice Coltrane es absolutamente colorido, mientras que el baterista Rashied Ali y el bajista Jimmy Garrison muestran una interacción casi simbiótica y Coltrane y Sanders se baten en duelo hasta la estratosfera.

Cuando Coltrane y su quinteto fueron invitados a hacer una gira por Japón en julio de 1966, era, según la revista japonesa de jazz ‘Swing Journal’, el músico más popular de Japón, con discos que vendían hasta 30.000 copias cada uno. Los miembros del grupo llegaron en avión a Tokio el 8 de julio y fueron tratados como dignatarios visitantes, con varios miles de fans recibiendo el avión. El programa del grupo era agotador, e implicaba tocar diecisiete conciertos en catorce días. Durante la gira, varios músicos de jazz japoneses se sentaron con el grupo y Coltrane y Sanders fueron obsequiados con saxofones altos por la ‘Yamaha Instrument Company’, con la condición de que los músicos tocaran los instrumentos y ofrecieran consejos. Coltrane también participó en al menos una conferencia de prensa y se tomó el tiempo para visitar el Parque Memorial de la Guerra en Nagasaki. A pesar del agotador itinerario, la gira de Coltrane por Japón fue considerada como el mayor triunfo de su vida.

La crítica se refirió a "Peace on Earth" como sencilla y exquisita cadencia, una nueva balada rubato en el estilo de “Naima”, muestra una técnica que nunca había sido más asombrosa, con rápidas interrogaciones de la armonía y dinámicas extremas -desde leves susurros hasta un tramo antes del final de su solo en el que mete tanta fuerza en el viento que suena como si fuera a estallar. Luego, cuando vuelve tras el solo de Alice, es como si mirara hacia atrás en su carrera; parece hacer referencia en varios puntos a las células melódicas de “A Love Supreme” y “Ascension”, la melodía de “Naima” y la de “Body and Soul”. Pero no se trata de referencias explícitas. Está trabajando dentro de su propio lenguaje de improvisación.

Durante su estancia en Japón, Coltrane empezó a sufrir dolores de cabeza que presagiaban los problemas de salud que le llevarían a la muerte un año después.

Personnel:

John Coltrane - soprano, alto and tenor saxophones, percussion

Alice Coltrane – piano

Pharoah Sanders - alto and tenor saxophones, bass clarinet, percussion

Jimmy Garrison – bass

Rashied Ali - drums

https://www.youtube.com/watch?v=VAHtV0G7iCM

 

21)

* Un día como hoy, en 1957, Sonny Clark en sexteto grabó en estudio su álbum ‘Dial "S" For Sonny’.

Recorded: July 21, 1957 at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.

‘Dial "S" for Sonny’ es el primer álbum de estudio del pianista de jazz Sonny Clark, grabado para el sello Blue Note e interpretado por Clark con Art Farmer, Curtis Fuller, Hank Mobley, Wilbur Ware y Louis Hayes. El título del álbum es una alusión a la obra de teatro de Frederick Knott ‘Dial M for Murder’, que se produjo por primera vez en 1952 y luego fue llevada al cine con éxito por Alfred Hitchcock en 1954.

‘Dial "S" for Sonny’, es su primera sesión como líder, es un excelente conjunto de bop relajado, resaltado por los solos líquidos y oscilantes de Clark. Clark dirige a un grupo de primera categoría a través de cuatro originales y dos estándares, equilibrando las selecciones entre el swing bop y las baladas reflexivas. Hay rastros de Bud Powell en el estilo de Clark, pero está comenzando a desarrollar su propio estilo, que es alternativamente nervioso y encantadoramente relajado. Mobley, Farmer y Fuller tienen sus momentos, pero Clark se lleva la palma en este conjunto de buen bop directo.

Sonny Clark, uno de los mejores pianistas y compositores de la era del hard bop, pareció llegar completamente formado a su álbum de debut. Clark reunió para la ocasión un sexteto de lujo. Clark escribió cuatro de las seis melodías del álbum, incluyendo la pieza del título, esa canción es un clásico de Clark: simple, bluesero, con swing y aderezado con algunas líneas de bebop. Aunque la forma es de doce compases, con los últimos cuatro compases como giro, no hay un acorde IV y por lo tanto no es un verdadero blues. Los II-V al relativo mayor, hacen que esta forma sea particularmente gratificante para soplar. Sólo hay dos partes de viento, el trombón toca una octava por debajo de la trompeta en todo momento, incluyendo las secciones en las que el saxo tenor tiene una parte armónica. Hay una introducción de punto de pedal en el piano y el bajo. Después de la salida, el bajo termina solo con una línea de ocho compases. También compuso la brillante y rápida "Bootin' It", el tema "Sonny's Mood" y la alegre "Shoutin' on a Riff". Completando el conjunto hay dos estándares: una impresionante interpretación de balada de "It Could Happen To You" con Farmer entregando el tema de apertura y Fuller cerrando la pieza, ambos con sus tonos cálidos y llenos de cuerpo, y la melodía de Gershwin "Love Walked In" que es una obra de arte para Clark que se abre con una introducción en solitario antes de que se le unan el bajo y la batería para una interpretación en trío que deja brillar su estilo inventivo.

Personnel:

Trumpet - Art Farmer

Tenor Sax - Hank Mobley

Trombone - Curtis Fuller

Piano - Sonny Clark

Bass - Wilbur Ware

Drums - Louis Hayes

https://www.youtube.com/watch?v=CSC9KJDRR0c

 

20)

* Un día como hoy, en 1973, Dexter Gordon con Jackie McLean, grabaron sus álbumes ‘The Source’ y ‘The Meeting’.

Recorded live at "Montmatre Jazzhus" Copenhagen, by courtesy of Herluf Kamp Larsen, July 20 & 21, 1973.

‘The Source’ es un álbum en directo del saxofonista estadounidense Jackie McLean con Dexter Gordon grabado en el Jazzhus Montmartre en 1973 y publicado por el sello SteepleChase.

El veterano tenor Dexter Gordon y el contralto Jackie McLean se asociaron para unas cuantas fechas en un club en 1973 y los resultados se han publicado en dos álbumes de ese sello danés, éste y el otro es ‘The Meeting’. A diferencia del anterior lanzamiento, que se centró en material menos conocido, ‘The Source’ presenta a los saxofonistas en tres estándares de jazz ("Half Nelson" de Miles Davis, "I Can't Get Started" y "Another Hair-Do" de Charlie Parker) además de revivir la composición de Dexter Gordon de 1947 "Dexter Digs In". La música es un poco laxa y larga ("Half Nelson" dura más de 18 minutos), pero se recomienda a los aficionados al jazz directo.

Algún crítico escribió que prefería ‘The Source’ a ‘The Meeting’, de McLean y a ‘Homecoming’, de Gordon, de 1976, si se quería escuchar a Dexter en vivo y en directo.

Personnel

Jackie McLean – alto saxophone

Dexter Gordon – tenor saxophone

Kenny Drew – piano

Niels-Henning Ørsted Pedersen – bass

Alex Riel – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=kCYvVrJntto

 

19)

* Un día como hoy, en 1961, Ornette Coleman grabó su álbum ‘This Is Our Music’.

Recorded at Atlantic Recording Studios, New York,  July 19, 1960, July 26, 1960 and August 2, 1960.

‘This Is Our Music’ es un álbum musical de free jazz, grabado originalmente por el saxofonista estadounidense Ornette Coleman. Es un disco notable por ser el único de Coleman con Atlantic Records en contener un estándar (una poco ortodoxa versión de "Embraceable You") y es el único con la alineación de Don Cherry, Charlie Haden y Ed Blackwell. La sesión incluye algunos de sus temas más reconocidos: “Blues Connotation”, “Beauty Is a Rare Thing” y “Kaleidoscope”.

Éste es un álbum seminal de Ornette Coleman en su totalidad, con el maravilloso cuarteto sin piano. Todos los integrantes contribuyen a dibujar el todo, y se olvida cualquier tipo de teatralidad o coreografía que imponían en su día los solos y los roles. Hay diálogo entre todas las partes y elementos, y la energía del grupo dicta el resultado.

Dieciséis temas grabados durante las mismas sesiones pero no incluidos en el original han sido añadidos el reedición, convirtiéndose en la edición definitiva completa de este trabajo clásico.

