Notas jazz julio 2022
31)
Un día como hoy en 1945, el trompetista Roy Eldridge,
en el quinteto de Artie Shaw, grabó el tema “Scuttlebut” en una sola toma para
RCA. Ha sido recopilado en varias reediciones de álbumes, como ‘1945 Spotlight
Bands Broadcasts’.
Recorded at Hollywood, July 31, 1945.
Tras ser licenciado de la Marina en 1944, Artie Shaw
formó su quinta y última big band de la era del swing, sin contar la que
dirigió mientras estaba en el ejército. Aunque el clarinetista estaba intrigado
por el bebop y contaba con el pianista Dodo Marmarosa y el guitarrista Barney
Kessel entre sus solistas clave, Shaw se ceñía principalmente al swing avanzado
en su música. Durante parte de 1945 tuvo al trompetista Roy Eldridge como parte
importante de su banda. La orquesta de Shaw se disolvió en noviembre de 1945.
Eldridge aparece en las primeras actuaciones y luego dejó la banda, siendo
sustituido por Ray Linn. Aunque se echa de menos a Eldridge en las últimas, la
forma de tocar de Shaw en todo momento es brillante y los conjuntos de su
infravalorada banda siempre tienen swing. Un excelente combo, Roy Eldridge con
su ronca trompeta tocando con intensidad rítmica, Barney Kessel a la guitarra, el
pianista Dodo Marmarosa y Shaw, también muy rítmico, con su clarinete, el
baterista Lou Fromm y el bajo ambulante de Morrie Rayman. La mayor parte de
esta música era anteriormente rara en edición y entre lo más destacado se
encuentran "Little Jazz", "Lucky Number" (el más boppante
de los números), "Jumpin' on the Merry-Go-Round", "The Sad
Sack", "The Glider" y "Scuttlebutt".
Personnel:
(Artie Shaw and his Gramercy Five)
Roy Eldridge (tp),
Artie Shaw (cl),
Michael Dodo Marmarosa (p),
Barney Kessel (g),
Morris Rayman (b),
Lou Fromm (d).
https://www.youtube.com/watch?v=0HdcnG9EeJk
30)
* Un día como hoy, en 1963, Charles Mingus grabó su
álbum de solos de piano ‘Mingus Plays Piano (Spontaneous Compositions And
Improvisations)’.
Recorded at New
York, on July 30, 1963.
‘Mingus Plays Piano’ es un álbum de jazz en solitario
de Charles Mingus. El álbum es notable por el alejamiento de Mingus de su papel
habitual como compositor y contrabajista en las grabaciones de conjuntos, y
sólo tocar el piano sin ningún músico adicional. Es único en el enorme catálogo
de Mingus. Como indica el título, el célebre bajista toca las teclas de marfil
en solitario para dar vida a su deslumbrante arte de improvisación. Al
principio parece extraño escuchar a Mingus sin uno de sus característicos
conjuntos interactivos y exploratorios. Pero la sensibilidad que aporta a esta
colección de piezas para piano lleva todos los signos del genio del compositor.
En la primera pieza, "Myself When I Am
Real", la turbulencia y la dolorosa belleza se funden en el espontáneo
despliegue de frases de Mingus. Estándares como "Body and Soul" y
"Memories of You" reciben lecturas personales y armónicamente
intrigantes que se mezclan a la perfección con un original de Mingus como
"Old Portrait". En muchos sentidos, es una delicia escuchar al
artista trabajando en esta atmósfera más reducida y tranquila, ya que permite
concentrarse más intensamente en la gama y la brillantez compositiva de esta
figura incomparable.
Personnel:
Charles Mingus- solo piano, vocals.
https://www.youtube.com/watch?v=V4jt2bY2HPs
29)
*
Un día como hoy, en 1962, Curtis Amy en sexteto grabó en vivo en ‘The Lighthouse’
su
álbum ‘Tippin' On Through’.
Recorded
at ‘The Lighthouse’, Hermosa Beach, CA, on July 29, 1962.
‘Tippin'
on Through’ es un álbum en directo del saxofonista Curtis Amy grabado para el
sello Pacific Jazz.
Raro
álbum de Amy con un jovencísimo Roy Ayers al vibráfono en el grupo. Amy está en
la misma forma que la posterior sesión de ‘Katanga’, su álbum más conocido.
Esta
es una de las primeras grabaciones de Roy Ayers, que es hilarantemente mal
nombrado como "Ron Ayres" a lo largo de la contraportada. Sólo
aparece como "Roy Ayers" una vez. Ayers ya era drogadicto en esta
fecha. Marable era el baterista favorito de Dexter Gordon y no decepciona aquí.
John Houston es sólido en el piano y, aunque no es rival para Amy, Roy Brewster
se mantiene en el trombón de válvulas.
El
saxofonista tenor Curtis Amy grabó seis álbumes para ‘Pacific Jazz’ durante
1960-63. Amy tenía un buen estilo orientado al hard bop con un sonido
conmovedor. Una música oscura pero gratificante que fue eclipsada durante la
época y que hasta ahora estaba descatalogada.
Personnel:
Bass
– Bob Whitlock
Drums
– Lawrence Marable
Piano
– John Houston
Tenor
Saxophone – Curtis Amy
Valve
Trombone – Roy Brewster
Vibraphone
– Ron Ayers.
https://www.youtube.com/watch?v=mRgsaQ-d3c8
28)
* Un día como hoy, en 1955, Elmo Hope grabó su álbum
‘Meditations’.
Recorded on July 28, 1955, at Van Gelder Studio,
Hackensack, New Jersey.
"Meditations" es el tercer álbum como líder
del pianista Elmo Hope, su primero en el sello Prestige después de dos para
Blue Note. El programa mezcla estándares y originales, interpretados en formato
de trío por Hope, junto con el bajista John Ore y el baterista Willie Jones. Hope
interpreta algunos originales, la mayoría de los cuales se basan en los cambios
de acordes de canciones anteriores.
En general, la aproximación de Hope a la música es el
estilo estereotipado del bebop, favorecido por la mayoría de los pianistas de
la época, aunque añade su propio toque personal con un acompañamiento de la
mano izquierda especialmente activo y melódico. El tema de apertura, "It's
a Lovely Day Today" de Irving Berlin, es uno de los mejores ejemplos de
esto, ya que la mano izquierda de Hope alterna entre la puntuación percusiva de
sus líneas de la mano derecha, y un acompañamiento melódico casi
contrapuntístico. Hope es capaz de crear líneas de bebop deslumbrantes con su
mano derecha, aunque a veces la complejidad de su acompañamiento con la mano
izquierda le lleva a cometer errores, notas torpes o incoherencias en sus
líneas de la mano derecha.
Hope suena mejor tocando a un ritmo vertiginoso.
Comienza de forma ardiente su introducción en el solo de la canción original "Lucky
Strike", y hace algunos de sus mejores solos en el rápido tempo de la
canción. "Elmo's Fire" es aún más rápido; probablemente demasiado
rápido, ya que Hope no suena tan seguro o confiado. También hay algunas buenas
baladas. El clásico "I Don't Stand a Ghost of a Chance" es
interpretado con una elegante e interesante armonización por parte de Hope, y
"I'm in the Mood for Love" tiene un bonito solo de bajo de Ore. El
tema que cierra el disco, "Blue Mo", es un blues más bien estándar
con un plodding two-feel de la sección rítmica, pero Hope finalmente explora
algunas áreas armónicas bastante progresivas e intrigantes en su solo (y su
composición tras el solo de bajo de Ore).
Puede afirmarse que se trata de un disco de trío de
piano bebop bastante estándar. Aunque Elmo Hope fue uno de los compositores de
jazz más interesantes de la década de 1950, el énfasis de su conjunto de trío
con el bajista John Ore y el baterista Willie Jones está en el toque de piano
de Hope. Influenciado en gran medida por Bud Powell (su contemporáneo), Hope
generalmente impresiona con su impresionante estilo bop y su imaginativa
técnica de la mano izquierda, aunque su ejecución no siempre es la adecuada.
Sin embargo, cuando todo encaja, Hope suena lo suficientemente bien como para rivalizar
con Bud Powell, el rey del piano bop de la época. Hope también toma decisiones
armónicas ocasionalmente intrigantes que, junto con la calidad general de su
interpretación, hacen que sea una escucha satisfactoria en general.
Personnel:
Elmo Hope – piano
John Ore – bass
Willie Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=errV_cMz9ho
27)
* Un día como hoy, en 1962, Sonny Rollins, en cuarteto, comenzó la
grabación de su álbum ‘Our Man in Jazz’.
Recorded on location at the ‘Village Gate’, Greenwich Village, New
York City, July 27–30, 1962
& February 20, 1963.
‘Our Man in Jazz’ es un álbum del saxofonista de jazz Sonny
Rollins, publicado por RCA Victor, que incluye actuaciones de Rollins con Don
Cherry, Bob Cranshaw y Billy Higgins en julio de 1962. Es uno de los primeros
álbumes realizados por el saxofonista tras su autoexilio musical de tres años.
Se grabó en un formato de cuarteto sin piano. Estas actuaciones se han descrito
como un contraste con el estilo anterior de Rollins al pasar a fantasías muy
largas de forma libre, fanáticas e impetuosas.
La reedición complementa los tres temas del LP original con otros
tres grabados en febrero del año siguiente, con Henry Grimes sustituyendo a
Cranshaw al bajo. Estas grabaciones aparecieron originalmente en ‘3 in Jazz ‘.
Hay un argumento muy válido que dice que la sesión del Village
Vanguard con Elvin Jones y Wilbur Ware es una de las grabaciones en directo
definitivas del saxofonista tenor, pero este concierto del Village Gate también
debería ocupar un lugar destacado. También podría llamarse la conexión de
Ornette, dada la presencia de Billy Higgins y Don Cherry junto a Rollins, y la
aportación de los señores de la "New Thing" que tuvo un efecto
totalmente galvanizador en el coloso del saxofón. El examen de 25 minutos de
'Oleo' es uno de los grandes ejercicios exhaustivos del canon de Rollins,
repleto de la rica creatividad rítmica y armónica que difumina la frontera
entre el post-bop y la vanguardia. Sin embargo, el enfoque mucho más pausado de
"Dearly Beloved" es un despliegue igualmente emocionante de dinámicas
de liberación de tensión, ya que los diversos cambios de tempo y textura
convierten la pieza en un hermoso mosaico en miniatura. Los acompañantes de
Rollins están todos en excelente forma, pero Higgins en particular es una
maravilla de la invención, su flujo interminable de acentos que atraen el oído
equivale a una muestra de virtuosismo de toque ligero que habría sido muy
instructivo para la próxima generación de bateristas funky que ayudaron
decisivamente a James Brown a revolucionar el R&B unos años más tarde.
Pero, por otra parte, la música de Rollins, a pesar de su gran técnica, siempre
tuvo mucha alma. Los temas adicionales de una fecha de estudio en la que el
gran Henry Grimes sustituye a Bob Cranshaw en el contrabajo son también un buen
valor.
Personnel
Sonny Rollins – tenor saxophone
Don Cherry – cornet
Bob Cranshaw & Henry Grimes – bass
Billy Higgins – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=3gaWR7txU_Q
26)
* Un día como hoy, en 1968, Max Roach terminó de grabar su álbum
‘Members, Don't Git Weary’ editado por Atlantic.
Recorded: June 25 & 26, 1968, New York City.
Intenso álbum de 1968 del baterista Roach en el que participan los
futuros fundadores de ‘Strata-East’, Cowell y Tolliver, así como el vocalista
Andy Bey.
