Jazz julio 2023

Julio 2023 Jazz.

29)

* Un dia como hoy, en 1976, Woody Shaw grabó su álbum ‘Little Red's Fantasy’.

- Recorded on June 29, 1976, at Blue Rock Studios, New York City.

‘Little Red's Fantasy’ es un álbum liderado por el trompetista Woody Shaw que fue grabado en 1976 y publicado en el sello Muse. Fue reeditado por Mosaic Records como parte de ‘Woody Shaw: The Complete Muse Sessions’.

Woody Shaw fue uno de los grandes trompetistas de los años setenta. Aunque su sonido estaba influido por Freddie Hubbard, las improvisaciones más avanzadas de Shaw sobre sus originales modales eran bastante originales y fogosas. Este álbum contiene tres de sus composiciones (incluida "In Case You Haven't Heard") y una canción, cada uno, del pianista Ronnie Mathews y el bajista Stafford James. El contralto Frank Strozier y el batería Eddie Moore completan el quinteto.

En 1976, cuando se grabó este disco, Shaw codirigía un quinteto que incluía a Junior Cook, pero para este proyecto incorporó al raramente escuchado contralto Frank Strozier. Es interesante comparar el trabajo de Strozier aquí con su interpretación con Booker Little en 1960. Su tono algo estridente y su tendencia a forzar las cosas en la primera cita dieron paso a un estilo maduro más relajado que le convirtió en un excelente compañero para Shaw. Ambos tienen una gran facilidad y tono y ambos construyen bien los solos. Es posible que el empeño de Shaw en utilizar el tipo de progresiones denominadas "modales" (en realidad no lo son, por supuesto) le hizo un flaco favor. Pero la trompeta emocionalmente directa y poderosa de Woody exprime de alguna manera las notas y a algunas las deja colgar con un vibrato melancólico, anda en un camino establecido que no anticipas lo que viene a continuación, o a la vuelta de la esquina, siempre el sonido de la sorpresa te lleva con él.

Las exploraciones armónicas también dieron otros frutos interesantes. Y escuchando esta música por lo que es y no por lo que no es, la escritura de Shaw dentro de los límites elegidos es notablemente eficaz, la banda se balancea, y ese hermoso sonido de trompeta es una gran ventaja, como siempre. La ardiente voz de trompeta de Shaw, el enérgico tenor de Strozier y el alegre piano de Mathews en una gran formación con composiciones de primera clase.

Un desacierto podría ser el uso en el bajo de Stafford James de una pastilla de "guitarra" en el cuerpo del bajo acústico en lugar de un micrófono externo. Buscaba imitar el bajo eléctrico Fender - cada vez más común en uso, - sin realmente cambiar de instrumento. Aparece en varias grabaciones de Shaw de esta época y coloca el bajo en un registro demasiado alto, sin profundidad ni resonancia.

No obstante. los variados originales proporcionaron a los músicos una base sólida para sus solos espontáneos y desenfrenados, lo que hace de ésta una de las mejores grabaciones de Woody Shaw.

El tema “Little Red's Fantasy” está dedicada a Maxine Gregg, esposa y mánager de Woody, que al parecer era pelirroja.

- Personnel:

Woody Shaw – trumpet

Frank Strozier - alto saxophone

Ronnie Mathews – piano

Stafford James – bass

Eddie Moore – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=sEnysrlv6tc

 

28)

* Un día como hoy, en 1955, Elmo Jones grabó en trío su álbum ‘Meditations’.

- Recorded on July 28, 1955, at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ.

‘Meditations’ (también publicado como ‘Elmo Hope Memorial Album’) es un álbum del pianista de jazz estadounidense Elmo Hope grabado en 1955 para el sello Prestige.

Ese año también grabó este álbum, segundo disco a su nombre, primero de los que registraría para Prestige y una verdadera obra mayor. Acompañado por John Ore y Willie Jones, Hope crea un prodigio de swing y delicadeza, tanto en los standards ("Falling In Love With Love" o "All the Things You Are") como en los temas propios, más que originales, la mayoría de los ellos se basan en los cambios de acordes de canciones anteriores.

Aunque Elmo Hope fue uno de los compositores de jazz más interesantes de la década de 1950, el énfasis de su conjunto de trío con estos músicos recae en el toque al piano de Hope. Influenciado en gran medida por Bud Powell (su contemporáneo), la distancia respecto de esa referencia se hace más acusada (“Lucky Strike”), su pianismo, que sigue profundamente enraizado en el bop, recuerda si acaso a un Monk más transparente, la riqueza de sus armonías y la cualidad contemplativa de sus baladas, para emplear conceptos de la crítics, se afianzan como una seña de identidad intransferible.

- Personnel:

Elmo Hope: Piano.

John Ore: Bass.

Willie Jones: Drums.

https://www.youtube.com/watch?v=IpUXk5Ngo4E

 

25)

*Un día como hoy, en 1970, Albert Ayler actuó en Francia con un cuarteto sin piano, y su actuación fue grabada en el álbum ‘Live on the Riviera’.

- Recorded on July 25 1970, at the Maeght Foundation in St. Paul de Vence, France.

‘Live on the Riviera’ es un álbum en directo del saxofonista de jazz estadounidense Albert Ayler grabado el 25 de julio de 1970 en la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, Francia, y publicado originalmente en el sello ESP-Disk. El álbum, documenta una de las últimas actuaciones conocidas de Ayler antes de su muerte en noviembre de ese año.

Si bien los conciertos que celebró Ayler en la Fondation Maeght (el 25 y también el 27 de julio) no fueron los últimos de su vida, sí que probablemente fueron los más importantes de ese año, ya que meses más tarde, su cuerpo fue encontrado sin vida, ahogado de forma misteriosa en el East River neoyorquino.