El Free Jazz, en 1959/1960, no era tan solo una vanguardia aislada, un conjunto de radicales llevando al extremo una idea. El subgénero acuñado tras la publicación de ‘Free Jazz’, por parte del cuarteto de Coleman, se convirtió en poco tiempo en una representación y nexo de muchas cosas. Se presentó como el punto más álgido de la evolución jazzística, sirviendo de último estadio del camino iniciado con la aparición del Bop (la búsqueda de la atonalidad, la imposición de la espontaneidad por encima de los cánones armónicos y melódicos, la expresión por encima de las limitaciones o normas), a su vez funcionaba como relectura total de lo que el Jazz había significado hasta ese momento, cuestionando todas las ideas con una sola fórmula, por último, se transformó en un arma artística y grito cultural afroamericano, viéndose rápidamente politizado y marchando en paralelo al auge de la “conciencia negra” y el levantamiento de la raza contra las injusticias sociales y raciales.

Esencialmente, el Free Jazz funciona por impulsos y energía; la melodía y el ritmo se emparejan; se usa la polirritmia y se pierde la noción de fraseo, dando cabida a un mayor protagonismo de la extensión, entonación o timbre del instrumento en concreto; en términos generales se presenta como una “improvisación colectiva” que renuncia de cualquier ley musical de concepción occidental, a su vez incorporando rasgos y filosofía africana, primitiva, sirviendo así como una vuelta a la ancestralidad, un rechazo a los convencionalismos del Jazz y una vuelta de guion apuntando a los antepasados de la raza negra y al Hot, el abanico de estilos que precedieron al Jazz tal y como se conocería a partir de 1930.

Gracias a esta indomable personalidad (en realidad, una forma también de discriminación a lo ya común, blanco y asentado), el Free Jazz fue rápidamente demonizado prácticamente por todo el mundo que no lo practicaba o desconocía de su existencia previa: tachado de herejía, machacado y ninguneado sin ningún tipo de piedad por los propios contemporáneos de la misma raza y periodistas especializados asustados por su agresiva naturaleza, en cualquier caso su ascenso imparable debido a sus características no pudo ser taponado. Además de Ornette Coleman, en las vísperas de 1960 fueron Charles Mingus (con, por ejemplo, su ‘Fables of Faubus’), Eric Dolphy, Cecil Taylor, Don Cherry o John Coltrane (‘Ascension’) algunos de los primeros músicos es convertirse en baluartes del movimiento.

Coleman, nacido en Texas y puramente autodidacta, fue desde sus inicios una especie rara dentro del Jazz. No siguió el camino común de otros grandes de la época, sirviendo inicialmente en grabaciones para otros líderes o combos, aprendiendo sobre la marcha y apareciendo en créditos de manera temprana. Su actitud fue desde un inicio negativa hacia la influencia que acordes y tradicionalismos armónicos ejercían sobre la interpretación de un instrumento, sus extrañas, exasperadas ideas acerca del Jazz no encontraron cabida para la grabación hasta 1958, año de su debut, cuando ya contaba con 28 años.

El saxofonista era un incomprendido, desde el principio: su discurso fue evaluado y dispuesto ante los prejuicios de la escena post-Bop desde sus iniciales movimientos editoriales hasta el deceso de su carrera y también del Free Jazz ya transcurrido el ecuador de los 60. Tan solo su marcada influencia en John Coltrane, Pharoah Sanders o Albert Ayler le colocaría como el origen de la vanguardia, el punto de inflexión; mientras Trane no tuvo tiempo de explotar por completo esta nueva idea, Pharoah Sanders actuó como uno de los músicos que mejor se adaptaron a la misma, decorándola de un cuidado y purista contexto espiritual. Ayler vendría a ser el mártir: silenciado, problemático y salvaje en sus planteamientos musicales y personales, es la cara más auténtica del apogeo Free Jazz.

Así, podríamos decir que Coleman no solo luchó en su carrera por implantar sus peculiares y radicales ideas musicales, también lo hizo combatiendo las críticas, no entregándose al reclamo popular y siendo fiel a sus principios, no acercándose a la autocomplacencia y manteniéndose firme en su posición. Siempre alrededor de controversia y opiniones en contraste, sus álbumes y material tardaron en contemplarse como lo que hoy son: probablemente el último escalón evolutivo del Jazz y la más potente e incisiva visión musical afroamericana.

Reflejo de la situación personal del saxofonista y contexto en cuanto al Free Jazz se refiere, ‘This Is Our Music’ sorprendía además de por su puesta en escena y título/alegato, por su accesibilidad sonora: a diferencia de sinónimos de la misma época, las composiciones destilan suavidad, sensatez, belleza inesperada. A pesar de conservar el halo visionario, las interpretaciones desprenden la misma clase que su imagen de portada: cuidado en las formas, control de la obstinación y sin poner camisa de fuerza a los estruendos creativos que el disco contiene.

“Beauty Is A Rare Thing”, por ejemplo, es una partitura reveladora: el tiempo y el ritmo es elástico, dinámico, se detallan las oleadas de energía bajo un prima que igualmente rebosa calma, extrañeza, va en comunión total con el título de la composición. Destaca además el toque impresionista de las interpretaciones de Coleman, y el boceto que a veces resulta ser el ritmo propuesto por Blackwell (en “Kaleidoscope” o “Folk Tale” su presencia sería más feroz) y la interacción, empatía entre los diálogos de los músicos.

En otras pistas se observa más exasperación, bocanadas de fuerza sobrenatural como en “Poise” o ” Blues Connotation“, y en cortes como “Embraceable You” (la única composición no original de Coleman) se divisa a la perfección que aún queda algo de “tradicionalismo” por vencer. Por todas estas cosas, ‘This Is Our Music’ es musicalmente, conceptualmente, la antesala de la tormenta que después supondría Free Jazz: el disco puso el escenario y situó en el mapa esta nueva idea, basada en la intuición, improvisación y conversación entre unión instrumental e independencia interpretativa.

Coleman dijo a todo el mundo con este trabajo “Estos son nuestros términos y aquí nos movemos. Si te apetece seguirnos, tendrás que adaptarte”.

Personnel:

Ornette Coleman – saxofón alto

Don Cherry – trompeta pocket

Charlie Haden – contrabajo

Ed Blackwell – batería.

https://www.youtube.com/watch?v=dORCvW8jgMw

 

18)

* Un día como hoy, en 1957, Charles Mingus, en noneto, comenzó la grabación de su álbum ‘Tijuana Moods’.

Recorded at New York, July 18 & August 6, 1957, and New York, October 1957 (bonus track).

‘Tijuana Moods’ es un álbum de Charles Mingus, grabado en 1957 pero que no se publicó hasta 1962. Se reeditó como ‘New Tijuana Moods’ con cuatro tomas alternativas adicionales y con cinco tomas alternativas. Tanto las tomas originalmente emitidas como las versiones alternativas se habían montado editando secciones adicionales en tomas base.

El nombre "Charlie Mingus" aparece en la portada del álbum original. Mingus odiaba todos los apodos derivados de Charles ("No me llames Charlie; ese no es un nombre de hombre, es un nombre de caballo").

‘Tijuana Moods’ describe musicalmente una estancia que pasó Mingus en Tijuana, donde trató de olvidar un desengaño amoroso. Ciudad fronteriza con California y propicia para el desenfreno en cualquiera de sus vertientes más pecaminosas y golfas. Poca nostalgia y situaciones depresivas pueden apreciarse en la música.

‘Tijuana Moods’ llega después de dos grandes éxitos de Charles Mingus como ‘Pithecanthropus Erectus’ y ‘The Clown’, aunque no se publicó hasta unos años después de ser grabado. Así pues, hay que tener en cuenta que cuando el propio Mingus proclamó en la contraportada que ‘Tijuana Moods’ era "el mejor disco que he hecho nunca", ya había grabado álbumes importantes como ‘Ah Um’’ y Mingus Dynasty’. En cualquier caso, el nivel de interpretación y composición en Tijuana es claramente excepcional. Estos temas permiten observar a Mingus en medio de su verdadero proceso creativo.  "Dizzy Moods" es una reelaboración del clásico de Dizzy Gillespie "Woody 'n' You", aunque sería imposible darse cuenta antes de leer las notas de presentación del propio Mingus. Este álbum cuenta con dos músicos excepcionales que, a pesar de su talento, permanecerían prácticamente en el anonimato: el trompetista Clarence Shaw y el pianista Bill Triglia, además de los más conocidos Jimmy Knepper, Shafi Hadi (Curtis Porter) y Danny Richmond. La composición más compleja es "Ysabel's Table Dance", que se abre con castañuelas y Mingus tocando una extraordinaria línea de bajo pizzicato y alternando rápidamente esta técnica con el rasgueo de sus uñas por las cuerdas al estilo flamenco, antes de pasar a tocar arco en el rango del violonchelo. La voz que se escucha es la de la bailarina flamenca Ysabel Morel, que también toca las castañuelas. "Ysabel's Table Dance" destaca por varios recursos compositivos. Mingus contrasta el modo de música español con la sensación de jazz de finales de los años 50, y como suele ocurrir con las composiciones de Mingus, hay múltiples cambios de tempo y ritmo. “Tijuana Gift Shop” es una composición chispeante y más breve permitiendo a Jimmy Knepper algo de mayor espacio. La coda a cargo de Clarence Shaw no evita la referencia latina. “Los Mariachis” es junto a “Ysabel´s Table Dance” el plato fuerte del disco. También encontramos alusiones a Ellington, sobre todo por Shaw que recuerda a Bubber Miley por el empleo de la bocina en la primera parte del tema. Mingus vuelve a emplear la alternancia de tiempos lentos con ritmos bailables latinos. Shafi Hadi aparece ahora con el saxo tenor con un solo tan eficaz – no por ser más breve - como con el alto con anterioridad. La única melodía verdaderamente estándar aquí es "Flamingo", que en manos de Mingus se integra con el ambiente general del álbum como si todas las melodías fueran partes de una suite. La sordina de Clarence Shaw es bastante culpable del resultado final de “Flamingo”.

