Grabaciones jazz noviembre (I)

 

Grabaciones jazz noviembre (I)

15)

* Un día como hoy, en 1966, Pharoah Sanders graba en estudio con un interesante sexteto, su álbum ‘Tauhid’.

· Recorded on November 15, 1966, at Van Gelder Recording Studio, Englewood Cliffs, NJ.

‘Tauhid’ es un álbum de jazz del saxofonista Pharoah Sanders. Fue el segundo álbum lanzado bajo su nombre, y su primer álbum en el sello Impulse. Sanders había grabado su primer disco como líder en 1964. Éste fue grabado el 15 de noviembre de 1966 en Van Gelder Studio en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, cuatro días después del concierto recogido en el álbum de John Coltrane ‘Offer: Live at Temple University’, editado después de la muerte de Coltrane, con quien Sanders había tocado desde 1965. ‘Tauhid’ fue reeditado en Anthology Recordings.

‘Tauhid’ es uno de los discos más emblemáticos grabados por el saxofonista tenor. En su debut para Impulse el líder reunió una formación extraordinaria, que definió los límites del llamado movimiento de jazz espiritual. Henry Grimes (bajo) Roger Blank (batería), Sonny Sharrock (guitarra), Nat Bettis (percusión) y Dave Burrell (piano). El álbum marca la primera aparición del guitarrista Sonny Sharrock en un disco, así como una de las primeras grabaciones del pianista Dave Burrell.

Pharoah Sanders es jazz espiritual, es música devocional, es el mayor eslabón vivo entre John Coltrane, Kamasi Washington, y la siguiente generación de ese gran linaje. Su sonido de tenor, su voz cantando, sus composiciones y sus grabaciones ya han superado la prueba del tiempo, en su época, han perdurado, han envejecido tan finamente, y ahora han superado la crítica. Pharoah Sanders es un gigante, un innovador, colorido, orante, y merecedor de toda atención, celebración y aclamaciones entusiastas, incluso extáticas.

Pharoah, (nacido Farrell Sanders de Little Rock, Arkansas, el 13 de octubre de 1940,) no sólo formó parte de la banda de John Coltrane entre 1965 y 1967, y figuró como saxofonista tenor en sus álbumes de Impulse ‘Ascension’, ‘Live At The Village Vanguard Again!’, ‘Kulu Sé Mama’, ‘Meditations’ y ‘Om’, sino que tenía su propio concepto y dirección que se puede escuchar en esas grabaciones. Donde John Coltrane es el padre de esta música, Pharoah es su hermano, su brillante y más joven contemporáneo que estaba preparado para expresarse prolíficamente.

Sanders poseía uno de los sonidos de saxofón tenor más característicos del jazz. Armónicamente rico y cargado de matices, el sonido de Sanders puede ser tan crudo y abrasivo como sea posible para un saxofonista. Sin embargo, Sanders es muy apreciado hasta el punto de ser venerado por un gran número de aficionados al jazz. Se dio a conocer con un free jazz expresionista y casi anárquico en los últimos conjuntos de John Coltrane de mediados de los 60, como se ha indicado. Las señas de identidad de Sanders en aquella época eran la agresividad desnuda y la pasión desenfrenada. El suyo era un de entrada sonido de emoción profunda, de cantos líricos, de surcos rítmicos en forma de mosaico. Sin embargo, en los años posteriores a la muerte de Coltrane, Sanders exploró otras vías, algo más suaves y quizás más cerebrales, sin sacrificar nada de la intensidad que definía su trabajo como aprendiz de Coltrane. Los conjuntos de Coltrane con Sanders fueron algunos de los más controvertidos de la historia del jazz. Su música representa una deserción casi total de los conceptos tradicionales del jazz, como el swing y la armonía funcional, en favor de una mezcla orgánica, irregularmente estructurada, del sonido por el sonido. La fuerza era una necesidad en esa banda, y como Coltrane se dio cuenta, Sanders la tenía en abundancia.

Se dice que la grabación de jazz astral del saxofonista Pharoah Sanders de finales de los 60 es "The Creator Has A Master Plan" de ‘Karma’ en Impulse, años después. Aunque, "Master Plan" es, sin duda, la grabación definitiva de Sanders de la época, sin embargo, "Upper Egypt And Lower Egypt", del debut de Sanders en Impulse, ‘Tauhid’, es posiblemente la mejor declaración de su obra astral. Basándose en sus viajes por Japón con el grupo de Coltrane, así como en sus lecturas sobre el antiguo Egipto, ‘Tauhid’ equilibró la destrucción del saxo incendiario de los años de Sanders con Coltrane con un lirismo recién descubierto y paciencia, dejando que cada canción se desarrolle a un ritmo natural. Y con la guitarra de Sharrock añadiendo un ruido furioso y unos ágiles acordes de R&B que le dieron al tema principal su gancho melódico, el trabajo de Sanders comenzó a resonar más allá del jazz. La aparición del tenor de Sanders no satura el ambiente en esta sesión, ni mucho menos. Sanders se contenta con dejar que los estados de ánimo de estas piezas se desarrollen pacientemente, ya sea a través de la percusión de Roger Blank y Nat Bettis, del guitarrista Sonny Sharrock o de su propio piccolo.

Con una duración relativamente breve de 16 minutos, "Egypt" contiene todos los elementos que caracterizaban las excursiones astrales de Sanders, referencias espirituales explícitas, cantos vocales, un ostinato de bajo ondulante, percusión "exótica", un saxo tenor lírico pero fuera de lo común y un extenso jamming colectivo y, sobre todo, fue interpretado por una banda más agresiva y desafiante, que la reunida para ‘Karma’. Ese álbum fue realizado por una formación claramente más alegre, sin Sharrock, en la que el pianista de la zona de confort Lonnie Liston Smith y el vocalista Leon Thomas tenían una gran importancia.

Con ‘Tauhid’, sin embargo, Sanders, en aquel momento miembro habitual de la banda del saxofonista John Coltrane y que se deleitaba en su primer álbum como líder desde el desgarrador ‘Pharoah's First’ seguía ampliando los límites. De todos los álbumes de Sanders en Impulse (permaneció en el sello hasta finales de 1973, cuando fue víctima de la reducción de costes impuesta por los jefes corporativos de ABC Records), "Egypt", producido por Bob Thiele, que también produjo ‘Karma’ antes de abandonar Impulse en el verano de 1969, también tiene el mejor sonido.

"Egypt" tarda en ir al grano, y ahí reside gran parte de su encanto. Dividido en dos secciones distintas, "Upper Egypt" y "Lower Egypt", la primera parte es una larga introducción que parece estar siempre a punto de resolverse y dar paso al tema principal, pero que evita hacerlo durante casi 9 minutos. El propulsivo ostinato de bajo de Henry Grimes, posterior a "Love Supreme", entra en este punto, el tempo se acelera y el riff cambia, pero pasan otros 3 minutos antes de que Sanders, que antes sólo se escuchaba con el flautín, entre con el tenor con el tema principal que se despliega al amanecer, que reitera, reconfigura e improvisa durante los últimos 4 minutos, sobre un grueso surco de piano y percusión y el trabajo de acordes desgarradoramente cristalino de Sharrock. Sanders recorre aquí un curso de ritmo que se reapropia de su estructura con cada introducción de un instrumento nuevo y diferente. 'Upper and Lower Egypt' son corrientes contundentes de energía hibridada, que combinan una estructura hábil y disciplinada en la interpretación y un sentido del ritmo salvaje y sin trabas. Sanders actúa sin estar regulado por ninguna idea constrictiva de las comunicaciones musicales.

"Upper Egypt And Lower Egypt" es tan perfecto que el resto de ‘Tauhid’ tiende a olvidarse, pero los cuatro temas más cortos que completan el álbum, que suman otros 18 minutos, son también magníficos. "Japan", inspirada en la gira de Sanders por el país con la banda de Coltrane en el verano de 1966, es tan bonita como la flor de loto rosa. "Aum" y "Venus", la primera con Sanders en la contralto, son más duras y más lejanas, antes de que "Capricorn Rising", que concluye, restablezca el apacible ambiente inicial del álbum.

El álbum es una visión perceptiva de la misión de Sanders, que equilibra los aspectos técnicos estudiosos del jazz con un brío contemplativo que le da a su interpretación una soltura sorprendente. Es en este equilibrio que Sanders sigue siendo una inspiración para las encarnaciones modernas del jazz espiritual. El estilo es a la vez deconstructivo e innovador, desnudando sus tropos y reconstruyendo el género a su propia imagen. La unidad del grupo es poderosa, creando una atmósfera espiritual que lanza un hechizo desde los primeros compases.

Personnel:

Pharoah Sanders - Tenor Saxophone, Alto Saxophone, Piccolo, Voice

Dave Burrell - Piano

Henry Grimes - Bass

Sonny Sharrock - Guitar

Roger Blank - Drums

Nat Bettis - Percussion

https://www.youtube.com/watch?v=kWBVlfcPXho

 

14)

Un día como hoy, en 1962, McCoy Tyner, en trío, grabó su segundo álbum de estudio 'Reaching Fourth' para Impulse.

· Recorded on November 14, 1962 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.