Este concierto de Ayler estaba inédito cuando el sello ESP lo publicó. Realizado unos días antes de las últimas grabaciones de Ayler, presenta al innovador vanguardista retozando con el bajista Steve Tintweiss y el batería Allen Blairman en un cuarteto aumentado por la cantante Mary Maria (Mary Parks), que también toca como soprano en un número. El propio Ayler está en excelente forma, sobre todo en la juguetona "Birth of Mirth" y en su tema principal, "Ghosts". El bajista Steve Tintweiss y el batería Allen Blairman trabajan bien con Ayler, lo que hace lamentar que este grupo no durara más y grabara un set completo como trío.

En 1970, la situación de Ayler era cada vez más difícil. Sus últimos discos habían recibido críticas negativas, por lo que Impulse le dio de baja de la discográfica, lo que le ocasionó dificultades económicas. La oportunidad de actuar en Francia brindó a Ayler la oportunidad de alejarse y volver a visitar el país en el que había tocado mientras estaba en el ejército y en el que había desarrollado un aprecio por la música marcial. Mientras viajaba a Francia con el combo, el pianista Call Cobbs fue retenido en la aduana, lo que le hizo llegar tarde y perderse el primer concierto. La primera actuación del grupo dio como resultado el material que se publicaría en ‘Live on the Riviera’. Cobbs llegó a tiempo para el concierto del 27 de julio, cuya grabación se publicó en 1971 como ‘Nuits de la Fondation Maeght’.

El 28 de julio, Ayler tocó para un grupo de fans invitados en La Colle-sur-Loup (Village Vacances Tourisme, Saint-Paul-De-Vence). Las grabaciones de cuatro piezas interpretadas ese día se publicaron en ‘Holy Ghost: Rare & Unissued Recordings’. live in, France, July 28, 1970

Tras el éxito de los conciertos de la Fundación Maeght, Caux empezó a planear otro concierto con Ayler, que tendría lugar a principios de 1971, seguido de una gira, que nunca se llevó a cabo, por la muerte de Ayler a los 34 años.

- Personnel:

Albert Ayler (tenor saxophone, soprano saxophone, vocals)

Mary Maria (vocals, soprano saxophone)

Steve Tintweiss (bass)

Allen Blairman (drums).

https://www.youtube.com/watch?v=VLlZkQeZnbs

 

22)

* Un día como hoy, en 1966, John Coltrane y su quinteto, que actuaban en Japón en distintas sesiones durante el mes, grabaron el concierto como parte de su álbum ‘Live in Japan’.

- Recorded on July 11, 1966 at Sankei Hall and July 22, 1966 at Shinjuku Kosei Nenkin Hall

(El quinteto de Coltrane tocó en el Sankei Hall los días 10 y 11 de julio, y en el Shinjuku Kosei Nenkin Hall los días 18, 19 y 22 de julio de 1966, no como incorrectamente figuraba en los discos al revés).

‘Live in Japan’ es un álbum en directo del saxofonista estadounidense John Coltrane, grabado para su emisión radiofónica durante su única gira japonesa en julio de 1966 en dos salas de Tokio, Sankei Hall y Shinjuku Kosei Nenkin Hall. Las grabaciones presentan a su último grupo, un quinteto formado por Coltrane, su esposa/pianista Alice, el saxofonista/clarinetista bajo Pharoah Sanders, el bajista Jimmy Garrison y el batería Rashied Ali.

Las grabaciones se publicaron originalmente por Impulse, en el álbum ‘Concert In Japan’. La edición japonesa se tituló ‘Coltrane In Japan’ posterior mente se publicó en Japón un segundo volumen ‘Second Night In Tokyo’. MCA Records también publicó versiones con los títulos ‘Coltrane In Tokyo Vol. 1’ y ‘Coltrane In Tokyo Vol. 2’. Finalmente, Impulse publicó más recientemente ‘Live In Japan Vol. 1’ y ‘Live In Japan Vol. 2’.

A estas alturas de su carrera, Coltrane estaba firmemente inmerso en el estilo vanguardista del jazz. Sanders, que fue un innovador del free jazz, influyó en la forma de tocar de Coltrane a través de su uso técnico del overblowing (sobresoplado) y las vibraciones feroces del instrumento. Ambos saxofonistas utilizan multifónicos, sobretonos y otras técnicas musicales extendidas. Estas grabaciones son algunas de las improvisaciones libres más largas y densas de la última etapa de la carrera de Coltrane, con algunas interpretaciones de temas sueltos de casi una hora de duración.

Trane despliega una técnica que nunca había sido tan asombrosa, con rápidas interrogaciones de la armonía y dinámicas extremas, desde leves susurros hasta tramos en los que mete tanta fuerza en el saxo que suena como si fuera a estallar.

La gran sorpresa para los fans de Coltrane es que toca el saxo alto (en lugar de su habitual tenor o soprano) en su tema característico, “My Favorite Things”.

Durante su estancia en Japón, Coltrane empezó a sufrir dolores de cabeza que presagiaban los problemas de salud que le llevarían a la muerte en 1967.

- Personnel:

John Coltrane - soprano, alto and tenor saxophones, percussion

Alice Coltrane – piano

Pharoah Sanders - alto and tenor saxophones, bass clarinet, percussion

Jimmy Garrison - bass

Rashied Ali – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=T30_63NqXQ8

https://www.youtube.com/watch?v=VAHtV0G7iCM

 

* Y un día como hoy, en 1970, el Art Ensemble Of Chicago grabó su álbum ‘Les Stances a Sophie’

- Recorded in the studios of Pathe Marconi in Boulogne on July 22, 1970.