Clarence Shaw apenas estuvo 4 meses con Mingus, y apenas existen grabaciones suyas aparte. Presente también en las grabaciones ‘The Clown’ y ‘East Coasting’, puede pensarse que podría haber sido un nombre mucho más memorable de no haber dejado la escena musical en 1964. Otro tanto se diría de Shafi Hadi, otro musico que, aunque permaneció con Mingus hasta ‘Mingus Ah Hum’ en 1959, hubiéramos deseado que su paso por el jazz no fuera tan meteórico. Aparte de Mingus y en una sesión con Hank Mobley, se le recordará por participar en la banda sonora de John Cassavettes  ‘Shadows’.

Actualmente está disponible una edición con el añadido de dos tomas de “A Colloquial Dream (Scenes In The City)”, encontradas 10 años más tarde de la grabación y perteneciente al 6 de Agosto. Este tema se acompaña musicalmente en la mayor parte del mismo con unos textos leídos por Charlie Mingus.

Personnel:

Bass,  – Charles Mingus

Alto saxophone & tenor saxophone – Shafi Hadi

Castanets & vocals – Ysabel Morel

Drums – Danny Richmond

Percussion – Frankie Dunlop

Piano – Bill Triglia

 Trombone – Jimmy Knepper

 Trumpet – Clarence (Gene) Shaw

 Voice – Lonnie Elder

https://www.youtube.com/watch?v=lZZ1wZdQ70w

 

17)

*Un día como hoy es de los más desgraciados para el jazz. Este día murieron la cantante Billie Holiday, en 1959 y el saxofonista John Coltrane, en 1967.

En conmemoración suya:

https://www.youtube.com/watch?v=hggUnaQZ604

https://www.youtube.com/watch?v=0xosFjB6GFI

 

16)

* Un día como hoy, en 1961, Eric Dolphy y Booker Little, grabaron en vivo su seminal álbum ‘At the Five Spot’.

Recorded live: 16 July 1961 at the Five Spot Cafe, NYC.

En ‘At the Five Spot’, volúmenes uno y dos, se acredita, como documento musical histórico, la actuación legendaria de una noche (16 de julio de 1961) del final de la estancia de dos semanas de Eric Dolphy y Booker Little en el club de jazz Five Spot de Nueva York. Esa fue la única noche en vivo que se grabó, grabación que resultó ser de antología. Dolphy y Little fueron respaldados por una sección rítmica compuesta por el pianista Mal Waldron, el bajista Richard Davis y el baterista Ed Blackwell.

Después de haber dejado el conjunto de Charles Mingus y al trabajar con John Coltrane, Dolphy formó un efímero pero potente quinteto con el trompetista Little. A pesar de todos los obstáculos este quinteto se convirtió en leyenda a lo largo de los años y se desarrolló como un modelo a seguir para todos los combos de jazz progresivo por venir. El poder combinado de Dolphy y Little, explorando abiertamente, pero en retrospectiva, la no excesiva disonancia y atonalidad, los convirtió en un blanco para los críticos aunque resultaron admirados entre la floreciente escena del post-bop progresivo. Con los siempre impresionantes matices del pianista y compositor Waldron, el clásico y atrevido bajo de Davis y la colorida batería del alquimista Blackwell, no había forma de detener a este grupo.

Se ha convertido en legendario, no solo por su alta calidad musical, sino también por el hecho de que ambos talentosos vientos murieron a una corta edad poco después. Booker Little falleció el 5 de octubre de 1961, a la edad de 23 años, y Dolphy el 29 de junio de 1964, a la edad de 36.

La composición de Dolphy ‘The Prophet’ es un homenaje al artista Richard Jennings, que había diseñado las portadas de los primeros álbumes de Dolphy.

Personnel:

Eric Dolphy — alto saxophone, bass clarinet and flute

Booker Little — trumpet

Mal Waldron — piano

Richard Davis — double bass

Ed Blackwell — drums.

https://www.youtube.com/watch?v=HlWCUN2EdNc

https://www.youtube.com/watch?v=oMF5PTDcqPc

 

15)

* Un día como hoy, en 1963, se produjo un acontecimiento extraordinario, Sonny Rollins comenzó la grabación con Coleman Hawkins del álbum ‘Sonny Meets Hawk!’.

Recorded: July 15 & 18, 1963

at RCA Victor’s Studio B, New York City.

‘Sonny Meets Hawk!’ es un álbum de 1963 del saxofonista de jazz Sonny Rollins, con Coleman Hawkins como artista invitado. Fue grabado en el RCA Victor Studio B en la ciudad de Nueva York el 15 y 18 de julio de 1963. El álbum presenta algunas de las interpretaciones más vanguardistas de Rollins.

El álbum marca la primera vez que los dos saxofonistas entraron juntos en un estudio de grabación, aunque habían aparecido brevemente en el escenario ese mismo año en el Festival de Jazz de Newport. Es una reunión memorable de un par de gigantes geniales, Sonny Rollins, quien ha sido llamado una y otra vez el jefe del saxo tenor moderno y Coleman Hawkins, quien es el padre del saxo de jazz. Cada uno ha hecho enormes contribuciones a la improvisación del jazz, más allá de los límites de su instrumento. La suma total de su trabajo forma la impresionante base de este álbum único en la vida.

Es difícil pensar en un disco de Rollins que dividiera la opinión tanto como esta reunión con Coleman Hawkins. Algunos consideraban que sus interpretaciones juguetonas de las ideas de Hawk equivalían a un ataque edípico, mientras que otros lo clasificaban con su mejor interpretación. Tampoco se dieron cuenta de que Hawkins respondió al desafío con algunos de sus mejores y más trascendentales trabajos tardíos.

A lo largo de una carrera de más de 40 años, Coleman Hawkins mantuvo constantemente una actitud progresista, operando en o cerca de la vanguardia del desarrollo del jazz. Como cuando este año grabó el álbum con Sonny Rollins en compañía del pianista Paul Bley, los bajistas Bob Cranshaw y Henry Grimes, y el baterista Roy McCurdy. Hawkins y Rollins definieron virtualmente cada uno el saxo tenor para su respectiva generación. Escucharlos a ambos interactuar libremente es una experiencia deliciosamente excitante. Hawkins es capaz de soltarse como nunca antes. A veces los dos chocan, tocando los vientos y luchando felizmente sin detenerse.

En ‘Sonny Meets Hawk!’, posiblemente más que en cualquier otro lugar de su larga evolución profesional, Hawkins fue capaz de alcanzar alturas de creatividad sin límites que debieron sentirse vigorizantes, incluso estimulantes. Obviamente disfrutó de la oportunidad de improvisar intuitivamente en compañía de un saxofonista tenor tan hábil, ingenioso e inventivo como él.

Personnel:

Sonny Rollins - Tenor Sax

Coleman Hawkins - Tenor Sax

Paul Bley - Piano

Roy McCurdy - Drums

Bob Cranshaw & Henry Grimes - Bass.

https://www.youtube.com/watch?v=bOPjzQg4FuM

 

14)

* Un día como hoy, en 1964, Miles Davis tuvo, en quinteto, una actuación memorable en Tokio, que quedó recogida en su álbum ‘Miles in Tokyo’.

Recorded live: July 14, 1964

at Kōsei Nenkin Kaikan (Tokyo Hall), Shinjuku, Tokyo, Japan.

Grabado en Tokyo por CBS, se descubre al icónico Miles Davis actuando con su casi segundo gran quinteto. La joven sección rítmica del mismo, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al contrabajo y Tony Williams a la batería, soñaba con un saxofonista más ávido de unirse a ellos en su audacia y Williams recomendó a Eric Dolphy. Miles encontró la interpretación de este joven músico de vanguardia descuidada y carente de elegancia. Se dejó convencer entonces por el batería Williams para contratar al también bostoniano Sam Rivers, cuyos gustos musicales eran todavía ambiguos. Aunque era tres años mayor que Miles, Rivers todavía tenía el grueso de su obra por hacer. Rivers había crecido con el bop, pero mostraba una inclinación por el free jazz, que nunca abandonó. Así, el tenorísta Sam Rivers, un experimentalista más experto y atrevido que su predecesor, George Coleman, se unió al grupo.