Aunque Max Roach era en gran medida un producto de la revolución
del be-bop de los años 40, demostró ser bastante receptivo al post-bop modal y
al jazz de vanguardia en los años 60. Una de las mejores citas post-bop que
Roach grabó durante esa década fue ‘Members, Don't Git Weary’, de 1968, en el
que el baterista dirige un quinteto modal cohesionado que emplea a Gary Bartz
en el saxo alto, Charles Tolliver en la trompeta, Stanley Cowell en el piano
acústico y eléctrico, y Jymie Merritt en el bajo eléctrico. A pesar del uso de
instrumentos eléctricos, este no es un álbum que enfatice los elementos del
rock o del funk ni que prediga la explosión de la fusión que estaba a la vuelta
de la esquina. El álbum es en gran medida un esfuerzo directo, y la riqueza
armónica de la interpretación modal queda ilustrada por joyas como
"Equipoise" de Cowell, "Libra" de Bartz y "Absolutions"
de Merritt. La canción que da título al disco de Roach cuenta con una memorable
voz de influencia gospel de Andy Bey, pero todas las demás selecciones son
instrumentales.
Personal:
Max Roach - batería
Charles Tolliver - trompeta
Gary Bartz - saxofón alto
Stanley Cowell - piano, piano eléctrico
Jymie Merritt - bajo
Andy Bey – voz.
https://www.youtube.com/watch?v=Pyq4DFNsOdU
https://www.youtube.com/watch?v=TkTi5-JPOIw
25)
* Un día como hoy, en 1963,
el ‘Miles Davis Quintet’ actuó en París. La grabación se incluyó en el álbum
‘Live in St. Louis & Paris. 1963’ y en otros recopilatorios de esa gira
europea.
Recorded live at ‘Theatre Des Champs-Elysees’, Paris, France, on
July 25, 1963
For Europe-1 radio broadcast (C+)
De camino al Festival de Antibes, el Davis Quintet tocó una noche
en el Théâtre des Champs-Élysées. La sección rítmica, después de haber tocado
juntos durante sólo dos meses, está sorprendentemente fluida y cohesionada, y
la interpretación de Davis fue muy animada en esas grabaciones. En una reseña
crítica se señaló que Williams, un prodigio de la batería de 17 años, causó una
leve sensación con su agitada y propulsiva forma de tocar la batería.
Ciertamente, su nombre está destinado a convertirse en una palabra familiar en
el mundo del jazz.
Un fragmento de "Joshua" (3:21) se incluye a veces con
estas melodías, pero se trata de un extracto ligeramente desviado del comienzo
de la versión interpretada el 1 de octubre de 1964 en la Salle Pleyel de París.
El Quinteto debió de tocar un conjunto de 50-60 minutos en esa fecha, pero
estas dos melodías “Stella By Starlight” & “So What”, son todo lo que ha
salido a la luz hasta ahora.
En días sucesivos tres grabaciones fueron realizadas en el cuarto
Festival de Juan-les-Pins, repitiendo, entre otros, esos temas.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
George Coleman, tenor sax;
Herbie Hancock, piano;
Ron Carter, bass;
Tony Williams, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=igR1G6BLYMs
* Y un día como hoy, pero en 1969, otra formación del ‘Miles Davis
Quintet’ volvió a actuar en el festival de Antibes (Francia).
Recorded live at La Pinède ‘Juan-les-Pins Jazz Festival’, Antibes,
France ,on July 25, 1969.
"1969 Miles - Festiva de Juan Pins" - un álbum en
directo de Miles Davis - fue grabado por la televisión y la radio francesa ORTF
(Office de Radiodiffusion Télévision Française) en el festival de jazz del 25
de julio de 1969 en el barrio de Juan-les-Pins de Antibes en Francia.
El quinteto, (a esta formación se le conoció como "El
quinteto perdido de Miles Davis", ya que no grabó en estudio con esta
configuración), incluía (además del propio líder) a grandes músicos como Wayne
Shorter (saxo soprano), Chick Corea (piano eléctrico), Dave Holland
(contrabajo) y Jack DeJonette (batería), y actuó en el festival dos veces: el
25 y el 26 de julio. Ambos conciertos fueron grabados por Columbia Records,
pero la música no estuvo totalmente disponible hasta mucho más tarde, cuando se
publicó un conjunto titulado ‘Live in Europe 1969: The Bootleg Series Vol. 2’.
Esta edición fue elogiada por los expertos en música por la
imaginación creativa de Davis que era holística y absolutamente ganadora. Las
fogosas interpretaciones de su grupo entusiasmaron y deleitaron con su
innovadora actuación, abriendo un nuevo capítulo en la historia del jazz.
Personnel:
Miles Davis, trumpet;
Wayne Shorter, soprano, tenor sax;
Chick Corea, electric piano;
Dave Holland, bass;
Jack DeJohnette, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=KN05-Fg3cGk
24)
* Un día como hoy, en 1967, The Cannonball Adderley Quintet
terminó de grabar en dos sesiones su ábum ‘74 Miles Away’.
Recorded live at Capitol Tower, Los Angeles, CA, June 12 &
July 24, 1967.
[ver notas nuestras del 12 de junio].
Personnel:
Nat Adderley, Cornet, vocal;
Cannonball Adderley, alto sax;
Joe Zawinul, piano, electric piano;
Victor Gaskin, bass;
Roy McCurdy, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=EmpV67Mgsl0
23)
* Un día como hoy, en 1970, Archie Shepp actúo en París y su
actuación fue grabada para su álbum ‘Coral Rock’.
Recorded in Paris, France, July 23, 1970.
‘Coral Rock’ es un álbum del saxofonista de jazz Archie Shepp
grabado en Europa en 1970 para el sello America. El álbum también fue publicado
posteriormente por el sello Prestige.
‘Coral Rock’ presenta una alineación de músicos absolutamente
prodigiosa. Los aficionados al free jazz reconocerán claramente a algunos de
los músicos que acompañan al maestro Archie Shepp en esta grabación parisina de
1973, entre ellos: Bobby Few, Clifford Thornton,
Muhammad Ali o Lester Bowie. Sin embargo, es especialmente interesante el
poco conocido Alan Shorter, que contribuyó con el tema principal. Esta pieza
recuerda especialmente a "Mephistopheles", una melodía que apareció
en el álbum de su hermano Wayne, ‘The All Seeing Eye’, y en algunas reediciones
del disco de Marion Brown. Al igual que "Mephistopheles", "Coral
Rock" cuenta con una línea de bajo pesada y un instinto increíblemente
disonante. Sin embargo, "Coral Rock" es mucho más suelto y, por esta
razón, sería difícil imaginarlo en un lanzamiento de Blue Note de cualquier
tipo. Esto es free jazz directamente de la escena parisina de finales de los 60
y principios de los 70. Un material muy serio. Dicho esto, la inclusión del
estándar "I Should Care" puede resultar sorprendente, pero hay que
tener en cuenta que, por mucho que Archie Shepp se haya alejado, sus raíces
siempre han estado firmemente plantadas en el pasado. Parece que se presenta
aquí más como un vehículo para el pianista Bobby Few que otra cosa y, dentro
del catálogo de Shepp, podría compararse con el blues libre de "Damn If I
Know (The Stroller)" de su álbum Impulse ‘The Way Ahead’.
Personnel:
Archie Shepp - tenor saxophone, piano, soprano saxophone
Clifford Thornton - trumpet, valve trombone
Lester Bowie - trumpet
Alan Shorter - flugelhorn
Bobby Few - piano
Bob Reid: bass
Muhammad Ali - drums
Djibrill - congas
Ostaine Blue Warner – percussion.
https://www.youtube.com/watch?v=VSVzbnq6Z7w
22)
* Un día como hoy, en 1966, John Coltrane actúo por segunda vez
este mes en Tokio. Sesiones
que, publicadas por separado primero, luego se editaron como su
álbum ‘Live in Japan’.
Recorded: at ‘Shinjuku Kosei Nenkin Hall’ in Tokyo on July 11,
1966 & at ‘Sankei Hall’ in Tokyo on July 22, 1966.
[Entre las dos sesiones también actuó el quinteto en ‘Kobe Kokusai
Hall’ Kobe, Japan, el día 17 de julio de 1966, en una sesión de 2 horas
recogida en disco].
‘Live in Japan’ es un álbum en directo de Coltrane, grabado para
su emisión radiofónica durante su única gira japonesa en julio de 1966 en dos
locales de Tokio, el ‘Shinjuku Kosei Nenkin Hall’ y el ‘Sankei Hall’. Las
grabaciones presentan a su último grupo, un quinteto formado por Coltrane, su
esposa/pianista Alice, el saxofonista/clarinetista bajo Pharoah Sanders, el
bajista Jimmy Garrison y el baterista Rashied Ali.
Las grabaciones se publicaron más tarde como ‘Concert In Japan’ y
‘Second Night In Tokyo’. Posteriormente, ‘Coltrane In Tokyo Vol. 1’ y ‘Coltrane
In Tokyo Vol. 2’. Finalmente, Impulse publicó ambos volúmenes.
Estas grabaciones son algunas de las más largas y densas de la
improvisación libre de la última etapa de la carrera de Coltrane, con algunas
interpretaciones de temas individuales de casi una hora de duración. A estas
alturas de su carrera, Coltrane estaba firmemente inmerso en el estilo
vanguardista del jazz. Sanders, que fue un innovador del free jazz, influyó en
la forma de tocar de Coltrane a través de su uso técnico del overblowing y las
vibraciones feroces de la caña. Ambos saxofonistas utilizan multifónicos,
sobretonos y otras técnicas musicales extendidas. El piano de Alice Coltrane es
absolutamente colorido, mientras que el baterista Rashied Ali y el bajista
Jimmy Garrison muestran una interacción casi simbiótica y Coltrane y Sanders se
baten en duelo hasta la estratosfera.
Cuando Coltrane y su quinteto fueron invitados a hacer una gira
por Japón en julio de 1966, era, según la revista japonesa de jazz ‘Swing
Journal’, el músico más popular de Japón, con discos que vendían hasta 30.000
copias cada uno. Los miembros del grupo llegaron en avión a Tokio el 8 de julio
y fueron tratados como dignatarios visitantes, con varios miles de fans
recibiendo el avión. El programa del grupo era agotador, e implicaba tocar
diecisiete conciertos en catorce días. Durante la gira, varios músicos de jazz
japoneses se sentaron con el grupo y Coltrane y Sanders fueron obsequiados con
saxofones altos por la ‘Yamaha Instrument Company’, con la condición de que los
músicos tocaran los instrumentos y ofrecieran consejos. Coltrane también
participó en al menos una conferencia de prensa y se tomó el tiempo para
visitar el Parque Memorial de la Guerra en Nagasaki. A pesar del agotador
itinerario, la gira de Coltrane por Japón fue considerada como el mayor triunfo
de su vida.
La crítica se refirió a "Peace on Earth" como sencilla y
exquisita cadencia, una nueva balada rubato en el estilo de “Naima”, muestra
una técnica que nunca había sido más asombrosa, con rápidas interrogaciones de
la armonía y dinámicas extremas -desde leves susurros hasta un tramo antes del
final de su solo en el que mete tanta fuerza en el viento que suena como si
fuera a estallar. Luego, cuando vuelve tras el solo de Alice, es como si mirara
hacia atrás en su carrera; parece hacer referencia en varios puntos a las
células melódicas de “A Love Supreme” y “Ascension”, la melodía de “Naima” y la
de “Body and Soul”. Pero no se trata de referencias explícitas. Está trabajando
dentro de su propio lenguaje de improvisación.