Con motivo del 50 aniversario del legendario Art Ensemble of Chicago, Soul Jazz Records publica una nueva edición totalmente remasterizada del álbum seminal del grupo "Les Stances a Sophie" (1970), que incluye a la gran cantante Fontella Bass en el tema de apertura "Theme de Yoyo", una impresionante obra de 9 minutos que sigue sorprendiendo y cautivando al público de hoy en día. “Theme de Yoyo", que se inspira en los antecedentes soul y funk de Bass y su entonces marido Lester Bowie, con toda la fuerza de la música colectiva del Art Ensemble de Chicago, es una fusión clásica de estilos de música negra, poderosamente funky, conmovedora y libre al mismo tiempo. The Art Ensemble exploró muchas áreas de la música negra popular durante su carrera. Sin embargo, éste sigue siendo un momento cumbre en su exploración de la música negra de baile.

 

https://en.wikipedia.org/wiki/Les_Stances_a_Sophie

 

https://www.youtube.com/watch?v=emqeT33d7-g

 

20)

* Un día como hoy, y mañana, en 1973 Jackie McLean con Dexter Gordon actuaron en Copenhage, dando lugar a dos álbumes, ‘The Meeting’ y ‘The Source’.

- Recorded onJuly 20 & 21, 1973, at Jazzhus Montmartre in Copenhagen, Denmark.

Esta reunión cumbre de dos grandes del jazz estadounidense de posguerra atrajo una enorme atención y elogios de los aficionados al jazz de todo el mundo cuando se publicó. Jackie McLean (1931 - 2006) y Dexter Gordon (1923 - 1990), que se encontraban en la cima de su aptitud creativa, unieron sus fuerzas para emocionar a los abarrotados fans del Jazzhus Montmartre de Copenhague en el verano de 1973.

‘The Meeting’ es un álbum en directo del saxofonista estadounidense Jackie McLean con Dexter Gordon grabado y publicado en el sello SteepleChase.

‘The Source’ es el otro álbum en directo de McLean con Gordon, grabado y publicado por el mismo sello.

El saxofonista alto McLean se reunió con su ídolo, el veterano tenor Gordon para unas cuantas actuaciones en clubes. El resultado es un par de álbumes duros, aunque algo tímidos. La pareja de saxofonistas (junto con el pianista Kenny Drew, el bajista Niels Pedersen y el batería Alex Riel) ofrecen en ‘The Meeting’, cuatro piezas ("On the Trail" y tres oscuros originales) en largas interpretaciones, con "All Clean" de Dexter, de más de 17 minutos de duración.

A diferencia del anterior, que se centraba en material menos conocido, ‘The Source’ presenta a los saxofonistas en tres estándares de jazz ("Half Nelson" de Miles Davis, "I Can't Get Started" y "Another Hair-Do" de Charlie Parker) además de revivir la composición de Dexter Gordon de 1947 "Dexter Digs In". La música es algo prolija, pero se recomienda a los aficionados al jazz directo. La música no llega a ser clásica, pero es bastante animada para los fans de ambos.

- Personnel:

Jackie McLean – alto saxophone

Dexter Gordon – tenor saxophone

Kenny Drew – piano

Niels-Henning Ørsted Pedersen – bass

Alex Riel – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=kCYvVrJntto

 

17)

* Un día como hoy, y siguientes, en 1990, Pharoah Sanders comenzó sus grabaciones en Francia recogidas en el álbum ‘Welcome to Love’.

- Recorded at Studio Gimmick, Yerres, France, on 17, 18 and 19 July 1990.

‘Welcome to Love’ (subtitulado ‘Pharoah Sanders Plays Beautiful Ballads’) es un álbum del saxofonista Pharoah Sanders grabado en 1990 y publicado por primera vez en el sello holandés Timeless. El álbum incluye estándares de jazz, muchos de los cuales también fueron grabados por John Coltrane.

Cuando se publicó por primera vez, los sonidos lentos y directos de Pharoah Sanders en una serie de baladas, en su mayoría famosas, sorprendieron un poco a algunos. Otros consideraron que Sanders seguía el camino de su mentor, que había grabado él mismo la mayoría de estas melodías. En retrospectiva, el toque interior de Sanders es menos sorprendente, ya que el saxofonista ha seguido ese camino con regularidad desde al menos los años ochenta. Esta interpretación ha aguantado bien el paso de los años, y aunque el enfoque tenue y reservado recuerda a Trane, sigue estando marcado con la huella de Pharoah. La competente y profesional sección rítmica formada por el pianista William Henderson, el bajista Stafford James y el estupendo batería Eccleston W. Wainwright sigue una línea decididamente reservada del saxofonista, pero cada canción está impregnada de una sutil cualidad emocional que simplemente no cesa.

La interpretación es sumamente madura y muestra una profunda comprensión y apreciación del material. A primera vista, y en comparación con sus primeros discos, podría parecer que Sanders se ha atrincherado en una especie de ensueño conservador y nostálgico de una época pasada, pero una escucha más profunda revela la belleza y la melodía de la música que hacen todos los que participan en ella.

 - Personnel:

Pharoah Sanders - tenor saxophone, soprano saxophone

William Henderson – piano

Stafford James – bass

Eccleston W. Wainwright Jr. – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=yPfaCI8cgkY

 

16)

* Un día como hoy, en 1961, Eric Dolphy y Booker Little, grabaron en vivo su seminal álbum ‘At the Five Spot’.

Recorded live: 16 July 1961 at the Five Spot Cafe, NYC.

En ‘At the Five Spot’, volúmenes uno y dos, se acredita, como documento musical histórico, la actuación legendaria de una noche (16 de julio de 1961) del final de la estancia de dos semanas de Eric Dolphy y Booker Little en el club de jazz Five Spot de Nueva York. Después se editó otro volumen ‘Memorial Album’, que contenía "Number Eight (Potsa Lotsa)" y "Booker's Waltz", también grabados en la misma sesión.

Esa fue la única noche en vivo que se grabó, grabación que resultó ser de antología. Dolphy y Little fueron respaldados por una sección rítmica compuesta por el pianista Mal Waldron, el bajista Richard Davis y el baterista Ed Blackwell.