En su compañía, Miles visitó Japón por primera vez y mostró un respeto especial por el público japonés, por el que renunció temporalmente a su costumbre de abandonar el escenario durante los solos de otros músicos. Algunos incluso vieron en esta deferencia una explicación para la moderación de la toma de riesgos del quinteto. Las observaciones que Sam Rivers hizo sobre la naturaleza bebop del grupo -aunque él mismo parecía relativamente convencional- corroboraron la hipótesis de una falta de entendimiento entre dos vanguardias, cada una indiferente a la otra y cada una con una perspectiva diferente (el estilo bop tradicional fresco y moderado de Davis contrastaba con el vanguardismo salvaje pero controlado de Rivers). Davis y Rivers nunca desarrollaron una química importante entre ellos durante el viaje y su enfrentamiento, sin embargo, no es menos apasionante.

Hay momentos en esta grabación en los que uno podría entender por qué Davis y Rivers nunca se entendieron y momentos en los que la asociación es bastante maravillosa, aunque breve. En “If I Were a Bell”, por ejemplo, después de una declaración lúcida y melódica de Davis, Rivers se descentró a propósito en su solo. Lo hace con suficiente fuerza para que sus movimientos no sean ni sutiles ni matizados, sino notables. “So What” se toma a un ritmo más rápido que la versión seminal de ‘Kind of Blue’ con, de nuevo, Davis y Rivers variando sus enfoques melódicos.

Rivers sería finalmente despedido del grupo al final de su viaje y meses después de este concierto, en septiembre del 64, la versión definitiva del segundo gran quinteto, con Wayne Shorter en el tenor, finalmente tomó forma.

La asociación de Davis y Rivers puede haber sido efímera, pero produjo el magnífico álbum en vivo ‘Miles In Tokyo’. El disco es una rara joya en la discografía de Davis, con versiones en vivo de standards y de su tema estrella. El casi segundo gran quinteto que se escucha en este álbum es una rara gema, y vale mucho la pena.

Personnel:

Miles Davis – Trumpet

Sam Rivers – Tenor saxophone

Herbie Hancock – Piano

Ron Carter – Double Bass

Tony Williams – Drums.

https://www.youtube.com/watch?v=-xkiPPSVRvE

 

13)

* Un día como hoy, en 1960, Charles Mingus grabó en vivo con su quinteto y Bud Powell de invitado especial en un standard, en el sur de Francia (festival de ‘Jazz à Juan’ en Juan-les-Pins), su álbum ‘Mingus At Antibes’.

Recorded ‘live’ by Barclay Studios for Atlantic Records at the Jazz Festival, Juan-les-Pins, France, July 13, 1960.

1960 presenta a Charles Mingus en un punto de plena efervescencia creativa dentro de su carrera. No hay más que echar un vistazo a su discografía para ver que grabó cuatro piedras angulares en estudio en esa época. No debiera resultar por tanto extraño que dicha efervescencia se reflejase en esta grabación en directo, especialmente dada la magnífica compenetración que se observa entre el conjunto de todos los músicos a lo largo de todo el concierto, especialmente Eric Dolphy, que en determinados momentos suena cual profeta adelantado a lo que iba a acontecer en el devenir del jazz en los siguientes años.

En cuanto a la reacción del público en la primera parte, un aspecto muy interesante en esta grabación, se observa el agrado con que recibía las propuestas del contrabajista, aun cuando la música no se pueda considerar en absoluto ni obvia ni simple.

Y un invitado de lujo, viejo conocido de Charles Mingus, Bud Powell al piano para el clásico “I’ll remember April”. Una magnífica interpretación por una parte en el estilo pianístico de Bud Powell, clásica, que es acompañada perfectamente por el resto del grupo de Charles Mingus que la interpreta aportándole un toque que se podría calificar de free-jazz o avant-garde y que caracterizaría a esta segunda parte del concierto.

Diferente es la reacción del público en la segunda parte. La división de opiniones es el resultado final de esta descarga de jazz adelantado a su tiempo: mientras una parte del público chilla y protesta otra aplaude a estos grandes músicos.

Personnel:

Charles Mingus – bass, piano

Ted Curson – trumpet

Eric Dolphy – alto saxophone, bass clarinet

Booker Ervin – tenor saxophone

Dannie Richmond – drums

Bud Powell – piano.

https://www.youtube.com/watch?v=HrWxflsWXc4

El tema con Powell:

https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=MiVt5W1JU4c

 

12)

Un día como hoy, en 1977,  el baterista Roy Haynes, con Joe Henderson y otros, comenzó la grabación de su álbum ‘Vistalite’ para Galaxy.

Recorded at Fantasy Studios, Berkeley, July 12 & July 20, 1977.

El álbum es una interesante pero a veces incómoda mezcla de hard bop avanzado con instrumentos eléctricos, aspectos del funk y la influencia en algunos elementos de la vanguardia.

Los temas se recogieron junto a otros álbumes grabados ese año en ‘Quiet Fire’.

Personnel:

    Roy Haynes – drums

    Ricardo Strobert – alto saxophone, flute

    Joe Henderson – tenor saxophone

    Stanley Cowell – piano, electric piano

    Marcus Fiorillo – guitar

    Dave Jackson – electric bass

    Kenneth Nash – percussion, tambourine.

https://www.youtube.com/watch?v=bxDVzBE5cjQ

 

11)

* Un día como hoy, en 1958, John Coltrane grabó una de las sesiones que acabaron publicándose en su álbum “The Stardust Session” después de su muerte.

[Los temas se habían publicado parcialmente en otros álbumes anteriores por separado: “Bahia”, “Stardust” y “Standard Coltrane”. Como la fama de Coltrane creció durante los años 60, mucho después de que dejara de grabar para el sello, Prestige utilizó grabaciones no editadas para crear nuevos álbumes comercializables sin su aprobación].

Grabados en el estudio Van Gelder, Hackensack, Nueva Jersey, el 11 de julio y el 26 de diciembre de 1958.

La primera sesión, del 11 de julio de 1958, incluye a Wilbur Harden, Red Garland, Paul Chambers y Jimmy Cobb. Los temas resultantes forman la totalidad del álbum de “Standard Coltrane”, así como dos de los que aparecen en “Stardust”. Con un fuerte apoyo de la sección rítmica (el pianista Red Garland, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) y buenos solos del fliscornista Wilbur Harden, Coltrane se escucha cerca del final de su período de ‘hojas de sonido’, perfeccionando su estilo distintivo y ejecutando solos coloridos y agresivos.

La segunda sesión, grabada el 26 de diciembre, tiene a Freddie Hubbard en la trompeta y a Art Taylor en la batería, así como a Garland y Chambers, y de esta sesión dos de los temas, aparecieron en “Stardust”.

Representan algunas de las últimas sesiones de grabación con Garland y Chambers, mientras Coltrane se movía hacia la vanguardia, tocando con músicos como McCoy Tyner y Steve Davis. Por lo tanto, la compilación refleja la carrera anterior de Coltrane, ya que su relación con Garland y Chambers está quizás más asociada al tiempo que pasó en el Quinteto de Miles Davis, así como a los álbumes previos.

Personal:

John Coltrane (saxofón tenor)

Wilbur Harden (trompeta, fliscorno)

Red Garland (piano)

Paul Chambers (bajo)

Jimmy Cobb y Art Taylor (batería)

Freddie Hubbard (trompeta).

https://www.youtube.com/watch?v=Y2XHckBP7AY

 

10)

* Un día como hoy, en 1964, Albert Ayler en trío grabó su álbum ‘Spiritual Unity’, una grabación histórica que es esencial para cualquier comprensión básica del free jazz.

Recorded in New York City, July 10th, 1964.

‘Spiritual Unity’ es un álbum de estudio del saxofonista estadounidense de free jazz Albert Ayler. Se grabó el 10 de julio de 1964 en la ciudad de Nueva York y cuenta con la participación del bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray. Fue el primer álbum grabado para el sello ESP-Disk de Bernard Stollman, y llevó a Ayler a la atención internacional por ser tan escandalosamente diferente. Al mismo tiempo, transformó a ESP-DISK en una fuente importante para el jazz de vanguardia. Es el álbum que empujó a Albert Ayler a la vanguardia de la vanguardia del jazz y realmente el primer documento disponible de la música de Ayler que lo emparejó con un grupo de músicos verdaderamente fascinantes.