Durante su estancia en Japón, Coltrane empezó a sufrir dolores de
cabeza que presagiaban los problemas de salud que le llevarían a la muerte un
año después.
Personnel:
John Coltrane - soprano, alto and tenor saxophones, percussion
Alice Coltrane – piano
Pharoah Sanders - alto and tenor saxophones, bass clarinet,
percussion
Jimmy Garrison – bass
Rashied Ali - drums
https://www.youtube.com/watch?v=VAHtV0G7iCM
21)
* Un día como hoy, en 1957, Sonny Clark en sexteto grabó en estudio
su álbum ‘Dial "S" For Sonny’.
Recorded: July 21, 1957 at Van Gelder Studio, Hackensack, New
Jersey.
‘Dial "S" for Sonny’ es el primer álbum de estudio del
pianista de jazz Sonny Clark, grabado para el sello Blue Note e interpretado
por Clark con Art Farmer, Curtis Fuller, Hank Mobley, Wilbur Ware y Louis
Hayes. El título del álbum es una alusión a la obra de teatro de Frederick
Knott ‘Dial M for Murder’, que se produjo por primera vez en 1952 y luego fue
llevada al cine con éxito por Alfred Hitchcock en 1954.
‘Dial "S" for Sonny’, es su primera sesión como líder,
es un excelente conjunto de bop relajado, resaltado por los solos líquidos y
oscilantes de Clark. Clark dirige a un grupo de primera categoría a través de
cuatro originales y dos estándares, equilibrando las selecciones entre el swing
bop y las baladas reflexivas. Hay rastros de Bud Powell en el estilo de Clark,
pero está comenzando a desarrollar su propio estilo, que es alternativamente
nervioso y encantadoramente relajado. Mobley, Farmer y Fuller tienen sus
momentos, pero Clark se lleva la palma en este conjunto de buen bop directo.
Sonny Clark, uno de los mejores pianistas y compositores de la era
del hard bop, pareció llegar completamente formado a su álbum de debut. Clark
reunió para la ocasión un sexteto de lujo. Clark escribió cuatro de las seis
melodías del álbum, incluyendo la pieza del título, esa canción es un clásico
de Clark: simple, bluesero, con swing y aderezado con algunas líneas de bebop.
Aunque la forma es de doce compases, con los últimos cuatro compases como giro,
no hay un acorde IV y por lo tanto no es un verdadero blues. Los II-V al
relativo mayor, hacen que esta forma sea particularmente gratificante para
soplar. Sólo hay dos partes de viento, el trombón toca una octava por debajo de
la trompeta en todo momento, incluyendo las secciones en las que el saxo tenor
tiene una parte armónica. Hay una introducción de punto de pedal en el piano y
el bajo. Después de la salida, el bajo termina solo con una línea de ocho
compases. También compuso la brillante y rápida "Bootin' It", el tema
"Sonny's Mood" y la alegre "Shoutin' on a Riff".
Completando el conjunto hay dos estándares: una impresionante interpretación de
balada de "It Could Happen To You" con Farmer entregando el tema de
apertura y Fuller cerrando la pieza, ambos con sus tonos cálidos y llenos de
cuerpo, y la melodía de Gershwin "Love Walked In" que es una obra de
arte para Clark que se abre con una introducción en solitario antes de que se
le unan el bajo y la batería para una interpretación en trío que deja brillar
su estilo inventivo.
Personnel:
Trumpet - Art Farmer
Tenor Sax - Hank Mobley
Trombone - Curtis Fuller
Piano - Sonny Clark
Bass - Wilbur Ware
Drums - Louis Hayes
https://www.youtube.com/watch?v=CSC9KJDRR0c
20)
* Un día como hoy, en 1973, Dexter Gordon con Jackie McLean,
grabaron sus álbumes ‘The Source’ y ‘The Meeting’.
Recorded live at "Montmatre Jazzhus" Copenhagen, by
courtesy of Herluf Kamp Larsen, July 20 & 21, 1973.
‘The Source’ es un álbum en directo del saxofonista estadounidense
Jackie McLean con Dexter Gordon grabado en el Jazzhus Montmartre en 1973 y
publicado por el sello SteepleChase.
El veterano tenor Dexter Gordon y el contralto Jackie McLean se
asociaron para unas cuantas fechas en un club en 1973 y los resultados se han
publicado en dos álbumes de ese sello danés, éste y el otro es ‘The Meeting’. A
diferencia del anterior lanzamiento, que se centró en material menos conocido,
‘The Source’ presenta a los saxofonistas en tres estándares de jazz ("Half
Nelson" de Miles Davis, "I Can't Get Started" y "Another
Hair-Do" de Charlie Parker) además de revivir la composición de Dexter
Gordon de 1947 "Dexter Digs In". La música es un poco laxa y larga
("Half Nelson" dura más de 18 minutos), pero se recomienda a los
aficionados al jazz directo.
Algún crítico escribió que prefería ‘The Source’ a ‘The Meeting’,
de McLean y a ‘Homecoming’, de Gordon, de 1976, si se quería escuchar a Dexter
en vivo y en directo.
Personnel
Jackie McLean – alto saxophone
Dexter Gordon – tenor saxophone
Kenny Drew – piano
Niels-Henning Ørsted Pedersen – bass
Alex Riel – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=kCYvVrJntto
19)
* Un día como hoy,
en 1961, Ornette Coleman grabó su álbum ‘This Is Our Music’.
Recorded at Atlantic
Recording Studios, New York, July 19, 1960,
July 26, 1960 and August 2, 1960.
‘This Is Our Music’
es un álbum musical de free jazz, grabado originalmente por el saxofonista
estadounidense Ornette Coleman. Es un disco notable por ser el único de Coleman
con Atlantic Records en contener un estándar (una poco ortodoxa versión de
"Embraceable You") y es el único con la alineación de Don Cherry,
Charlie Haden y Ed Blackwell. La sesión incluye algunos de sus temas más
reconocidos: “Blues Connotation”, “Beauty Is a Rare Thing” y “Kaleidoscope”.
Éste es un álbum
seminal de Ornette Coleman en su totalidad, con el maravilloso cuarteto sin
piano. Todos los integrantes contribuyen a dibujar el todo, y se olvida
cualquier tipo de teatralidad o coreografía que imponían en su día los solos y
los roles. Hay diálogo entre todas las partes y elementos, y la energía del
grupo dicta el resultado.
Dieciséis temas
grabados durante las mismas sesiones pero no incluidos en el original han sido
añadidos el reedición, convirtiéndose en la edición definitiva completa de este
trabajo clásico.
El Free Jazz, en
1959/1960, no era tan solo una vanguardia aislada, un conjunto de radicales
llevando al extremo una idea. El subgénero acuñado tras la publicación de ‘Free
Jazz’, por parte del cuarteto de Coleman, se convirtió en poco tiempo en una
representación y nexo de muchas cosas. Se presentó como el punto más álgido de
la evolución jazzística, sirviendo de último estadio del camino iniciado con la
aparición del Bop (la búsqueda de la atonalidad, la imposición de la
espontaneidad por encima de los cánones armónicos y melódicos, la expresión por
encima de las limitaciones o normas), a su vez funcionaba como relectura total
de lo que el Jazz había significado hasta ese momento, cuestionando todas las
ideas con una sola fórmula, por último, se transformó en un arma artística y
grito cultural afroamericano, viéndose rápidamente politizado y marchando en
paralelo al auge de la “conciencia negra” y el levantamiento de la raza contra
las injusticias sociales y raciales.
Esencialmente, el Free
Jazz funciona por impulsos y energía; la melodía y el ritmo se emparejan; se
usa la polirritmia y se pierde la noción de fraseo, dando cabida a un mayor
protagonismo de la extensión, entonación o timbre del instrumento en concreto;
en términos generales se presenta como una “improvisación colectiva” que
renuncia de cualquier ley musical de concepción occidental, a su vez
incorporando rasgos y filosofía africana, primitiva, sirviendo así como una
vuelta a la ancestralidad, un rechazo a los convencionalismos del Jazz y una
vuelta de guion apuntando a los antepasados de la raza negra y al Hot, el
abanico de estilos que precedieron al Jazz tal y como se conocería a partir de
1930.
Gracias a esta
indomable personalidad (en realidad, una forma también de discriminación a lo
ya común, blanco y asentado), el Free Jazz fue rápidamente demonizado
prácticamente por todo el mundo que no lo practicaba o desconocía de su
existencia previa: tachado de herejía, machacado y ninguneado sin ningún tipo
de piedad por los propios contemporáneos de la misma raza y periodistas
especializados asustados por su agresiva naturaleza, en cualquier caso su
ascenso imparable debido a sus características no pudo ser taponado. Además de
Ornette Coleman, en las vísperas de 1960 fueron Charles Mingus (con, por
ejemplo, su ‘Fables of Faubus’), Eric Dolphy, Cecil Taylor, Don Cherry o John
Coltrane (‘Ascension’) algunos de los primeros músicos es convertirse en
baluartes del movimiento.
Coleman, nacido en
Texas y puramente autodidacta, fue desde sus inicios una especie rara dentro
del Jazz. No siguió el camino común de otros grandes de la época, sirviendo
inicialmente en grabaciones para otros líderes o combos, aprendiendo sobre la
marcha y apareciendo en créditos de manera temprana. Su actitud fue desde un
inicio negativa hacia la influencia que acordes y tradicionalismos armónicos
ejercían sobre la interpretación de un instrumento, sus extrañas, exasperadas
ideas acerca del Jazz no encontraron cabida para la grabación hasta 1958, año
de su debut, cuando ya contaba con 28 años.
El saxofonista era
un incomprendido, desde el principio: su discurso fue evaluado y dispuesto ante
los prejuicios de la escena post-Bop desde sus iniciales movimientos
editoriales hasta el deceso de su carrera y también del Free Jazz ya
transcurrido el ecuador de los 60. Tan solo su marcada influencia en John
Coltrane, Pharoah Sanders o Albert Ayler le colocaría como el origen de la
vanguardia, el punto de inflexión; mientras Trane no tuvo tiempo de explotar
por completo esta nueva idea, Pharoah Sanders actuó como uno de los músicos que
mejor se adaptaron a la misma, decorándola de un cuidado y purista contexto
espiritual. Ayler vendría a ser el mártir: silenciado, problemático y salvaje
en sus planteamientos musicales y personales, es la cara más auténtica del
apogeo Free Jazz.
Así, podríamos decir
que Coleman no solo luchó en su carrera por implantar sus peculiares y
radicales ideas musicales, también lo hizo combatiendo las críticas, no
entregándose al reclamo popular y siendo fiel a sus principios, no acercándose
a la autocomplacencia y manteniéndose firme en su posición. Siempre alrededor
de controversia y opiniones en contraste, sus álbumes y material tardaron en
contemplarse como lo que hoy son: probablemente el último escalón evolutivo del
Jazz y la más potente e incisiva visión musical afroamericana.
Reflejo de la
situación personal del saxofonista y contexto en cuanto al Free Jazz se
refiere, ‘This Is Our Music’ sorprendía además de por su puesta en escena y
título/alegato, por su accesibilidad sonora: a diferencia de sinónimos de la
misma época, las composiciones destilan suavidad, sensatez, belleza inesperada.
A pesar de conservar el halo visionario, las interpretaciones desprenden la
misma clase que su imagen de portada: cuidado en las formas, control de la
obstinación y sin poner camisa de fuerza a los estruendos creativos que el
disco contiene.