Después de haber dejado el conjunto de Charles Mingus y de trabajar con John Coltrane, Dolphy formó un efímero pero potente quinteto con el trompetista Little. A pesar de todos los obstáculos este quinteto se convirtió en leyenda a lo largo de los años y se desarrolló como un modelo a seguir para todos los combos de jazz progresivo por venir. El poder combinado de Dolphy y Little, explorando abiertamente, pero en retrospectiva, la no excesiva disonancia y atonalidad, los convirtió en un blanco para los críticos, aunque resultaron admirados entre la floreciente escena del post-bop progresivo. Con los siempre impresionantes matices del pianista y compositor Waldron, el clásico y atrevido bajo de Davis y la colorida batería del alquimista Blackwell, no había forma de detener a este grupo.

Se ha convertido en legendario, no solo por su alta calidad musical, sino también por el hecho de que ambos talentosos vientos murieron a una corta edad poco después. Booker Little falleció el 5 de octubre de 1961, a la edad de 23 años, y Dolphy el 29 de junio de 1964, a la edad de 36.

Los tres volúmenes se reeditaron, sin tomas alternativas, bajo el título ‘The Great Concert of Eric Dolphy’. Otros dos temas, "Status Seeking" de Mal Waldron y la interpretación en solitario de Dolphy de "God Bless The Child" de Billie Holiday, se publicaron en el recopilatorio de Dolphy ‘Here and There’.

De los temas, "Fire Waltz" demuestra a la perfección cómo la hoguera arde desde el interior del alma de estos cinco brillantes provocadores, mientras el agrio contralto de Dolphy y la adusta trompeta de Little rubrican su nuevo rollo. El solo de Dolphy es positivamente furioso, mientras Blackwell cambia ágilmente de sonidos dentro del constante compás de 3/4. "Bee Vamp" no zumba tanto como ruge en un tono hard bop. Una pesada línea en tándem se rompe y se separa en las partes de vientos como cohetes de refuerzo. Blackwell es aún más asombroso, y el clarinete bajo de Dolphy establece estándares que todavía influyen en los intérpretes del instrumento. La composición de Dolphy “The Prophet” es un homenaje al artista Richard Jennings, que había diseñado las portadas de los primeros álbumes de Dolphy. "The Prophet" es un blues picado, también es abierto armado con fraseos menores y armónicos estirados. Aquí es donde Waldron y Davis brillan en sus fachadas de terracota de acompañamientos toscamente labrados a las declaraciones de sabor audaz de Dolphy y Little. Una toma alternativa más corta de "Bee Vamp" está disponible, dos minutos y medio más corta y con una melodía introductoria recortada. La mayoría aclama estos álbumes, como música que cambió el mundo del jazz tanto como las innovadoras excursiones de Ornette Coleman y John Coltrane de la misma época. Todos los oyentes avanzados y exigentes deben poseer estos temas.

Personnel:

Eric Dolphy — alto saxophone, bass clarinet and flute

Booker Little — trumpet

Mal Waldron — piano

Richard Davis — double bass

Ed Blackwell — drums.

https://www.youtube.com/watch?v=8hOjnc9b4Aw

 

15)

* Un día como hoy, en 1963, se produjo un acontecimiento extraordinario, Sonny Rollins comenzó la grabación con Coleman Hawkins del álbum ‘Sonny Meets Hawk!’.

Recorded: July 15 & 18, 1963, at RCA Victor’s Studio B, New York City.

‘Sonny Meets Hawk!’ es un álbum de 1963 del saxofonista de jazz Sonny Rollins, con Coleman Hawkins como artista invitado. Fue grabado en el RCA Victor Studio "B" en la ciudad de Nueva York el 15 y 18 de julio de 1963. El álbum presenta algunas de las interpretaciones más vanguardistas de Rollins.

El álbum marca la primera vez que los dos saxofonistas entraron juntos en un estudio de grabación, aunque habían aparecido juntos brevemente en un escenario ese mismo año en el Festival de Jazz de Newport. Es una reunión memorable de un par de gigantes geniales - Sonny Rollins, quien ha sido llamado una y otra vez el jefe del saxo tenor moderno y Coleman Hawkins, quien es el padre del saxo de jazz. Cada uno ha hecho enormes contribuciones a la improvisación del jazz, más allá de los límites de su instrumento. La suma total de su trabajo forma la impresionante base de este álbum único en la vida.

Es difícil pensar en un disco de Rollins que dividiera la opinión tanto como esta reunión con Coleman Hawkins. Algunos consideraban que sus interpretaciones juguetonas de las ideas de Hawk equivalían a un ataque edípico, mientras que otros lo clasificaban con su mejor interpretación. Tampoco se dieron cuenta de que Hawkins respondió al desafío con algunos de sus mejores y más trascendentales trabajos tardíos.

A lo largo de una carrera de más de 40 años, Coleman Hawkins mantuvo constantemente una actitud progresista, operando en o cerca de la vanguardia del desarrollo del jazz. Como cuando este año grabó el álbum con Sonny Rollins en compañía del pianista Paul Bley, los bajistas Bob Cranshaw (en la 1ª sesión) y Henry Grimes (en la 2ª) y el baterista Roy McCurdy. Hawkins y Rollins definieron virtualmente cada uno el saxo tenor para su respectiva generación. Escucharlos a ambos interactuar libremente es una experiencia deliciosamente excitante. Hawkins es capaz de soltarse como nunca antes. A veces los dos chocan, tocando los vientos y luchando felizmente sin detenerse. Compruébese cómo Hawk interactúa con el chirrido agudo de Rollins durante el último minuto de "Lover Man".

En ‘Sonny Meets Hawk!’, posiblemente más que en cualquier otro lugar de su larga evolución profesional, Hawkins fue capaz de alcanzar alturas de creatividad sin límites que debieron sentirse vigorizantes, incluso estimulantes. Obviamente disfrutó de la oportunidad de improvisar intuitivamente en compañía de un saxofonista tenor tan hábil, ingenioso e inventivo como él.