El segundo álbum del pianista McCoy Tyner como líder se presenta en un trío con el bajista Henry Grimes y el baterista Roy Haynes, Tyner interpreta dos temas originales más estándares, siendo uno de los dos pianistas más originales e influyentes que emergió por completo en la década de 1960 junto con Bill Evans.

Esta grabación, aunque no tan intensa como su trabajo con el John Coltrane Quartet, es en general memorable.

· Personnel:

McCoy Tyner - piano

Henry Grimes - bass

Roy Haynes - drums.

https://www.youtube.com/watch?v=zBOucvJJkJE

 

* También, un día como hoy, en 1964, Lee Morgan en los Art Blakey And The Jazz Messengers, comienza la grabación del álbum ‘'S Make It’.

· Radio Recorded: November 15, 16, and 25, 1964 in Hollywood Calif. Los Angeles, CA.

‘'S Make It ‘(en argot para 'Let's go') es una grabación del conjunto de jazz hard bop de Art Blakey. Se grabó en Los Ángeles en 1964 y se publicó en el sello Limelight. Tras la marcha de las estrellas de su banda de 1961 a 1964, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Cedar Walton, incluye a antiguos alumnos de Blakey y a nuevos músicos. Esta fue la última grabación del trombonista Curtis Fuller como miembro regular del grupo, aunque volvería a grabar esporádicamente con Blakey en los años 70 y 80. El álbum fue reeditado por Verve.

Esta edición de los Jazz Messengers de Art Blakey es inusual. El álbum presenta una formación de transición de los Messengers, incluye a los veteranos de Blakey, Lee Morgan (volviendo al redil, que regresa a la banda después de un cierto éxito como líder), Curtis Fuller, miembro en la primera línea en la esperada interpretación ajustada sobre los retozos con tintes gospel que eran habituales en los primeros días de los grupos de Blakey y Victor Sproles. Se les unen John Hicks (que apareció en otros tres discos de Blakey) y que infunde al tema principal un ritmo conmovedor que Bobby Timmons estaría orgulloso de llamar suyo, mientras que Morgan dispara solos de quintas planas y de desprestigio que perfeccionó en sus álbumes de Blue Note. Fuller, por supuesto, le sigue muy bien y el saxofonista John Gilmore que, como comodín en su única aparición con la banda, puede sorprender a aquellos que sólo le conocen por la Sun Ra's Arkestra con su habilidad para igualar a los otros dos en la primera línea con un estilo robusto y de bar.

Como era típico de los grupos liderados por Blakey, el énfasis está en el material original de sus miembros, la única melodía de espectáculo de Broadway incluida, "Faith", es de un ya olvidado ‘I Had a Ball’. El blues de Morgan "'S Make It" es sin duda lo más destacado de la sesión, aunque "Waltz for Ruth" de Hicks y "Little Hughie" de Fuller también merecen ser más conocidos. La primera parte de este álbum es bastante típica, pero las dos últimas canciones son diferentes. Ambas son baladas humeantes que son esencialmente escaparates para Morgan, que toca con una ternura y sutileza que a menudo no se le reconoce. Blakey, como siempre, proporciona liderazgo al no ser un showman, sino que da a sus compañeros el apoyo que necesitan para brillar.

Algunos lo consideran uno de los trabajos más infravalorados de Blakey y ejemplifica su labor de 1964-1965. Las grabaciones en Blue Note de Jazz Messengers están tan bien consideradas que las que el grupo hizo para otros sellos más o menos en la misma época tienden a quedar en segundo plano. Esto no debería ser así; Blakey era un maestro tan decidido que era capaz de obtener grandes actuaciones de sus músicos en casi todas las ocasiones.

Éste es un buen disco de los Messengers y un valioso ejemplo del trabajo consistentemente satisfactorio del baterista, aunque ésta haya sido la única grabación de esta alineación particular de los Jazz Messengers, ya que el fuerte soplido de John Gilmore complementa muy bien a Morgan.

Personnel:

Art Blakey – drums

Lee Morgan – trumpet

Curtis Fuller – trombone

John Gilmore – tenor sax

John Hicks – piano

Victor Sproles – bass.

https://www.youtube.com/watch?v=pycYPpjd394

 

* Y un día como hoy, en 1971, Dizzy Gillespie y The Giants Of Jazz, un sexteto de grandes estrellas, dentro de su amplia gira europea, actuaron y grabaron en Londres su álbum homónimo ‘The Giants Of Jazz Live At The Victoria Theatre, London’.

· Recorded in London at the Victoria Theatre, on November 14, 1971.

‘The Giants of Jazz’ es un álbum en directo de un concierto inglés grabado en el Victoria Theatre de Londres en dos sesiones en la misma fecha, el 14 de noviembre de 1971, por Art Blakey, Dizzy Gillespie, Al McKibbon, Thelonious Monk, Sonny Stitt y Kai Winding, que fueron anunciados como The Giants of Jazz. El álbum fue publicado por Atlantic.

Este conjunto de dos discos, ‘Giants of Jazz’, presenta una banda de ensueño, con Monk en una muy rara ocasión como acompañante. En general, las estrellas están a la altura de sus estándares habituales en temas como "Night in Tunisia", "Woody 'N' You", "Tour de Force", "Allen's Alley" y "Blue 'N' Boogie". Monk está bien representado en "Blue Monk" y "'Round Midnight" pero Stitt se roba los honores en "Everything Happens to Me". Un conjunto histórico y superlativo.

La gira fue desde Milán el 20 de octubre de ese año, a París el 22, Polonia el 29, Praga el 30, Belgrado el 2 de noviembre, Alemania el 5 y el 7, Copenhague el 9 y el 14 en Londres.

· Personnel:

Dizzy Gillespie - trumpet

Thelonious Monk - piano

Art Blakey - drums

Sonny Stitt - alto & tenor saxophone

Kai Winding - trombone

Al McKibbon - bass

https://www.youtube.com/watch?v=Rzt02bCVg9I

 

13)

* Un día como hoy, en 1958, el quinteto de Cecil Taylor, con John Coltrane y Kenny Dorham, graban el álbum ‘Hard Driving Jazz’.

· Recorded in New York City, on October 13, 1958.

El disco, que se conoce más por su título posterior (más comercial), ‘Stereo Drive’ es un álbum del músico de jazz Cecil Taylor en el que participa John Coltrane. Se publicó en United Artists Records. La primera edición se publicó pues como con el título ‘Hard Driving Jazz’ acreditado a The Cecil Taylor Quintet, y posteriormente se reeditó con el nombre de Coltrane en 1962 como ‘Coltrane Time’, con temas extras de otras sesiones de Trane, y que se consideraba inusual debido a la inclusión de Cecil Taylor al piano. Las reediciones aparecieron en el sello Blue Note Records a nombre de Coltrane. Es la única grabación conocida en la que aparecen tanto Coltrane como Taylor, y con Dorham.

Taylor ha descrito cómo la compañía discográfica determinó la elección de los músicos de la sesión. Accedió a Coltrane, porque se llevaban bien, aunque quería usar sólo los músicos que él eligiera. Por ejemplo, a Ted Curson, un trompetista mucho más contemporáneo que el trompetista con el que grabó, Kenny Dorham. Las relaciones entre Taylor, que era partidario de un enfoque muy vanguardista, y Dorham, que desaprobaba verbalmente la forma de tocar del pianista, fueron tensas. A Kenny Dorham le molestaba claramente la disonante composición de Taylor tras sus solos y sus tendencias vanguardista alejadas. Con el bajista Chuck Israels (la verdadera estrella de la sesión resultó ser Israels) y el baterista Louis Hayes haciendo todo lo posible para ignorar la discordia, el grupo se las arregla para interpretar dos blues y dos estándares con Dorham tocando estrictamente bop, Taylor llegando a abstracciones bastante libres, y Coltrane sonando en algún punto intermedio. Los resultados fueron involuntariamente fascinantes.

La colaboración entre el saxofonista tenor John Coltrane y el pianista Cecil Taylor que, por desgracia, parecen anularse mutuamente tocando ambos de forma bastante circunspecta quizá en deferencia al otro, se limitó pues a una única sesión de estudio en Nueva York, grabada el 13 de octubre de 1958 como quinteto dirigido por Taylor. Aquí se puede escuchar a Coltrane y Taylor cada uno en su forma. Coltrane acababa de terminar su última actuación con Monk en el Five Spot y se sentía a gusto tocando sobre los complejos voicings armónicos de Cecil Taylor.

La reedición también contuvo seis cortes de la primera grabación de Taylor, una fecha de estudio de 1956 incluida aquí como temas extra. Cuatro de los temas se grabaron en formato de trío, mientras que dos temas presentan la primera colaboración grabada en cuarteto de Taylor con el saxofonista soprano Steve Lacy. Incluye, por tanto, los álbumes completos: Cecil Taylor Quintet ‘Hard Driving Jazz’ de 1958 que posteriormente se publicó como John Coltrane ‘Coltrane Time’ y también el Cecil Taylor ‘Jazz Advance’ de 1956.