“Beauty Is A Rare
Thing”, por ejemplo, es una partitura reveladora: el tiempo y el ritmo es
elástico, dinámico, se detallan las oleadas de energía bajo un prima que
igualmente rebosa calma, extrañeza, va en comunión total con el título de la
composición. Destaca además el toque impresionista de las interpretaciones de
Coleman, y el boceto que a veces resulta ser el ritmo propuesto por Blackwell
(en “Kaleidoscope” o “Folk Tale” su presencia sería más feroz) y la
interacción, empatía entre los diálogos de los músicos.
En otras pistas se
observa más exasperación, bocanadas de fuerza sobrenatural como en “Poise” o ”
Blues Connotation“, y en cortes como “Embraceable You” (la única composición no
original de Coleman) se divisa a la perfección que aún queda algo de
“tradicionalismo” por vencer. Por todas estas cosas, ‘This Is Our Music’ es
musicalmente, conceptualmente, la antesala de la tormenta que después supondría
Free Jazz: el disco puso el escenario y situó en el mapa esta nueva idea,
basada en la intuición, improvisación y conversación entre unión instrumental e
independencia interpretativa.
Coleman dijo a todo
el mundo con este trabajo “Estos son nuestros términos y aquí nos movemos. Si
te apetece seguirnos, tendrás que adaptarte”.
Personnel:
Ornette Coleman –
saxofón alto
Don Cherry –
trompeta pocket
Charlie Haden –
contrabajo
Ed Blackwell –
batería.
https://www.youtube.com/watch?v=dORCvW8jgMw
18)
* Un día como hoy, en 1957,
Charles Mingus, en noneto, comenzó la grabación de su álbum ‘Tijuana Moods’.
Recorded at New York, July 18
& August 6, 1957, and New York, October 1957 (bonus track).
‘Tijuana Moods’ es un álbum de
Charles Mingus, grabado en 1957 pero que no se publicó hasta 1962. Se reeditó
como ‘New Tijuana Moods’ con cuatro tomas alternativas adicionales y con cinco
tomas alternativas. Tanto las tomas originalmente emitidas como las versiones
alternativas se habían montado editando secciones adicionales en tomas base.
El nombre "Charlie
Mingus" aparece en la portada del álbum original. Mingus odiaba todos los
apodos derivados de Charles ("No me llames Charlie; ese no es un nombre de
hombre, es un nombre de caballo").
‘Tijuana Moods’ describe
musicalmente una estancia que pasó Mingus en Tijuana, donde trató de olvidar un
desengaño amoroso. Ciudad fronteriza con California y propicia para el
desenfreno en cualquiera de sus vertientes más pecaminosas y golfas. Poca
nostalgia y situaciones depresivas pueden apreciarse en la música.
‘Tijuana Moods’ llega después de
dos grandes éxitos de Charles Mingus como ‘Pithecanthropus Erectus’ y ‘The
Clown’, aunque no se publicó hasta unos años después de ser grabado. Así pues,
hay que tener en cuenta que cuando el propio Mingus proclamó en la
contraportada que ‘Tijuana Moods’ era "el mejor disco que he hecho
nunca", ya había grabado álbumes importantes como ‘Ah Um’’ y Mingus
Dynasty’. En cualquier caso, el nivel de interpretación y composición en
Tijuana es claramente excepcional. Estos temas permiten observar a Mingus en
medio de su verdadero proceso creativo.
"Dizzy Moods" es una reelaboración del clásico de Dizzy Gillespie
"Woody 'n' You", aunque sería imposible darse cuenta antes de leer
las notas de presentación del propio Mingus. Este álbum cuenta con dos músicos
excepcionales que, a pesar de su talento, permanecerían prácticamente en el
anonimato: el trompetista Clarence Shaw y el pianista Bill Triglia, además de
los más conocidos Jimmy Knepper, Shafi Hadi (Curtis Porter) y Danny Richmond.
La composición más compleja es "Ysabel's Table Dance", que se abre
con castañuelas y Mingus tocando una extraordinaria línea de bajo pizzicato y
alternando rápidamente esta técnica con el rasgueo de sus uñas por las cuerdas
al estilo flamenco, antes de pasar a tocar arco en el rango del violonchelo. La
voz que se escucha es la de la bailarina flamenca Ysabel Morel, que también toca
las castañuelas. "Ysabel's Table Dance" destaca por varios recursos
compositivos. Mingus contrasta el modo de música español con la sensación de
jazz de finales de los años 50, y como suele ocurrir con las composiciones de
Mingus, hay múltiples cambios de tempo y ritmo. “Tijuana Gift Shop” es una
composición chispeante y más breve permitiendo a Jimmy Knepper algo de mayor
espacio. La coda a cargo de Clarence Shaw no evita la referencia latina. “Los
Mariachis” es junto a “Ysabel´s Table Dance” el plato fuerte del disco. También
encontramos alusiones a Ellington, sobre todo por Shaw que recuerda a Bubber
Miley por el empleo de la bocina en la primera parte del tema. Mingus vuelve a
emplear la alternancia de tiempos lentos con ritmos bailables latinos. Shafi Hadi
aparece ahora con el saxo tenor con un solo tan eficaz – no por ser más breve -
como con el alto con anterioridad. La única melodía verdaderamente estándar
aquí es "Flamingo", que en manos de Mingus se integra con el ambiente
general del álbum como si todas las melodías fueran partes de una suite. La
sordina de Clarence Shaw es bastante culpable del resultado final de
“Flamingo”.
Clarence Shaw apenas estuvo 4
meses con Mingus, y apenas existen grabaciones suyas aparte. Presente también
en las grabaciones ‘The Clown’ y ‘East Coasting’, puede pensarse que podría
haber sido un nombre mucho más memorable de no haber dejado la escena musical
en 1964. Otro tanto se diría de Shafi Hadi, otro musico que, aunque permaneció
con Mingus hasta ‘Mingus Ah Hum’ en 1959, hubiéramos deseado que su paso por el
jazz no fuera tan meteórico. Aparte de Mingus y en una sesión con Hank Mobley,
se le recordará por participar en la banda sonora de John Cassavettes ‘Shadows’.
Actualmente está disponible una
edición con el añadido de dos tomas de “A Colloquial Dream (Scenes In The
City)”, encontradas 10 años más tarde de la grabación y perteneciente al 6 de
Agosto. Este tema se acompaña musicalmente en la mayor parte del mismo con unos
textos leídos por Charlie Mingus.
Personnel:
Bass, – Charles Mingus
Alto saxophone & tenor
saxophone – Shafi Hadi
Castanets & vocals – Ysabel
Morel
Drums – Danny Richmond
Percussion – Frankie Dunlop
Piano – Bill Triglia
Trombone – Jimmy Knepper
Trumpet – Clarence (Gene) Shaw
Voice – Lonnie Elder
https://www.youtube.com/watch?v=lZZ1wZdQ70w
17)
*Un día como hoy es de los más desgraciados para el jazz. Este día
murieron la cantante Billie Holiday, en 1959 y el saxofonista John Coltrane, en
1967.
En conmemoración suya:
https://www.youtube.com/watch?v=hggUnaQZ604
https://www.youtube.com/watch?v=0xosFjB6GFI
16)
* Un día como hoy, en 1961, Eric Dolphy y Booker Little, grabaron
en vivo su seminal álbum ‘At the Five Spot’.
Recorded live: 16 July 1961 at the Five Spot Cafe, NYC.
En ‘At the Five Spot’, volúmenes uno y dos, se acredita, como
documento musical histórico, la actuación legendaria de una noche (16 de julio
de 1961) del final de la estancia de dos semanas de Eric Dolphy y Booker Little
en el club de jazz Five Spot de Nueva York. Esa fue la única noche en vivo que
se grabó, grabación que resultó ser de antología. Dolphy y Little fueron
respaldados por una sección rítmica compuesta por el pianista Mal Waldron, el
bajista Richard Davis y el baterista Ed Blackwell.
Después de haber dejado el conjunto de Charles Mingus y al
trabajar con John Coltrane, Dolphy formó un efímero pero potente quinteto con
el trompetista Little. A pesar de todos los obstáculos este quinteto se
convirtió en leyenda a lo largo de los años y se desarrolló como un modelo a
seguir para todos los combos de jazz progresivo por venir. El poder combinado
de Dolphy y Little, explorando abiertamente, pero en retrospectiva, la no
excesiva disonancia y atonalidad, los convirtió en un blanco para los críticos
aunque resultaron admirados entre la floreciente escena del post-bop
progresivo. Con los siempre impresionantes matices del pianista y compositor
Waldron, el clásico y atrevido bajo de Davis y la colorida batería del
alquimista Blackwell, no había forma de detener a este grupo.
Se ha convertido en legendario, no solo por su alta calidad
musical, sino también por el hecho de que ambos talentosos vientos murieron a
una corta edad poco después. Booker Little falleció el 5 de octubre de 1961, a
la edad de 23 años, y Dolphy el 29 de junio de 1964, a la edad de 36.
La composición de Dolphy ‘The Prophet’ es un homenaje al artista
Richard Jennings, que había diseñado las portadas de los primeros álbumes de
Dolphy.
Personnel:
Eric Dolphy — alto saxophone, bass clarinet and flute
Booker Little — trumpet
Mal Waldron — piano
Richard Davis — double bass
Ed Blackwell — drums.
https://www.youtube.com/watch?v=HlWCUN2EdNc
https://www.youtube.com/watch?v=oMF5PTDcqPc
15)
* Un día como hoy, en 1963, se produjo un acontecimiento
extraordinario, Sonny Rollins comenzó la grabación con Coleman Hawkins del
álbum ‘Sonny Meets Hawk!’.
Recorded: July 15 & 18, 1963
at RCA Victor’s Studio B, New York City.
‘Sonny Meets Hawk!’ es un álbum de 1963 del saxofonista de jazz
Sonny Rollins, con Coleman Hawkins como artista invitado. Fue grabado en el RCA
Victor Studio B en la ciudad de Nueva York el 15 y 18 de julio de 1963. El
álbum presenta algunas de las interpretaciones más vanguardistas de Rollins.
El álbum marca la primera vez que los dos saxofonistas entraron
juntos en un estudio de grabación, aunque habían aparecido brevemente en el
escenario ese mismo año en el Festival de Jazz de Newport. Es una reunión
memorable de un par de gigantes geniales, Sonny Rollins, quien ha sido llamado
una y otra vez el jefe del saxo tenor moderno y Coleman Hawkins, quien es el
padre del saxo de jazz. Cada uno ha hecho enormes contribuciones a la
improvisación del jazz, más allá de los límites de su instrumento. La suma
total de su trabajo forma la impresionante base de este álbum único en la vida.
Es difícil pensar en un disco de Rollins que dividiera la opinión
tanto como esta reunión con Coleman Hawkins. Algunos consideraban que sus
interpretaciones juguetonas de las ideas de Hawk equivalían a un ataque
edípico, mientras que otros lo clasificaban con su mejor interpretación.
Tampoco se dieron cuenta de que Hawkins respondió al desafío con algunos de sus
mejores y más trascendentales trabajos tardíos.
A lo largo de una carrera de más de 40 años, Coleman Hawkins
mantuvo constantemente una actitud progresista, operando en o cerca de la
vanguardia del desarrollo del jazz. Como cuando este año grabó el álbum con
Sonny Rollins en compañía del pianista Paul Bley, los bajistas Bob Cranshaw y
Henry Grimes, y el baterista Roy McCurdy. Hawkins y Rollins definieron
virtualmente cada uno el saxo tenor para su respectiva generación. Escucharlos
a ambos interactuar libremente es una experiencia deliciosamente excitante.