Personnel:

Sonny Rollins - Tenor Sax

Coleman Hawkins - Tenor Sax

Paul Bley - Piano

Roy McCurdy - Drums

Bob Cranshaw & Henry Grimes - Bass.

https://www.youtube.com/watch?v=bOPjzQg4FuM

 

14)

* Un día como hoy, en 1964, Miles Davis tuvo, en quinteto, una actuación memorable en Tokio, que quedó recogida en su álbum ‘Miles in Tokyo’.

Recorded live: July 14, 1964, at Kōsei Nenkin Kaikan (Tokyo Hall), Shinjuku, Tokyo, Japan.

Grabado en Tokyo por CBS, se descubre al icónico Miles Davis actuando con su casi segundo gran quinteto. La joven sección rítmica del mismo, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al contrabajo y Tony Williams a la batería, soñaba con un saxofonista más ávido de unirse a ellos en su audacia y Williams recomendó a Eric Dolphy. Miles encontró la interpretación de este joven músico de vanguardia descuidada y carente de elegancia. Se dejó convencer entonces por el batería Williams para contratar al también bostoniano Sam Rivers, cuyos gustos musicales eran todavía ambiguos. Aunque era tres años mayor que Miles, Rivers todavía tenía el grueso de su obra por hacer. Rivers había crecido con el bop, pero mostraba una inclinación por el free jazz, que nunca abandonó. Así, el tenorísta Sam Rivers, un experimentalista más experto y atrevido que su predecesor, George Coleman, se unió al grupo.

En su compañía, Miles visitó Japón por primera vez y mostró un respeto especial por el público japonés, por el que renunció temporalmente a su costumbre de abandonar el escenario durante los solos de otros músicos. Algunos incluso vieron en esta deferencia una explicación para la moderación de la toma de riesgos del quinteto. Las observaciones que Sam Rivers hizo sobre la naturaleza bebop del grupo -aunque él mismo parecía relativamente convencional- corroboraron la hipótesis de una falta de entendimiento entre dos vanguardias, cada una indiferente a la otra y cada una con una perspectiva diferente (el estilo bop tradicional fresco y moderado de Davis contrastaba con el vanguardismo salvaje pero controlado de Rivers). Davis y Rivers nunca desarrollaron una química importante entre ellos durante el viaje y su enfrentamiento, sin embargo, no es menos apasionante.

Hay momentos en esta grabación en los que uno podría entender por qué Davis y Rivers nunca se entendieron y momentos en los que la asociación es bastante maravillosa, aunque breve. En “If I Were a Bell”, por ejemplo, después de una declaración lúcida y melódica de Davis, Rivers se descentró a propósito en su solo. Lo hace con suficiente fuerza para que sus movimientos no sean ni sutiles ni matizados, sino notables. “So What” se toma a un ritmo más rápido que la versión seminal de ‘Kind of Blue’ con, de nuevo, Davis y Rivers variando sus enfoques melódicos.

Rivers sería finalmente despedido del grupo al final de su viaje y meses después de este concierto, en septiembre del 64, la versión definitiva del segundo gran quinteto, con Wayne Shorter en el tenor, finalmente tomó forma.

La asociación de Davis y Rivers puede haber sido efímera, pero produjo el magnífico álbum en vivo ‘Miles In Tokyo’. El disco es una rara joya en la discografía de Davis, con versiones en vivo de standards y de su tema estrella. El casi segundo gran quinteto que se escucha en este álbum es una clara gema y, no obstante, vale mucho la pena.

Personnel:

Miles Davis – Trumpet

Sam Rivers – Tenor saxophone

Herbie Hancock – Piano

Ron Carter – Double Bass

Tony Williams – Drums.

https://www.youtube.com/watch?v=0ex9jr7cRZ8

 

13)

* Un día como hoy, en 1960, Charles Mingus con su quinteto, y la colaboración en un tema de Bud Powell, actuaron en el festival de Antibes.

- Recorded "live" by Barclay Studios for Atlantic Records at the Antibes Jazz Festival, Juan-les-Pins, France, July 13, 1960.

‘Mingus at Antibes’ fue publicado originalmente por BYG Records con el título ‘Charles Mingus Live With Eric Dolphy in Japan en 1974’. Fue grabado en una actuación en directo en 1960 en el festival de Jazz en Juan-les-Pins, en Francia, por el bajista de jazz y compositor Charles Mingus y fue reeditado por Atlantic Records de forma más completa como álbum doble con el título ‘Mingus In Antibes’ en Estados Unidos en 1979.

El álbum recoge una actuación en el festival y cuenta con algunos de los músicos habituales de Mingus por aquel entonces en un quinteto generalmente sin piano, aunque a la banda se une Bud Powell de invitado especial en el standard "I'll Remember April" y el propio Mingus toca el piano en "Wednesday Night Prayer Meeting" y "Better Git Hit in Your Soul".

1960 presenta a Mingus en un punto de plena efervescencia creativa dentro de su carrera. No hay más que echar un vistazo a su discografía para ver que grabó cuatro piedras angulares en estudio en esa época. No debiera resultar por tanto extraño que dicha efervescencia se reflejase en esta grabación en directo, especialmente dada la magnífica compenetración que se observa entre el conjunto de todos los músicos a lo largo de todo el concierto, especialmente Eric Dolphy, que en determinados momentos suena cual profeta adelantado a lo que iba a acontecer en el devenir del jazz en los siguientes años.

Ese año Mingus dirigió una de sus mejores bandas, un cuarteto sin piano con Dolphy (contralto, flauta y clarinete bajo), el trompetista Ted Curson y el batería Dannie Richmond. Para este concierto en directo, la banda cuenta con el gran tenor Booker Ervin para una música conmovedora. Toda la música es memorable: "Wednesday Night Prayer Meeting", "Prayer for Passive Resistance", "What Love?", "Folk Forms No. 1" y "Better Get Hit in Yo' Soul".