Poco después de su aparición a mediados de los años 50, el pianista Cecil Taylor era el improvisador más avanzado del jazz, décadas después siguió siendo el más radical. Aunque en sus inicios utilizaba algunos estándares como vehículos para la improvisación, desde principios de los años 60 Taylor se ha ceñido exclusivamente a los originales. Para simplificar la descripción de su estilo, se podría decir que el intenso enfoque percusivo atonal de Taylor implica tocar el piano como si fuera una batería. Por lo general, hace hincapié en densos grupos de sonidos tocados con una técnica y una resistencia notables, a menudo durante actuaciones maratonianas. Basta con decir que la música de Cecil Taylor no es para todo el mundo. Taylor empezó a recibir clases de piano a los seis años y asistió al New York College of Music y al New England Conservatory. Las primeras influencias de Taylor fueron Duke Ellington y Dave Brubeck, pero desde el principio sonó original. Sus primeras actuaciones incluyeron trabajos con grupos liderados por Johnny Hodges y Hot Lips Page, pero, después de formar su cuarteto a mediados de los años 50 (que originalmente incluía a Steve Lacy como soprano, el bajista Buell Neidlinger y el baterista Dennis Charles), Taylor no volvió a ser un músico secundario. El grupo tocó en el Five Spot Cafe en 1956 durante seis semanas y actuó en el Newport Jazz Festival de 1957 (que fue grabado por Verve), pero, a pesar de las grabaciones ocasionales, el trabajo era entonces bastante escaso.

· Personnel:

Cecil Taylor — piano

Kenny Dorham — trumpet

John Coltrane — tenor saxophone

Chuck Israels — bass

Louis Hayes — drums.

https://www.youtube.com/watch?v=3-alkYBaD6o

 

* Un día también como hoy, en 1959, Kenny Dorham, ahora en cuarteto, graba su álbum ‘Quiet Kenny’.

· Recorded at Van Gelder Studio in Englewood Cliffs, NJ, on November 13, 1959.

‘Quiet Kenny’ es un álbum del trompetista de jazz estadounidense Kenny Dorham publicado en el sello New Jazz. El álbum incluye la composición propia de Dorham "Lotus Blossom", que fue grabada anteriormente por Sonny Rollins con el título "Asiatic Raes". La melodía se ha grabado posteriormente con ambos títulos. ("Lotus Blossom" no debe confundirse con la canción "Sweet Lotus Blossom" de Coslow y Johnston).

Dorham era un trompetista excepcionalmente bueno, pero al surgir en una época en la que estaban Dizzy Gillespie, Miles Davis, Fats Navarro y Clifford Brown, a menudo se le pasaba por alto, o quizás no se le prestaba atención. Quizás le faltaba el carisma que poseían la mayoría de ellos, pero como trompetista era técnicamente tan bueno como cualquiera de ellos.

Este disco para la filial del sello Prestige, New Jazz, se grabó en 1959 y, como el resto de la producción del sello, debía ofrecer estándares y blues y poco más.

El primer tema que se anuncia como tranquilo no lo es en absoluto. Es uno de los mejores temas de Dorham de todos los tiempos, "Lotus Blossom", que da el pistoletazo de salida al conjunto con su melodía tarareable en clave latina, su dinámica fluida y el tono inmaculado y sin pretensiones. Los platillos de la batería de Art Taylor y las notas profundas del bajo de Paul Chambers y el piano de Tommy Flanagan abren camino a la trompeta de Dorham como si estuviéramos en algún ritual oriental, y es que ese “Lotus Blossom” comienza con sabor a oriente, aunque tras unos cuantos compases el cuarteto se muestra efervescente y parecieran haberse transportado a un pequeño club de Jazz en New York, pues suenan a puro hard bop.

Las interpretaciones son de primerísima línea y no hay ni uno solo de los integrantes del grupo que cojee. A Kenny Dorham con la responsabilidad de solista y firmando la sesión se le presupone entregado, pero firma una de sus mejores grabaciones, melódico o contundente, pero sobre todo preciso. Art Taylor está monstruoso a la batería, y Chambers, el genio del bajo se luce a base de bien mientras que Flannagan demuestra su calidad al piano. Es una sección rítmica con espíritu solista en algunos temas como este “Lotus Blossom”, pero que en otros temas más tranquilos cumplen su función de acompañar a las notas de la trompeta de Dorham, suavemente, con delicadeza, como en el segundo corte, una interesante versión de “My Ideal”, que es como un remanso de paz después de esa flor de loto inicial donde Dorham exprime con cautela las resbaladizas notas húmedas.

“Blue Friday” es una especie de mezcla entre ambos conceptos presentados hasta ahora. Se inicia con una melodía inconfundible, una de esas firmas sonoras que identifican a un artista, como el “Moanin’” de Bobby Timmons que popularizara Art Blakey o las composiciones de Lee Morgan en su ‘Sidewinder’. Y es que este “Blue Friday”, composición original de Dorham lleva su sello inconfundible. Además, está cortado a su medida, para deleitarnos con su maestría con la trompeta, capaz de obtener un sinfín de notas cortas en melodías largas que tenían que dejarle sin aliento, pues no hay lugar para la respiración. Es un tema largo que también deja espacio para que Flannagan se luzca con su piano mientras que Taylor y Chambers están ahí, perfectos, como hilo conductor de la propuesta. Blue Friday es fantástico. El resto del material está hecho de forma fácil y no forzada.

Un tema más corto, “Alone Together, si se hubiera elegido como tema de apertura del álbum sí que correspondería con el título. Este sí que es un tema perfecto para relajarse, es en esa triste balada cuando el verdadero factor tranquilo entra en juego, un preludio perfecto para el siguiente sencillo swinger que no es realmente un shuffle, “Blue Spring Shuffle”, otro original de Dorham que comienza con un Paul Chambers grandioso como solista, mandando, al más puro estilo de su Bass on Top, para dar entrada a una melodía sencilla y pegadiza que Dorham trabaja una y otra vez hasta comenzar con su genial improvisación. Otro tema largo, de más de siete minutos, que de tranquilo tiene sólo la entrada de Chambers. Una delicia sentarse a ver cómo van desfilando cada uno con sus variaciones sobre la idea propuesta. Dorham, Flannagan, Dorham, Chambers, todos tienen su espacio y de qué manera. El tramo final con Chambers antes del cierre de Dorham sirve para demostrar que el bajo puede ser un solista de altura.

 “I Had the Craziest Dream” es todo un remanso de paz al que se puede volver una y otra vez con la garantía de que nos refrescará. La selección de estándares del álbum no son los habituales más conocidos y eso se agradece porque le aporta un punto de frescura. Medio tema para Dorham y medio para Flannagan, que en este sueño loco tiene ocasión de lucirse a base de bien.

“Old Folks” también es sereno, con Dorham de nuevo definiendo perfectamente cada nota, largas o cortas, perfectas en posición y extensión. Un tema en el repiten la fórmula Dorham, Flannagan y Chambers, que de nuevo tienen su espacio de libertad para improvisar. Es una balada clásica, se hace a medio tiempo.

Y para rematar la faena, una versión de “Mack The Knife”, ese tema que siempre estará asociado a la versión que Ella Fitzgerald hiciera del mismo en su concierto de Berlín, y que Dorham plantea de forma breve y te deja con ganas de más, sobre todo después de ver cómo revientan la conocida melodía al comenzar y se van por donde quieren durante un minuto para volver a sugerirla después.

Nunca se le conoció como un intérprete bullicioso o descarado, pero tampoco como un trovador del romanticismo la música de Dorham también está lejos de ser complaciente. Su música no es necesariamente el jazz recatado, baladístico y arrebatador que uno podría asociar como romántico o tranquilo. Fresco y discreto podrían ser mejores palabras para lo que el ultramelódico Dorham logra en este conjunto de estándares y originales innegablemente bien elaborados que está cerca de contener su mejor trabajo en general durante una carrera demasiado breve. Rodeado por un excelente equipo rítmico, sensible, emergente y beneficioso, Dorham y sus compañeros no son propensos a cometer errores o exageraciones manifiestas.

· Personnel:

Bass – Paul Chambers

Drums – Arthur Taylor

Piano – Tommy Flanagan

Trumpet – Kenny Dorham.

https://www.youtube.com/watch?v=I7_84ukZhTs

 

* Así mismo, un día como hoy, en 1960, Hank Mobley graba su álbum ‘Roll Call’.

· Recorded at Rudy Van Gelder Studio, in Englewood Cliffs, NJ, on November 13, 1960.

‘Roll Call’ es un álbum del saxofonista tenor de jazz Hank Mobley. Considerado uno de sus mejores junto a ‘Soul Station’ (también grabado en 1960), ‘Roll Call’ cuenta con algunos de los músicos más destacados de la era del hard bop. En él participan el trompetista Freddie Hubbard, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Blakey.

Desde el primer momento en que Art Blakey irrumpe para establecer un cinético ritmo latino en la canción de apertura homónima, “Roll Call” de Hank Mobley, explota con energía. El primer viento que se escucha aquí es en realidad la trompeta de Freddie Hubbard, presagiando el papel prominente que tendría en el sonido de este álbum. El quinteto funciona perfectamente, pero Hubbard brilla especialmente cuando toca los fluidos riffs de Mobley y lleva él mismo más de un verso, sonando especialmente atlético y sin esfuerzo en el tema final, "The Breakdown". La interpretación de Mobley a lo largo de la grabación es elegante, pero sin ser comedida, y la fuerza de su composición brilla en cinco de las seis canciones del álbum. También se incluye una versión cálida, relajada y dulce de "The More I See You", con un Hubbard con sordina que suena muy parecido a Miles Davis. Es un buen complemento a esta colección de originales, que a menudo se ha visto eclipsada por otros trabajos de Mobley de finales de los 50 y principios de los 60, pero que sin duda merece algo de atención por sí misma.