Hawkins es capaz de soltarse como nunca antes. A veces los dos chocan, tocando
los vientos y luchando felizmente sin detenerse.
En ‘Sonny Meets Hawk!’, posiblemente más que en cualquier otro
lugar de su larga evolución profesional, Hawkins fue capaz de alcanzar alturas
de creatividad sin límites que debieron sentirse vigorizantes, incluso
estimulantes. Obviamente disfrutó de la oportunidad de improvisar
intuitivamente en compañía de un saxofonista tenor tan hábil, ingenioso e inventivo
como él.
Personnel:
Sonny Rollins - Tenor Sax
Coleman Hawkins - Tenor Sax
Paul Bley - Piano
Roy McCurdy - Drums
Bob Cranshaw & Henry Grimes - Bass.
https://www.youtube.com/watch?v=bOPjzQg4FuM
14)
* Un día como hoy, en 1964, Miles Davis tuvo, en quinteto, una
actuación memorable en Tokio, que quedó recogida en su álbum ‘Miles in Tokyo’.
Recorded live: July 14, 1964
at Kōsei Nenkin Kaikan (Tokyo Hall), Shinjuku, Tokyo, Japan.
Grabado en Tokyo por CBS, se descubre al icónico Miles Davis
actuando con su casi segundo gran quinteto. La joven sección rítmica del mismo,
Herbie Hancock al piano, Ron Carter al contrabajo y Tony Williams a la batería,
soñaba con un saxofonista más ávido de unirse a ellos en su audacia y Williams
recomendó a Eric Dolphy. Miles encontró la interpretación de este joven músico
de vanguardia descuidada y carente de elegancia. Se dejó convencer entonces por
el batería Williams para contratar al también bostoniano Sam Rivers, cuyos gustos
musicales eran todavía ambiguos. Aunque era tres años mayor que Miles, Rivers
todavía tenía el grueso de su obra por hacer. Rivers había crecido con el bop,
pero mostraba una inclinación por el free jazz, que nunca abandonó. Así, el
tenorísta Sam Rivers, un experimentalista más experto y atrevido que su
predecesor, George Coleman, se unió al grupo.
En su compañía, Miles visitó Japón por primera vez y mostró un
respeto especial por el público japonés, por el que renunció temporalmente a su
costumbre de abandonar el escenario durante los solos de otros músicos. Algunos
incluso vieron en esta deferencia una explicación para la moderación de la toma
de riesgos del quinteto. Las observaciones que Sam Rivers hizo sobre la
naturaleza bebop del grupo -aunque él mismo parecía relativamente convencional-
corroboraron la hipótesis de una falta de entendimiento entre dos vanguardias,
cada una indiferente a la otra y cada una con una perspectiva diferente (el
estilo bop tradicional fresco y moderado de Davis contrastaba con el
vanguardismo salvaje pero controlado de Rivers). Davis y Rivers nunca
desarrollaron una química importante entre ellos durante el viaje y su
enfrentamiento, sin embargo, no es menos apasionante.
Hay momentos en esta grabación en los que uno podría entender por
qué Davis y Rivers nunca se entendieron y momentos en los que la asociación es
bastante maravillosa, aunque breve. En “If I Were a Bell”, por ejemplo, después
de una declaración lúcida y melódica de Davis, Rivers se descentró a propósito
en su solo. Lo hace con suficiente fuerza para que sus movimientos no sean ni
sutiles ni matizados, sino notables. “So What” se toma a un ritmo más rápido
que la versión seminal de ‘Kind of Blue’ con, de nuevo, Davis y Rivers variando
sus enfoques melódicos.
Rivers sería finalmente despedido del grupo al final de su viaje y
meses después de este concierto, en septiembre del 64, la versión definitiva
del segundo gran quinteto, con Wayne Shorter en el tenor, finalmente tomó
forma.
La asociación de Davis y Rivers puede haber sido efímera, pero
produjo el magnífico álbum en vivo ‘Miles In Tokyo’. El disco es una rara joya
en la discografía de Davis, con versiones en vivo de standards y de su tema
estrella. El casi segundo gran quinteto que se escucha en este álbum es una
rara gema, y vale mucho la pena.
Personnel:
Miles Davis – Trumpet
Sam Rivers – Tenor saxophone
Herbie Hancock – Piano
Ron Carter – Double Bass
Tony Williams – Drums.
https://www.youtube.com/watch?v=-xkiPPSVRvE
13)
* Un día como hoy, en 1960, Charles Mingus grabó en vivo con su
quinteto y Bud Powell de invitado especial en un standard, en el sur de Francia
(festival de ‘Jazz à Juan’ en Juan-les-Pins), su álbum ‘Mingus At Antibes’.
Recorded ‘live’ by Barclay Studios for Atlantic Records at the
Jazz Festival, Juan-les-Pins, France, July 13, 1960.
1960 presenta a Charles Mingus en un punto de plena efervescencia
creativa dentro de su carrera. No hay más que echar un vistazo a su discografía
para ver que grabó cuatro piedras angulares en estudio en esa época. No debiera
resultar por tanto extraño que dicha efervescencia se reflejase en esta
grabación en directo, especialmente dada la magnífica compenetración que se
observa entre el conjunto de todos los músicos a lo largo de todo el concierto,
especialmente Eric Dolphy, que en determinados momentos suena cual profeta
adelantado a lo que iba a acontecer en el devenir del jazz en los siguientes
años.
En cuanto a la reacción del público en la primera parte, un
aspecto muy interesante en esta grabación, se observa el agrado con que recibía
las propuestas del contrabajista, aun cuando la música no se pueda considerar
en absoluto ni obvia ni simple.
Y un invitado de lujo, viejo conocido de Charles Mingus, Bud
Powell al piano para el clásico “I’ll remember April”. Una magnífica
interpretación por una parte en el estilo pianístico de Bud Powell, clásica,
que es acompañada perfectamente por el resto del grupo de Charles Mingus que la
interpreta aportándole un toque que se podría calificar de free-jazz o
avant-garde y que caracterizaría a esta segunda parte del concierto.
Diferente es la reacción del público en la segunda parte. La
división de opiniones es el resultado final de esta descarga de jazz adelantado
a su tiempo: mientras una parte del público chilla y protesta otra aplaude a
estos grandes músicos.
Personnel:
Charles Mingus – bass, piano
Ted Curson – trumpet
Eric Dolphy – alto saxophone, bass clarinet
Booker Ervin – tenor saxophone
Dannie Richmond – drums
Bud Powell – piano.
https://www.youtube.com/watch?v=HrWxflsWXc4
El tema con Powell:
https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=MiVt5W1JU4c
12)
Un día como hoy, en 1977,
el baterista Roy Haynes, con Joe Henderson y otros, comenzó la grabación
de su álbum ‘Vistalite’ para Galaxy.
Recorded at Fantasy Studios, Berkeley, July 12 & July 20,
1977.
El álbum es una interesante pero a veces incómoda mezcla de hard
bop avanzado con instrumentos eléctricos, aspectos del funk y la influencia en
algunos elementos de la vanguardia.
Los temas se recogieron junto a otros álbumes grabados ese año en
‘Quiet Fire’.
Personnel:
Roy Haynes – drums
Ricardo Strobert – alto
saxophone, flute
Joe Henderson – tenor
saxophone
Stanley Cowell – piano,
electric piano
Marcus Fiorillo – guitar
Dave Jackson – electric
bass
Kenneth Nash –
percussion, tambourine.
https://www.youtube.com/watch?v=bxDVzBE5cjQ
11)
* Un día como hoy, en 1958, John Coltrane grabó una de las
sesiones que acabaron publicándose en su álbum “The Stardust Session” después
de su muerte.
[Los temas se habían publicado parcialmente en otros álbumes
anteriores por separado: “Bahia”, “Stardust” y “Standard Coltrane”. Como la
fama de Coltrane creció durante los años 60, mucho después de que dejara de
grabar para el sello, Prestige utilizó grabaciones no editadas para crear
nuevos álbumes comercializables sin su aprobación].
Grabados en el estudio Van Gelder, Hackensack, Nueva Jersey, el 11
de julio y el 26 de diciembre de 1958.
La primera sesión, del 11 de julio de 1958, incluye a Wilbur
Harden, Red Garland, Paul Chambers y Jimmy Cobb. Los temas resultantes forman
la totalidad del álbum de “Standard Coltrane”, así como dos de los que aparecen
en “Stardust”. Con un fuerte apoyo de la sección rítmica (el pianista Red
Garland, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) y buenos solos del
fliscornista Wilbur Harden, Coltrane se escucha cerca del final de su período
de ‘hojas de sonido’, perfeccionando su estilo distintivo y ejecutando solos
coloridos y agresivos.
La segunda sesión, grabada el 26 de diciembre, tiene a Freddie
Hubbard en la trompeta y a Art Taylor en la batería, así como a Garland y
Chambers, y de esta sesión dos de los temas, aparecieron en “Stardust”.
Representan algunas de las últimas sesiones de grabación con
Garland y Chambers, mientras Coltrane se movía hacia la vanguardia, tocando con
músicos como McCoy Tyner y Steve Davis. Por lo tanto, la compilación refleja la
carrera anterior de Coltrane, ya que su relación con Garland y Chambers está
quizás más asociada al tiempo que pasó en el Quinteto de Miles Davis, así como
a los álbumes previos.
Personal:
John Coltrane (saxofón tenor)
Wilbur Harden (trompeta, fliscorno)
Red Garland (piano)
Paul Chambers (bajo)
Jimmy Cobb y Art Taylor (batería)
Freddie Hubbard (trompeta).
https://www.youtube.com/watch?v=Y2XHckBP7AY
10)
* Un día como hoy, en 1964, Albert Ayler en trío grabó su álbum
‘Spiritual Unity’, una grabación
histórica que es esencial para cualquier comprensión básica del free jazz.
Recorded in New York City, July 10th, 1964.
‘Spiritual Unity’ es un
álbum de estudio del saxofonista estadounidense de free jazz Albert Ayler. Se
grabó el 10 de julio de 1964 en la ciudad de Nueva York y cuenta con la
participación del bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray. Fue el
primer álbum grabado para el sello ESP-Disk de Bernard Stollman, y llevó a
Ayler a la atención internacional por ser tan escandalosamente diferente. Al
mismo tiempo, transformó a ESP-DISK en una fuente importante para el jazz de
vanguardia. Es el álbum que empujó a Albert Ayler a la vanguardia de la
vanguardia del jazz y realmente el primer documento disponible de la música de
Ayler que lo emparejó con un grupo de músicos verdaderamente fascinantes.
A finales de diciembre de 1963, Bernard Stollman, que había estado
barajando la idea de crear un sello discográfico, fue, ante la insistencia de
un amigo, a escuchar a Ayler en el Baby Grand Café de la calle 125 de Harlem.
Ayler se había trasladado a la ciudad de Nueva York a principios de año y había
estado tocando recientemente con diversos músicos, entre ellos Ornette Coleman,
con quien Ayler realizó una grabación informal a principios de ese mes y Cecil
Taylor, con quien actuaría la víspera de Año Nuevo en un concierto en el
Philharmonic Hall del Lincoln Center en el que también participarían el
quinteto de John Coltrane y Art Blakey y los Jazz Messengers.