El Charles Mingus Quintet estaba temporalmente fuera del país. Los habían contratado para tocar en un festival de jazz al aire libre en el sur de Francia. Para el público europeo, era la primera vez que conocían a un grupo plenamente arraigado en el movimiento vanguardista. Era una aventura arriesgada.  La música de Mingus era más visceral que la de Davis y Coltrane, y los miembros del grupo de Mingus – Curson, Dolphy, Ervin y Richmond- mezclaban las emociones de la música de raíces con la fuerza del free jazz. La música resultante fue electrizante y, aunque la actuación de Antibes se grabó y filmó, no se publicó íntegramente hasta después de la muerte de Mingus.

El concierto, capturó al Mingus Quintet en plena forma. La banda había desarrollado un fuerte sentido de la improvisación colectiva a través de una larga residencia en el club nocturno de Nueva York, el Showplace. La lista de temas de Antibes incluía dos magníficas composiciones que aún no habían sido grabadas (y que, por lo tanto, estaban en fase de desarrollo), otra pieza que acababa de ser grabada seis semanas antes, dos piezas que llevaban escritas cerca de un año y un regreso a la era del bop, con la aparición como invitado de uno de los mayores iconos de la época.

La pieza de apertura "Prayer for Passive Resistance" cimenta inmediatamente los lazos entre la banda y los derechos civiles. La interpretación en directo comienza con una introducción rítmica del bajo antes de que Ervin tome el protagonismo.  Empieza a un volumen relativamente bajo, pero coge impulso cuando empieza a improvisar. Mingus y Richmond cambian el fondo; eso y el riff de los vientos ayudan a Ervin a crear emoción e intensidad. Mingus anima a Ervin a gritos, y el tenor responde a todo lo que Mingus le lanza, tanto musical como verbalmente. El ritmo de Ervin es exquisito a lo largo de este tema de 8 minutos: hay varios momentos en los que parece que está a punto de parar, pero inmediatamente vuelve a empezar, como si estuviera pasando página y comenzando un nuevo capítulo.

La conexión continúa con "Better Git Hit in Your Soul". Curson inicia la secuencia de solos, mezclando efectos de media válvula y un tono gordo de trompeta con el lenguaje expresivo del nuevo jazz. El solo de Ervin va acompañado de un patrón de palmas 12/8 al que el público se une casi al instante. Mingus reconoció que era algo bueno y repitió el patrón varias veces durante el concierto. Dolphy era el más avanzado armónicamente de los vientos y la combinación de su técnica ardiente y su tono de saxo alto fuertemente vocalizado siguen siendo impresionantes hoy en día (y debió de ser todo un shock para el público francés). Un par de solos de batería cortos y ardientes de Richmond enmarcan un interludio. Pero tras la repetición de la melodía, hay otra sorpresa, Mingus ha dejado el bajo y se ha sentado al piano, tocando una secuencia de acordes graves y retumbantes mientras Richmond se desmelena tras la batería. Mingus vuelve al bajo, la melodía regresa y Mingus -cantando felizmente- coge su arco y añade una larga secuencia de ‘Amen’ para cerrar la actuación.

"Wednesday Night Prayer Meetin'" es, como las piezas que la preceden y la siguen, un blues en Fa. Curson se muestra mucho más fluido con su trompeta que antes, escupiendo líneas abstractas y trabajando con los riffs de fondo de Ervin y Dolphy. Los gemidos y lamentos de Ervin evocan una respuesta vocal de Mingus. A continuación, Dolphy aumenta la emoción, ya que su multitud de notas simbolizan lágrimas que fluyen. Mingus canta imitando a Dolphy, y mientras la sección rítmica calienta con ferocidad, los vientoss lloran como Dolphy. Richmond toca otro breve solo y, al poco rato, Mingus está de nuevo al piano alternando líneas al unísono con las trompas y racimos de tonos de registro grave.  Richmond se suelta de nuevo, mostrando su asombrosa técnica (en 1960, sólo llevaba unos años como batería). Y como en "Better Git Hit", la coda presenta otro intercambio de ‘Amen’.

"Folk Forms" permaneció sin título hasta su grabación oficial en octubre de 1960. Ha seguido siendo una de las composiciones favoritas de Mingus. No tiene melodía discernible y se mantiene unida por un ritmo recurrente de cuatro notas. Aunque cada sección se abre con un solista, en realidad no hay solos porque los otros músicos entran e interactúan, dando lugar a alborotadas y alegres improvisaciones colectivas. Básicamente, Mingus nos retrotrae a los primeros años de la música al conectar su conjunto de jazz progresivo con el de una banda de jazz tradicional de Nueva Orleans. Mingus reconocía desde hacía tiempo la validez del jazz tradicional -trabajó con Kid Ory y Louis Armstrong durante sus primeros años en Los Ángeles-.

La grabación de Antibes sigue siendo la primera grabación conocida de "Folk Forms". Muchos de los elementos que marcaron la grabación posterior están aquí -el contratiempo implícito, el acompañamiento escaso pero persistente de la sección rítmica, el motivo de cuatro notas rebotando por toda la banda, las improvisaciones colectivas extáticas-, sin embargo, los episodios individuales son mucho más cortos, y alcanzan sus picos emocionales demasiado pronto. Ervin nunca empieza un episodio en solitario y, aunque participa en las improvisaciones colectivas, parece que no haya entendido del todo el concepto de Mingus. Significativamente, no formó parte del grupo que grabó esta pieza tres meses más tarde.