El tono suave y el estilo duro del saxofonista tenor Hank Mobley ayudaron a definir el sonido de Blue Note. Alfred Lion lo consideraba un músico tan valioso que Mobley lideró 25 álbumes de Blue Note entre 1955 y 1970, apareciendo también como acompañante en muchos otros. Formando parte de la escena jazzística de Filadelfia a finales de la década de 1940, Mobley se trasladó al norte en 1951 y trabajó con Max Roach, Dizzy Gillespie y, sobre todo, con las versiones originales de los Jazz Messengers y el Horace Silver Quintet. También formó parte del quinteto de Miles Davis en 1961.

Sin embargo, siempre se le recordará por su serie de brillantes grabaciones en ese sello, entre las que destaca ‘Roll Call’, de 1960. Mobley es escuchado en su momento más ardiente, enfrentándose al joven advenedizo Freddie Hubbard, que ya era una fuerza incendiaria. Títulos de canciones como "My Groove, Your Move" y "A Baptist Beat" permiten saber que los originales de Mobley están llenos de su marca de alma, y los rugientes redobles de batería de Art Blakey a menudo hacen arder toda la sesión.

El año 1960 produjo una rica carga de artistas de rápida maduración, con títulos de mérito de Blue Note que se sucedían con rapidez. Hubbard es una gran adición aquí a la línea más austera de ‘Soul Station’, añadiendo más variedad y textura. Una semana antes Hubbard lideró su propio álbum ‘Goin' Up’ con Mobley y dos semanas después grabó en ‘Undercurrent’ de Kenny Drew también con Mobley. La empatía quedó bien establecida entre Hubbard y Mobley, la trompeta bruñida y el tenor líquido. La combinación de la sección rítmica de alta energía de Blakey (que no se encoge de hombros) y Wynton Kelly (el rey del ritmo) llenando todo el espacio disponible, todo alegremente cimentado por Paul Chambers. Es una actuación de calidad de supergrupo.

‘Roll Call’ es un gran crisol de bop cohesionado. Una de las mejores muestras del perfecto estado de Mobley. Un estado de gracia donde supo rodearse de los músicos más punteros del hard bop del momento. En él se muestra muy dinámico y al mismo tiempo que versátil, haciendo llegar su música al alma de los instrumentos, los cuales deambulaban las notas a ritmo frenético con unos compases que recogieron una identidad propia. Sin llegar acaparar todo el protagonismo del quinteto, dando la absoluta libertad de expresión a los músicos que le acompañaron en la grabación, se ve como disfrutan haciendo, saboreando cada nota que han inscrito en el álbum.

Si para algunos, la escucha prolongada de Rollins o Coltrane resulta demasiado agotadora, se puede oir a Mobley y dejarse llevar por su tono seguro y pulido, su fraseo conmovedor y el equilibrio justo de energía y exploración, siempre dejando espacio para los otros artistas que comparten el escenario.

· Personnel:

Freddie Hubbard (trumpet)

Hank Mobley (tenor saxophone)

Wynton Kelly (piano)

Paul Chambers (bass)

Art Blakey (drums).

https://www.youtube.com/watch?v=NemaZGuyp1I

 

* Igualmente, un día como hoy, en 1967, Freddie Hubbard comenzó la grabación de su álbum ‘High Blues Pressure’.

· Recorded: on November 13, 1967 and January 10, 1968, at A&R Studios, NYC.

‘High Blues Pressure’ es un álbum del trompetista Freddie Hubbard. Fue su segundo álbum con el sello Atlantic y cuenta con actuaciones de Hubbard con, en este caso, un noneto que incluía a James Spaulding, Herbie Lewis, Kenny Barron y Louis Hayes.

Para este álbum de estudio, Freddie Hubbard amplió su quinteto añadiendo al tenorísta Bennie Maupin, a Kiane Zawadi en el bombardino, la tuba de Howard y Johnson Roman "Dog" Broadus con la conga. Alternando también otros miembros al piano y a la batería.

Freddie Hubbard puede ser el trompetista por excelencia del hard bop/jazz moderno. ‘High Blues Pressure’ se grabó para Atlantic, pero desde el punto de vista del estilo bien podría ser una sesión de Blue Note, y una muy buena. El tono de Hubbard es grande, descarado, ardiente y con influencia de blues. La música es compleja, pero con mucho swing, con buenos solos del trompetista/líder. Los del altoísta infravalorado James Spaulding, de Maupin y del pianista Kenny Barron están a la altura de la intensidad del fuego que genera Hubbard.

El programa consta de originales hard-bop muy melódicos y terrosos, con toques de funk y música pop latina justo al sur de la frontera. El tema principal es pegadizo con su ritmo fácil y acelerado. A diferencia de algunos álbumes de jazz de este período, éste presenta una gran interpretación de conjunto para acompañar los excelentes solos.

· Personnel:

Freddie Hubbard - trumpet, flugelhorn

James Spaulding - alto saxophone, flute

Herbie Lewis – bass

Weldon Irvine & Kenny Barron - piano

Freddie Waits & Louis Hayes - drums

Bennie Maupin - tenor saxophone, flute

Howard Johnson - baritone saxophone, tuba

Kiane Zawadi - trombone, euphonium

Roman "Dog" Broadus – conga.

https://www.youtube.com/watch?v=nGbp-9BpqDQ

https://www.youtube.com/watch?v=XEIu9V2i-dI

 

* Y un día como hoy, antes, en 1962, John Coltrane con su cuarteto de lujo terminó de grabar su conocido álbum ‘Ballads’ para Impulse.

· Recorded: December 21, 1961; September 18 and November 13, 1962 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.

· Personnel

John Coltrane – tenor saxophone

McCoy Tyner – piano

Jimmy Garrison & Reggie Workman – bass

Elvin Jones – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=3dKmQGJ7bw4

 

11)

* Un día como hoy, en 1966, Don Cherry graba con Pharoah Sanders, ‘Where Is Brooklyn?’

· Recorded: November 11, 1966 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.

‘Where Is Brooklyn?’ es un álbum de Don Cherry con Henry Grimes, Ed Blackwell y Pharoah Sanders grabado y publicado por el sello Blue Note. Fue el último álbum de Don Cherry para ese sello. Ezz-thetics reeditó posteriormente el álbum junto con ‘Eternal Rhythm’ en el recopilatorio ‘Where Is Brooklyn? & Eternal Rhythm, Revisited’.

Los fundadores de Blue Note, Lion y Wolff, tenían los oídos y la mente abiertos, como demostraron una y otra vez a principios de la década de 1960 al documentar a algunos de los músicos más aventureros de la escena del jazz moderno, como Andrew Hill, Eric Dolphy y Tony Williams. Pero no fue hasta que trajeron a Ornette Coleman y Don Cherry a Blue Note en 1965 cuando se lanzaron de cabeza a la vanguardia. Coleman y Cherry, por supuesto, habían hecho historia juntos años antes como la mitad del revolucionario cuarteto de Coleman que puso al mundo del jazz de Nueva York sobre aviso de que había algo nuevo en la ciudad con su llegada en 1959 al Five Spot Café. Aunque Cherry codirigió el álbum ‘The Avant-Garde con John Coltrane’ en 1961, su carrera como director de banda comenzó con su audaz debut en Blue Note, ‘Complete Communion’, grabado en diciembre de 1965 (Coleman había registrado su nuevo trío en directo en el Golden Circle de Estocolmo para su propio debut en Blue Note unas semanas antes). Cherry volvió al estudio Van Gelder dos veces en otoño de 1966, primero para grabar su expansiva ‘Symphony for Improvisers’ y de nuevo para el ardiente ‘Where Is Brooklyn?’ Esta última fue una sesión de cuarteto muy interactiva en la que participaron Sanders al saxo tenor y al piccolo, Grimes al bajo y Blackwell a la batería, que presentó cinco originales de Cherry.

En 1966, Sanders perfeccionó parte de su vena aventurera en este ‘Where Is Brooklyn?’ de Don Cherry, editado por Blue Note. El álbum llegó siete años después de que el trompetista y cornetista tocara en el emblemático ‘The Shape of Jazz to Come’ de Ornette Coleman, y este álbum es un descendiente directo de ese disco, ya que utiliza el mismo formato de dos vientos sin piano. Típico del estilo de la entonces "nueva música" (como Coleman se refiere a ella en las carátulas originales), las composiciones de Cherry presentan a los vientos en estrecha coordinación en la parte superior y en la parte inferior y mucha libertad en el medio. Cherry y Sanders se adentran en una técnica extrema, como si estuvieran empujando los límites físicos de sus vientos y los instrumentos estuvieran pidiendo clemencia. En ausencia de un instrumento acorde como el piano, Ed Blackwell a la batería fundamenta sus exploraciones, proporcionando tanto la forma como el movimiento hacia adelante. La mezcla que hace Sanders de las anhelantes notas largas de Coltrane, los fantasmales y revoloteantes lamentos de Ayler, el rápido y agitado fraseo de Coleman y sus propios y maníacos alaridos, ciertamente separan a los pusilánimes de los que se quedan en la apertura de “Awake Un”. Pero la conversación entre Sanders y Cherry es ligera, lírica y atractiva en “The Thing”, y el saxofonista incluso se mete en una conversación obstinada, parecida a la de Sonny Rollins.