Según Stollman, al llegar al Baby Grand Café, Elmo Hope estaba al
piano, con su trío, en un escenario elevado. Varios minutos más tarde, un
hombre pequeño con un traje de cuero gris, con un gran saxofón en la mano, subió al escenario. Tenía una barba negra,
con una pequeña mancha blanca en ella. Empezó a tocar. Elmo Hope cerró
tranquilamente su piano, el bajista aparcó su bajo, el batería dejó las
baquetas y todos se sentaron a escuchar. Estaba tocando en solitario, y siguió
tocando durante veinte o treinta minutos, sólo una ráfaga de música. Stollman
se acercó entonces a Ayler, le dijo que iba a fundar un sello discográfico y le
pidió que fuera su primer artista, ofreciéndole un adelanto de 500 dólares.
Ayler aceptó y dijo que se pondría en contacto con Stollman después de cumplir
el compromiso de grabar material en los estudios Atlantic (se refería a la
sesión del 24 de febrero de 1964 que dio lugar a dos álbumes, ‘Spirits’,
reeditado posteriormente como ‘Witches & Devils’, y ‘Swing Low Sweet
Spiritual’).
A principios de 1964, Ayler se unió brevemente a un cuarteto
dirigido por Paul Bley. En esta ocasión, Ayler conoció al bajista Gary Peacock,
que había estado tocando con Bley durante varios años, y que también había
grabado recientemente con Bill Evans. El grupo de Bley también incluía al
baterista Sunny Murray, con quien Ayler había tocado en el grupo de Cecil
Taylor (Murray apareció en las dos grabaciones de Ayler del 24 de febrero). El
cuarteto de Bley no grabó y sólo hizo una aparición pública en la cafetería
Take 3 de Greenwich Village. A finales de la primavera, Ayler, Peacock y Murray
habían formado un trío, después de que Peacock dejara el grupo de Miles Davis,
donde estaba sustituyendo a Ron Carter. El 14 de junio, el trío tocó en el
Cellar Café de Nueva York y grabó el material que se publicaría en el álbum
‘Prophecy’, que incluye algunas de las piezas que se grabarían para ‘Spiritual
Unity’ menos de un mes después.
Ese mismo mes, Ayler llamó a Stollman y le dijo que le gustaría
hacer una grabación. Stollman reservó una sesión para el 10 de julio en el
Variety Arts Studio, un estudio pequeño y barato cerca de Times Square que
había sido utilizado con frecuencia por Moe Asch, el propietario de Folkways
Records. Ayler estaba satisfecho con la grabación, y consideraba que
representaba un nivel muy alto de interacción musical. Tras su publicación,
Ayler envió una copia del álbum a John Coltrane y, poco después, Coltrane instó
a Impulse! Records a contratar a Ayler.
Una semana después de la sesión de ‘Spiritual Unity’, Ayler,
Peacock y Murray, junto con Don Cherry, John Tchicai y Roswell Rudd, grabaron
New York ‘Eye and Ear Control’, que también sería publicado por ESP-Disk. El
sello publicaría varios álbumes adicionales de Ayler, incluyendo ‘Bells’ y ‘Spirits
Rejoice’.
La reacción inicial de la crítica a Spiritual Unity fue variada,
más bien negativa. Recientemente ha sido más positiva. Así, por ejemplo, se
dijo que la música era sorprendentemente diferente, Ayler inquietantemente duro
y brutal pero al mismo tiempo profundamente teñido de patetismo, Peacock
escuchando mientras tocaba monumentales figuras de bajo, Murray comportándose,
como dijo una vez LeRoi Jones, como si simplemente quisiera desaparecer. Ayler,
Murray y Peacock habían creado la música de grupo perfecta. O, que es imposible
considerar ‘Spiritual Unity’ como otra cosa que no sea una extensión de los
temas vernáculos, interpretados de una manera extática típica de las iglesias
afroamericanas. Por breve que sea, sigue siendo un disco de inmensa potencia y
autoridad, pero hay humor bajo la superficie y una humanidad que rara vez se
reconoce.
Con Ayler, juntos Peacock y Murray forman un respaldo sonoro que a
veces parece más un grupo de sonido que cambia sin cesar que una sección
rítmica real. Murray tiene un toque ligero y rápido, manteniendo los platillos
y las cajas casi constantemente, sin romper nunca el flujo de la música con un
rollo pesado, y Peacock funciona como una extensión de sus texturas. Los tres
miembros están constantemente improvisando libremente. De hecho, aunque hay una
interacción bastante brillante entre los músicos, es mucho más útil ver las
piezas grabadas por el trío Ayler como conjuntos de solos simultáneos. Nunca
antes un conjunto había llevado el ideal de Nueva Orleans de la improvisación
colectiva a un nivel tan extremo. La absoluta libertad rítmica lleva con
frecuencia a actuar en tres planos rítmicos independientes: Ayler improvisa en
largos espacios sonoros; Peacock insinúa cadenas de impulsos, irregulares y sin
embargo oscilantes en un sentido remoto; Murray toca los platillos con una
resonancia muy viva, creando color en lugar de acentuación.
El jazz comenzó como el ragtime de Buddy Bolden, inspirado por los
antiguos esclavos que actuaban en la plaza del Congo de Nueva Orleans durante
los últimos años del siglo XIX. De alguna manera, terminó unos setenta años
después en un estudio justo al lado de Times Square en Nueva York. Allí es
donde Albert Ayler y su trío grabaron ‘Spiritual Unity’ un día de verano de
1964. Es evidente que el inconformista saxofonista Albert Ayler entró en ese
estudio hace cincuenta años la semana pasada para llevar el jazz al punto final
de su trayectoria de desarrollo.
Personnel:
Albert Ayler – tenor saxophone
Gary Peacock – double bass
Sunny Murray – percussion.
https://www.youtube.com/watch?v=xWsIG5sNq1Q
* Y un día como hoy, en 1975,
Andrew Hill en cuarteto grabó su álbum ‘Divine Revelation’.
Recorded at C.I. Recording Studio,
New York City on July 10, 1975
‘Divine Revelation’ es un álbum
del pianista de jazz estadounidense Andrew Hill grabado en 1975 y publicado por
el sello danés SteepleChase. El álbum incluye cuatro composiciones originales
de Hill interpretadas por un cuarteto y un estándar de jazz interpretado en
solitario. Se añadió una toma alternativa como tema extra en la reedición
Para esta cita con el cuarteto,
el gran e innovador pianista/compositor Andrew Hill interpreta "Here's
That Rainy Day", y su poderoso opus de 25 minutos "Divine
Revelation", y tres originales más concisos con un cuarteto; una toma
alternativa de "July 10th" se añadió a la reedición. Además de Hill,
el bajista Chris White y el baterista Leroy Williams, el conjunto cuenta con un
contralto completamente oscuro, pero razonablemente talentoso (Jimmy Vass), que
también se escucha en soprano y flauta, y parece haber profundizado realmente
en la esencia de la compleja pero lógica música de Andrew Hill.
Personnel:
Bass, Electric Bass [Fender Bass]
– Chris White
Drums – Leroy Williams
Piano – Andrew Hill
Soprano Saxophone, Alto
Saxophone, Flute – Jimmy Vass.
https://www.youtube.com/watch?v=ncmR6P5FwUo
9)
* Un día como hoy, en 1955, Miles Davis grabó en estudio con un
quinteto inusual su álbum ‘Blue Moods’ para el sello del bajista Charles
Mingus, Debut Records.
Recorded: July 9, 1955 at Van Gelder Studio, Hackensack, New
Jersey.
‘Blue Moods’ es el segundo álbum de estudio de Miles Davis,
publicado por el sello Debut Records de Charles Mingus a finales de 1955. Reúne
a Miles Davis en la trompeta junto con Charles Mingus en el bajo, el
trombonista Britt Woodman, el vibrafonista Teddy Charles y el baterista Elvin
Jones.
La sesión ‘Blue Moods’ reunió a Miles Davis con el bajista Charles
Mingus en julio de 1955. Ya habían grabado en California en 1946. Mingus tocó a
principios de la década de 1950 en el club de jazz ‘Birdland’ de Nueva York y
luego en Boston con Davis. La última vez que los dos músicos se encontraron en
el estudio de grabación fue hacía dos años, cuando Mingus se sentó al piano en
una sesión el 19 de mayo de 1953 y Miles Davis grabó un título llamado
“Smooch”, que estaba basado en una composición de Mingus. Charles Mingus, por
otro lado, trabajó con músicos de su Jazz Composers Workshop, incluidos Teddy
Charles y Britt Woodman, a quien eligió para la primera línea. Cuando Mingus
quiso grabar el álbum ‘Blue Moods’ con Miles Davis, que contenía cuatro
estándares de jazz, le pidió a Teddy Charles que hiciera los arreglos de tres
de las pistas, “Nature Boy”, “There's No You” y “Easy Living”. El propio Mingus
escribió el arreglo de “Alone Together” y eligió al entonces desconocido
baterista de Detroit, Elvin Jones, para la sección rítmica.
Davis y Mingus, que se conocían desde la actuación como invitado
de Charlie Parker en California en 1946, no eran muy cercanos, pero Mingus le
prestó dinero a Miles Davis durante su adicción a la heroína y ahora quería
recoger sus frutos en forma de una sesión para su debut en el sello
discográfico. Algo no funcionó en esta sesión, nada realmente salió bien. Los
músicos casi se pelean en el estudio antes de que resultara que las
discrepancias se debían a un error de los copistas, como se comprobó cuando se
compararon los arreglos. Sin embargo, Mingus culpaba a Elvin Jones. Después de
eso, hubo una tensión notable que afectó el curso posterior de la grabación.
Más tarde Davis criticó públicamente a Mingus y éste reaccionó con furia en una
carta abierta publicada por Down Beat.
Según las notas de la carátula original, el corto tiempo de
reproducción del álbum se debió a que la grabación se cortó a 160 líneas por
pulgada (en lugar de las habituales 210 a 260 líneas por pulgada) haciendo los
surcos más anchos y profundos y permitiendo más área entre los surcos para las
frecuencias de los bajos y se consideró necesario para reproducir el rango de
bajos ampliado y dar al oyente más calidad a la de la grabación en cinta de
alta fidelidad.
No obstante, ‘Blue Moods’
es un buen ejemplo de cool jazz. Sin embargo, no todos los músicos que se unen
a Davis en este álbum eran miembros a tiempo completo de esa escuela de jazz.
Pero, aun así, el álbum ofrece considerables recompensas a aquellos seguidores
de esa tendencia.
Personnel:
Miles Davis – trumpet
Britt Woodman – trombone
Charles Mingus – bass
Teddy Charles – vibes
Elvin Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=-lSJ5GtLB50
8)
* Un día como hoy, en 1960, Horace Silver comenzó la grabación de
su álbum ‘Horace Scope’ para Blue Note.
Recorded at Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, on July
8 & 9, 1960.
‘Horace-Scope’ es un álbum del pianista de jazz Horace Silver que
incluye actuaciones con Blue Mitchell, Junior Cook, Gene Taylor y Roy Brooks.
Es el tercer álbum del quinteto clásico de Horace Silver - o la mayor parte, en
realidad, ya que el baterista Louis Hayes fue reemplazado por Roy Brooks a
partir de esta sesión. Sin embargo, el impulso rítmico y el sabor general del
grupo siguen siendo esencialmente los mismos, y ‘Horace-Scope’ continúa con el
ajustado y sofisticado, a la vez que oscilante, proyecto de hard bop iniciado
en sus predecesores clásicos. El programa es tan atractivo como siempre, y
aunque esta vez no hay tantas melodías que hayan calado, la escritura de Silver
es afinada y de buen gusto. Las selecciones más conocidas son probablemente el encantador
número de cierre "Nica's Dream", que había existido durante varios
años pero que aún no había sido grabado en un LP de Silver, y el genial y
relajado comienzo "Strollin'". Pero en realidad, cada selección está
llena de ritmos conmovedores y de una interacción grupal bien afinada, las
cualidades que hicieron de esta banda quizás el mejor conjunto de hard bop de
principios de los 60. Silver estaba en medio de una buena racha que no cesaría
durante unos cuantos años, y ‘Horace-Scope’ es otro esfuerzo eminentemente
satisfactorio de ese período.