A finales de diciembre de 1963, Bernard Stollman, que había estado barajando la idea de crear un sello discográfico, fue, ante la insistencia de un amigo, a escuchar a Ayler en el Baby Grand Café de la calle 125 de Harlem. Ayler se había trasladado a la ciudad de Nueva York a principios de año y había estado tocando recientemente con diversos músicos, entre ellos Ornette Coleman, con quien Ayler realizó una grabación informal a principios de ese mes y Cecil Taylor, con quien actuaría la víspera de Año Nuevo en un concierto en el Philharmonic Hall del Lincoln Center en el que también participarían el quinteto de John Coltrane y Art Blakey y los Jazz Messengers.

Según Stollman, al llegar al Baby Grand Café, Elmo Hope estaba al piano, con su trío, en un escenario elevado. Varios minutos más tarde, un hombre pequeño con un traje de cuero gris, con un gran saxofón en la mano,  subió al escenario. Tenía una barba negra, con una pequeña mancha blanca en ella. Empezó a tocar. Elmo Hope cerró tranquilamente su piano, el bajista aparcó su bajo, el batería dejó las baquetas y todos se sentaron a escuchar. Estaba tocando en solitario, y siguió tocando durante veinte o treinta minutos, sólo una ráfaga de música. Stollman se acercó entonces a Ayler, le dijo que iba a fundar un sello discográfico y le pidió que fuera su primer artista, ofreciéndole un adelanto de 500 dólares. Ayler aceptó y dijo que se pondría en contacto con Stollman después de cumplir el compromiso de grabar material en los estudios Atlantic (se refería a la sesión del 24 de febrero de 1964 que dio lugar a dos álbumes, ‘Spirits’, reeditado posteriormente como ‘Witches & Devils’, y ‘Swing Low Sweet Spiritual’).

A principios de 1964, Ayler se unió brevemente a un cuarteto dirigido por Paul Bley. En esta ocasión, Ayler conoció al bajista Gary Peacock, que había estado tocando con Bley durante varios años, y que también había grabado recientemente con Bill Evans. El grupo de Bley también incluía al baterista Sunny Murray, con quien Ayler había tocado en el grupo de Cecil Taylor (Murray apareció en las dos grabaciones de Ayler del 24 de febrero). El cuarteto de Bley no grabó y sólo hizo una aparición pública en la cafetería Take 3 de Greenwich Village. A finales de la primavera, Ayler, Peacock y Murray habían formado un trío, después de que Peacock dejara el grupo de Miles Davis, donde estaba sustituyendo a Ron Carter. El 14 de junio, el trío tocó en el Cellar Café de Nueva York y grabó el material que se publicaría en el álbum ‘Prophecy’, que incluye algunas de las piezas que se grabarían para ‘Spiritual Unity’ menos de un mes después.

Ese mismo mes, Ayler llamó a Stollman y le dijo que le gustaría hacer una grabación. Stollman reservó una sesión para el 10 de julio en el Variety Arts Studio, un estudio pequeño y barato cerca de Times Square que había sido utilizado con frecuencia por Moe Asch, el propietario de Folkways Records. Ayler estaba satisfecho con la grabación, y consideraba que representaba un nivel muy alto de interacción musical. Tras su publicación, Ayler envió una copia del álbum a John Coltrane y, poco después, Coltrane instó a Impulse! Records a contratar a Ayler.

Una semana después de la sesión de ‘Spiritual Unity’, Ayler, Peacock y Murray, junto con Don Cherry, John Tchicai y Roswell Rudd, grabaron New York ‘Eye and Ear Control’, que también sería publicado por ESP-Disk. El sello publicaría varios álbumes adicionales de Ayler, incluyendo ‘Bells’ y ‘Spirits Rejoice’.

La reacción inicial de la crítica a Spiritual Unity fue variada, más bien negativa. Recientemente ha sido más positiva. Así, por ejemplo, se dijo que la música era sorprendentemente diferente, Ayler inquietantemente duro y brutal pero al mismo tiempo profundamente teñido de patetismo, Peacock escuchando mientras tocaba monumentales figuras de bajo, Murray comportándose, como dijo una vez LeRoi Jones, como si simplemente quisiera desaparecer. Ayler, Murray y Peacock habían creado la música de grupo perfecta. O, que es imposible considerar ‘Spiritual Unity’ como otra cosa que no sea una extensión de los temas vernáculos, interpretados de una manera extática típica de las iglesias afroamericanas. Por breve que sea, sigue siendo un disco de inmensa potencia y autoridad, pero hay humor bajo la superficie y una humanidad que rara vez se reconoce.

Con Ayler, juntos Peacock y Murray forman un respaldo sonoro que a veces parece más un grupo de sonido que cambia sin cesar que una sección rítmica real. Murray tiene un toque ligero y rápido, manteniendo los platillos y las cajas casi constantemente, sin romper nunca el flujo de la música con un rollo pesado, y Peacock funciona como una extensión de sus texturas. Los tres miembros están constantemente improvisando libremente. De hecho, aunque hay una interacción bastante brillante entre los músicos, es mucho más útil ver las piezas grabadas por el trío Ayler como conjuntos de solos simultáneos. Nunca antes un conjunto había llevado el ideal de Nueva Orleans de la improvisación colectiva a un nivel tan extremo. La absoluta libertad rítmica lleva con frecuencia a actuar en tres planos rítmicos independientes: Ayler improvisa en largos espacios sonoros; Peacock insinúa cadenas de impulsos, irregulares y sin embargo oscilantes en un sentido remoto; Murray toca los platillos con una resonancia muy viva, creando color en lugar de acentuación.

El jazz comenzó como el ragtime de Buddy Bolden, inspirado por los antiguos esclavos que actuaban en la plaza del Congo de Nueva Orleans durante los últimos años del siglo XIX. De alguna manera, terminó unos setenta años después en un estudio justo al lado de Times Square en Nueva York. Allí es donde Albert Ayler y su trío grabaron ‘Spiritual Unity’ un día de verano de 1964. Es evidente que el inconformista saxofonista Albert Ayler entró en ese estudio hace cincuenta años la semana pasada para llevar el jazz al punto final de su trayectoria de desarrollo.

Personnel:

Albert Ayler – tenor saxophone

Gary Peacock – double bass

Sunny Murray – percussion.

https://www.youtube.com/watch?v=xWsIG5sNq1Q

 

* Y un día como hoy, en 1975, Andrew Hill en cuarteto grabó su álbum ‘Divine Revelation’.

Recorded at C.I. Recording Studio, New York City on July 10, 1975

‘Divine Revelation’ es un álbum del pianista de jazz estadounidense Andrew Hill grabado en 1975 y publicado por el sello danés SteepleChase. El álbum incluye cuatro composiciones originales de Hill interpretadas por un cuarteto y un estándar de jazz interpretado en solitario. Se añadió una toma alternativa como tema extra en la reedición

Para esta cita con el cuarteto, el gran e innovador pianista/compositor Andrew Hill interpreta "Here's That Rainy Day", y su poderoso opus de 25 minutos "Divine Revelation", y tres originales más concisos con un cuarteto; una toma alternativa de "July 10th" se añadió a la reedición. Además de Hill, el bajista Chris White y el baterista Leroy Williams, el conjunto cuenta con un contralto completamente oscuro, pero razonablemente talentoso (Jimmy Vass), que también se escucha en soprano y flauta, y parece haber profundizado realmente en la esencia de la compleja pero lógica música de Andrew Hill.

Personnel:

Bass, Electric Bass [Fender Bass] – Chris White

Drums – Leroy Williams

Piano – Andrew Hill

Soprano Saxophone, Alto Saxophone, Flute – Jimmy Vass.

https://www.youtube.com/watch?v=ncmR6P5FwUo

 

9)

* Un día como hoy, en 1955, Miles Davis grabó en estudio con un quinteto inusual su álbum ‘Blue Moods’ para el sello del bajista Charles Mingus, Debut Records.

Recorded: July 9, 1955 at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.

‘Blue Moods’ es el segundo álbum de estudio de Miles Davis, publicado por el sello Debut Records de Charles Mingus a finales de 1955. Reúne a Miles Davis en la trompeta junto con Charles Mingus en el bajo, el trombonista Britt Woodman, el vibrafonista Teddy Charles y el baterista Elvin Jones.