Aquí, Cherry abandona su concepto de grabar todas las composiciones del álbum como medleys laterales; más bien, cada una es tratada por separado, con espacios entre las pistas. No había necesidad de integrar las composiciones volviendo periódicamente a sus temas, así que quizás por eso Cherry no se centra tanto en sacar a relucir sus composiciones esta vez.

‘Where Is Brooklyn?’ aunque no sea tan esencial como ‘Complete Communion’ o ‘Symphony for Improvisers’, tiene mucho más que ver con la energía y la interacción reflexiva del grupo que con los temas memorables, por lo que se echa en falta algo más en comparación con los anteriores álbumes de Cherry, aunque éstos también enfatizaran las cualidades que se muestran aquí. Sin embargo, sigue siendo un buen disco para lo que se concentra; Sanders está en su típica forma apasionada, y el resto de los miembros del conjunto ya han perfeccionado su interacción.

· Personnel:

Don Cherry – Cornet

Pharoah Sanders - tenor saxophone, piccolo

Henry Grimes – bass

Ed Blackwell – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=05T9eOLMrV8

https://www.youtube.com/watch?v=ZITkTyJqovI

 

10)

* Un día como hoy, en 1972, Horace Silver terminó la grabación de su álbum ‘In Pursuit Of the 27th Man’.

· Recorded: October 6 & November 10, 1972 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.

‘In Pursuit of the 27th Man’ es un álbum del pianista de jazz Horace Silver publicado en el sello Blue Note. En 1972, su formación incluía a los explosivos hermanos Brecker, que habían debutado en 1969 con el nombre de Randy Breckers (‘Score’) y lanzaron el primer combo de jazz rock ‘Dreams’ con Billy Cobham. Aquí hacen una música sólida que invita a chasquear los dedos, pero no ofrece ninguna innovación en comparación con los anteriores quintetos de Silver que,

con este combo, tiene un sonido más ortodoxo propio. Completaban el grupo los incondicionales de Blue Note Cranshaw y Roker, al bajo y a la batería respectivamente. En 1972, Cranshaw ha cambiado su bajo acústico vertical por el eléctrico, lo que supone una base de apoyo más ligera.

Este oscuro álbum de Horace Silver contiene dos sesiones separadas del pianista/compositor. En los tres temas de noviembre en quinteto, le acompañan, como se ha dicho, el trompetista Randy Brecker, el gran tenor Michael Brecker, Bob Cranshaw al bajo eléctrico y el baterista Mickey Roker. Los otros cuatro números anteriores de octubre cuentan con el vibrafonista David Friedman en un cuarteto con Silver, Cranshaw y Roker, un sonido muy inusual para un conjunto de Horace Silver (el flautista Hubert Laws estaba previsto que también participara, pero su compañía discográfica se lo impidió). Habían pasado diecisiete años desde que Silver conoció a Milt Jackson.

En uno de los últimos álbumes de Blue Note, la música en sí es la habitual de Horace Silver. Este álbum es histórico porque representa el primer álbum de Horace Silver con un vibrafonista. Desde sus primeros días como músico de acompañamiento en Prestige y Blue Note, siempre parecía ser un personaje secundario en las formaciones con vientos. El vibrafonista de este álbum, David Freidman (antaño percusionista clásico), hace un trabajo admirable y es refrescante escuchar a Silver respaldando un instrumento de tono fresco como el vibráfono para variar. Friedman, que también se había formado como percusionista clásico, aporta un enfoque incomparablemente más moderno y fresco, que forma un emocionante contraste con los profundos sonidos negros de Silver.

Sin embargo, Silver no abandona totalmente su formato estándar de combo de trompeta y saxo, ya que casi la mitad del material del álbum cuenta con esta formación. Pero sea cual sea la instrumentación, el estilo es puro Silver, hard bop melódico y contundente con una fuerte dosis de funky soul.

La primera cara es sólidamente groovy, con el tema de apertura "Liberated Brother", que hace vibrar desde el principio. El siguiente tema, "Kathy", tiene un tempo que te hace mover la cabeza y el solo del vibráfono y la composición rítmica de Silver son tan buenos que ni siquiera te das cuenta de que están tocando en un tiempo latino. Sólo una melodía tiene algo de swing directo, y es la pequeña sección de lanzamiento de la melodía del título "In Pursuit of The 27th Man", que de nuevo cuenta con el vibráfono. Como he dicho, la música tiene algunos momentos geniales y otros no tanto. El tema que abre la segunda cara, "Nothin, Can Stop Me Now", es francamente flojo, cuanto menos se diga de ella, mejor. Sin embargo, la letra es muy alentadora y optimista, escrita por el propio Silver.

El tema favorito del álbum, "Gregory Is Here" es una melodía tan simple pero efectiva, sobre un conjunto de cambios de acordes maravillosamente simplistas. Las armonías son agraciadas, y el contraste entre el ardiente solo de saxo de Michael y el suave y sedoso solo de trompeta (o de fliscorno) de su hermano es placentero. La composición de Silver detrás de ambos forma parte de la canción tanto como la melodía, y su solo está lleno de lógica y gusto. Es una pequeña composición perfecta y una de las mejores y memorables melodías que Silver escribió en sus últimos años. Silver escribió la melodía en respuesta al nacimiento de su hijo, Gregory.

Todavía hay buenos discos de músicos conocidos que aún no han sido digitalizados. "In Pursuit Of The 27th Man" pertenece a esta categoría. Sin embargo, dado que Horace Silver realizó incontables álbumes durante sus veintiocho años en Blue Note -de 1952 a 1980, cuando el sello cerró temporalmente, casi se puede entender. Por ejemplo, en los años setenta, cuando reinaba el rock y la fusión, Silver presentó una trilogía de grabaciones vocales bajo el título ‘United States Of Mind’, basadas en textos de autoría propia y orientados a la visión del mundo, así como un ciclo de cinco partes en grandes instrumentaciones muy diferentes, que reforzaban su quinteto con un coro, instrumentos de viento, etc. No hace falta mencionar que estos proyectos caprichosos nunca vieron una segunda edición.

Esta grabación, en cambio, nos devuelve a Silver y a nosotros a sus raíces en los años sesenta, cuando le gustaba mezclar dos instrumentaciones diferentes en sus álbumes de hardbop. Grabado en una época en la que el jazz sin diluir se consideraba un anatema comercial, Silver adaptó con astucia algunos de los últimos dispositivos de fusión al tiempo que se mantenía fiel a su estilo conmovedor y extravagantemente melódico. El trabajo de los solistas y del conjunto es limpio y siempre se le encuentra excepcionalmente accesible al oído.

Puede que ‘In Pursuit of the 27th Man’ no sea el mejor que haya hecho Horace Silver, pero es uno de los más intrigantes.

·Personnel:

Randy Brecker- Trumpet & Fluglehorn

Michael Brecker- Tenor Sax

Horace Silver- Piano

Bob Cranshaw- Electric Bass

Mickey Roker- Drums

https://www.youtube.com/watch?v=3XS79mmcs_0

https://www.youtube.com/watch?v=yttc-i_vA8I

 

9)

*Un día como hoy, en 1969, Archie Shepp graba en París temas que aparecieron en 2 álbumes, ‘Black Gipsy’ y ‘Pitchin´ Can’.

· Recorded at Decca Studios in Paris, France on November 9, 1969 & July 23, 1970.

- ‘Black Gipsy’ es un álbum del saxofonista de jazz Archie Shepp grabado en Europa en 1969 para el sello America. El álbum también fue publicado por el sello Prestige con el título de ‘Black Gypsy’.

‘Black Gipsy’ es un álbum interesante, no sólo porque es una de las pocas citas en las que Archie Shepp toca la soprano exclusivamente, sino porque el álbum también cuenta con un armonicista, Leroy Jenkins a la viola, y un vocalista llamado Chicago Beauchamp (alias Chicago Beau), que también actuó con el Art Ensemble of Chicago y Jimmy Dawkins. A ellos se suman Clifford Thornton, Noah Howard, Sunny Murray y el gran Dave Burrell al piano. En "Black Gipsy", tras una introducción de Jenkins, Murray y el bajista Earl Freeman establecen un potente ritmo marcial, empujado por el trabajo de Burrell al piano en los bajos. Los vientos y la armónica lo utilizan como punto de partida, mientras Chicago Beauchamp suelta esporádicamente su poesía callejera. "Epitaph of a Small Winner" es una especie de suite de viajes, que comienza en Río de Janeiro con una melodía ligera y optimista. Casablanca es el siguiente tema, donde los procedimientos se vuelven un poco más suaves y misteriosos, y luego pasa a un retozo casi bluesero para la última parada en Chicago.