La crítica apuntó que ’Horace-Scope’ no fue fácil. El álbum se
grabó en dos días y todos los temas requirieron tomas de dos dígitos. Y no es
de extrañar. Las melodías y las ejecuciones están tan estrechamente coreografiadas
que es sorprendente que se haya alcanzado la perfección en alguna de las tomas.
Por ejemplo, se necesitaron más de 34 tomas para “Yeah” y 38 intentos para “Me
and My Baby”.
Silver no era tanto un pianista como un agregador de música, a la
manera de la escuela de acabado de los Jazz Messengers de Art Blakey. No se
pone un disco de Art Blakey sólo para escuchar algo de batería, ni un Horace
para escuchar algo de piano, aunque se obtienen ambas cosas. Las partituras de
Silver son para un quinteto y tienes el agregado musical. Cada uno de ellos
aporta su propia y distintiva contribución al picnic musical, siendo el tema
común las composiciones de Silver sobre las que se extiende.
Aunque Horace se haya marchado, su música sigue viva y coleando.
Es intemporal, por lo que puede sonar en cualquier momento.
Personnel
Horace Silver – piano
Blue Mitchell - trumpet
Junior Cook - tenor saxophone
Gene Taylor – bass
Roy Brooks – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=d_PvUmeU_Zs
* Y un día como hoy, en 1965, Sonny Rollins grabó su álbum “On
Impulse!”.
Recorded July 8, 1965
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey.
Esta fecha resulta significativa por la forma en que Rollins ataca
cinco estándares con un cuarteto ...Sonny se presenta con el pianista Ray
Bryant, el bajista Walter Booker y el baterista Mickey Roker, quienes le
brindan un acompañamiento vigoroso e inteligente. Los elegantes y complejos
solos de Bryant merecen considerables elogios y atención.
Personnel:
Sonny Rollins – tenor saxophone
Ray Bryant – piano
Walter Booker – bass
Mickey Roker – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=xIu2DVruLDE
7)
* Y un día como hoy celebraríamos el cumpleaños del gran tenorísta
Hank Mobley (7 de julio de 1930 - 30 de mayo de 1986). Aquí con muy buena
compañía.
Album: Soul Station (Recorded: February 7, 1960) Muchos críticos
lo consideran su mejor álbum, aunque sea un catálogo estelar de uno de los
músicos más infravalorados de la era del hard bop.
Personnel:
Hank Mobley, tenor saxophone
Wynton Kelly, piano
Paul Chambers, double-bass
Art Blakey, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=N-Wcw_te_AI
* También (como ya publicamos), un día como hoy, en 1963, John
Coltrane actuó en el Festival de Newport en formato cuarteto, en su quizás
mejor actuación en dicho festival. La función se editó en bastantes diferentes
álbumes de Trane, como por ejemplo el álbum “Newport '63” o el "My
Favorite Things: Coltrane At Newport”.
· Recorded: July 7, 1963 at Newport Jazz Festival, ‘Freebody
Park’, Newport, Rhode Island.
Como estamos viendo, John Coltrane apareció en el Festival de Jazz
de Newport en cinco ocasiones diferentes, la primera en 1958 como miembro del
sexteto de Miles Davis. Y como líder, Coltrane actuó en el festival en 1961,
1963, 1965 y 1966 (en un quinteto con su mujer Alice al piano).
La banda de 1963 era una variación del cuarteto clásico de
Coltrane (Coltrane al saxo tenor, McCoy Tyner al piano, Elvin Jones a la
batería y Jimmy Garrison al bajo) con el veterano batería Roy Haynes
sustituyendo a Jones, que no pudo asistir (Jones volvió al sillín de la batería
para la actuación de 1965).
Dado que Coltrane hizo largas versiones de su arreglo
característico de “My Favorite Things” tanto en 1963 como en 1965 (también lo
hizo en 1966), es imposible no comparar el enfoque de los dos bateristas
diferentes. Haynes tiene un toque más ligero, ‘skittering’, que da a la pieza
una especie de ligereza, mientras que Jones es todo potencia y propulsión, lo
que le da una sensación más ambigua y ominosa, pero ambas versiones son
sorprendentes.
Aunque el verdadero placer aquí es en cambio la versión de 23
minutos de “Impressions” de 1963, que nunca antes había sido editada en su
totalidad y que abajo reproducimos. Aquí Coltrane y Haynes intercambian frases
y deslizamientos de percusión después de que Tyner y Garrison establezcan lo
que es un diálogo verdaderamente maravilloso entre dos músicos de jazz
veteranos. No hay duda de que el cuarteto golpea con más fuerza cruda con Jones
impulsándolo, pero aquí la contribución de Haynes es perfecta por el momento.
En definitiva, los combos de 1963 y 1965 forman un buen conjunto y el hecho de
tener dos grandes bateristas con enfoques ligeramente diferentes sólo subraya
lo completa que era la visión de Coltrane en este momento de su carrera.
· Personnel:
John Coltrane, soprano & tenor sax
McCoy Tyner, piano
Jimmy Garrison, bass
Roy Haynes, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=uw21XGhliwQ
* Un día como hoy, en 1958, al trío sin piano de Sonny Rollins le
hicieron un hueco en el Festival de Newport donde ese año actuaron cantidad de
grupos y bandas (como hemos referido ya). Interpretaron un único tema que se
incluyó en la compilación ‘Various – Newport Jazz 1958-59’ en el sello Discriminate
Collector (s/f).
Recorded: July 7, 1958 at Newport Jazz Festival, Newport, RI.
Posteriormente esa actuación fue recogida en el álbum en vivo ‘Sonny
Rollins-Don Cherry Quartet - Complete 1963 Stuttgart Concert’.
Esa edición contiene toda la música conocida de la actuación en el
‘Liederhalle’ de Stuttgart, Alemania, el 29 de enero de 1963 del cuarteto sin
piano Sonny Rollins-Don Cherry, incluyendo las tres melodías iniciales, que
aparecen aquí por primera vez en la historia, y el final del concierto, “Oleo”,
que no se había publicado anteriormente en ningún formato.
Como bonus tracks, se incluyen, al final, dos raros temas en
quinteto en Berlín, Alemania, el 30 de octubre de 1965 y una rara versión en
trío de “I Want to Be Happy” (Caesar & Youmans), la grabada por Rollins en
directo en el Festival de Jazz de Newport el 7 de julio de 1958.
Esto significa que figuran tres bandas diferentes, sólo la primera
incluye a Don Cherry y sólo los dos últimos temas incluyen a un pianista.
Personnel:
Bass – Henry Grimes
Drums – Roy Haynes
Tenor Saxophone – Sonny Rollins.
https://www.youtube.com/watch?v=qwI_CAkXbqM&list=OLAK5uy_nnI8lDSfsfF3urPtdnW1p1GStOi_tFNfs&index=5
6)
* Un día como hoy, en 1949,
Dizzy Gillespie y su orquesta grabaron los últimos temas para RCA, como “In The
Land Of Oo Bla Dee” que aparecieron en diferentes álbumes. Por ejemplo se
publicó como cara B de “If Love Is Trouble” y mucho más tarde en ‘Dizziest’ o
en ‘The Complete RCA Victor Recordings’.
Recording at RCA studios, NYC, on July 6, 1949.
[Sesiones RCA: May 17, 1937, September 11, 1939, February 22,
1946, August 22, 1947, December 22, 1947, December 30, 1947, December 29, 1948,
January 3, 1949, April 14, 1949, May 6, 1949 and July 6, 1949].
Esa canción novedosa fue coescrita por Mary Lou Williams y su
profesor de arreglos y composición Milton Orient para Dizzy Gillespie en 1945.
Dizzy Gillespie And His Orchestra grabó la canción por primera vez en 1949,
Mary Lou Williams hizo también entonces los arreglos para la banda ese año. La
grabación contó con la participación de Joe Carroll en la voz. También fue
arreglada para que participara Dizzy. Así, su parte solista está escrita en la
parte de trompeta 5. La melodía también se incluyó en esa parte de trompeta
para que se pudiera tocar a lo largo como una característica de la trompeta,
sin un vocalista.
La canción utiliza la frase "Oo-Bla-Dee" y puede haber
sido una influencia para la canción de The Beatles de 1968 “Ob-La-Di,
Ob-La-Da”.
Esas sesiones en la RCA Victor sitúa a Dizzy de forma más obvia
dentro de la evolución del bebop.
Personnel:
Dizzy Gillespie, trumpet, vocal;
Willie Cook, Benny Harris, Elmon Wright, trumpet;
Andy Duryea, Charles Greenlea, J.J. Johnson, trombone;
John Brown, Ernie Henry, alto sax;
Joe Gayles, Yusef Lateef, tenor sax;
Al Gibson, baritone sax;
James Forman, piano;
Al McKibbon, bass;
Teddy Stewart, drums;
Vince Guerra, congas;
Joe Carroll & Johnny Hartman, vocal.
https://www.youtube.com/watch?v=YwCLyezlY-U
* Y un día como hoy, en 1957, Dizzy Gillespie con su orquesta
actúo en el Festival de Newport, grabando el álbum "Dizzy Gillespie at
Newport" en Verve Records.
Recorded: July 6, 1957,
at Newport, Rhode Island.
"Dizzy Gillespie at Newport" es un álbum en vivo de
Dizzy con su big band. La banda de Gillespie, 17 músicos, se plantó en el
festival después de su gira por Oriente y Sudamérica y armó el taco con su
actuación. Este concierto constituye un hito importante en la discografía de
Dizzy. Cuando el bebop estaba ya prácticamente obsoleto y el free jazz campaba
a sus aires por el mundo, Dizzy recordó que había que seguir contando con esa
música.
Estupendo concierto que supone uno de los puntos culminantes de la
notable carrera de Dizzy Gillespie y es muy recomendable.
Personnel:
Dizzy Gillespie – trumpet, vocals,
Lee Morgan, Talib Dawud, Ermit V. Perry & Carl Warwick -
trumpet
Chuck Connors, Al Grey, Melba Liston - trombone
Ernie Henry & Jimmy Powell - alto saxophone
Billy Mitchell & Benny Golson - tenor saxophone,
Pee Wee Moore - baritone saxophone
Wynton Kelly & Mary Lou Williams - piano
Paul E. West - double bass
Charlie Persip - drums.
https://www.youtube.com/watch?v=EO2VCYVUu7w
5)
* Un día como hoy, en 1960, Harold Land comenzó la grabación de su
álbum “Eastward Ho! Harold Land in New York” en el sello Jazzland.
Recorded: July 5 & 8, 1960
at Plaza Sound Studios, New York City.
Este disco tiene la virtud de que el trompetista que acompaña al
saxofonista, Harld Land, es el maestro, Kenny Dorham, lo que garantiza la
calidad del disco. Versionando temas Cole Porter y otros, Harold Land graba su
quinto disco y ya había dejado testimonio de su obra maestra el año anterior.
Un fino esfuerzo que sirve como un ejemplo importante del trabajo temprano de
Harold Land.