Ervin no tocó en "What Love?" (la otra pieza de Antibes grabada en octubre). Compuesta en 1946, fue la selección más progresiva del concierto. La melodía lenta y lúgubre (basada en una expansión de "What is This Thing Called Love") conduce a un solo de Curson rico en tonos, que se mueve libremente entre tempos mientras Dolphy -ahora en el clarinete bajo- añade una solemne contramelodía. Mingus toma el relevo de Curson con un solo que muestra simultáneamente su virtuosismo y sensibilidad, dos atributos que no siempre coinciden, pero que aquí sí lo hacen. Cuando Dolphy vuelve a entrar para un dúo prolongado con Mingus, mantiene el ambiente durante unos minutos, pero finalmente su sonido se vuelve más agitado y la conversación se vuelve más discursiva.

Y en el escenario de Antibes, la banda de Mingus con Bud Powell recreó de repente el pasado. La última pieza trae al escenario a un distinguido invitado de lujo, uno de los grandes pioneros del bebop, viejo conocido de Charles Mingus, que influyó en los pianistas durante décadas, pero que en 1960 su brillantez se veía empañada por continuos problemas de salud mental. Se había trasladado a París en 1959 e intentaba recuperar su concentración y su técnica. Para su aparición con Mingus, tocó una larga improvisación del tema que había tocado en muchas ocasiones. Una magnífica interpretación por una parte en el estilo pianístico del inmortal pianista, clásica, que es acompañada perfectamente por el resto del grupo de Mingus que la interpreta aportándole un toque que se podría calificar de free-jazz o avant-garde y que caracterizaría a la segunda parte del concierto. Powell participó, pues, en una excelente versión y Dolphy y Ervin en particular generan un gran calor durante algunos de sus solos. Por supuesto, todos los músicos conocían el estilo antiguo y lo interpretaban a la perfección. Powell está en muy buena forma, ejecutando líneas limpias con su mano derecha sobre la composición de su mano izquierda. Curson no tenía la técnica de Clifford Brown, pero capta algo del tono cantarín del difunto trompetista en su breve solo. El solo de contralto de Dolphy contiene sus singulares elecciones de notas, pero es mucho más conservador que sus otras grabaciones de la época. Ervin vuelve para un intercambio de solos de cuatro compases que llevan a dos y unos (los episodios de tiempo de parada de Richmond evitan que sea una copia total). Curson se une para una improvisación colectiva antes del estribillo final. La banda toca la sección A de la melodía, y quizás Powell no se dio cuenta de que tenía que parar, ya que la interpretación llega a su fin a mitad del puente. El defectuoso final no empaña la excelencia del concierto en su conjunto.

En cuanto a la reacción del público en la primera parte, un aspecto muy interesante en esta grabación, se observa el agrado con que recibía las propuestas del contrabajista, aun cuando la música no se pueda considerar en absoluto ni obvia ni simple.

Diferente es la reacción del público en la segunda parte. La división de opiniones es el resultado final de esta descarga de jazz adelantado a su tiempo: mientras una parte del público chilla y protesta otra aplaude a estos grandes músicos. El público empieza a silbar y a contestar a la banda. Se afirmó que el público abucheó a Dolphy y a Mingus, pero no se puede oír bien ningún sonido de ese tipo en la grabación. Sin embargo, hubo cierta confusión entre el público, lo que sin duda dio lugar a largas discusiones sobre esta pieza mucho después de que terminara el concierto.

- Personnel:

Charles Mingus – bass, piano

Ted Curson – trumpet

Eric Dolphy – alto saxophone, bass clarinet

Booker Ervin – tenor saxophone

Dannie Richmond – drums

Bud Powell – piano.

https://www.youtube.com/watch?v=q6Q58qtF0Cg

 

11)

* Un día como hoy, en 1958, John Coltrane en quinteto grabó temas que aparecieron en diferentes álbumes en el sello Prestige.

- Recorded at Van Gelder Studio, Hackensack, NJ, on July 11, 1958.

Los temas, y sus respectivos álbumes, fueron:

1.Spring Is Here (Standard Coltrane)

2. Invitation (Standard Coltrane)

3. I'm A Dreamer Aren't We All  (Bahia & The Stardust Session)

4. Love Thy Neighbor (‘Stardust’ & The Stardust Session)

5. Don't Take Your Love From Me (Standard Coltrane)

6. Stardust (‘Stardust’ & The Stardust Session)

7. My Ideal (Bahia & The Stardust Session)          

8. I'll Get By (Standard Coltrane)

Los ocho estándares estaban originalmente dispersos en tres álbumes separados, aunque todos tuvieron lugar el mismo día. Con un fuerte apoyo de la sección rítmica (el pianista Red Garland, el bajista Paul Chambers y el batería Jimmy Cobb) y buenos solos del fliscornista y trompeta Wilbur Harden, se escucha a Coltrane cerca del final de su periodo de "hojas de sonido", perfeccionando su estilo distintivo y realizando solos coloridos y agresivos.

- Personnel:

Wilbur Hardin, trumpet & flugelhorn;

John Coltrane, tenor sax;

Red Garland, piano;

Paul Chambers, bass;

Jimmy Cobb, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=cJFVYWTEhcY

 

10)

* en 1964 Albert Ayler grabó ‘Spiritual Unity’.

- Recorded in New York City, at Variety Arts Studio, on July 10th, 1964.

‘Spiritual Unity’ es un álbum de estudio del saxofonista estadounidense de free jazz Albert Ayler. Se grabó el 10 de julio de 1964 en la ciudad de Nueva York y en él participaron el bajista Gary Peacock, después de que dejara el grupo de Miles Davis, donde estaba sustituyendo a Ron Carter y el batería Sunny Murray, con quien Ayler había tocado ya en el grupo de Cecil Taylor.

Ayler se había trasladado a Nueva York a principios de año y había estado tocando recientemente con varios músicos, entre ellos Coleman y Taylor. Fue el primer álbum grabado para el sello ESP-Disk y atrajo la atención internacional hacia Ayler por ser tan diferente.