En la reedición, "Pitchin' Can" cierra el álbum con más música de conjunto sobre otro tema optimista basado en un simple ostinato. Esta música se vuelve intensa, pero la melodía está siempre en su núcleo: no se trata de una sesión de soplido libre. La sección rítmica mantiene las cosas bien asentadas, ayudada en gran medida por los maravillosos compases de Burrell, mientras que las trompas y la armónica toman las melodías y corren con ellas.

- ‘Pitchin Can’ es otro álbum del saxofonista de jazz Archie Shepp grabado en París, Francia, en 1969 y 1970 para el sello America.

Esta grabación en ese sello (que, según parece, nunca pagó a sus artistas) consta de sólo 2 temas, el primero "Uhuru (Dawn of Freedom)" es el más largo de los dos y se extiende por ambas caras. Este tema nunca se ha publicado en ninguna otra grabación. Es un tema ampliado de Shepp con Clifford Thornton, Lester Bowie, Alan Shorter, Bobby Few, Bob Reid, Muhammad Ali, Djibrill y Ostaine Blue Warner, grabado en otra sesión posterior. “Uhuru”, en particular, es un material de alta energía del tipo que Shepp tocaba a finales de los años 60: 3 baterías, incluyendo el maravillosamente llamado Ostaine Blue Warner, proporcionando un fondo para el abrasador tenor de Shepp. También contiene un buen trabajo de Thornton, Bowie y Alan Shorter.

La segunda, "Pitchin' Can", que también es el título de este álbum, también ha sido editada en el otro álbum ‘Black Gipsy’ (se añadió a su reedición). Es un tema, como hemos dicho, de Shepp con Clifford Thornton, Noah Howard, Julio Finn, Leroy Jenkins, Dave Burrell, Earl Freeman, Sunny Murray y Chicago Beau.

· Personnel:

Archie Shepp, soprano sax;

Clifford Thornton, trumpet;

Noah Howard, alto sax;

Julio Finn, harmonica;

Leroy Jenkins, viola;

Dave Burrell, piano;

Earl Freeman, bass;

Sonny Murray, drums;

Chicago (Beau) Beauchamp, vocal.

https://www.youtube.com/watch?v=IuPScc3QMZE

https://www.youtube.com/watch?v=ySrw-9ckb0w

 

8)

* Un día como hoy, en 1963, Andrew Hill graba ‘Black Fire’.

· Recorded on November 8 & 9, 1963 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.

‘Black Fire’ es un álbum de estudio del pianista y compositor de jazz estadounidense Andrew Hill, publicado por Blue Note Records. Fue el debut de Hill para el sello. El viernes 8 de noviembre de 1963, Andrew Hill entró en el estudio Van Gelder de Englewood Cliffs, en Nueva Jersey, para su primera sesión de grabación para Blue Note. Tras una segunda sesión en el estudio al día siguiente, salió con ‘Black Fire’. Esto marcó el comienzo de lo que sería la primera y más larga de las tres temporadas con el icónico sello de jazz neoyorquino.

Pero cualquiera que considerara a Hill, entonces un pianista/compositor de 32 años originario de Chicago, como un novato de la grabación estaba muy equivocado. De hecho, había grabado un par de singles para el pequeño sello Ping, en 1956, y ese mismo año grabó un álbum de trío olvidado (‘So In Love’) para Warwick, que consistía principalmente en estándares y no se publicó hasta 1960. Más significativamente, justo antes de su sesión de debut en Blue Note, trabajó en álbumes del multiinstrumentista Roland Kirk (antes de que éste prefijara su nombre con Rahsaan) y del vibrafonista Walt Dickerson. También cabe destacar que Miles Davis debía tener a Hill en alta estima, ya que contrató al pianista para que tocara en algunos de los conciertos de su banda en Chicago a mediados y finales de los años 50.

Aunque ‘Black Fire’ fue sólo su segunda grabación en solitario, se trata de una colección madura y completamente formada de material de autoría propia que revela que Hill ya había descubierto su propia voz distintiva en el jazz. Su enfoque sui generis de la melodía, la armonía, el ritmo y la estructura compositiva no tiene parangón, excepto, quizá, en la figura igualmente idiosincrásica de Thelonious Monk, también pianista y compositor que creó su propia forma personalizada de jazz.

No cabe duda de que Monk ejerció una gran influencia sobre Hill, especialmente en lo que respecta a las angulosas melodías cromáticas y los alegres ritmos de este último, pero, como revela ‘Black Fire’, el concepto de Hill era totalmente individual. De hecho, su visión del jazz era tan diferente de la mentalidad bop que predominaba en Blue Note que le resultaba difícil encontrar músicos afines en la misma longitud de onda. Esto provocó que muchas de sus sesiones posteriores para el sello (como ‘Dance With Death’ y ‘Passing Ships’) fueran archivadas hasta fechas posteriores.

Afortunadamente, en ‘Black Fire’, Hill no tiene este problema y lidera un cuarteto fino e intuitivo que parece estar totalmente en sintonía con él, así como con las demandas a veces exigentes de su material. El estimable Joe Henderson, famoso por su robusto y gruñido saxo tenor (y que, en 1963, acababa de publicar su LP de debut en Blue Note, ‘Page One’) es el único intérprete de viento presente, mientras que la sección rítmica está formada por el bajista Richard Davis, compañero de Hill en Chicago, y el célebre baterista Roy Haynes (que, a los 39 años, era el miembro de más edad del cuarteto). Este último aportó mucha experiencia y un estilo polirrítmico muy matizado que complementaría y mejoraría la música de Hill. Inicialmente, estaba previsto que el baterista Philly Joe Jones tocara en el álbum, pero fue sustituido por Roy Haynes por problemas de agenda.

Aunque se le considera en la vanguardia de la música de vanguardia, Andrew Hill no era ciertamente un apóstol del free jazz. De hecho, como revela ‘Black Fire’, una de sus características distintivas como compositor de jazz era su frecuente empleo de la forma y la estructura, aunque de forma poco ortodoxa. La música de Hill podía parecer oblicua y cerebral, pero en realidad rebosaba de pasión y estaba refrescantemente libre de clichés bebop. También era profundamente personal e indicativa de una mente musical muy original.

La música de Hill es bastante original, partiendo de una base de hard bop y adentrándose en territorios armónicos y rítmicos inexplorados. Sus composiciones y su técnica se arriesgan, a menudo suena inquieto, buscando sin descanso votaciones, ritmos y frases provocativas. ‘Black Fire’ toma prestado de la vanguardia, pero no forma parte de ella: las estructuras siguen siendo bastante similares al bop, y hay melodías distintas. Sin embargo, Hill y su banda no se conforman con las limitaciones del hard bop. Gran parte de la música se nutre de ritmos afrocubanos implícitos y armónicos modales, lo que resulta en una música continuamente desafiante y muy gratificante. Los complejos acordes de Hill son impresionantes, y los atrevidos solos de Henderson son más aventureros de lo que sus anteriores salidas del bop hubieran sugerido. Su pericia, junto con la ágil e imprevisible sección rítmica, contribuyen a hacer de ‘Black Fire’ un clásico del jazz moderno.

Las primeras notas que escuchamos en el álbum son las de Haynes, procedentes de sus ajetreados patrones de hi-hat y platillos en tándem con el elástico bajo de Davis. Juntos, anuncian los primeros compases de "Pumpkin", el primero de los siete temas originales de Hill en el álbum. La pieza cuenta con un tema principal nudoso pero memorable, enunciado por el saxo de Henderson, antes de que Hill tome el primer solo; su tumultuosa secuencia de notas personifica el singular estilo pianístico del compositor. Henderson, por su parte, navega por los complicados cambios con aplomo. El piano de Hill es más irregular en "Subterfuge", en la que el joven Joe Henderson, de 26 años, no participa. La canción se construye sobre ritmos ostinato palpitantes, que son producidos por Haynes y Davis, quienes se permiten participar en solitario. En contraste, el tema que da título al álbum, interpretado en un alegre compás de 3/4, vuelve a contar con Henderson y se distingue por un tema principal muy contagioso, similar al de Monk. "Cantaros" vuelve a ser diferente y se define por un ritmo casi latino, aunque está lejos de ser convencional: la influencia hispana está implícita más que declarada, y se refracta a través del prisma de la imaginación de Hill. "Tired Trade", por su parte, tiene un aire más de blues, aunque, de nuevo, no es del todo ortodoxo. Con Henderson abandonando una vez más, reduciendo el grupo a un trío, el piano itinerante de Hill es el principal foco de atención y nos permite echar un buen vistazo a su estilo de tocar ligeramente rebuscado. También hay pasajes en solitario de Davis y del siempre ingenioso Haynes. "McNeil Island", llamada así por un pequeño trozo de tierra en el Puget Sound de Washington, es una breve balada que revela el lado más meditativo de Hill, aunque la sensación de quietud que crea se disipa rápidamente con el corte de cierre de ‘Black Fire’, "Land Of Nod", que comienza de forma casi estridente gracias al animado soplido de Joe Henderson de la melodía principal sobre unos ritmos tambaleantes, casi destartalados. Sin embargo, en realidad es un tema definido por un sutil flujo y reflujo, entre pasajes ruidosos y otros más suaves y pensativos.