Personnel:
Harold Land - tenor saxophone
Kenny Dorham - trumpet
Amos Trice - piano
Clarence Jones - bass
Joe Peters - drums.
https://www.youtube.com/watch?v=NT9LGsVmUnU
4)
* Un día como hoy, en 1959, Charles Mingus en sexteto, actuó en el
Festival de Newport. Se recogió en varias recopilaciones.
Recording at "Newport Jazz Festival", ‘Freebody Park’,
Newport, RI, on July 4, 1959.
En el caso de Charles Mingus, la palabra visionario es la
descripción prevista para alguien que estuvo a la vanguardia. En este caso de
la vanguardia del jazz. Mingus tenía una sólida base musical, que se extendía a
numerosos géneros y fue, como ocurre con todos los considerados verdaderos
visionarios, tachado de loco, emocionado, aficionado y simplemente extraño.
En general, llegó durante un período de tiempo en el que la
mayoría de las instituciones estaban siendo cuestionadas -la escritura, el
arte, el cine-, todas ellas eran formas que estaban pasando por trastornos
dramáticos o estaban al borde de hacer algo nuevo.
Y así llega Charles Mingus, con una sólida base en teoría musical
y composición, que podría haber aplicado sus desafiantes principios a la música
clásica como a cualquier otra, y que tomó la naturaleza ya colaborativa del
jazz y le dio una larga y dura mirada.
El resultado final fue la innovación y la visión de futuro
esenciales para el crecimiento y la continuación de cualquier forma de arte, y
se convirtió en su pararrayos -o, para ser justos con Coltrane, Rollins y otros
muchos, en uno de los pararrayos que se convirtieron en elementos esenciales en
la evolución de una forma.
Newport fue la ciudad donde Mingus hizo algunos de sus
pronunciamientos más importantes para el mundo del jazz. Fue en ‘Freebody Park’
donde Mingus hizo su debut en el Festival de Jazz de Newport el 5 de julio de
1956, hipnotizando a una multitud de unos 4.000 espectadores a pesar de la
intensa lluvia. Y, lo que es más importante, fue en Newport donde Mingus
declaró la guerra a las convenciones del jazz cuando ayudó a organizar un festival
"rebelde" en 1960, que obtendría una victoria moral cuando el
Festival de Jazz de Newport (en Freebody Park) se cancelara debido a los
disturbios de los aficionados. También actuó el 3 de julio de 1971.
Esta aparición en el Festival de Jazz de Newport de 1959, el 4 de
julio, probablemente no sea nueva para la mayoría de los coleccionistas y
aficionados al jazz, lleva tiempo en circulación y cuenta con una excelente
alineación de acompañantes: Richard Williams, trompeta - Leo Wright en el saxo
y la flauta - Booker Ervin en el saxo tenor - Sir Roland Hanna en el piano y
Dannie Richmond en la batería.
Personnel:
Richard Williams, trumpet;
Leo Wright, alto sax, flute;
Booker Ervin, tenor sax;
Roland Hanna, piano;
Charles Mingus, bass;
Dannie Richmond, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=gIHPTksn4cw
3)
* Un día como hoy, en 1958, John Coltrane actuó en el Festival de
Newport dentro del sexteto más famoso de Miles Davis. La actuación se editó en
el álbum “At Newport 1958” (y en otros).
Recorded: July 3, 1958 at Newport Jazz Festival, Newport, Rhode
Island.
El concierto de Miles Davis en 1958 en Newport fue parte de uno de
los mejores programas del legendario festival. En particular, la noche del 3 de
julio se organizó en torno a importantes músicos conocidos incluido el sexteto
de Miles. El concierto formaba parte de un homenaje a Duke Ellington, pero eso
no impidió que Davis mostrara, de forma agresiva, de lo que era capaz su nueva
banda. El grupo fue uno de los más venerados en la historia del jazz, con una
primera línea que incluía al líder en la trompeta, John Coltrane en el saxo
tenor y Cannonball Adderley en el saxo alto, además de la sección rítmica de
Bill Evans en el piano, Paul Chambers en el bajo y Jimmy Cobb en la batería.
Este mismo grupo, que tristemente no duró mucho tiempo, grabaría el inolvidable
“Kind of Blue” sólo seis meses después.
Atrapado en un atasco de tráfico en su camino del ferry a Newport,
Miles llegó justo a tiempo para tocar, y hubo que pedirle a John Coltrane que
redujera la duración de sus solos. Durante ‘Ah-Leu-Cha’, la primera pieza,
Coltrane saltó a los dos coros que se le atribuyen y voló los armónicos en
pedazos. En el curso del concierto, se afirmó como la verdadera estrella del
sexteto. Por el contrario, Cannonball Adderley -al principio recibido con
prolongado aplauso- pareció desvanecerse en el fondo. Es obvio que Davis estaba
haciendo todo lo posible por este público, tirando la casa por la ventana y tal
vez dándose cuenta de lo que esta banda era capaz de hacer musicalmente.
Personnel:
Miles Davis, trumpet
Cannonball Adderley, alto sax
John Coltrane, tenor sax
Bill Evans, piano
Paul Chambers, bass
Jimmy Cobb, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=ccQNNDpZRPQ
2)
* Un día como hoy, en 1962, Freddie Hubbard grabó su álbum ‘The
Artistry of Freddie Hubbard’.
Recorded: July 2, 1962
at Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ.
‘The Artistry of Freddie Hubbard’ es un álbum del trompetista
Freddie Hubbard. Cuando se grabó este álbum en 1962, Hubbard, de 24 años, había
trabajado con Slide Hampton, Max Roach y J.J. Johnson antes de su asociación
con los Jazz Messengers de Art Blakey. Miles Davis incluyó a Hubbard entre los
mejores trompetistas de jazz de la época. Este fue el debut, la primera
grabación de Freddie Hubbard con su propio nombre, en el sello Impulse y para
mostrar su arte con la trompeta organizó un grupo de instrumentistas de primera
fila para darle todo el apoyo. El grupo incluía a su compañero de Jazz
Messenger, Curtis Fuller y el recién llegado John Gilmore que dan color a las
actuaciones añadiendo trombón y saxofón tenor, respectivamente. Estos sólidos
vientos post-bop están respaldados por la formidable sección rítmica, Art
Davis, bajo, Tommy Flanagan, piano y Louis Hayes, batería.
Freddie Hubbard escribió tres de las cinco composiciones. El tema
de apertura es la embriagadora "Caravan" de Duke Ellington. Los
vientos tocan el tema de forma suelta por encima de la oscura corriente de
fondo de la interpretación de Davis y Hayes. La pieza estalla en un solo de
Hubbard que demuestra por qué era el joven trompetista más comentado de aquella
época. La excepcional calidad de su tono y rango se muestra ampliamente en su
versión con tintes latinos del tierno estándar de Gershwin
"Summertime". En el tema final, "The 7th Day", Hubbard y su
sexteto se suben a un sensual groove de cool jazz por todo lo que vale y
construyen pacientemente algunos atrevidos intercambios, despidiéndose con un
lento desvanecimiento.
El estilo brillante y el tono claro de Hubbard muestran una clara
deuda con el difunto Clifford Brown y un guiño a la audaz curiosidad sonora de
John Coltrane. Estos son algunos jóvenes músicos ardientes estimulando un
formato clásico hacia adelante.
Personnel
Freddie Hubbard – trumpet
Curtis Fuller – trombone
John Gilmore – tenor saxophone
Tommy Flanagan – piano
Art Davis – bass
Louis Hayes – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=lNvSB1d6Cc8
* Y un día como hoy, en 1965 (en 1966 también volvería otro día
como hoy), John Coltrane regresaba al Festival de Newport y el mundo del jazz
se vio inmerso en una controversia ese año cuando las bandas de los tenorístas
John Coltrane y Archie Shepp, tan distintas y no distantes, aparecieron en ese
festival de jazz.
Parte de esas dos actuaciones se recogieron, comercialmente, en el
álbum “John Coltrane / Archie Shepp – New Thing At Newport”. [En otros álbumes
de Impulse Records se coleccionan también esos temas de Coltrane].
Recorded July 2, 1965, at the ‘Newport Jazz Festival’, Freebody
Park, Newport, RI,
En Julio de 1965, el Newport jazz Festival, que se caracterizaba
por centrarse en el lado mainstream del jazz, tuvo la ocurrencia de reunir, en
una misma edición, a Coltrane, que en ese momento gozaba de gran popularidad y
a Archie Shepp, que estaba comenzando su carrera discográfica como líder y ya era
algo más que una promesa. Un cartel un tanto curioso, pero el nexo entre ambos
músicos era evidente: Shepp participó en sesiones de grabación de Trane. Las
diferencias estilísticas entre ambos son inmediatamente patentes, el sonido de
Shepp y su banda es más onírico, hipnótico, ruidoso, complicado y totalmente
free, en cambio Coltrane todavía estaba parcialmente ligado a los estilos del
hard bop. Pero también está claro cómo el propio Shepp fue influenciado por el
estilo de Coltrane.
En la primera parte de “New Thing At Newport”, la que corresponde
a la actuación de Coltrane, presenta a un cuarteto cuya interpretación denotaba
ya su inminente separación, sólo dos meses después, en Septiembre de 1965, el
saxofonista dejaría de grabar con su cuarteto clásico (Tyner, Garrison y
Jones). Ahora bien, aunque inmediatamente después daría un giro a su sonido en
busca de mayor espiritualidad y la superación de todos los límites posibles,
las dos versiones que figuran aquí son maravillosas, especialmente la de ‘My favorite
things’, que sigue manteniendo el mismo poder de fascinación a pesar de ser
recurrente en su discografía.
Personnel:
John Coltrane, soprano & tenor sax
McCoy Tyner, piano
Jimmy Garrison, double bass
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=no94gZGiDXY
1)
* Un día como hoy, en 1958, Cannonball Adderley, grabó su noveno
álbum ‘Portrait of Cannonball’ en Riverside Records.
Recorded: July 1, 1958
Reeves Sound Studio, New York City.
Fue su primer lanzamiento en el sello Riverside, en quinteto con
actuaciones de Blue Mitchell, Bill Evans, Sam Jones y Philly Joe Jones.
Aquí está Cannonball, con poco menos de treinta años, que sopla de
una manera maravillosamente relajada, rodeado por un grupo cuidadosamente
seleccionado que representa diferentes fases de su carrera hasta la fecha. La
crítica dijo: "Todos están en la mejor forma en un set variado… Uno de los
aspectos más destacados del hard bop prime de Adderley".
Personnel:
Cannonball Adderley - alto saxophone
Blue Mitchell - trumpet
Bill Evans - piano
Sam Jones - bass
Philly Joe Jones – drums.
https://www.youtube.com/watch?v=VacwnfTwHxs
* Y un día como hoy, en 1961, John Coltrane actuó en el Festival
de Newport con su quinteto (ya había estado años antes con Miles Davis y
volvería posteriormente, como ya referiremos aquí).
Su actuación se grabó, aunque no se editó hasta mucho después en
el sello Musica Jazz - John Coltrane – ‘John Coltrane’ y tambien en ediciones
no oficiales como John Coltrane – ‘The 1961 Newport Set’ (unofficial release)
en Solar Records y la mejor, la que reproducimos abajo ‘Music At Newport RI
July 1st 1961’ (rare).
Recorded: July 1, 1961 at Newport Jazz Festival, Newport, RI.
Personnel:
John Coltrane, soprano, tenor sax;
McCoy Tyner, piano;
Art Davis& Reggie Workman, bass;
Elvin Jones, drums.
https://www.youtube.com/watch?v=Ek_Esb1sdbk