La sesión ‘Blue Moods’ reunió a Miles Davis con el bajista Charles Mingus en julio de 1955. Ya habían grabado en California en 1946. Mingus tocó a principios de la década de 1950 en el club de jazz ‘Birdland’ de Nueva York y luego en Boston con Davis. La última vez que los dos músicos se encontraron en el estudio de grabación fue hacía dos años, cuando Mingus se sentó al piano en una sesión el 19 de mayo de 1953 y Miles Davis grabó un título llamado “Smooch”, que estaba basado en una composición de Mingus. Charles Mingus, por otro lado, trabajó con músicos de su Jazz Composers Workshop, incluidos Teddy Charles y Britt Woodman, a quien eligió para la primera línea. Cuando Mingus quiso grabar el álbum ‘Blue Moods’ con Miles Davis, que contenía cuatro estándares de jazz, le pidió a Teddy Charles que hiciera los arreglos de tres de las pistas, “Nature Boy”, “There's No You” y “Easy Living”. El propio Mingus escribió el arreglo de “Alone Together” y eligió al entonces desconocido baterista de Detroit, Elvin Jones, para la sección rítmica.

Davis y Mingus, que se conocían desde la actuación como invitado de Charlie Parker en California en 1946, no eran muy cercanos, pero Mingus le prestó dinero a Miles Davis durante su adicción a la heroína y ahora quería recoger sus frutos en forma de una sesión para su debut en el sello discográfico. Algo no funcionó en esta sesión, nada realmente salió bien. Los músicos casi se pelean en el estudio antes de que resultara que las discrepancias se debían a un error de los copistas, como se comprobó cuando se compararon los arreglos. Sin embargo, Mingus culpaba a Elvin Jones. Después de eso, hubo una tensión notable que afectó el curso posterior de la grabación. Más tarde Davis criticó públicamente a Mingus y éste reaccionó con furia en una carta abierta publicada por Down Beat.

Según las notas de la carátula original, el corto tiempo de reproducción del álbum se debió a que la grabación se cortó a 160 líneas por pulgada (en lugar de las habituales 210 a 260 líneas por pulgada) haciendo los surcos más anchos y profundos y permitiendo más área entre los surcos para las frecuencias de los bajos y se consideró necesario para reproducir el rango de bajos ampliado y dar al oyente más calidad a la de la grabación en cinta de alta fidelidad.

 No obstante, ‘Blue Moods’ es un buen ejemplo de cool jazz. Sin embargo, no todos los músicos que se unen a Davis en este álbum eran miembros a tiempo completo de esa escuela de jazz. Pero, aun así, el álbum ofrece considerables recompensas a aquellos seguidores de esa tendencia.

Personnel:

Miles Davis – trumpet

Britt Woodman – trombone

Charles Mingus – bass

Teddy Charles – vibes

Elvin Jones – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=-lSJ5GtLB50

 

8)

* Un día como hoy, en 1960, Horace Silver comenzó la grabación de su álbum ‘Horace Scope’ para Blue Note.

Recorded at Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on July 8 & 9, 1960.

‘Horace-Scope’ es un álbum del pianista de jazz Horace Silver que incluye actuaciones con Blue Mitchell, Junior Cook, Gene Taylor y Roy Brooks. Es el tercer álbum del quinteto clásico de Horace Silver - o la mayor parte, en realidad, ya que el baterista Louis Hayes fue reemplazado por Roy Brooks a partir de esta sesión. Sin embargo, el impulso rítmico y el sabor general del grupo siguen siendo esencialmente los mismos, y ‘Horace-Scope’ continúa con el ajustado y sofisticado, a la vez que oscilante, proyecto de hard bop iniciado en sus predecesores clásicos. El programa es tan atractivo como siempre, y aunque esta vez no hay tantas melodías que hayan calado, la escritura de Silver es afinada y de buen gusto. Las selecciones más conocidas son probablemente el encantador número de cierre "Nica's Dream", que había existido durante varios años pero que aún no había sido grabado en un LP de Silver, y el genial y relajado comienzo "Strollin'". Pero en realidad, cada selección está llena de ritmos conmovedores y de una interacción grupal bien afinada, las cualidades que hicieron de esta banda quizás el mejor conjunto de hard bop de principios de los 60. Silver estaba en medio de una buena racha que no cesaría durante unos cuantos años, y ‘Horace-Scope’ es otro esfuerzo eminentemente satisfactorio de ese período.

La crítica apuntó que ’Horace-Scope’ no fue fácil. El álbum se grabó en dos días y todos los temas requirieron tomas de dos dígitos. Y no es de extrañar. Las melodías y las ejecuciones están tan estrechamente coreografiadas que es sorprendente que se haya alcanzado la perfección en alguna de las tomas. Por ejemplo, se necesitaron más de 34 tomas para “Yeah” y 38 intentos para “Me and My Baby”.

Silver no era tanto un pianista como un agregador de música, a la manera de la escuela de acabado de los Jazz Messengers de Art Blakey. No se pone un disco de Art Blakey sólo para escuchar algo de batería, ni un Horace para escuchar algo de piano, aunque se obtienen ambas cosas. Las partituras de Silver son para un quinteto y tienes el agregado musical. Cada uno de ellos aporta su propia y distintiva contribución al picnic musical, siendo el tema común las composiciones de Silver sobre las que se extiende.

Aunque Horace se haya marchado, su música sigue viva y coleando. Es intemporal, por lo que puede sonar en cualquier momento.

Personnel

Horace Silver – piano

Blue Mitchell - trumpet

Junior Cook - tenor saxophone

Gene Taylor – bass

Roy Brooks – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=d_PvUmeU_Zs

 

* Y un día como hoy, en 1965, Sonny Rollins grabó su álbum “On Impulse!”.

Recorded July 8, 1965

at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.

Esta fecha resulta significativa por la forma en que Rollins ataca cinco estándares con un cuarteto ...Sonny se presenta con el pianista Ray Bryant, el bajista Walter Booker y el baterista Mickey Roker, quienes le brindan un acompañamiento vigoroso e inteligente. Los elegantes y complejos solos de Bryant merecen considerables elogios y atención.

Personnel:

Sonny Rollins – tenor saxophone

Ray Bryant – piano

Walter Booker – bass

Mickey Roker – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=xIu2DVruLDE

 

7)

* Y un día como hoy celebraríamos el cumpleaños del gran tenorísta Hank Mobley (7 de julio de 1930 - 30 de mayo de 1986). Aquí con muy buena compañía.

Album: Soul Station (Recorded: February 7, 1960) Muchos críticos lo consideran su mejor álbum, aunque sea un catálogo estelar de uno de los músicos más infravalorados de la era del hard bop.

Personnel:

Hank Mobley, tenor saxophone

Wynton Kelly, piano

Paul Chambers, double-bass

Art Blakey, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=N-Wcw_te_AI

 

* También (como ya publicamos), un día como hoy, en 1963, John Coltrane actuó en el Festival de Newport en formato cuarteto, en su quizás mejor actuación en dicho festival. La función se editó en bastantes diferentes álbumes de Trane, como por ejemplo el álbum “Newport '63” o el "My Favorite Things: Coltrane At Newport”.

· Recorded: July 7, 1963 at Newport Jazz Festival, ‘Freebody Park’, Newport, Rhode Island.

Como estamos viendo, John Coltrane apareció en el Festival de Jazz de Newport en cinco ocasiones diferentes, la primera en 1958 como miembro del sexteto de Miles Davis. Y como líder, Coltrane actuó en el festival en 1961, 1963, 1965 y 1966 (en un quinteto con su mujer Alice al piano).

La banda de 1963 era una variación del cuarteto clásico de Coltrane (Coltrane al saxo tenor, McCoy Tyner al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Garrison al bajo) con el veterano batería Roy Haynes sustituyendo a Jones, que no pudo asistir (Jones volvió al sillín de la batería para la actuación de 1965).

Dado que Coltrane hizo largas versiones de su arreglo característico de “My Favorite Things” tanto en 1963 como en 1965 (también lo hizo en 1966), es imposible no comparar el enfoque de los dos bateristas diferentes. Haynes tiene un toque más ligero, ‘skittering’, que da a la pieza una especie de ligereza, mientras que Jones es todo potencia y propulsión, lo que le da una sensación más ambigua y ominosa, pero ambas versiones son sorprendentes.

Aunque el verdadero placer aquí es en cambio la versión de 23 minutos de “Impressions” de 1963, que nunca antes había sido editada en su totalidad y que abajo reproducimos. Aquí Coltrane y Haynes intercambian frases y deslizamientos de percusión después de que Tyner y Garrison establezcan lo que es un diálogo verdaderamente maravilloso entre dos músicos de jazz veteranos. No hay duda de que el cuarteto golpea con más fuerza cruda con Jones impulsándolo, pero aquí la contribución de Haynes es perfecta por el momento. En definitiva, los combos de 1963 y 1965 forman un buen conjunto y el hecho de tener dos grandes bateristas con enfoques ligeramente diferentes sólo subraya lo completa que era la visión de Coltrane en este momento de su carrera.