Se trata así, de una grabación histórica que es esencial para cualquier comprensión básica del free jazz y el álbum que empujó a Ayler a la vanguardia de la vanguardia del jazz. Fue el primer documento disponible de la música del tenorista que lo emparejó con un grupo de músicos verdaderamente simpatizantes con la nueva tendencia.

Tras su edición, Ayler envió una copia del álbum a John Coltrane y, poco después, Coltrane instó a Impulse para que fichara a Ayler.

- Personnel:  

 Bass – Gary Peacock

Drums – Sunny Murray

Tenor saxophone – Albert Ayler.

https://www.youtube.com/watch?v=O-emF5jPBdM

 

* en 1975 Andrew Hill grabó ‘Divine Revelation’.

- Recorded at C.I. Recording, July 10, 1975.

‘Divine Revelation’ es un álbum del pianista de jazz estadounidense Andrew Hill grabado en 1975 y publicado por el sello danés SteepleChase. El álbum incluye cuatro composiciones originales de Hill interpretadas por un cuarteto y un estándar de jazz interpretado en solitario.

Para esta cita con cuarteto, el gran e innovador pianista y compositor Andrew Hill interpreta "Here's That Rainy Day", su poderoso opus de 25 minutos "Divine Revelation" y tres originales más concisos. En la reedición se añadió una toma alternativa de "July 10th", como tema extra. Además de Hill, el bajista Chris White y el batería Leroy Williams, el conjunto incluye a un contralto completamente desconocido, pero con un talento razonable, Jimmy Vass, que también toca la soprano y la flauta, y que parece haber profundizado realmente en la esencia de la compleja pero lógica música de Andrew Hill.

- Personnel:

Andrew Hill – piano

Jimmy Vass - flute, soprano saxophone & alto saxophone

Chris White - bass

Leroy Williams – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=ncmR6P5FwUo

 

9)

* Un día como hoy, en 1946 Dizzy Gillespie con su orquesta graba, entre otros. el tema “Things to Come”, para el sello Musicraft.

- Recorded in New York City, NY July 9, 1946.

Volviendo a su antigua afición por las big bands, las diversas orquestas de Gillespie a lo largo de los años 40 y 50, sirven como ejemplo de libro de cómo adaptar adecuadamente las innovaciones armónicas y rítmicas del bebop a un formato que, de otro modo, podría haber parecido inhóspito para el estilo.

“Things to Come” es una actualización de la composición “Bebop” (aka “Dizzy's Fingers”) que Gillespie grabó en 1945.

- Personnel: Dave Burns, Talib Daawud, Kenny Dorham, Dizzy Gillespie, John Lynch, Elmon Wright, trumpet; Leon Comegys, Alton "Slim" Moore, Gordon Thomas, trombone; Howard Johnson, Sonny Stitt, alto sax; Ray Abrams, Warren Lucky, tenor sax; Leo Parker, baritone sax; Milt Jackson, vibes; John Lewis, piano; Ray Brown, bass; Kenny Clarke, drums.

https://www.youtube.com/watch?v=RVkklK2kzkQ

 

* Y un día como hoy, en 1955 Miles Davis graba Blue Moods, con Charles Mingus y Elvin Jones, entre otros.

- Recorded: July 9, 1955 at Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey.

“Blue Moods” es un álbum de 1955 de Miles Davis, publicado en el sello Debut Records de Charles Mingus. Reúne a Davis con Mingus al bajo, el trombonista Britt Woodman, el vibrafonista Teddy Charles y el batería Elvin Jones. El arreglo de "Alone Together" es de Mingus, mientras que los demás temas fueron arreglados por Charles.

Según las notas de la carátula original, la duración relativamente corta del álbum se debió a que la grabación se cortó a 160 líneas por pulgada (en lugar de las habituales 210 a 260 líneas por pulgada) haciendo los surcos más anchos y profundos y permitiendo más espacio entre los surcos para grabar las frecuencias graves, lo que se consideró necesario para reproducir el rango de graves ampliado y dar al oyente más calidad a la de la grabación en cinta de alta fidelidad.

‘Blue Moods’ es un excelente ejemplo de cool jazz. Sin embargo, no todos los músicos que acompañan a Davis en este álbum eran miembros a tiempo completo de esa escuela del jazz. Pero, aun así, ofrece gratificaciones a aquellos que tienen un gusto por el cool jazz de los 50.

- Personnel:

Miles Davis – trumpet

Britt Woodman – trombone

Charles Mingus – bass

Teddy Charles – vibes

Elvin Jones – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=-lSJ5GtLB50

 

8)

* En 1965 Sonny Rollins grabó ‘Sonny Rollins on Impulse!’.

- Recorded on 8 July, 1965 at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.

- Personnel:

Sonny Rollins – tenor saxophone

Ray Bryant – piano

Walter Booker – bass

Mickey Roker – drums

https://www.youtube.com/watch?v=Q30IbxAoOHY

https://www.youtube.com/watch?v=6YZzT2F_eb0

 

7)

* En 1970 Dexter Gordon grabó ‘The Panther’

- Recorded on July 7, 1970 in New York City.

- Personnel:

Dexter Gordon - tenor saxophone

Tommy Flanagan – piano

Larry Ridley – bass

Alan Dawson – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=cuKCQQYSMQ8

5)

* En 1960, Harold Land grabó ‘Eastward Ho!’

- Recorded on July 5 & 8, 1960, at Plaza Sound Studios, New York City.

- Personnel:

Harold Land - tenor saxophone

Kenny Dorham – trumpet

Amos Trice – piano

Clarence Jones – bass

Joe Peters – drums.

https://www.youtube.com/watch?v=Qb39ydg_QH8

https://www.youtube.com/watch?v=QkKcpNHXBWs

 

1)

* En 1970 Pharoah Sanders grabó ‘Summun, Bukmun, Umyun’.

https://www.youtube.com/watch?v=1iVFgKCBvTs