Mientras que ‘Point Of Departure’, grabado para Blue Note cuatro meses más tarde, está considerado con razón como la obra magna de Hill, ‘Black Fire’ no se queda muy atrás en cuanto a su calidad e importancia. Al igual que muchas otras sesiones de Hill para Blue Note de la misma época, ha envejecido muy bien. Más de cinco décadas después de su grabación, la música de ‘Black Fire’ sigue ardiendo con fuerza, fue una impresionante declaración de intenciones que conserva gran parte de su fuerza décadas después de su lanzamiento inicial.

Personnel:

Andrew Hill – piano

Joe Henderson – tenor saxophone

Richard Davis – bass

Roy Haynes – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=mSwhHSlOoBc

https://www.youtube.com/watch?v=FMdKD5GdCbU

https://www.youtube.com/watch?v=pvH1Qzb_UhU

 

6)

* Un día como hoy, en 1961, Charles Mingus grabó su curioso y notable álbum 'Oh Yeah!'.

· Recorded: November 6, 1961 at Atlantic Studios, New York City.

’Oh Yeah!. The Complete Sessions’, producción discográfica publicada originalmente por el sello discográfico Atlantic Records es un álbum del compositor y bajista Charles Mingus donde el instrumento elegido para ejecutar los siete temas compuestos por él que incluye, no es el bajo, para esta excepcional y única ocasión, Charles Mingus elige como instrumento el piano. Esta excepción nunca más volverá a darse en toda su carrera artística del músico, convirtiendo a este álbum en un disco original y de alguna manera irrepetible. Además, otra de las novedades a destacar es que además de tocar el piano también canta, cosa poco común en los músicos de jazz que tienden a inclinarse siempre por piezas instrumentales. En este compacto se incluyen las sesiones originales grabadas en la ciudad de New York el día 6 de noviembre de 1.961. Para esta grabación, Charles Mingus configuró un sexteto musical que contaba con la participación de los saxofonistas Rahsaan Roland Kirk y Booker Ervin, el bajista Doug Watkins, el batería Dannie Richmond y el trombonista Jimmy Knepper.

· Personnel:

Charles Mingus – piano and vocals

Rahsaan Roland Kirk – flute, siren, tenor saxophone, manzello, and stritch

Booker Ervin – tenor saxophone

Jimmy Knepper – trombone

Doug Watkins – bass

Dannie Richmond – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=KLrS9LDdHxY

 

4)

* Un día como hoy, en 1947, Charlie Parker con su ‘Original Quintet’, grabó temas recogidos en álbumes como ‘Charlie Parker On Dial Vol. 5’.

· Recorded at WOR Studios, 39th. St. and Broadway, New York City—Tuesday, November 4, 1947.

Grabados durante la etapa de Parker en Dial Records, entre el 28 de marzo de 1946 y el 17 de diciembre de 1947, estos casi 90 temas han sido publicados en múltiples ocasiones.

Editados por el sello inglés Spotlite Records, se reunían en un solo pack los álbumes recopilatorios en varios volúmenes que el sello había publicado en vinilo, bajo el título de serie ‘Charlie Parker on Dial’. Posteriormente, Jazz Classics reunió el trabajo de Parker con Dial y la publicó como ‘Complete Charlie Parker on Dial’. También se publicó más tarde por Stash Records como ‘Complete Dial Sessions’ y se reeditó otras más. Los productores recopilaron todas las tomas alternativas localizables y los fragmentos rechazados, así como ocho caras grabadas en privado en una fiesta en casa.

El cuarto volumen presenta a Parker en directo con su quinteto el 28 de octubre de 1947, con los músicos Davis a la trompeta, Duke Jordan al piano, Tommy Potter al bajo y Max Roach a la batería. El álbum incluye seis clásicos y 10 tomas alternativas, pero no "Klactoveesedstene" como se indicaba en alguna publicación.

El quinto volumen, procedente principalmente de una sesión del 4 de noviembre de 1947, presenta de nuevo a Parker con ese mismo quinteto. En este volumen se interpretan los temas "Bird Feathers", "Klact-Oveeseds-Tene", "Scrapple from the Apple", "My Old Flame" (as “Blue Lamp”), "Out of Nowhere" y "Don't Blame Me". Estas joyas de tres minutos de duración (incluidas cuatro tomas alternativas) cuentan con concisos solos de Bird, el trompetista Miles Davis y el pianista Duke Jordan, junto con los adecuados refuerzos del bajista Tommy Potter y el batería Max Roach. Este álbum se completa con "Moose the Mooche" en septeto en los Radio Recorders Studios de Santa Monica Blvd. de Hollywood el viernes 28 de marzo de 1946, "Dark Shadows" en cuarteto y con la voz de Earl Coleman en los C.P. MacGregor Studios en la Western Avenue esquina a Eighth Street de Hollywood el miércoles 19 de febrero de 1947 y "Hallelujah", de una sesión en New York City el miércoles 6 de junio de 1945 de 1945 que dirigió el vibrafonista Red Norvo con Diz y Bird como acompañantes en su sexteto.

· Personnel:

Miles Davis, trumpet;

Charlie Parker, alto sax;

Duke Jordan, piano;

Tommy Potter, bass;

Max Roach, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=TKqgnyEm0TM

https://www.youtube.com/watch?v=ZReVCJ59w3A

https://www.youtube.com/watch?v=HSeiIvBdAis

 

3)

* Un día como hoy, en 1957, Sonny Rollins, actuó en el Village Vanguard de NYC. Con dos tríos diferentes en sesiones de tarde y noche sus actuaciones quedaron recogidas en el estupendo álbum ‘A Night at the Village Vanguard’.

· Recorded: November 3, 1957 at Village Vanguard, New York City.

‘A Night at the Village Vanguard’ es un álbum en vivo del saxofonista tenor Sonny Rollins editado en Blue Note. Fue grabado en el Village Vanguard de Nueva York en noviembre de 1957 en tres sesiones, dos por la noche y uno por la tarde con acompañantes. Para la sesión de la tarde, Rollins tocó con Donald Bailey en el bajo y Pete (La Roca) Sims en la batería; por la noche fueron reemplazados respectivamente por Wilbur Ware y Elvin Jones.

Ubicado en la 7th Avenue, justo debajo de West 11th Street, en Greenwich Village de la ciudad de Nueva York, el Village Vanguard ha sido la sede del jazz en vivo desde la década de 1940. En el Vanguard se han realizado más de 90 grabaciones en directo que narran toda la historia del jazz.

‘A Night at the Village Vanguard‘ de Rollins fue la primera grabación en vivo que se hizo en el club y marcó el segundo álbum que presenta al saxofonista en un formato de trío sin piano.

En 1957, Sonny Rollins ya había estado en la escena del jazz de Nueva York durante varios años. Para cuando llegó noviembre de 1957, Rollins estaba listo para llevar su concepto de trío al Village Vanguard y grabar las actuaciones.

Esta es una música viril y atrevida interpretada con la arrogancia de la juventud y el genio. La desnudez del trío es justamente desalentadora. Pero, para los maestros de esta clase, el formato de trío ofrece esa dimensión adicional de creatividad: encontrar lo que es importante en la melodía y la armonía.

El tenor de Rollins siempre fue más grande que la vida de la manera más atractiva, a diferencia de Coltrane. Su tono era pleno, sexy, áspero y excitante esa noche de noviembre de 1957, al igual que su genio.

La crítica resaltó que Rollins no solo tenía un sonido muy distintivo, sino también su uso del tempo, su astuto ingenio y su estilo boppish, pero impredecible, eran completamente propios de él en 1957. Impresionante siempre, divertido de pasada, sus improvisaciones son para lo que está el jazz de vanguardia.

El álbum fue reconocido en "Hard Bop" como una de las 17 grabaciones esenciales de ese estilo.

· Personnel

Sonny Rollins — tenor saxophone

Wilbur Ware & Donald Bailey — double bass

Elvin Jones & Pete LaRoca — drums.

https://www.youtube.com/watch?v=fVAExD8WZDA

https://www.youtube.com/watch?v=_W9OG1PVOnc

 

* Y un día como hoy, en 1961, también en el Village Vanguard de NYC, otros temas no recogidos en su álbum en vivo citado ayer, John Coltrane los grabó para su posterior álbum ‘Impressions’.

· Recorded: November 3, 1961, live at Village Vanguard, New York City; and September 18, 1962 and April 29, 1963 at Studio Van Gelder, Englewood Cliffs,NJ.

‘Impressions’ es un álbum de grabaciones en directo y en estudio del músico de jazz John Coltrane, publicado por Impulse Records.

Las pistas 1 y 3 se grabaron en directo en el Village Vanguard el 3 de noviembre de 1961, durante la misma estancia que produjo el seminal álbum "Live" at the Village Vanguard, mientras que las pistas 2 y 4 se grabaron en el estudio Van Gelder, respectivamente el 18 de septiembre de 1962 y el 29 de abril de 1963. La pista 5, "Dear Old Stockholm", también grabada el 29 de abril de 1963, no apareció en el lanzamiento original, pero apareció en reediciones posteriores.