· Personnel:

John Coltrane, soprano & tenor sax

McCoy Tyner, piano

Jimmy Garrison, bass

Roy Haynes, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=uw21XGhliwQ

 

* Un día como hoy, en 1958, al trío sin piano de Sonny Rollins le hicieron un hueco en el Festival de Newport donde ese año actuaron cantidad de grupos y bandas (como hemos referido ya). Interpretaron un único tema que se incluyó en la compilación ‘Various ‎– Newport Jazz 1958-59’ en el sello Discriminate Collector (s/f).

Recorded: July 7, 1958 at Newport Jazz Festival, Newport, RI.

Posteriormente esa actuación fue recogida en el álbum en vivo ‘Sonny Rollins-Don Cherry Quartet - Complete 1963 Stuttgart Concert’.

Esa edición contiene toda la música conocida de la actuación en el ‘Liederhalle’ de Stuttgart, Alemania, el 29 de enero de 1963 del cuarteto sin piano Sonny Rollins-Don Cherry, incluyendo las tres melodías iniciales, que aparecen aquí por primera vez en la historia, y el final del concierto, “Oleo”, que no se había publicado anteriormente en ningún formato.

Como bonus tracks, se incluyen, al final, dos raros temas en quinteto en Berlín, Alemania, el 30 de octubre de 1965 y una rara versión en trío de “I Want to Be Happy” (Caesar & Youmans), la grabada por Rollins en directo en el Festival de Jazz de Newport el 7 de julio de 1958.

Esto significa que figuran tres bandas diferentes, sólo la primera incluye a Don Cherry y sólo los dos últimos temas incluyen a un pianista.

Personnel:

Bass – Henry Grimes

Drums – Roy Haynes

Tenor Saxophone – Sonny Rollins.

https://www.youtube.com/watch?v=qwI_CAkXbqM&list=OLAK5uy_nnI8lDSfsfF3urPtdnW1p1GStOi_tFNfs&index=5

 

6)

*  Un día como hoy, en 1949, Dizzy Gillespie y su orquesta grabaron los últimos temas para RCA, como “In The Land Of Oo Bla Dee” que aparecieron en diferentes álbumes. Por ejemplo se publicó como cara B de “If Love Is Trouble” y mucho más tarde en ‘Dizziest’ o en  ‘The Complete RCA Victor Recordings’.

Recording at RCA studios, NYC, on July 6, 1949.

[Sesiones RCA: May 17, 1937, September 11, 1939, February 22, 1946, August 22, 1947, December 22, 1947, December 30, 1947, December 29, 1948, January 3, 1949, April 14, 1949, May 6, 1949 and July 6, 1949].

Esa canción novedosa fue coescrita por Mary Lou Williams y su profesor de arreglos y composición Milton Orient para Dizzy Gillespie en 1945. Dizzy Gillespie And His Orchestra grabó la canción por primera vez en 1949, Mary Lou Williams hizo también entonces los arreglos para la banda ese año. La grabación contó con la participación de Joe Carroll en la voz. También fue arreglada para que participara Dizzy. Así, su parte solista está escrita en la parte de trompeta 5. La melodía también se incluyó en esa parte de trompeta para que se pudiera tocar a lo largo como una característica de la trompeta, sin un vocalista.

La canción utiliza la frase "Oo-Bla-Dee" y puede haber sido una influencia para la canción de The Beatles de 1968 “Ob-La-Di, Ob-La-Da”.

Esas sesiones en la RCA Victor sitúa a Dizzy de forma más obvia dentro de la evolución del bebop.

Personnel:

Dizzy Gillespie, trumpet, vocal;

Willie Cook, Benny Harris, Elmon Wright, trumpet;

Andy Duryea, Charles Greenlea, J.J. Johnson, trombone;

John Brown, Ernie Henry, alto sax;

Joe Gayles, Yusef Lateef, tenor sax;

Al Gibson, baritone sax;

James Forman, piano;

Al McKibbon, bass;

Teddy Stewart, drums;

Vince Guerra, congas;

Joe Carroll & Johnny Hartman, vocal.

https://www.youtube.com/watch?v=YwCLyezlY-U

 

* Y un día como hoy, en 1957, Dizzy Gillespie con su orquesta actúo en el Festival de Newport, grabando el álbum "Dizzy Gillespie at Newport" en Verve Records.

Recorded: July 6, 1957,

at Newport, Rhode Island.

"Dizzy Gillespie at Newport" es un álbum en vivo de Dizzy con su big band. La banda de Gillespie, 17 músicos, se plantó en el festival después de su gira por Oriente y Sudamérica y armó el taco con su actuación. Este concierto constituye un hito importante en la discografía de Dizzy. Cuando el bebop estaba ya prácticamente obsoleto y el free jazz campaba a sus aires por el mundo, Dizzy recordó que había que seguir contando con esa música.

Estupendo concierto que supone uno de los puntos culminantes de la notable carrera de Dizzy Gillespie y es muy recomendable.

Personnel:

Dizzy Gillespie – trumpet, vocals,

Lee Morgan, Talib Dawud, Ermit V. Perry & Carl Warwick - trumpet

Chuck Connors, Al Grey, Melba Liston - trombone

Ernie Henry & Jimmy Powell - alto saxophone

Billy Mitchell & Benny Golson - tenor saxophone,

Pee Wee Moore - baritone saxophone

Wynton Kelly & Mary Lou Williams - piano

Paul E. West - double bass

Charlie Persip - drums.

https://www.youtube.com/watch?v=EO2VCYVUu7w

 

5)

* Un día como hoy, en 1960, Harold Land comenzó la grabación de su álbum “Eastward Ho! Harold Land in New York” en el sello Jazzland.

Recorded: July 5 & 8, 1960

at Plaza Sound Studios, New York City.

Este disco tiene la virtud de que el trompetista que acompaña al saxofonista, Harld Land, es el maestro, Kenny Dorham, lo que garantiza la calidad del disco. Versionando temas Cole Porter y otros, Harold Land graba su quinto disco y ya había dejado testimonio de su obra maestra el año anterior. Un fino esfuerzo que sirve como un ejemplo importante del trabajo temprano de Harold Land.

Personnel:

Harold Land - tenor saxophone

Kenny Dorham - trumpet

Amos Trice - piano

Clarence Jones - bass

Joe Peters - drums.

https://www.youtube.com/watch?v=NT9LGsVmUnU

 

4)

* Un día como hoy, en 1959, Charles Mingus en sexteto, actuó en el Festival de Newport. Se recogió en varias recopilaciones.

Recording at "Newport Jazz Festival", ‘Freebody Park’, Newport, RI, on July 4, 1959.

En el caso de Charles Mingus, la palabra visionario es la descripción prevista para alguien que estuvo a la vanguardia. En este caso de la vanguardia del jazz. Mingus tenía una sólida base musical, que se extendía a numerosos géneros y fue, como ocurre con todos los considerados verdaderos visionarios, tachado de loco, emocionado, aficionado y simplemente extraño.

En general, llegó durante un período de tiempo en el que la mayoría de las instituciones estaban siendo cuestionadas -la escritura, el arte, el cine-, todas ellas eran formas que estaban pasando por trastornos dramáticos o estaban al borde de hacer algo nuevo.

Y así llega Charles Mingus, con una sólida base en teoría musical y composición, que podría haber aplicado sus desafiantes principios a la música clásica como a cualquier otra, y que tomó la naturaleza ya colaborativa del jazz y le dio una larga y dura mirada.

El resultado final fue la innovación y la visión de futuro esenciales para el crecimiento y la continuación de cualquier forma de arte, y se convirtió en su pararrayos -o, para ser justos con Coltrane, Rollins y otros muchos, en uno de los pararrayos que se convirtieron en elementos esenciales en la evolución de una forma.

Newport fue la ciudad donde Mingus hizo algunos de sus pronunciamientos más importantes para el mundo del jazz. Fue en ‘Freebody Park’ donde Mingus hizo su debut en el Festival de Jazz de Newport el 5 de julio de 1956, hipnotizando a una multitud de unos 4.000 espectadores a pesar de la intensa lluvia. Y, lo que es más importante, fue en Newport donde Mingus declaró la guerra a las convenciones del jazz cuando ayudó a organizar un festival "rebelde" en 1960, que obtendría una victoria moral cuando el Festival de Jazz de Newport (en Freebody Park) se cancelara debido a los disturbios de los aficionados. También actuó el 3 de julio de 1971.

Esta aparición en el Festival de Jazz de Newport de 1959, el 4 de julio, probablemente no sea nueva para la mayoría de los coleccionistas y aficionados al jazz, lleva tiempo en circulación y cuenta con una excelente alineación de acompañantes: Richard Williams, trompeta - Leo Wright en el saxo y la flauta - Booker Ervin en el saxo tenor - Sir Roland Hanna en el piano y Dannie Richmond en la batería.