Los temas de estudio fueron interpretados por el cuarteto clásico de Coltrane (el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones), a los que se unen el saxofonista Eric Dolphy y el bajista Reggie Workman en los temas grabados en directo en el Village Vanguard. [Dolphy contribuye con un largo solo de clarinete bajo en "India", pero se retira en todos los acordes de "Impressions", excepto en el último, Workman sólo toca en "India", uniéndose a Garrison en la aproximación al sonido monótono de la música clásica india.

El baterista Roy Haynes sustituye a Elvin Jones en "After the Rain" y "Dear Old Stockholm". El tema que da título al disco contiene casi quince minutos de solos de Coltrane.

La música refleja la evolución del rango emocional y musical de Coltrane, donde explora la modalidad del jazz, la música de la India, el blues y una canción folclórica tradicional sueca. El eclecticismo es de esperar; el álbum equivale en última instancia a una compilación de tres años de rarezas.

El disco es de Coltrane, pero bien le suma Dolphy. Probablemente su aporte se haga más notorio en “India” por la presencia que impone el clarinete bajo. El tema comienza con la base de batería y bajo, el piano pone algunas pinceladas para dar la entrada de los vientos que cantan a coro el motivo, luego el saxo soprano toma la escena y es exhibido y exigido en toda su tesitura hasta que le da participación al clarinete bajo. Dolphy se cuelga de una pequeña frase y con ella recorre el instrumento sacando racimos de nuevas frases y estremecedores rugidos. En “Impressions” el grupo pierde un poco, no en calidad, sino que se vuelve más convencional por las voces que participan. Escuchar un quinteto con un saxo tenor y otro alto es más o menos habitual, uno con un saxo soprano y un clarinete bajo es mucho menos frecuente. Eric Dolphy también hace una breve aparición con el saxo alto, pero sólo en el último acorde de la canción. El tema en sí, de unos 15 minutos de duración, se centra en un solo épico de Coltrane y le ve explorar aún más las posibilidades de un enfoque modal de la creación musical, un camino que acabaría siguiendo hasta el final de su carrera.

La introducción con la sección rítmica a pleno bop y el tenor fraseando es ya convencional. Mención especial para Elvin Jones, que permanentemente está metiendo detalles con su batería que, sin oscurecer a quienes están haciendo solos, premia a los oídos atentos.

“Up ´Gainst the wall”, el segundo corte de este disco es un trío a la Rollins: saxo tenor, bajo y batería. El tema un mid-tempo donde el fraseo de Coltrane desnuda a todos los que luego lo imitaron más que haber sido influenciados por él. Aparecen los armónicos y ese sonido entre potente y desarmado característico de Coltrane.

“After the Rain” nos trae un trabajo maravilloso de McCoy Tyner, la balada en sí no agrega mucho, pero el tratamiento del piano sí. En su simpleza y buen gusto -porque no hay pirotecnia, ni virtuosismo caprichoso- está la belleza de este tema que quizá con muy poco levanta al disco al nivel que tiene en sus temas en vivo.

“Dear Old Stockholm” es un bonus track en el que aparece una modificación: Roy Haynes está en la batería.

Los primeros años de la década de los 60 fueron un periodo de transición para Coltrane, ya que se alejó del antiguo marco musical del bebop y se acercó a un nuevo futuro modal. El jazz modal se define simplemente como un enfoque de la composición que utiliza los modos musicales y la modulación entre esos modos en lugar de basarse en un centro tonal. Los sonidos bebop y hard bop de los años 50 que precedieron al jazz modal se basaban en la improvisación de los músicos sobre progresiones de acordes establecidas. Con el tiempo, esto se convirtió en una limitación para los músicos y los lugares a los que podían llevar sus solos. El jazz modal redujo el número de acordes en una pieza, pero en el proceso abrió las cosas melódica y armónicamente, lo que dio a los músicos una mayor libertad en cuanto a la improvisación.

Inspirado por su trabajo con Miles, así como por sus estudios con el gran pianista de jazz Thelonious Monk y el pionero del free jazz Ornette Coleman, Coltrane siguió explorando las posibilidades de un enfoque modal, un camino que siguió hasta su fallecimiento en 1967.

· Personnel:

John Coltrane – soprano and tenor saxophone

Eric Dolphy – bass clarinet & alto sax

McCoy Tyner – piano

Jimmy Garrison & Reggie Workman – double bass

Elvin Jones & Roy Haynes – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=gZ6LY8cbths

 

2)

* Un día como hoy, y mañana, en 1961, John Coltrane actuó en el Village Vanguard de NYC. las sesiones se recogieron, entre otros, en el álbum 'Coltrane "Live" at the Village Vanguard'.

· Recorded at The Village Vanguard, NYC, November 2 and 3, 1961

Es estupendo que podamos disfrutar de este concierto grabado el 2 y el 3 de noviembre de 1961 en el club neoyorquino Village Vanguard, el mismo que ha acogido durante décadas las grabaciones de algunos de los más destacados músicos de la historia del jazz.

Aquellos que frecuentaban habitualmente el club durante los 60 escucharon conciertos inolvidables, como los que ofreció en días consecutivos John Coltrane acompañado por cuatro grandes jazzmen: Eric Dolphy, McCoy Tyner, Reggie Workman y Elvin Jones.

‘Live At The Village Vanguard’ es su segunda grabación para Impulse y supone un paso más en su evolución hacia el innovador jazz que iba a desarrollar pocos años después. De hecho, algunos de los temas grabados durante los dos conciertos figuraron en otros LP’s, que posiblemente marcaron el comienzo de su etapa espiritual.

En el álbum escuchamos como pieza inicial el corte de explícito título “Spiritual”, una pieza impregnada de espiritualismo, Trane con el soprano y Dolphy con el clarinete bajo, en su única intervención. Le sigue un convencional “Softly as in am morning sunrise”, un buen tema de bebop algo anacrónico en este álbum. Finalmente, este concierto concluye con “Chasin’ the trane”, recordado por el asombroso solo de John Coltrane con el saxo tenor y sin el piano de Tyner.

· Personnel:

John Coltrane — soprano saxophone & tenor saxophone

Eric Dolphy — bass clarinet

McCoy Tyner — piano

Reggie Workman & Jimmy Garrison — bass

Elvin Jones — drums.

https://www.youtube.com/watch?v=aa6gNwpt5sY

 

1)

* Un día como hoy, en 1959, Charles Mingus comienza la grabación de su álbum ‘Mingus Dynasty’, con su ‘Charles Mingus And His Jazz Group’.

· Recorded- November 1 & 13, 1959, at CBS 30th Street Studio, New York City.

‘Mingus Dynasty’ es un álbum de jazz de Charles Mingus, grabado en 1959 y publicado por Columbia Records. Es un álbum que acompañaba a su disco de 1959, ‘Mingus Ah Um’ y ha sido incluido en el Salón de la Fama. El título alude a la ascendencia de Mingus, que era parcialmente china. Contiene el famoso "If Charlie Parker Were a Gunslinger, There'd Be a Whole Lot of Dead Copycats" (Si Charlie Parker fuera un pistolero, habría un montón de imitadores muertos).

‘Mingus Ah Um’ había catapultado a Charles Mingus de ser una figura semienterrada muy discutida a ser un líder del jazz moderno casi universalmente aceptado y aclamado. Tal vez por eso su continuación en Columbia, ‘Mingus Dynasty’, a menudo se pasa por alto en su canon porque se pierde en la sombra de su legendario predecesor, tanto por el logro de ese álbum como por el hecho de que está justo por debajo del escalón más alto de la obra de Mingus. No obstante, ‘Mingus Dynasty’ sigue siendo un álbum excelente. De hecho, es un testimonio de lo alto que estaba trabajando Mingus que un álbum de este calibre podría haberse perdido en la confusión. Hay una calidad de banda sonora en gran parte de la música aquí, y de hecho la mayoría de los originales de Mingus fueron compuestos para partituras de cine y televisión y un grupo ampliado de nueve a diez piezas en la reedición. En algunas piezas, Mingus refina y reelabora un territorio que ya había tocado anteriormente. "Slop", por ejemplo, es otra pieza con influencias gospel, compuesta para una producción televisiva que pedía una pieza similar a "Better Get It in Your Soul". La feroz "Gunsling Bird" sigue un patrón similar y es la misma pieza cuyo título completo ya reseñado es "If Charlie Parker Were a Gunslinger, There'd Be a Whole Lot of Dead Copycats" que aparece en otra parte. Hay un par de números del cancionero de Ellington que cuentan con violonchelos, "Things Ain't What They Used to Be" y una fantástica "Mood Indigo" de ocho minutos y un par de piezas que se basan en el enfoque aún más estrechamente orquestado de los días de Mingus antes del ‘Pithecanthropus Erectus’ , "Far Wells, Mill Valley" y la atonal pero sorprendentemente tierna y melódica "Diane".

· Personnel:

Charles Mingus – bass

John Handy – alto sax

Booker Ervin & Benny Golson – tenor sax

Jerome Richardson – baritone sax & flute

Richard Williams & Don Ellis – trumpet

Jimmy Knepper – trombone

Roland Hanna & Nico Bunink – piano

Dannie Richmond – drums

Theodore Charles Cohen aka ‘Teddy Charles’ – vibes

Maurice Brown & Seymour Barab – cello

Honey (Honi) Gordon – vocals

https://www.youtube.com/watch?v=39Mc13sYKbw