Personnel:

Richard Williams, trumpet;

Leo Wright, alto sax, flute;

Booker Ervin, tenor sax;

Roland Hanna, piano;

Charles Mingus, bass;

Dannie Richmond, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=gIHPTksn4cw

 

3)

* Un día como hoy, en 1958, John Coltrane actuó en el Festival de Newport dentro del sexteto más famoso de Miles Davis. La actuación se editó en el álbum “At Newport 1958” (y en otros).

Recorded: July 3, 1958 at Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island.

El concierto de Miles Davis en 1958 en Newport fue parte de uno de los mejores programas del legendario festival. En particular, la noche del 3 de julio se organizó en torno a importantes músicos conocidos incluido el sexteto de Miles. El concierto formaba parte de un homenaje a Duke Ellington, pero eso no impidió que Davis mostrara, de forma agresiva, de lo que era capaz su nueva banda. El grupo fue uno de los más venerados en la historia del jazz, con una primera línea que incluía al líder en la trompeta, John Coltrane en el saxo tenor y Cannonball Adderley en el saxo alto, además de la sección rítmica de Bill Evans en el piano, Paul Chambers en el bajo y Jimmy Cobb en la batería. Este mismo grupo, que tristemente no duró mucho tiempo, grabaría el inolvidable “Kind of Blue” sólo seis meses después.

Atrapado en un atasco de tráfico en su camino del ferry a Newport, Miles llegó justo a tiempo para tocar, y hubo que pedirle a John Coltrane que redujera la duración de sus solos. Durante ‘Ah-Leu-Cha’, la primera pieza, Coltrane saltó a los dos coros que se le atribuyen y voló los armónicos en pedazos. En el curso del concierto, se afirmó como la verdadera estrella del sexteto. Por el contrario, Cannonball Adderley -al principio recibido con prolongado aplauso- pareció desvanecerse en el fondo. Es obvio que Davis estaba haciendo todo lo posible por este público, tirando la casa por la ventana y tal vez dándose cuenta de lo que esta banda era capaz de hacer musicalmente.

Personnel:

Miles Davis, trumpet

Cannonball Adderley, alto sax

John Coltrane, tenor sax

Bill Evans, piano

Paul Chambers, bass

Jimmy Cobb, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=ccQNNDpZRPQ

 

2)

* Un día como hoy, en 1962, Freddie Hubbard grabó su álbum ‘The Artistry of Freddie Hubbard’.

Recorded: July 2, 1962

at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.

‘The Artistry of Freddie Hubbard’ es un álbum del trompetista Freddie Hubbard. Cuando se grabó este álbum en 1962, Hubbard, de 24 años, había trabajado con Slide Hampton, Max Roach y J.J. Johnson antes de su asociación con los Jazz Messengers de Art Blakey. Miles Davis incluyó a Hubbard entre los mejores trompetistas de jazz de la época. Este fue el debut, la primera grabación de Freddie Hubbard con su propio nombre, en el sello Impulse y para mostrar su arte con la trompeta organizó un grupo de instrumentistas de primera fila para darle todo el apoyo. El grupo incluía a su compañero de Jazz Messenger, Curtis Fuller y el recién llegado John Gilmore que dan color a las actuaciones añadiendo trombón y saxofón tenor, respectivamente. Estos sólidos vientos post-bop están respaldados por la formidable sección rítmica, Art Davis, bajo, Tommy Flanagan, piano y Louis Hayes, batería.

Freddie Hubbard escribió tres de las cinco composiciones. El tema de apertura es la embriagadora "Caravan" de Duke Ellington. Los vientos tocan el tema de forma suelta por encima de la oscura corriente de fondo de la interpretación de Davis y Hayes. La pieza estalla en un solo de Hubbard que demuestra por qué era el joven trompetista más comentado de aquella época. La excepcional calidad de su tono y rango se muestra ampliamente en su versión con tintes latinos del tierno estándar de Gershwin "Summertime". En el tema final, "The 7th Day", Hubbard y su sexteto se suben a un sensual groove de cool jazz por todo lo que vale y construyen pacientemente algunos atrevidos intercambios, despidiéndose con un lento desvanecimiento.

El estilo brillante y el tono claro de Hubbard muestran una clara deuda con el difunto Clifford Brown y un guiño a la audaz curiosidad sonora de John Coltrane. Estos son algunos jóvenes músicos ardientes estimulando un formato clásico hacia adelante.

Personnel

Freddie Hubbard – trumpet

Curtis Fuller – trombone

John Gilmore – tenor saxophone

 Tommy Flanagan – piano

Art Davis – bass

Louis Hayes – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=lNvSB1d6Cc8

 

* Y un día como hoy, en 1965 (en 1966 también volvería otro día como hoy), John Coltrane regresaba al Festival de Newport y el mundo del jazz se vio inmerso en una controversia ese año cuando las bandas de los tenorístas John Coltrane y Archie Shepp, tan distintas y no distantes, aparecieron en ese festival de jazz.

Parte de esas dos actuaciones se recogieron, comercialmente, en el álbum “John Coltrane / Archie Shepp ‎– New Thing At Newport”. [En otros álbumes de Impulse Records se coleccionan también esos temas de Coltrane].

Recorded July 2, 1965, at the ‘Newport Jazz Festival’, Freebody Park, Newport, RI,

En Julio de 1965, el Newport jazz Festival, que se caracterizaba por centrarse en el lado mainstream del jazz, tuvo la ocurrencia de reunir, en una misma edición, a Coltrane, que en ese momento gozaba de gran popularidad y a Archie Shepp, que estaba comenzando su carrera discográfica como líder y ya era algo más que una promesa. Un cartel un tanto curioso, pero el nexo entre ambos músicos era evidente: Shepp participó en sesiones de grabación de Trane. Las diferencias estilísticas entre ambos son inmediatamente patentes, el sonido de Shepp y su banda es más onírico, hipnótico, ruidoso, complicado y totalmente free, en cambio Coltrane todavía estaba parcialmente ligado a los estilos del hard bop. Pero también está claro cómo el propio Shepp fue influenciado por el estilo de Coltrane.

En la primera parte de “New Thing At Newport”, la que corresponde a la actuación de Coltrane, presenta a un cuarteto cuya interpretación denotaba ya su inminente separación, sólo dos meses después, en Septiembre de 1965, el saxofonista dejaría de grabar con su cuarteto clásico (Tyner, Garrison y Jones). Ahora bien, aunque inmediatamente después daría un giro a su sonido en busca de mayor espiritualidad y la superación de todos los límites posibles, las dos versiones que figuran aquí son maravillosas, especialmente la de ‘My favorite things’, que sigue manteniendo el mismo poder de fascinación a pesar de ser recurrente en su discografía.

Personnel:

John Coltrane, soprano & tenor sax

McCoy Tyner, piano

Jimmy Garrison, double bass

Elvin Jones, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=no94gZGiDXY

 

1)

* Un día como hoy, en 1958, Cannonball Adderley, grabó su noveno álbum ‘Portrait of Cannonball’ en Riverside Records.

Recorded: July 1, 1958

Reeves Sound Studio, New York City.

Fue su primer lanzamiento en el sello Riverside, en quinteto con actuaciones de Blue Mitchell, Bill Evans, Sam Jones y Philly Joe Jones.

Aquí está Cannonball, con poco menos de treinta años, que sopla de una manera maravillosamente relajada, rodeado por un grupo cuidadosamente seleccionado que representa diferentes fases de su carrera hasta la fecha. La crítica dijo: "Todos están en la mejor forma en un set variado… Uno de los aspectos más destacados del hard bop prime de Adderley".

Personnel:

Cannonball Adderley - alto saxophone

Blue Mitchell - trumpet

Bill Evans - piano

Sam Jones - bass

Philly Joe Jones – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=VacwnfTwHxs

 

* Y un día como hoy, en 1961, John Coltrane actuó en el Festival de Newport con su quinteto (ya había estado años antes con Miles Davis y volvería posteriormente, como ya referiremos aquí).

Su actuación se grabó, aunque no se editó hasta mucho después en el sello Musica Jazz - John Coltrane ‎– ‘John Coltrane’ y tambien en ediciones no oficiales como John Coltrane ‎– ‘The 1961 Newport Set’ (unofficial release) en Solar Records y la mejor, la que reproducimos abajo ‘Music At Newport RI July 1st 1961’ (rare).

Recorded: July 1, 1961 at Newport Jazz Festival, Newport, RI.

Personnel:

John Coltrane, soprano, tenor sax;

McCoy Tyner, piano;

Art Davis& Reggie Workman, bass;

Elvin Jones, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=Ek_Esb1sdbk